Ciò che resta di Ilio tra memoria, parola e riscrittura del mito in “colei che combatte gli uomini”
Al Teatro Basilica di Roma, Andromaca – Il candore del cigno, testo di Gianni Guardigli, con Daniela Giovanetti, musiche dal vivo di Damiano Giuranna e regia di Valeria Almerighi, riprende una figura che la tradizione classica ha consegnato alla memoria come emblema della perdita, ma anche della resistenza. Una donna privata della famiglia, della patria e della possibilità di scegliere il proprio destino, nella quale la tragedia individuale si intreccia inevitabilmente con quella collettiva.
Nell’Iliade, Andromaca è soprattutto la moglie di Ettore e la madre di Astianatte. Il suo destino si delinea nel canto XXII, quando il duello fra Ettore e Achille assume, per chi legge, una dimensione che supera lo scontro fra eroi: sullo sfondo si consuma la distruzione di un’intera comunità. Euripide, nella tragedia omonima, ne sviluppa ulteriormente la condizione di prigioniera, mentre Virgilio, nell’Eneide, ne restituisce l’immagine dell’esule, impegnata a ricostruire una forma di appartenenza lontano dalla città perduta. Da figura legata alla sorte di Ettore, Andromaca diventa progressivamente un personaggio autonomo, portatore di una memoria che sopravvive alla storia e ne mette in discussione le gerarchie: quelle dei vincitori e dei vinti, degli eroi e delle vittime, della gloria pubblica e del dolore privato.
È su questa stratificazione che si innesta il lavoro di Guardigli. Il sottotitolo, Il candore del cigno, richiama Baudelaire e il suo Il cigno, componimento in cui Andromaca compare come figura dell’esilio e dello sradicamento. Il riferimento orienta la lettura verso una pietas che non coincide con la semplice compassione, ma implica il riconoscimento di una condizione umana condivisa. L’omaggio ai prigionieri, agli esuli e ai vinti, dichiarato nelle note dello spettacolo, esplicita questa prospettiva, collegando il mito alla geografia contemporanea dei conflitti.
La scena, ridotta all’essenziale, trova nelle musiche dal vivo di Damiano Giuranna un contrappunto significativo. La rinuncia a un apparato scenografico articolato non impoverisce necessariamente la rappresentazione; al contrario, apre uno spazio in cui suono e parola possono assumere una funzione evocativa, ampliando le possibilità espressive di un dispositivo teatrale volutamente spoglio. La musica è uno degli elementi più interessanti dello spettacolo proprio perché introduce una dimensione ulteriore rispetto al discorso verbale, suggerendo atmosfere e tensioni senza doverle tradurre in spiegazione.
Più complesso è il rapporto con il testo e con la sua restituzione scenica. La scrittura è densa, soprattutto nel peso degli esametri omerici recitati in apertura, e richiede allo spettatore un ascolto concentrato. La matrice classica, con la sua stratificazione retorica e concettuale, può in parte spiegare questa difficoltà, ma non la esaurisce: la trasposizione teatrale comporta inevitabilmente una scelta sul ritmo, sulle gerarchie del discorso e sulla possibilità di rendere accessibile la materia senza semplificarla. In alcuni passaggi, la continuità del flusso verbale e la limitata presenza di pause rendono più difficile distinguere i diversi nuclei tematici.
Anche l’interpretazione di Daniela Giovanetti privilegia frequentemente una vocalità intensa, talvolta prossima al grido. Questa scelta restituisce la dimensione tragica del personaggio, ma l’insistenza sul registro alto tende a ridurre il contrasto fra le diverse gradazioni emotive. Una maggiore articolazione dei toni, insieme a un uso più ampio del silenzio, avrebbe forse permesso alla parola di acquistare maggiore precisione e alla complessità del testo di emergere con più chiarezza, non come contrapposizione tra misura e intensità, quanto nella definizione della seconda come condizione della prima.
Il nodo centrale dello spettacolo rimane l’ascolto, indicato nelle note come presupposto della giustizia e della rivoluzione. L’intuizione è rilevante, ma comporta una questione che il teatro può difficilmente eludere: come trasformare un tema dichiarato in un’esperienza effettiva per lo spettatore? Se Andromaca porta la voce di chi è stato escluso dalla narrazione dei vincitori, occorre che quella voce trovi anche una forma capace di essere accolta, interrogata e compresa. La densità della parola può certamente opporsi alla semplificazione del discorso pubblico, ma necessita di un ritmo che consenta alla complessità di diventare intelligibile ed emancipare il verbo dalle sue vesti più elitarie.
Il passaggio dal mito all’attualità, evocato dall’immagine di Ilio che chiede salvezza «dal fiume al mare», rende esplicita la volontà di stabilire una relazione con i conflitti contemporanei. È un parallelismo che acquista forza quando non si limita a sovrapporre Troia alle città di oggi, ma invita a interrogare i meccanismi che rendono la guerra possibile, le gerarchie che stabiliscono quali vite siano degne di essere ricordate e la persistenza dell’esilio anche dopo la fine delle ostilità. Andromaca non è appare mai come una vittima: è, piuttosto, la figura attraverso cui si può osservare ciò che la storia ufficiale lascia ai margini.
Il valore del classico risiede, del resto, nella sua capacità di resistere a una lettura univoca. Textum significa tessuto: il testo è un intreccio di fili, una trama di significati che ogni epoca può riaprire senza esaurirla in un messaggio contingente. Tornare alla tragedia non significa tornare agli antichi e cercare nel lontano altrove una conferma delle nostre convinzioni, ma misurare la distanza fra il loro mondo e il nostro, riconoscendo al tempo stesso le persistenze che attraversano entrambi. È in questa tensione, più che nella semplice attualizzazione, che il teatro classico conserva la propria necessità.
È forse questo il compito più rigoroso della tragedia: non donare analogie rassicuranti né trasformare il passato in una metafora già pronta del presente, ma costruire le condizioni per una comprensione meno superficiale della realtà. Il testo classico tiene insieme ciò che il tempo separa, e rende visibili connessioni che l’abitudine tende a cancellare. Il suo lascito non è una consolazione, ma una forma di consapevolizzazione: la possibilità di guardare il presente attraverso altre parole, altre storie, altre prospettive e, proprio per questo, di vederlo con occhi meno assuefatti all’orrore.
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Andromaca, il candore del cigno – Testo di Gianni Guardigli, con Daniela Giovanetti, musiche dal vivo di Damiano Giuranna, regia Valeria Almerighi, disegno luci Matteo Ziglio, costumi Giulia Barcaroli, foto di scena Piero De Grossi, produzione Gruppo della Creta, in collaborazione con Mythos Troina Festival, con il sostegno del Ministero della Cultura – Teatro Basilica dal 15 al 18 ottobre 2026
