Intervista a Valentina Esposito, direttrice artistica di Fort Apache Cinema Teatro.
Dopo il successo della scorsa tournée, Fort Apache Cinema Teatro torna in scena con Mercoledì delle Ceneri, uno spettacolo che mette a nudo la cultura che normalizza la violenza. All’alba del nuovo debutto, abbiamo parlato con Valentina Esposito del valore del teatro nei percorsi di reinserimento sociale e professionale dopo il carcere e della sua capacità di cambiare lo sguardo con cui ciascuno vede sé stesso e gli altri.
Si parla sempre più spesso di teatro come spazio di riflessione politica e sociale. Il suo lavoro, però, non si limita a rappresentare i principi, ma affonda le proprie radici in un impegno concreto. Come nasce il suo avvicinamento a questa forma di teatro?
Questo avvicinamento risale agli inizi degli anni 2000, quando ero una giovane attrice, operatrice di laboratori di teatro nel sociale; ma in contesti diversi: contesti di periferia, scuole… e mi ritrovo all’interno del carcere di Rebibbia iniziando un percorso nella compagnia dell’Alta Sicurezza. All’epoca ero semplicemente un’attrice; ma questa esperienza mi ha formata evidentemente perché ho potuto capire dall’interno quali fossero proprio le esigenze, le necessità delle persone e del contesto che stavo conoscendo per la prima volta e allo stesso tempo riscoprivo un senso profondo del nostro lavoro che mi ha in qualche modo costretta – in senso positivo, lo dico – a restare. Devo dire, soprattutto, una volta conosciuto quali ricadute potevano avere la nostra professione, il nostro impegno, la nostra capacità di trasmettere attraverso il teatro una serie di saperi che andavano a colmare dei vuoti: lo sviluppo dell’istruzione; il teatro come veicolo di cultura in senso più ampio, anche come (e soprattutto) strumento di indagine interiore per rivedere il proprio passato, il proprio vissuto e creare un’ occasione di crescita personale e collettiva. Inoltre, in carcere il teatro è una finestra sul fuori; la possibilità di raccontare alla società, quali sono le urgenze; quali le ferite. È anche un momento di grande contatto. Il momento in cui si va in scena è un momento di relazione con il pubblico; con il fuori; con la società esterna. E dopo tantissimi anni di lavoro ho preso in carico come regista un reparto, il reparto lunghe pene reclusione e ho lavorato moltissimi anni con degli allestimenti importanti che sono andati al Teatro Argentina, al Teatro Quirino… Li portavamo fuori ogni anno in collaborazione con l’amministrazione penitenziaria (cosa che sta diventando di questi tempi sempre più difficile) e nel 2014 con una serie di persone; attori detenuti che si erano formati, che sarebbero stati in grado di lavorare anche fuori e che mi hanno chiesto anche di aiutarli a orientarsi nel mondo del lavoro una volta usciti… ecco, lì, ho sentito la responsabilità di costruire una struttura esterna: per cui nel 2014 nasce Fort Apache Cinema Teatro con i primi attori che uscivano dal carcere. Poi, chiaramente, questo gruppo ha accolto anche persone che provenivano da altri penitenziari e anche attori professionisti senza un’esperienza di reclusione. Questo sempre nell’ottica del reinserimento sociale, perché costruire una compagnia esterna chiusa sarebbe stata un ossimoro, dal momento che le finalità costituzionali del lavoro teatrale – dentro e fuori – sono proprio il reinserimento sociale e il reinserimento professionale. Poi, che il teatro abbia anche questa capacità incredibile di ricostruire l’identità profonda delle persone, è ciò che lo rende oggi una delle attività trattamentali più efficaci – anche a livello statistico.
Come stava anticipando, da questa visione nasce Fort Apache, l’unica compagnia teatrale stabile in Italia e in Europa costituita da attori ex detenuti e detenuti in misura alternativa. Non a caso, il nome richiama l’immagine di un avamposto; di un luogo di difesa e protezione. Possiamo dire che la Compagnia rappresenti proprio questo per coloro che ne hanno accolto e condiviso la missione e che provengono da una realtà differente da quella consueta?
Sì, sì. È proprio una zattera; un’ancora di salvataggio che cerco in tutti i modi, da anni, di tenere salda. È un punto di riferimento anche a contrasto di quelle che sono le difficoltà del fuori che spesso sono più stringenti: una volta uscite, le persone ex detenute si scontrano con una serie di problematiche importanti come la discriminazione sociale; la mancanza di opportunità professionali; il richiamo dei contesti criminali di provenienza. Non è semplice per queste persone trovare un secondo lavoro; non è semplice emanciparsi dai luoghi di provenienza e quindi avere un punto di riferimento forte è fondamentale ed è questa responsabilità che da anni, ormai, mi tiene agganciata a questo lavoro. Penso che fino alla fine mi occuperò di questo perché si è legati, per l’appunto, ad un senso di dovere; a una responsabilità che ci si è assunti in partenza… e ogni giorno sento proprio questa ricaduta sulla vita quotidiana delle persone. Tra l’altro, in questi ultimi mesi, mi sto anche impegnando per trovare uno spazio fisico, che sia un luogo; una residenza artistica. Noi abbiamo sempre lavorato in sale prove che ci sono state concesse gratuitamente dai tantissimi partner che ci sorreggono, ci sostengono. Abbiamo sempre lavorato nei locali dell’Università La Sapienza, nei locali di Città dell’Altra Economia e attraverso la collaborazione con Artisti 7607. Però adesso sento, dopo tanti anni, di avere la necessità di costruire un luogo riconoscibile e quindi sto per aprire uno spazio nostro in zona Tiburtina e penso che tra un paio d’anni avremo anche il nostro teatro e questo secondo me sarà un salto. Anche perché noi, da qualche anno, abbiamo aperto – in collaborazione con l’ufficio di servizio sociale per i minorenni che sono ancora in una fase di messa alla prova – un’attività per i minori e giovani adulti che ancora possono evitare il carcere e per cui il teatro arriva in un momento della loro vita dove ancora tutto è possibile e avere uno spazio che funzioni anche da polo di attrazione culturale, relazionale, è importantissimo. La nostra sfida di questi prossimi due anni è quindi aprire questo luogo.
Immagino anche che l’avere poi un luogo fisico dia un senso proprio di appartenenza e di radicalità, di cui aver bisogno.
Assolutamente. Fort Apache è stata una sfida. Non esiste una compagnia stabile con attori ex detenuti in Italia. Non esiste in Europa. E quando abbiamo iniziato, non sapevo se questa cosa avrebbe avuto un futuro. Mi sono lanciata. È stata ed è una scommessa. Dopo tanti anni siamo ancora qui. La compagnia è cresciuta e adesso siamo alle soglie di un’ennesima tournée nazionale. Attori professionisti – del calibro di Claudia Marsicano, Edoardo Pesce – lavorano con noi proprio perché riconoscono in questa compagnia una scintilla di possibilità di ricerca artistica. Non soltanto un luogo dove riversare un impegno da parte loro di carattere politico, sociale, civile; ma anche un luogo dove sperimentarsi come artisti a contatto con attori che portano sulla scena una cifra diversa e dunque vogliono lavorare con me alla creazione di un luogo che sia anche un centro motore dal punto di vista della ricerca teatrale contemporanea. E quindi è chiaro che questo passo è il momento di farlo proprio per rilanciare ulteriormente l’esperienza.
E Mercoledì delle Ceneri è stata proprio la riprova di questa scintilla di possibilità artistica, visto che sta per andare di nuovo in scena con una seconda tournée. E non a caso, torna sulle scene anche in un’occasione particolare, quella del mese dedicato alla sensibilizzazione sulla violenza di genere. Cosa rappresenta per lei questa produzione come donna, ancor prima che come artista e regista?
Sì, devo dire che questo lavoro è particolare rispetto al nostro storico, perché per la prima volta abbiamo aperto la nostra indagine a una tematica che non era direttamente riconducibile ai soggetti sulla scena. Io ho sempre lavorato cercando di utilizzare la drammaturgia come luogo di riscrittura dei soggetti attori sulla scena, cercando di individuare comunque sempre un legame con lo spettatore e universalizzando i temi. Ad esempio, la distanza dagli affetti è chiaramente un tema molto sentito in carcere e fuori dal carcere; però è anche un tema che riguarda tutti. Dunque è così che si creano degli spettacoli ponte tra attori e spettatori. Invece, questa centralità della donna e di questa problematica è qualcosa che ha spostato un po’ il nostro repertorio e ne sono molto orgogliosa, perché chiaramente gli attori hanno definitivamente concluso un certo tipo di percorso per aprirne un altro accogliendo quelle che erano le istanze della parte femminile della compagnia. E questa apertura è stata per me di grande valore. Anche perché in carcere il tema del reato contro la donna è considerato un tema difficile; è considerato infamante tanto che le persone colpevoli di questo tipo di delitti sono tenute separate dal resto della popolazione detenuta in modo preventivo. Quindi per i nostri attori è stato un grande salto interpretare uomini maltrattanti nell’ottica di raccontare qualcosa che fosse incisiva ai fini della sensibilizzazione su questo tema. Io personalmente l’ho sentito urgente, accogliendo – innanzitutto secondo il nostro metodo di lavoro – tutte le testimonianze delle attrici che hanno partecipato a questo lavoro. Dietro la drammaturgia ci sono anche in questo caso delle storie personali, ma che diventano chiaramente nel testo le storie di tutte le donne. È chiaro che ogni volta noi allarghiamo il campo visivo, partendo da una necessità profonda che implica l’attrice sulla scena in modo diretto, ma allo stesso tempo poi va a raccogliere le esperienze di tutti e di tutte. Perché la battaglia contro la violenza sulle donne non è una battaglia delle donne. È una battaglia degli uomini e delle donne. Mi sono sentita implicata anche personalmente e ho dedicato espressamente alcune scene a mia figlia di 16 anni, che – come tante altre ragazze della sua età- è purtroppo bersaglio di una cultura della donna che è ancora quella che permette, legittima l’atto violento finale. Quindi lo spettacolo è per me uno smascheramento di questa cultura. Al di là dei fatti di cronaca, nella drammaturgia c’è, sì, la storia di una ragazza morta, il cui corpo è scomparso… ma non è tanto questo il centro del testo: il centro dello spettacolo è smascherare la cultura patriarcale, omertosa che sta dietro, che giustifica, che legittima e che rende possibile il reiterarsi di questi atti violenti. E dunque, per questo, la giornata di carnevale all’interno della quale tutto si svolge. Ci sono tutta una serie di cose: il linguaggio violento, per esempio, al quale noi ci siamo totalmente abituati; c’è tutto un mondo dal quale crediamo di essere esenti ma che in realtà è dentro di noi. In un’unica giornata, gli attori violentemente sputano fuori sul palcoscenico barzellette, balli di gruppo, tradizioni popolari carnevalesche dove ancora ci sono fantocci di donne che vengono comprati all’asta dagli uomini per essere poi prese e bruciate. Questa è una simbologia che ci arriva tutta intera. È una cultura intrinseca dentro di noi. E non a caso, a un certo punto, dai corpi degli attori escono dei fantocci (realizzati dai fratelli Magrì) per raccontare ciò che noi abbiamo dentro e di cui non ce ne rendiamo conto. I ragazzi di 16/17 anni sono proprio i bersagli di oggi e che costruiranno la cultura di domani ed è per questo che molte cose che ho scritto le ho dedicate ai miei figli.
Nello spettacolo la violenza si disvela infatti attraverso la ritualità. Ma possiamo dire che, per la reiterazione e la ciclicità con cui si manifesta, la violenza finisca per diventare essa stessa una sorta di ritualità. Secondo lei, come è possibile affrancarsi da questo meccanismo? E nello spettacolo questa possibilità di liberazione trova una risposta o rimane sospesa, affidata alla riflessione dello spettatore?
Sicuramente viene sospesa. Quello che il nostro tipo di teatro è, è un teatro che non può dare risposta; non può e non è rassicurante. Il teatro che noi facciamo è un teatro che pone delle domande forti, urgenti e noi ci teniamo che il pubblico esca fuori dalla sala con questi interrogativi sentendosi in qualche modo spostato, scomodo, messo in discussione. Durante tutto lo spettacolo gli spettatori sono i turisti mascherati che partecipano al carnevale stesso rappresentato dagli attori e gli interpreti si rivolgono direttamente al pubblico. In qualche modo l’accusa nei confronti delle nostre responsabilità si esplicita continuamente in questa partecipazione. Non una partecipazione pratica; ma una partecipazione in cui gli attori interpellano continuamente lo spettatore su quale postura abbia rispetto a queste tematiche.
Sul palcoscenico la violenza si ripete fino ad un’ultima scena terribile, violentissima, in cui c’è un ragazzo omosessuale che viene pestato e ucciso e ogni volta mi stupisco del fatto che ci viene detto che i nostri lavori sono troppo violenti nel linguaggio, nella rappresentazione; quando in realtà sono molto meno di quello che la realtà stessa ci propone tutti i giorni e alla quale invece noi ci siamo abituati. Allora cosa vuol dire questo? Vuol dire che il teatro ha ancora una sua possibilità di essere un luogo dove la realtà, quando viene rappresentata, la riconosci di più; la riesci a vedere, perché altrimenti questo tipo di commento sarebbe assurdo quando in televisione, sui giornali, ovunque siamo testimoni diretti di crimini pazzeschi, incredibili, inimmaginabili. Eppure siamo completamente abituati a questo tipo di informazione che non ci tocca nemmeno più.
Invece a teatro ci sentiamo spostati. Perciò, quando ti sembra, forse, di aver esagerato nella rappresentazione, penso invece di non essere abbastanza al passo con la violenza della realtà.
Assolutamente. Questo anche perché poi il teatro e il lavoro che fate mette davanti agli occhi una veridicità e una credibilità che oggigiorno sicuramente è difficile da rintracciare nella realtà quotidiana.
Esattamente. Infatti il teatro è un avamposto della nostra società in generale. Il teatro è un luogo di verità; un luogo di relazione fra le persone; un luogo concreto e quindi è un luogo nel quale ancora c’è possibilità di svelarsi, di svelare la contemporaneità e anche di mettere in qualche modo a nudo l’interiorità delle persone – spettatori e attori. E in una compagnia come la nostra, dove comunque c’è una credibilità che viene dal sapere di attori ex detenuti che quei mondi di violenza li hanno comunque esplorati nella loro vita, è ancora un valore aggiunto rispetto alla forza dello spettacolo.
Lo spettacolo, oltretutto, con il suo nome affonda le radici nella tradizione cristiana, per cui il Mercoledì delle Ceneri è il giorno per eccellenza della penitenza, simboleggiata dal rito dell’imposizione delle ceneri sul capo. Quanto ritiene che la penitenza, intesa come espiazione, possa contribuire al percorso di cambiamento di una persona detenuta?
Allora questo è un discorso molto profondo. Innanzitutto parto dal titolo del lavoro: io ho voluto inserire appunto tutta la vicenda in un contenitore simbolico per raccontare in qualche modo la contrapposizione di una giornata nella quale tutto è permesso in maniera spregiudicata con una giornata, invece, in cui vi è una possibilità di espiazione attraverso una confezione che è individuale; ma che in qualche modo è deresponsabilizzante rispetto agli atti commessi, come se tutto ipocritamente potesse essere perdonato. E questo è un po’ anche un’idea di una specie di interrogativo che noi poniamo allo spettatore rispetto a quello che accade. È un atteggiamento ipocrita; una mancanza di impegno che noi volevamo comunque sottolineare. Rispetto al percorso delle persone detenute: è chiaro che loro hanno scontano una condanna commisurata al reato commesso. La questione è che purtroppo quello che accade è che la persona va a identificarsi nel corso della reclusione con il reato che ha commesso e dunque la pena va oltre la misura e diventa uno stigma che la persona si porta anche dopo la liberazione e dopo aver scontato ciò che la società ha deciso per lui: perché chiaramente quello che la persona deve scontare viene deciso in base a quello che la persona ha commesso; però in realtà la persona non si libera mai della condanna. La sua è una condanna eterna per il pregiudizio o comunque per il fatto che quella persona non ha commesso un errore per il quale ha pagato; ma è quel reato. Ed è quindi difficile per la persona che esce e che ha già scontato la propria pena ricostruire lo sguardo dell’altro rispetto a se stesso. Ecco, il teatro in questo senso arriva proprio a cambiare una visione perché nel momento in cui uno spettatore riconosce un attore come un professionista e soprattutto nel momento in cui, grazie proprio alle competenze acquisite, quell’attore è in grado di empatizzare con lo spettatore e lo spettatore si identifica con l’attore che interpreta un personaggio, saltano tutti i muri. Ed effettivamente lì è possibile una rivoluzione dello sguardo. Detto questo, la pena ha un senso laddove il carcere, le carceri e gli istituti penitenziari sono in grado di fornire dei percorsi trattamentali concreti ed efficaci di reinserimento. Se il tempo della pena è un tempo senza senso, di puro isolamento punitivo (quindi in un’ottica punitiva) e non c’è nessun tipo di ricaduta trattamentale, la persona esce dal carcere più incattivita di prima e la pena non ha veramente senso. Nemmeno in termini di sicurezza sociale. È una contraddizione questa, perché se si vuole invece che quelle persone escano emancipandosi dai contesti criminali, trovando un lavoro, reinserendosi nella società – e di fatto quindi non essendo più pericolosi per la società stessa – occorre smantellare la prospettiva punitiva e in qualche modo restituire al carcere il suo senso costituzionale e fornire a queste persone – che spesso vengono da contesti svantaggiati – la possibilità di ricostruirsi una seconda vita; una seconda opportunità lavorativa; relazioni diverse e questa è una responsabilità di tutti.
Per concludere. Guardando oltre questa tournée, quali sono i prossimi progetti e le nuove prospettive che immagina per Fort Apache, oltre a quanto ci siamo precedentemente anticipate?
Allora, noi dall’anno scorso abbiamo cominciato a costruire una collaborazione continuativa con il Teatro Vascello di Roma, a livello proprio di organizzazione e produzione degli spettacoli e questo è stato un altro grandissimo risultato per la compagnia che si è emancipata completamente dai territori del teatro sociale, del teatro in carcere e che è ormai all’interno del circuito, non solo distributivo, ma anche produttivo nazionale. E dunque, grazie a questa collaborazione abbiamo ogni anno uno spettacolo nuovo in lavorazione e dopo questa tournée di Mercoledì delle Ceneri ripartirà la tournée dell’ultima produzione che è L’ Ostaggio con Edoardo Pesce, che citavo all’inizio e Giancarlo Porcacchia, l’attore più anziano della compagnia che ho conosciuto a Rebibbia nel 2005 e che lavora da ormai quasi 21 anni con me. Questa produzione, che ha debuttato al Festival di Narni a settembre, viaggerà fino a maggio e approderà al Teatro Vascello in stagione a maggio. L’anno successivo ancora, abbiamo in programma di portare, sempre al Teatro Vascello, una trilogia dei nostri lavori più rappresentativi, proprio perché la poetica anche della compagnia; la storia; il carattere collettivo dei nostri allestimenti in qualche modo possa essere raccontato in un modo completo, sintetico allo spettatore. E quindi abbiamo in mente di ripercorrere un po’ la nostra storia e riallestire i lavori che hanno avuto più successo negli ultimi anni. Continueremo sicuramente anche con tutta la parte che riguarda la formazione, che ci interessa moltissimo: stiamo facendo un lavoro ponte tra i ragazzi in messa alla prova che sono all’esterno e che frequentano il laboratorio di formazione di Fort Apache con i ragazzi dell’Istituto Penale Minorile di Casal del Marmo. È un esperimento che abbiamo fatto già lo scorso anno, creando dei percorsi condivisi dal punto di vista artistico che creano dei legami fra il dentro e fuori, in modo che i ragazzi una volta usciti sappiano già dove andare; possano già considerare questo luogo esterno come una seconda casa che gli accompagni dopo la dimissione. Stiamo portando avanti questo progetto insieme a un’altra associazione che si occupa di giustizia minorile, la CCO – Crisi come Opportunità. Ci tengo, poi, a dire che la prospettiva della rete è quella che secondo me è più efficace: quando le singole associazioni, le realtà che si occupano di sociale e di carcere riescono in qualche modo a creare una una rete di accoglienza per le persone in difficoltà. Questo è fondamentale per i giovani; ma in generale per le persone, perché si ristabilisce il patto di fiducia con la società che invece fino a questo momento è stato ferito. E questo è un modo per ricucirlo; per non sentirsi soli e per sentire il concetto proprio di collettività e di società intorno all’individuo.
