"La Tigre" al Teatro Vittoria
2025-12-30 21:00 - 2026-01-11 17:30 (Europe/Rome) | Teatro Vittoria, Piazza Santa Maria Liberatrice, 10, Roma, 00153, Italia
Lui, un rinomato specialista dello sviluppo personale, è lì per un servizio fotografico destinato al supplemento domenicale di una importante rivista: un riconoscimento al quale tiene tantissimo. Lei è l’importante fotografa che dovrà immortalarlo.

La Tigre di Ramona Madula con Marina Massironi e Alessandro Benvenuti che cura anche la regia, mette in scena il confronto tra una donna di sostanza e un uomo di fumo. Si potrebbe dire tra il ‘pratico’ e ‘l’ideale’. L’idea di uno spazio scenico fatto da due corpi, raccontato da sole luci. L’essenza del teatro fatto di energia e ritmo. Ciò che non si vede si immagina. In questo caso, il testo, suggerisce un tappeto, uno sgabello e una macchina fotografica. Se ci saranno effetti speciali dipenderà dall’energia dei corpi. Una bella sfida. E qui, senza rubarvi altro tempo con fumisterie da intelligente forzato, finiscono le mie scarne e più che sufficienti note di regia. Il tema è tutto ciò che ruota intorno alla ricerca della felicità. Lui vorrebbe essere un guru. Lei è una fotografa professionista. Lui parla di come rendere meravigliosa la vita degli altri. Lei cerca di catturare la realtà della vita fotografando gli altri. Lui vorrebbe apparire. Lei vuole renderlo, a ragion veduta, esattamente com’è. Lui non pensa di essere in crisi. Lei sa benissimo di essere in crisi. Una cosa, però, li accomuna: Lui non è quello che crede di essere… e Lei non è affatto chi dice di essere. La Tigre del titolo (ci informa l’autore) “è la paura che tutti abbiamo e che, impossibile da nascondere, va solo accettata e gestita come meglio si può”. In pratica, la condizione nella quale, più o meno, ognuno di noi attualmente si trova.

Infine due note umane….

“È un vero piacere per me rinnovare un sodalizio artistico con Marina. Tempo fa siamo stati fratello e sorella nel mio ultimo film come regista di cinema Ti spiace se bacio mamma? Di quella esperienza conservo un ricordo pieno di dolcezze, divertimento e di autentico piacere intellettuale. Sensazioni che sono un buon viatico nell’affrontare un lavoro che renda piacevole la nostra fatica e premi la fedeltà di chi vorrà venirci a vedere.” Alessandro Benvenuti

Conclusa a Tivoli la rassegna MNEMOSINE
2025-12-31 00:00 - 23:59 | ITA
Si è svolto domenica 7 dicembre a Tivoli, l’atteso workshop di artigianato artistico “Crea il tuo ricordo di Natale”, che ha segnato l’esordio della rassegna itinerante MNEMOSINE – L’arte viva della memoria, promossa dalla DMO Terre di Otium, con il sostegno della Regione Lazio, pensata per valorizzare la memoria attraverso l’arte, i luoghi e le tradizioni del territorio.

Fin dal mattino la suggestiva Corte Sconta ed i vicoli del centro storico hanno accolto adulti e bambini in un’atmosfera incantata, dove l’arte manuale si è intrecciata con la magia delle festività natalizie. Ad accogliere i numerosi partecipanti Roberto e Barbara, veri e propri “elfi artigiani”, impegnati tra mongolfiere decorative, folletti giocosi, statuine del Presepe e creazioni natalizie interamente realizzate a mano. Durante il laboratorio i partecipanti hanno così potuto creare una decorazione natalizia personalizzata, trasformando una semplice attività manuale in un ricordo unico da portare con sé.

“La nostra missione – dichiara il Presidente della DMO Terre di Otium Livio Terilli – è quella di raccontare il territorio come unica destinazione turistica, costruendo una narrazione capace di rappresentarne complessivamente le caratteristiche storiche, culturali, paesaggistiche e naturalistiche. In tal senso agisce la rassegna Mnemosine, e lungo questo filo conduttore si muove anche il workshop con cui abbiamo aperto il programma di eventi che ci accompagnerà fino a fine anno. Perché l’artigianato rappresenta uno dei linguaggi e delle arti capaci di raccontare cultura e tradizione di questi luoghi”.

Per maggiori informazioni sulle prossime iniziative in programma:

www.terrediotium.com

Instagram: @terrediotium

Cenone di Capodanno all'Osteria La Segreta di Roma
2025-12-31 21:00 - 2026-01-01 00:30 | Osteria La Segreta, Via Margutta, 82, Roma, ITA, 00187, Italy
Per salutare l’arrivo del nuovo anno, l’Osteria La Segreta in Via Margutta propone un Cenone di Capodanno che racchiude l’anima del progetto firmato dall’architetto Antonio Girardi: un’esperienza avvolgente in cui cucina, arte e design si incontrano in un’atmosfera elegante ma sincera, profondamente radicata nella tradizione campana.

La serata prende vita in una location contemporanea sviluppata su due livelli, tra arredi su misura, opere d’arte e continui richiami alla vocazione artistica della storica via romana. È il “caos elegante” immaginato da Girardi a fare da cornice a un percorso gastronomico pensato per essere condiviso, proprio come accade nelle tavole delle famiglie napoletane, dove il cibo è prima di tutto un gesto di convivialità.

Il menu di Capodanno rende omaggio al mare e alle radici partenopee, aprendo con la Montanara con ragù di polipetti, simbolo della tradizione popolare, seguita da un raffinato Plateau di crudi che valorizza la freschezza della materia prima. Il piatto centrale, Scialatielli ai frutti di mare con astice, è il cuore pulsante della proposta: ricco, avvolgente e perfettamente in sintonia con una cucina che fa della semplicità il suo punto di forza.

A chiudere la serata, un vero tributo alle feste campane con una selezione di dolci della tradizione pensata per evocare ricordi e condivisione come il Tiramisù al pandoro, gli Struffoli, la Cassata napoletana e ilPanettone artigianale, da gustare con calma, accompagnati da una curata proposta di vini e cocktail, con particolare attenzione alle eccellenze del territorio.

Il Cenone di Capodanno de La Segreta diventa così molto più di una cena, un momento da vivere e condividere, un rito collettivo che unisce gusto, arte e ospitalità nel cuore di una delle vie più iconiche di Roma.

Info: 06 5198 0314

San Silvestro con Rosàlia De Souza e 1 gennaio con Alan Soul all'Alexanderplatz
2025-12-31 21:00 - 2026-01-01 21:00 | Alexanderplatz Jazz Club, Via Ostia, 9, Roma, 00192, Italia
Capodanno, mercoledì 31 dicembre, all’ Alexanderplatz Jazz Club di Roma con Rosalia De Souza con la sua band. Giovedì 1° gennaio, Alan Soul & The Alanselzer. Torna sul palco dell’Alexanderplatz, per la serata di Capodanno, la cantante brasiliana Rosalia De Souza, molto amata dal pubblico jazz, dai tempi delle sue prime sperimentazioni elettroniche con il suo album di debutto, Garota Moderna. Sempre impegnata a scegliere canzoni e autori non conosciuti, mischiando tradizione e modernità, le sue personali interpretazioni incantano. Affascinante interprete della Bossa Nova e della musica popolare brasiliana, con una voce definita da molti un perfetto connubio di fascino e magia, sensualità e misticismo. Dolcezza e passionale determinazione sono i tratti distintivi che caratterizzano la personalità poliedrica di Rosàlia De Souza, cantante dalla calda voce jazz, che con il suo fascino latino ha conquistato il cuore del pubblico italiano. Partita da Rio de Janeiro, distretto di Nilopolis, Rosàlia vive in Italia dall’88. La voce di Rosalia morbida e vellutata è particolarmente adatta alla Bossa Nova e si intreccia agli strumenti, creando un’atmosfera nostalgica e avvolgente. Ha cantato con numerosi musicisti brasiliani, nei più importanti locali della Capitale e del mondo, contribuendo alla conoscenza internazionale della Bossa Nova. Il sentimento che ispira la sua musica è la Saudade che in portoghese significa desiderio, rimpianto.Giovedì 1° gennaio, Alan Soul & The Alanselzer. Una carriera lunga mezzo secolo, quella di Alan Soul (al secolo Giulio Todrani): in duetto con “Julie & Julie” agli esordi, poi come front-man di band come gli “Io Vorrei La Pelle Nera”, con al fianco la figlia Giorgia – divenuta poi una delle voci più apprezzate del panorama musicale italiano – fino ad arrivare agli Alanselzer con cui da anni esalta il proprio amore per il soul, lo swing, il funky. Nell’album “Live @ Big Mama Vol.2” ci sono i più bei successi dei grandi interpreti della musica nera; Otis Redding, Ray Charles, Smokey Robynson, James Brown, Tom Jones, grazie alla voce di Alan Soul, uno dei pochi in circolazione veramente in grado di interpretare degnamente questo repertorio, autentiche perle nel repertorio della black music.

Info e prenotazioni: 06 86781296 (Dopo le 18)

349 977 0309 (WhatsApp)

prenotazioni.alexanderplatz@gmail.com

“Un Natale tira l'altro – La vera storia di Babbo Natale” al Teatro Marconi
2025-12-31 22:00 - 2026-01-01 00:30 | Teatro Marconi, Viale Guglielmo Marconi, 698e, Roma, Italia
Ultima serata dell’anno al Teatro Marconi dicembre con lo spettacolo per famiglie della compagnia “i Ridikuls”. I bambini assieme ai loro genitori vivranno la magia del teatro e aspetteranno il 2026 assieme agli attori tra SPETTACOLO, BALLI, GIOCHI, DIVERTIMENTO, PANDORO, PANETTONE, LENTICCHIE e SPUMANTE per TUTTI!

“Un Natale tira l’altro – La vera storia di Babbo Natale”, uno spettacolo originale magico e divertente per tutta la famiglia con Massimo De Giorgio, Veronica Liberale e Antonio Losito anche regista dello spettacolo.

Ospiti della serata le nuove beniamine dei bambini: LE HUNTRIX.Le Huntrix intratterranno, assieme agli attori dello spettacolo, grandi e piccini con balli e tanto divertimento.

E se vi dicessimo che Babbo Natale non è sempre stato il buono e simpatico personaggio che tutti conosciamo? Una storia originale raccontata da Artide, la regina dei ghiacci, accompagnata dai suoi aiutanti, due simpatici e stravaganti pinguini. Dopo aver mostrato ai bambini le tradizioni del Natale in tutto il mondo, Artide racconta una storia incredibile ed inedita: la storia di un ricco e insensibile giocattolaio. È un uomo che pensa solo a vendere i suoi giocattoli e guadagnare tanti soldi. Il suo fidato e simpatico assistente Rudolph, è costretto ad assecondare i capricci del titolare, compreso quello di rimanere a lavorare la sera di Natale. Quella notte, Artide interverrà a favore di Rudolph complicando la vita al nostro giocattolaio. Il cinico personaggio si ritroverà a donare i giocattoli ai bambini più bisognosi. E se il nostro protagonista si trasferisse al Polo Nord e decidesse di dedicare la sua vita agli altri? Un’ originale e divertente leggenda sulla nascita del mito di Babbo Natale, dei suoi simboli e dei luoghi a lui legati.

Programma dello “SPECIALE CAPODANNO” delle ore 22.00:

– ore 21.30: ARRIVO IN TEATRO– ore 22.00: SPETTACOLO “UN NATALE TIRA L’ALTRO – La vera storia di Babbo Natale”– ore 23.30: FOTO CON I PERSONAGGI– ore 23.45: INTRATTENIMENTO con le HUNTRIX;– ore 23.55: INIZIO COUNTDOWN PER LA MEZZANOTTE;– ore 00.00: SPUMANTE… BRINDISI con GLI ATTORI e… AUGURI!– ore 00.10: PANDORO, PANETTONE E LENTICCHIE PER TUTTI– ore 00.15: LE HUNTRIX FARANNO CANTARE E BALLARE I BAMBINI– ore 00.30: BALLI DI GRUPPO E ANIMAZIONE– ore 01.00: SALUTI e BALLI!

Il costo della serata “SPECIALE CAPODANNO” delle ore 22.00 è di 45 euro per adulti e bambini.

Chi non potesse essere presente all’evento della mezzanotte può vedere lo spettacolo alle ore 19.00, con una grande “REPLICA STRAORDINARIA” a grandissima richiesta!!

Programma della “REPLICA STRAORDINARIA” delle ore 19.00:

– ore 18.00: ARRIVO IN TEATRO– ore 18.10: “BABY APERITIVO” con patatine, succhi, pop corn, ciambelle e bibite per tutta la famiglia;– ore 18:15: Saluti, musica e foto con LE HUNTRIX che verranno ad intrattenere i bambini!!!– ore 19.00: SPETTACOLO “UN NATALE TIRA L’ALTRO – La vera storia di Babbo Natale”– ore 20.15: SALUTI e FOTO

Il costo della “REPLICA STRAORDINARIA” delle ore 19.00 è di 25 euro per adulti e bambini.

PRENOTAZIONE OBBLIGATORIA!

Info e prenotazioni Teatro Marconi 06.5943554 o 375.7717111 (solo whatsapp)

Capodanno con i Monkey Business al Caffè Letterario
2025-12-31 22:00 - 2026-01-01 01:00 | Caffè Letterario, Via Ostiense, 95, Roma, ITA, Italia
Capodanno, mercoledì 31 dicembre, al Caffè Letterario, per accogliere il nuovo anno con un programma fantastico: musica live, djset e molto altro. Dalle 22,00, il concerto live con i Monkey Business. I Monkey Business sono un gruppo di nuova formazione composto da quattro musicisti accomunati dalla passione per il blues e per i generi che ne derivano, propongono un repertorio che partendo dai classici del blues arriva a Frank Sinatra, Jimi Hendrix, Paul Weller, Solomon Burke, Curtis Mayfield, Taj Mahal etc.…il tutto proposto con energia, raffinatezza e tanto cuore. Dalle 23,30, in consolle, Roberto Candela con la sua straordinaria musica revival per ballare e brindare al nuovo anno. Partecipazione speciale del Mago di Oscon l’oroscopo per il 2026.

prenotazioni allo 06 57302842

WhatsApp

3355913434 – 3920693460

TRE OPZIONI DI INGRESSO

ingresso ore 20.30

Musica e… cena a buffet (menù carne/pesce) con open wine, cotechino e lenticchie, dolci natalizi e brindisi al costo di 100 euro

ingresso ore 22

Musica e… cocktail, cotechino e lenticchie, dolci natalizi e brindisi al costo di 50 euro

ingresso ore 23.30

Ancora Musica e… cocktail e brindisi 30 euro

Sapori e Memorie del Lazio: tradizione, gusto e comunità al Centro Anziani Guglielmo Marconi di Roma
2026-01-02 10:00 - 18:00 | Centro Anziani Guglielmo Marconi, Via Papareschi 28/B, Roma, ITA, 00146, Italy
Una giornata interamente dedicata alla valorizzazione delle eccellenze agroalimentari e delle tradizioni popolari del territorio laziale. È questo lo spirito di “Sapori e Memorie del Lazio”, l’evento gratuito promosso da Stanza 236 Aps , con il contributo di Regione Lazio e Arsial, in programma giovedì 2 gennaio 2026, dalle ore 10:00 alle 18:00, presso il Centro Anziani Guglielmo Marconi, sito in Via Paparechi 28/B, Roma.

Per tutta la giornata il pubblico potrà immergersi in un percorso fatto di sapori autentici, racconti, laboratori e momenti di condivisione, con l’obiettivo di tramandare la memoria gastronomica e culturale del Lazio, rafforzando il legame tra generazioni.

Il programma prevede laboratori di cucina tradizionale, dedicati alla preparazione di dolci tipici come ciambelline al vino e pangiallo, guidati dagli anziani, custodi delle ricette di una volta. Accanto a questi, laboratori per bambini sulle tradizioni popolari – tra canti, racconti e giochi tradizionali – pensati come spazi di incontro e scambio tra giovani e anziani.

Nel corso della giornata si svolgeranno degustazioni guidate dei prodotti tipici laziali, accompagnate da racconti teatrali e dalla partecipazione diretta di alcuni produttori, che racconteranno in prima persona le storie, le tecniche e la passione che stanno dietro alle eccellenze del territorio.

Momento centrale dell’evento sarà il pranzo comunitario, occasione conviviale per condividere piatti della tradizione e rafforzare il senso di comunità, per iniziare al meglio il nuovo anno insieme.

Nel pomeriggio, l’iniziativa si concluderà con una degustazione finale aperta a tutti, arricchita da interventi teatrali e testimonianze dirette dei produttori, a suggellare una giornata di incontro, memoria e partecipazione.

“Sapori e Memorie del Lazio – dichiara Cristina Valeri, Presidente di Stanza 236 Aps – si propone come un’esperienza culturale e sensoriale che mette al centro le persone, le storie e i saperi del territorio, promuovendo la cultura del cibo come patrimonio da vivere e condividere”.

"Parla con lei" all'Off Off Theatre
2026-01-03 21:00 - 2026-01-04 17:00 | OFF/OFF Theatre, Via Giulia, 20, Roma, 00186, Italia
Un corpo che si nasconde, trattenuto da un desiderio potente che preme per emergere e rivelarsi al mondo. Lo spettacolo esplora in profondità il conflitto interiore vissuto dalle donne omosessuali in una società che spesso impone il silenzio e la negazione. E un viaggio emotivo teso, fatto di gesti contenuti, sguardi velati e improvvise esplosioni di energia, che racconta la tensione tra

la voglia di libertà e l’angoscia di essere giudicate. La danza diventa uno strumento privilegiato di espressione, dove ogni movimento si carica di significati profondi, divenendo un atto di resistenza silenziosa e un grido muto per il diritto a essere se stesse senza compromessi. Il corpo si fa voce di una storia non detta, un racconto di

coraggio e fragilità, nascosto dietro una maschera di paura e vergogna. La coreografia non propone soluzioni né risposte preconfezionate, ma lancia un interrogativo urgente e vitale: è più autentico restare nell’ombra protettiva dell’invisibilità o è necessario mostrarsi e rivendicare la propria identità,

rompendo il tabù del non detto e sfidando le convenzioni sociali? Il lavoro si presta a essere uno specchio delle contraddizioni e delle tensioni che l’essere umano affronta nel riconoscere e vivere liberamente il proprio desiderio, offrendo al pubblico un’esperienza emozionale intensa, fatta di luci e ombre, di silenzi rotti e verità sussurrate attraverso il linguaggio

universale del corpo. Questo spettacolo rappresenta non solo uno sguardo intimo e coraggioso sull’omosessualità femminile, ma anche una riflessione collettiva sulla libertà del corpo e dell’anima, sulla forza della vulnerabilità e sulla necessità di costruire spazi di ascolto, accoglienza e liberazione.

BIO

Mandragora Dance Company: e’ nata dal desiderio di promulgare l’arte performativa mettendo al suo centro il principio della femminilità, intesa come un valore culturale e sociale di inclusiva’, parità’ di genere e uguaglianza. Creatività, empatia, sensibilità e inclusione sono alcuni dei suoi elementi caratteristici.

Le componenti principali della compagnia sono le giovani danzatrici che si affacciano ora al mondo della danza professionale. La componente maschile è altresì inclusa al fine di arricchire e supportare la mission della compagnia, dedicata alla sfera del femminile. Nel repertorio coreografico vengono toccate sia tematiche sociali attuali bullismo, diseguaglianza, violenza, discriminazione e dipendenza) sia la celebrazione di personaggi femminili storici-culturali (attualmente già’ in repertorio, “Frida” ed “Edith Piaf

La multidisciplinarietà dello spettacolo è una caratteristica peculiare di Mandragora, avvelandosi di collaborazioni che arricchiscono le creazioni e coinvogliando varie espressioni artistiche.

Direttore Artistico Andrea Palombi – Danzatore, insegnante e coreografo, creatore di spettacoli ed eventi da 10 anni in Italia e precedentemente in vari paesi Europei, si e’ specializzato nella danza contemporanea. Direttore Artistico del programma di danza contemporanea Interanzionale RIDA Program e Fondatore dell’Altro Festival Danza Arte e

Inclusione. La sua Mission e’ dare voce ai giovani artisti danzatori contribuendo alla crescita e allo sviluppo umano. Le sue creazioni sono a sfondo sociale e indagano l’uomo e la società’ nei suoi aspetti molteplici. La ricerca di sinergie e forme nuove di espressione performativa lo hanno portato a collaborare con tantissimi artisti sia nel campo teatrale che musicale. Attualmente Direttore di Spazio Arte centro culturale a Roma

“Parla con lei” all'Off Off Theatre
2026-01-03 21:00 - 2026-01-04 17:30 | OFF/OFF Theatre, Via Giulia, 20, Roma, 00186, Italia
Il primo spettacolo del nuovo anno in via Giulia è “Parla con lei”, presentato da Mandragora Dance Company, in scena all’OFF/OFF Theatre nel weekend di sabato 3 e domenica 4 gennaio 2026, con le coreografie e le musiche del direttore artistico della compagnia Andrea Palombi che dirige Elena Mecozzi, Maya Nardi, Miriam Caraffini, Ginevra Lenti, Alice Maglio, Almudena Isusi, Alessia Sforza, Francesca Iuliano.

Uno spettacolo che indaga il conflitto interiore dell’omosessualità femminile in una società che invita al silenzio, dove il bisogno di esprimersi si scontra con la paura del giudizio.Attraverso una danza tesa e vibrante, fatta di gesti trattenuti e improvvise esplosioni di energia, si racconta il viaggio emotivo di chi vive sospeso tra il desiderio di libertà e il timore di svelarsi.Ogni movimento diventa un atto di resistenza, un urlo silenzioso che rivendica la propria verità.Il lavoro non offre risposte, ma pone un interrogativo urgente: è più giusto restare nell’ombra o mostrarsi al mondo per ciò che si è, infrangendo il tabù del non detto?

La Compagnia Mandragora è un progetto artistico dedicato alla ricerca e alla produzione nell’ambito dell’arte performativa contemporanea, con particolare attenzione alla valorizzazione del principio della femminilità come valore culturale, sociale e simbolico. Mission della compagnia è promuovere inclusione, parità di genere e uguaglianza attraverso il linguaggio della danza, inteso come strumento di espressione, dialogo e trasformazione collettiva. La compagnia è composta da giovani donne e danzatrici che, attraverso il proprio percorso artistico e professionale, danno voce alla pluralità del mondo femminile contemporaneo.Il corpo e il movimento diventano così mezzi di indagine e narrazione, capaci di restituire forza, sensibilità ed empatia in un linguaggio performativo autentico e universale.

AMENTESVEGLIA al Teatro Comunale di Veroli
2026-01-04 18:00 - 19:30 | Teatro Comunale di Veroli, Via Lucio Alfio, 5, Veroli (FR), ITA, Italia
Gli ultimi mesi del 2025 sono stati ricchi di sold out al Teatro Comunale Veroli, con spettacoli che hanno emozionato il pubblico e consolidato il grande successo degli scorsi anni. La stagione teatrale, però, è solo all’inizio e siamo pronti ad accogliervi in sala il 4 gennaio, con il primo spettacolo del nuovo anno della compagnia “AMENTESVEGLIA”, che porta in scena una storia avvincente ed emozionante, ambientata in un periodo molto difficile per l’Italia intera.

Anno 1943, 8 settembre: è stato ufficialmente reso pubblico l’armistizio che vede il Regno d’Italia cessare le ostilità verso gli Alleati durante la Seconda Guerra Mondiale. Qualche notte dopo l’evento, che darà il via a conseguenze sanguinose per l’Italia, Rebecca, una ragazza di sedici anni, sparisce dalla sua abitazione. Sulle sue tracce si gettano precipitosamente i suoi genitori, le sue due sorelle, suo fratello, i suoi amici e l’intero paese, preoccupati che la ragazza possa essere stata vittima di un rapimento da parte delle truppe naziste ancora presenti sul territorio. La ricerca, che si rivela subito essere molto faticosa per via della scarsa visibilità notturna e che si estende anche nel bosco adiacente il paese, darà il via ad un irrefrenabile vortice di eventi in grado di trasformare definitivamente le vite di tutti.

Lo spettacolo “Perché non parli?”, con la regia di Andrea Abbafati, ci riporta indietro nel tempo per rivivere dei momenti pieni di angoscia e di dolore, ma che necessariamente hanno rappresentato un punto di svolta per l’Italia e per i singoli individui che li hanno vissuti. La Storia, infatti, non è fatta solo dai grandi eventi ma anche dai piccoli avvenimenti che riguardano le persone comuni, una storia nella Storia, dunque, pronta ad emozionarci e a tenerci con il fiato sospeso.

Vi aspettiamo domenica 4 gennaio alle ore 18.00 con apertura botteghino alle ore 17.30.

BIGLIETTO INTERO: € 10.00

RIDOTTO: € 5.00 (Under 18/Over 65)

Per info e prenotazioni: 3513917931

teatrocomunaleveroli2019@gmail.com

"Due dozzine di rose scarlatte” al Teatro Abe di Catania
2026-01-05 21:00 - 2026-01-06 21:00 | Teatro Abc, Via Pietro Mascagni, 94, Catania, 95129, Italy
Dopo il grande successo decretato dal pubblico catanese, il 5 il 6 gennaio 2026 ritorna in scena una delle commedie più brillanti e raffinate del cartellone del Teatro Musco, con la direzione artistica di Francesca Ferro. TOTI MANCUSO e TOTINO LA MANTIA saranno ancora gli irresistibili protagonisti di “Due dozzine di rose scarlatte”. Prodotto dall’associazione culturale Progetto Teatrando, lo spettacolo nasce dalla penna di Aldo De Benedetti per arrivare sul palco nella versione diretta da Giampaolo Romania.

Binomio artistico che nasce da una lunga esperienza nel teatro popolare e nelle piazze siciliane, arricchendo il loro bagaglio con tanta televisione e tanto cinema, TOTI MANCUSO e TOTINO LA MANTIA donano alla messinscena di “Due dozzine di rose scarlatte” una freschezza inattesa. Al loro fianco – straordinarie – Mariarita Sgarlato ed Elena Melardi.

La trama gioca tra equivoci e seduzione, ritraendo con grazia la monotonia coniugale e tratteggiando con delicatezza emozioni universali come l’amore, la gelosia e il desiderio di ciò che evade dalla routine. L’umorismo diventa così veicolo per indagare con leggerezza le sfumature dell’animo umano, mantenendo però la compostezza e la garbatezza dell’originale. Con le sue rose scarlatte e i fraintendimenti, la vicenda si trasforma, pertanto, in un’atmosfera di risate e tenerezza, capace di parlare a un pubblico ampio, sensibile e desideroso di divertirsi.

La qualità performativa di TOTI MANCUSO e TOTINO LA MANTIA amplificano magistralmente la delicata ironia di un testo anni Trenta che continua a parlare al presente: ritmo, gag improvvisate, scambi arguti e quella capacità di coinvolgere la platea che li ha resi amati in tutta la Sicilia. Il risultato è un intrattenimento mai esibito, per un’esperienza di teatro piacevole, sorridente e al tempo stesso riflessiva. In sintesi, uno spettacolo originale fatto di risate eleganti, divertimento autentico, momenti di condivisione e semplicità. Un’ora e mezza di leggerezza, senza perdere spessore, per ricordarci quanto basti poco – una rosa, un fraintendimento – per accendere desideri, risvegliare speranze e ritrovare, anche solo per una sera, il piacere di sorridere di noi stessi.

Info: tel +39 095 538188 / cell +39 333 7781632

Orari biglietteria: da lunedì a sabato dalle 16 alle 20 – giovedì dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 20

Link per acquisto biglietti spettacoli: https://teatroabc.eu/spettacoli-teatro-musco/

"Il gabbiano" al Teatro Argentina
2026-01-07 20:00 - 2026-01-18 17:00 | Teatro Argentina, Largo di Torre Argentina, 52, Roma, 00186, Italia
L’opera più lirica di Checov, Il gabbiano, approda sul palcoscenico del Teatro Argentina dal 7 al 18 gennaio, con la regia di Filippo Dini, per un affresco decadente di un’umanità sull’orlo del baratro, dove l’amore si trasforma in illusione e i sogni evaporano.

In scena Giuliana De Sio e lo stesso Filippo Dini guidano un cast composto da Virginia Campolucci, Enrica Cortese, Gennaro Di Biase, Giovanni Drago, Angelica Leo, Valerio Mazzucato, Fulvio Pepe, Edoardo Sorgente, alle prese con personaggi di età diverse e legate da vincoli di parentela e non, che si riuniscono casualmente in una casa di campagna affacciata su un lago, dove per tre atti si confrontano nel tentativo di sfuggire al grigiore del proprio destino. Tra loro emerge con forza la vicenda di Kostja, un giovane che sogna di riscattarsi attraverso l’arte della scrittura, sostenuto e infiammato dall’amore per Nina, una coetanea che aspira a diventare attrice. Il ragazzo presenta il suo primo testo, interpretato dall’amata, ma lo spettacolo (diretto da Leonardo Manzan) si interrompe bruscamente e con esso svanisce l’illusione di un sogno condiviso. Da quel momento tutto precipita: desideri, ambizioni e amori si scontrano con la realtà, trasformando la speranza in disillusione. Due anni dopo, Čechov ci mostra i protagonisti ormai prigionieri dei loro rimpianti e la vita appare come una lenta rinuncia. Al centro di questo fallimento collettivo, Kostja sceglie la morte – ultimo atto di una parabola che dalla passione conduce al silenzio. In questo gesto finale però, si cela una sorta di rinascita, in cui riesce a liberarsi dal peso del mondo, trasformandosi in qualcosa di più leggero, oltre la materia e il tempo.

È la prima volta in assoluto che il capolavoro di Čechov vede una doppia regia. Filippo Dini ha infatti affidato la regia dello “spettacolo di Kostja” al giovane regista Leonardo Manzan, due volte vincitore della Biennale di Venezia nel 2018 e nel 2020. L’inedita decisione nasce dalla necessità di rappresentare un incontro artistico tra generazioni, che consente a Manzan di lavorare in totale autonomia nella realizzazione di quello che anche nel testo di Čechov è lo spettacolo di un giovane regista.

Filippo Dini si misura con uno dei grandi classici del teatro, che narra di una società alla fine in cui già si avverte l’arrivo del cataclisma sociale e politico che è stata la Rivoluzione Russa. Allora come oggi Il gabbiano riesce a parlare di un’umanità decadente, di una società che sciupa ogni sogno e ogni fiducia perché non più in grado di realizzare le personali aspirazioni di uomini e donne. All’umanità non restano che le migliori energie, i più luminosi talenti, gli amori più appassionati, che vengono però stravolti e corrotti secondo le beffarde leggi non scritte della società in cui si tenta di esprimerli. «L’immortalità di questo testo, e la sua bruciante contemporaneità, stanno nella descrizione di un’umanità alla fine: una società sull’orlo del baratro, che percepisce l’arrivo di un’apocalisse destinata a spazzare via il mondo così come lo abbiamo conosciuto. Di lì a pochi anni, infatti, arriverà la Rivoluzione, e con essa tante altre rivoluzioni in Europa — cause o effetti di una stessa crisi profonda – dichiara Filippo Dini – Tutta la drammaturgia di Čechov racconta una fine imminente. I suoi personaggi sono un popolo di ombre che tenta di resistere alla malinconia, alla tristezza, al torpore dell’anima. Lottano, si scontrano, si feriscono — tra di loro e con se stessi — per non soccombere. Le somiglianze con la nostra epoca sono straordinarie e sconfortanti. È come se il nostro Anton ci osservasse da lontano, con il suo sorriso ironico, in attesa che anche la nostra società, il nostro mondo, il nostro folle modo di vivere, arrivino all’esplosione. Proprio come la boccetta di etere del dottor Dorn.»

Lo spettacolo – una produzione Teatro Stabile di Torino, Teatro di Roma, Teatro Stabile di Bolzano, Teatro di Napoli – permette di rivivere una delle più affascinanti pagine del dramma moderno andando a scandagliare l’animo umano e i rapporti familiari con uno sguardo attento alla complessità della contemporaneità.

" Il lutto si addice ad Elettra" al Teatro Biondo di Palermo
2026-01-07 21:00 - 2026-01-11 17:30 | Teatro Biondo, Via Roma, 258, Palermo, IT, 90133, Italia
Elisabetta Pozzi e Paolo Pierobon sono i protagonisti de Il lutto si addice ad Elettra di Eugene O’Neill, che debutta al Teatro Biondo di Palermo martedì 7 gennaio alle ore 21.00 con la regia di Davide Livermore, in un allestimento prodotto da Teatro Nazionale di Genova. Repliche fino all’11 gennaio.

In scena insieme a loro Linda Gennari, Aldo Ottobrino, Marco Foschi, Davide Niccolini, Carolina Rapillo. La scenografia, curata dallo stesso Livermore, è un’ambientazione onirica che evoca le prospettive sghembe dei film espressionisti, mentre i costumi, che richiamano la fine degli anni Quaranta, sono di Gianluca Falaschi, le luci di Aldo Mantovani; le musiche di Daniele D’angelo sono una continua evocazione che richiama le sonorità di Bruno Maderna e Giorgio Federico Ghedini.

Il lutto si addice ad Elettra è un affascinante e inquietante viaggio tra mito e moderna psicanalisi, tra dramma borghese e tragedia classica. In questo capolavoro della drammaturgia del Novecento, scritto da Eugene O’Neill nel 1931, e qui tradotto e adattato per l’immaginifica regia di Livermore da Margherita Rubino, si riverbera in chiave moderna l’epopea degli Atridi narrata da Eschilo nell’Orestea.

In uno spazio scenico suggestivo, che è specchio distorto della mente umana, lo spettacolo fa emergere tutte le tensioni e le contraddizioni di personaggi-mito, incarnazioni tragiche che rispecchiano inquietudini eterne.

«Il testo di O’ Neill non è una semplice riscrittura dell’Orestea – afferma Livermore – ma è una creazione totalmente nuova che si compie aderendo perfettamente alla propria contemporaneità. Un classico che si riverbera ancora oggi ben oltre il ’900: un affresco familiare, un viaggio affascinante e inquietante tra mito archetipico e moderna psicoanalisi, tra dramma borghese e tragedia».

«O’Neill – spiega Margherita Rubino, che firma la nuova traduzione e l’adattamento del testo – volle ancorarsi all’atto fondativo dello spettacolo occidentale per stabilire una nuova civiltà teatrale. Scritto nel linguaggio lineare e diretto della letteratura angloamericana, il dramma corre via incatenando lo spettatore grazie a un plot serrato, a una continuità di tensione e a una profondità del sentire e dell’agire dei personaggi. Modernissimi sono l’andamento e il dialogo, del tutto contemporanea la psiche contorta dei cinque protagonisti, calamitante come un noir che non da respiro».

Lo spettacolo è anche un omaggio al celebre allestimento diretto da Luca Ronconi nel 1997, nel quale Elisabetta Pozzi interpretava il ruolo di Lavinia, corrispettivo di Elettra nell’Orestea. Oggi Livermore affida alla grande attrice genovese il ruolo di Christine Mannon, ovvero Clitennestra. Ad interpretare Ezra Mannon/Agamennone troviamo Paolo Pierobon, mentre Linda Gennari è Lavinia e Aldo Ottobrino interpreta Adam Brant/Egisto, amante di Christine.

"In nome della madre" con Galatea Ranzi al Teatro Torlonia
2026-01-08 20:00 - 2026-01-11 18:00 | Teatro Torlonia, Via Lazzaro Spallanzani, 1A, Roma, 00161, Italia
Dall’8 all’11 gennaio va in scena al Teatro Torlonia la rilettura laica della storia di Maria con In nome della madre, spettacolo tratto dal romanzo di Erri De Luca, per la regia di Gianluca Barbadori. Protagonista della pièce è Galatea Ranzi, che interpreta con delicatezza la storia, narrata in prima persona, di Miriàm, una ragazza della Galilea che ha una strana visione nella quale un angelo le annuncia che avrà un figlio, profetizzando per lui un destino di grandezza.

Subito dopo, la giovane scopre di essere incinta. Nonostante qualche titubanza, decide di avvertire Iosef, il suo promesso sposo. Miriàm sa perfettamente che rischia di essere lapidata, ma rifiuta ogni menzogna, rivendicando il mistero della sua gravidanza e la sua assoluta buona fede. Iosef, anche in seguito ad un sogno premonitore, decide che le nozze avranno luogo come previsto, sfidando i benpensanti di Nazaret e le leggi del tempo. Intanto, gli odiati occupanti romani organizzano un censimento e per i giovani sposi si prepara un viaggio, lungo e difficile, a pochi giorni dal parto.

Facendo ricorso al linguaggio semplice e terso della poesia, Erri De Luca racconta la gravidanza di Miriàm/Maria. Il Talmud, oltre un decennio di studi biblici e gli storici romani gli forniscono dati preziosi per dare alla sua storia uno sfondo credibile. Non è un’urgenza storiografica a muovere De Luca, piuttosto, il desiderio di narrare «qualcosa che non c’è», una versione laica e poetica della nascita di Gesù.

In nome della madre è un testo pieno di Grazia, che commuove e fa riflettere credenti e laici, sul tema della maternità e la forza silenziosa di una donna. La messa in scena crea un intimo momento di incontro col pubblico, dove Miriàm/Maria, donna oramai adulta ha accettato con consapevolezza il destino di suo figlio e desidera condividere la sua esperienza personale, senza fronzoli, invitando a ritrasmettere il suo messaggio di amore, coraggio e speranza.

Biglietteria: tel. +39 06 44230693– biglietteria@teatrodiroma.net

Biglietti: 15€ intero – 10€ ridotto

Orari spettacolo: tutte le sere ore 20 | domenica ore 18

La Stagione Teatrale del Teatro Francigena a Capranica
2026-01-10 21:00 - 2026-03-29 18:30 | Teatro Francigena, Largo Ripoll (già Via della Mattonara), Capranica, Italia
Comune di Capranica e ATCL, circuito multidisciplinare del Lazio sostenuto da MIC – Ministero della Cultura e Regione Lazio, presentano la Stagione Teatrale del Teatro Francigena, sei spettacoli in abbonamento.

Ad aprire la stagione, sabato 10 gennaio alle 21,00, Le Volpi, diLucia Franchi, Luca Ricci, conGiorgio Colangeli, Manuela Mandracchia e Federica Ombrato. Nell’ombra di una sala da pranzo, all’ora del caffè, in un’assolata domenica di agosto, si incontrano due piccoli notabili della politica locale e la figlia di una di loro. Tutto intorno i pensieri volano già al mare e alle vacanze, eppure restano da mettere in ordine alcune faccende che interessano i protagonisti della storia. Davanti a un vassoio di biscotti vegani, si confessano legittimi appetiti e interessi naturali, si stringono e si sciolgono accordi, si regola la maniera migliore di distribuire favori e concessioni, incarichi di servizio e supposti vantaggi. La provincia italiana è la vera protagonista della vicenda, quale microcosmo in cui osservare le dinamiche di potere, che hanno sempre a che fare con i desideri e le ossessioni degli individui. Morbidamente, si scivola dentro un meccanismo autoassolutorio per cui è legittimo riservarsi qualche esiguo tornaconto personale, dopo essersi tanto impegnati nella gestione della cosa pubblica. La corruzione è proprio questo concedere a sé stessi lo spazio di una impercettibile eccezione. Come scrive Leonardo Sciascia nel suo romanzo “Todo modo”: “I grandi guadagni fanno scomparire i grandi principi, e i piccoli fanno scomparire i piccoli fanatismi”. Lo spettacolo è stato nella terna dei finalisti nominati ai Premi Ubu 2024 nella categoria ‘nuovo testo italiano/scrittura drammaturgica’.

Domenica 15 febbraio alle 18,30, Piccole Donne, non devono morire, di e con Francesca Pica eMaria Scorza, regia Francesca Pica e Maria Scorza. Sud Italia.Oggi. Due sorelle, Margherita e Pina, sono in un cimitero per la riesumazione della sorella Bettina. Margherita è la maggiore, felicemente sposata con Giovanni, completamente assorbita dalla vita familiare. Pina, la secondogenita, scrittrice, ha pubblicato un romanzo di successo, ma le opere successive non sono all’altezza. Le due sorelle attendono Emilia, la piccola di casa, che è in ritardo. Il cimitero, luogo dell’attesa, diventa un contenitore di ricordi, confessioni, discussioni, verità. Ispirato ai romanzi Piccole donne e Piccole donne crescono di Louisa May Alcott, è un viaggio a ritroso delle piccole donne, ora quarantenni, che ricordando, riflettono su cosa le ha fatte diventare le donne che sono, cosa hanno ancora bisogno di dire e di fare per sentirsi libere.

Sabato 28 febbraio alle 21,00,Marcinelle, storia di minatori,testo e regia Ariele Vincenti, con Ariele Vincenti, Francesco Cassibba, Sarah Nicolucci,Giacomo Rasetti, Vincenzo Tosetto. Lo spettacolo ripercorre minuziosamente la cronologia temporale di 4 minatori. Dalla partenza dai propri paesi d’origine, alla morte nella miniera di Marcinelle. Quando i minatori partivano, le piccole stazioni dei loro paesi si riempivano di mamme, fidanzate, amici e parenti che li salutavano. C’era hi era felice per loro, come amici o conoscenti e c’era chi invece si disperava, come le mamme e le fidanzate. Con le valigie di cartone i minatori viaggiarono in treno fino a Marcinelle. Gli erano state assicurate 28 ore di viaggio. In realtà furono 5 giorni in condizioni disumane a livello logistico e sanitario. Il primo impatto con Marcinelle non fu dei più positivi. Gli alloggi che gli erano stati promessi, caldi e confortevoli erano al contrario scomodi e freddi. Le loro stanze si trovavano all’interno di ex campi di concentramento che i Tedeschi usavano durante la Seconda guerra mondiale. Disumane le loro condizioni di lavoro: turni lunghi e faticosi, i pagamenti a cottimo; più carbone recuperavano, più la paga si alzava. I pasti erano scarsi. Se qualcuno chiedeva spiegazione di quelle condizioni ad un superiore, veniva aspramente criticato e minacciato. Nella miniera, il loro lavoro a mille metri di profondità era estenuante: per ore stavano sdraiati in piccole gallerie chiamate mine alte mezzo metro. Scavavano con uno scalpello percosso da un martello di ferro o con il Motor Pique, un piccolo martello pneumatico dell’epoca in dotazione ai minatori. La mancanza d’aria. La polvere. Il rumore assordante, i carrelli carichi di carbone, i nitriti dei cavalli, gli ascensori e altri suoni diventeranno una musica di accompagnamento per le azioni sceniche. Racconteremo anche come passavano il tempo libero. Un giorno andarono a Liegi per seguire l’arrivo vincente di Coppi e scoprirono che nei bar era vietato l’ingresso agli italiani. Da una partita a scopa alle telefonate a casa fino al momento della tragedia: tutti i minatori smettono di parlare. Rimarrà in sottofondo “la musica della miniera”, così la chiamavano!

Domenica 15 marzo alle 18,30, Ci prendesse un colpo, la svolta della vita, scritto da Tirocchi,Paniconi, Giacinti, regia Andrea Palotto, con Valeria Monetti, Alessandro Tirocchi, Maurizio Paniconi, Simone Giacinti. Stella, Walter, Gianni e Bogdan non si sono incontrati, si sono “riconosciuti”: hanno in comune un passato che gli ha negato i sogni, e la voglia di riscatto. Si incontrano tutti i giorni al bar del capolinea della metro e un giorno, complice un gesto folle, si ritrovano a passare del tempo insieme e a conoscersi meglio, scoprendo quanto siano simili tra di loro. Come dare una svolta a quella vita che non li soddisfa? Semplice, rubare un’opera d’arte milionaria e coi soldi, cambiare il corso degli eventi. Tra battute, situazioni paradossali e colpi di scena, capiranno che non tutto va secondo i loro piani!

Domenica 29 marzo alle 18,30,La Moglie Perfetta, con Giulia Trippetta. Una lavagna in scena, una sedia di scuola, una donna vestita anni ‘50. La storia è quella di Luisa, una ragazza giovane e piena di sogni, in un mondo vecchio quanto un cartellone pubblicitario ormai sbiadito, Luisa diventa poi la docente di un singolare corso di comportamento e buone maniere: il suo è un seminario intensivo (solo per donne) di preparazione al matrimonio dal titolo “Si può far”. Il corso è volto all’istruzione delle giovani aspiranti sposine: quali sono le 10 regole da seguire per potersi trasformare nella moglie perfetta? La docente le mostra al pubblico come in una vera e propria lezione in cui ogni regola viene mostrata e spiegata in ogni sua parte, in un crescendo di ironia, surrealtà e gioco; ma, come nella vita, a volte la linea sottile tra gioco e realtà si confonde, si offusca, sbiadisce. Cosa si nasconde dietro la maschera di questa donna apparentemente perfetta? Crede davvero alle regole che impartisce con tanta dedizione, o è semplicemente vittima di un sistema che la accetta solo perché sottomessa a stereotipi e chili di mascara? E può questa donna, uscita da un’epoca che sembra non appartenerci più, parlare alle donne di tutti i tempi?

Domenica 19 aprile alle 18,30, La vera storia di Billie Holiday, diBarbara Bovoli, con Danilo Rea,Barbara Bovoli e Oona Rea. Della cantante verranno raccontati l’infanzia, le ristrettezze economiche, la fame, gli abusi, le arbitrarie detenzioni, poi gli esordi, il successo, le collaborazioni con i grandi pionieri del jazz, le prime jam session, i primi dischi, i primi guadagni, l’esaltazione di avercela fatta, di essersi affrancata da una vita che sembrava segnata, le risate, le notti insonni su sgangherati torpedoni per infinite tournée, le amicizie sincere (primo tra tutti Lester Young) ma poi… la nascita di strange fruit, il ritrovarsi proprio malgrado investita del ruolo di “pioniera nella lotta per i diritti civili degli afroamericani”, pesante da portare anche per chi non ha sulle spalle già tanta solitudine e disperazione, perseguitata da coloro che volevano spegnere la sua voce perché pericolosamente rivoluzionaria e per alcuni persino “psicologicamente disturbante”. E allora, la determinazione di chi non accetta di stare in silenzio di chi riconosce nella propria posizione privilegiata la possibilità di riscattare i tanti che non hanno voce, la lotta all’apartheid, la persecuzione politica, gli agguati della polizia sotto gli hotel, la costante fame di amore delusa da una lunga sequela di amori sbagliati, di uomini che hanno visto nella sua fragilità un’occasione, la rabbia (spesso anche fisica), la costante ricerca di autenticità, la grande generosità, la ricerca di affetti sinceri, il rifugio nelle droghe per non sentire l’assordante solitudine, e la solitudine come unica costante presenza di tutta la sua vita. Su Billie Holiday e’ stato scritto moltissimo, su di lei sono stati fatti film, scritti libri, poesie, canzoni. Sicuramente una delle figure femminili piu’ complesse e interessanti della storia della musica e su cui sono stati inventati gli aneddoti piu’ fantasiosi (la sua stessa autobiografia e’ costellata da incongruenze); ma le tante dissonanze biografiche sbiadiscono e cedono il passo all’immenso spessore umano che trasuda dalla sua disperata, autentica, incontenibile fame di amore e di verità.

ABBONAMENTI E BIGLIETTI

ABBONAMENTI

In vendita dal 1° dicembre 2025

Abbonamento a 6 spettacoli € 70,00.

BIGLIETTI

in vendita online e al botteghino dal 2 gennaio 2026

Biglietto intero € 15,00 – ridotto € 12,00

Biglietto online € 15,00 + € 1,50 d.p.

La biglietteria del Teatro sarà aperta a partire da due ore prima di ogni spettacolo.

Botteghino

Dal lunedì al venerdì presso il Centro Civico Piersanti Mattarella dalle ore 9:00 alle 12:00 e dalle ore 15:00 alle 18:30

info:

3382015499

teatrofrancigena@comune.capranica.vt.it

"Il rito del jazz" alla Cascina Cuccagna di Milano
2026-01-13 19:30 - 2026-01-27 19:30 | Cascina Cuccagna, via Cuccagna 2/4, Milano, ITA, 20135, Italy
Dopo la pausa per le festività natalizie e per quelle di fine anno tornano gli appuntamenti con la musica dal vivo alla Cascina Cuccagna di Milano nell’ambito della rassegna Il rito del jazz, a cura dell’associazione culturale Musicamorfosi, un posto a Milano e Cascina Cuccagna, in collaborazione con I-Jazz e con il patrocinio del Municipio 4 del Comune di Milano. La formula è quella collaudata del doppio set (alle ore 19.30 e 21.30) con ingresso libero (prenotazioni: tel. 025457785; email: info@unpostoamilano.it).

Il primo concerto del nuovo anno è in programma martedì 13 gennaio: sul palco del Cuccagna Jazz Club, presso il ristorante un posto a Milano, saranno di scena i giovani talenti Matteo Mariani (chitarra), Didier Yon (trombone) e l’esperto e versatile Alex Orciari (contrabbasso): il trio darà vita a un dialogo fatto di calde melodie e ritmi sincopati. Specializzati nel repertorio swing e bebop, i tre musicisti rievocheranno con suoni e improvvisazioni raffinate le atmosfere degli anni Quaranta e Cinquanta, celebrando le leggende del jazz attraverso eleganti arrangiamenti e composizioni originali.

Martedì 20 gennaio ci sarà un gradito ritorno: sul palco del Cuccagna Jazz Club, infatti, si esibirà di nuovo il quartetto guidato dal trombonista e compositore Andrea Andreoli, jazzista di grande talento che vanta collaborazioni illustri con il gotha del jazz nazionale e internazionale (Billy Cobham, WDR Big Band, Incognito, Maria Schneider, Vince Mendoza, Fred Hersch, Bob Mintzer, Bill Laurence, Randy Brecker, Mike Mainieri, Dave Weckl, Ennio Morricone, Enrico Rava, Gianluigi Trovesi, Fabrizio Bosso ma non solo). Insieme a Dario Spezia (chitarra), Carlo Bavetta (contrabbasso) e Matteo Rebulla (batteria), Andreoli presenterà l’album My Family Things, il suo ultimo lavoro discografico, nel quale esplora la complessità di bilanciare la vita del musicista con il ruolo di padre e marito, spesso trovandosi diviso tra il desiderio di essere a casa, in famiglia, e l’impegno costante di tour ed esibizioni: «La musica del disco riflette questa dualità attraverso brani originali – afferma il trombonista – che sono dedicati o ispirati ai miei familiari. Questi brani sono intrisi di emozioni autentiche e profonde. La melodia è fondamentale nel mio processo compositivo e si riflette chiaramente nella musica del quartetto, capace di fondere armonie sofisticate con motivi coinvolgenti».

Infine, per l’ultimo appuntamento del mese, martedì 27 gennaio i riflettori saranno puntati sul trio formato dalla Simona Daniele, Gabriele Boggio Ferraris e Davide Parisi, che renderanno omaggio a Duke Ellington e al suo repertorio immortale. La voce di Simona Daniele incontrerà il calore del vibrafono di Gabriele Boggio Ferraris e la chitarra di Davide Parisi per un viaggio nei classici standard di matrice ellingtoniana e nei brani che il grande compositore afroamericano ha scritto per le sue big band.

Cantante jazz con base a New York, Simona Daniele è da tempo attiva sulla scena internazionale. Vincitrice di una borsa di studio Fulbright, ha conseguito il suo secondo Master in musica Jazz al City College di New York e nella Grande Mela si esibisce su palchi prestigiosi come quelli del Jazz at Lincoln Center e del Minton’s Playhouse.

Vincitore del premio Nuova Generazione Jazz (nel 2018), Gabriele Boggio Ferraris è uno dei vibrafonisti più apprezzati della scena nazionale e ha pubblicato cinque album da leader. Diplomatosi con il massimo dei voti e perfezionatosi sotto la guida di Andrea Dulbecco, ha all’attivo collaborazioni con alcuni dei più noti esponenti del jazz italiano ed internazionale, tra cui Dave Douglas, Hindi Zara, Steven Bernstein, Stochelo Rosenberg e molti altri. Classe 2001, Davide Parisi è un chitarrista specializzato nello stile Gypsy Jazz. Si è diplomato con il massimo dei voti al Conservatorio G. Verdi di Milano, milita in diverse formazioni e collabora regolarmente con figure di spicco del panorama italiano tra cui Dario Napoli, Alessandro di Virgilio (Accordi Disaccordi), Paolo Tomelleri, Alfredo Ferrario, Tonino de Sensi ma non solo.

Ingresso libero. Informazioni e prenotazioni: tel. 025457785; email: info@unpostoamilano.it

I CONCERTI DI GENNAIO 2026

Martedì 13 gennaio, ore 19.30 e 21.30

SWING MY FRIEND!

Matteo Mariani, chitarra

Didier Yon, trombone

Alex Orciari, contrabbasso

Martedì 20 gennaio, ore 19.30 e 21.30

ANDREA ANDREOLI – MY FAMILY THINGS

Andrea Andreoli, trombone

Dario Spezia, chitarra

Carlo Bavetta, contrabbasso

Matteo Rebulla, batteria

Martedì 27 gennaio, ore 19.30 e 21.30

AL DUCA – OMAGGIO A DUKE ELLINGTON

Simona Daniele, voce

Gabriele Boggio Ferraris, vibrafono

Davide Parisi, chitarra

La stagione 2025/2026 del Teatro Vittoria di Frosinone
2026-01-17 21:00 - 2026-05-09 21:00 | Teatro Vittoria di Frosinone, Via Giovanni Amendola, 3, Frosinone, ITA, 03100, Italy
ll Comune di Frosinone e ATCL, circuito multidisciplinare del Lazio sostenuto da MIC – Ministero della Cultura e Regione Lazio,propongono, per la stagione teatrale 2025-2026 del Teatro Vittoria, otto spettacoli in abbonamento.

“Il sipario si alza, anche quest’anno, sulla stagione di prosa che si terrà nuovamente negli spazi del rinnovato teatro comunale Vittoria, per farci vivere tutta la magia e le emozioni dell’arte scenica – ha dichiarato il Sindaco di Frosinone Riccardo Mastrangeli – Tanti gli appuntamenti in cartellone da gennaio a maggio con alcuni degli artisti più celebri e apprezzati del panorama nazionale, che condurranno gli spettatori in un viaggio alla scoperta di pièces che faranno riflettere, ridere e sorridere. Dal 2013, del resto, la programmazione allestita dall’Amministrazione comunale ha portato nel nostro Capoluogo gli interpreti e i registi italiani più importanti, suscitando una partecipazione calorosa e appassionata da parte degli amanti dello spettacolo dal vivo provenienti da tutta la Regione. Il Comune di Frosinone crede, fermamente, che l’investimento sulla cultura crei valore aggiunto, come moltiplicatore di energie sane per l’intera società e di promozione del territorio, e costituisca un elemento di identità, di crescita e di coesione sociale da promuovere soprattutto tra i giovani e nelle famiglie”.

“Anche quest’anno, con il prezioso supporto dell’Atcl, abbiamo costruito una stagione che unisce tradizione e contemporaneità, proponendo titoli capaci di parlare a pubblici diversi: grandi classici, produzioni di impegno civile, monologhi intensi, spettacoli capaci di parlare alla società di oggi. L’obiettivo è offrire un cartellone che rispecchi la ricchezza del teatro italiano e la pluralità dei suoi linguaggi, senza rinunciare alla qualità artistica – ha dichiarato l’assessore alla cultura Simona Geralico – Il Teatro Vittoria continua ad essere un luogo vivo, aperto, capace di accogliere e di avvicinare soprattutto i più giovani al teatro, uno dei pilastri della nostra identità culturale, capace di farci emozionare e sognare, oltre che di rafforzare il legame con la comunità”.

“La nuova stagione del Teatro Vittoria rappresenta un valore aggiunto per il nostro centro storico, che continua a rafforzarsi come luogo dinamico e accogliente per cittadini e visitatori – ha dichiarato l’assessore al centro storico Rossella Testa – Eventi di questa fattura contribuiscono a rendere l’area viva durante tutto l’anno, favorendo la presenza di persone e sostenendo le attività che operano quotidianamente nella parte alta della città. Stiamo lavorando per migliorare sempre di più i servizi e la fruibilità degli spazi, così da trasformare ogni appuntamento in un’esperienza piacevole e completa per chi sceglie di trascorrere il proprio tempo nel cuore della città. Invito tutti a partecipare alla nuova, coinvolgente stagione teatrale, un’ulteriore occasione per vivere e condividere emozioni nel nostro centro storico”.

“Per la stagione 2025/2026 il Comune di Frosinone e ATCL presentano un cartellone pensato per coinvolgere, sorprendere e offrire al pubblico una vasta gamma di emozioni. Abbiamo immaginato il Teatro Vittoria come un crocevia di storie, un luogo in cui le idee prendono forma e dialogano con la città. Quest’anno la scena si popola di artisti affermati e di talenti in crescita, di linguaggi che si contaminano e si rinnovano, di narrazioni che parlano al cuore e all’immaginazione. Ogni spettacolo è un invito ad attraversare mondi differenti, a lasciarsi interrogare e a condividere delle esperienze irripetibili. Al pubblico rivolgiamo il nostro invito più sincero: il Teatro Vittoria vi aspetta!” hanno dichiarato l’amministratore delegato di ATCL, Luca Fornari e la direttrice artistica di ATCL, Isabella Di Cola.

Ad aprire la stagione, sabato 17 gennaio alle ore 21.00, A.M.O.R.I. & A.M.O.R.E. di David Conati, con Matilde Brandi e Francesco Branchetti e con Isabella Giannone, regia di Francesco Branchetti. L’amore, sì, certo, ma non sempre l’amore platonico, idilliaco, poetico, illusorio. No, qui si parla di quel groviglio complesso di sentimenti e situazioni che ci fanno perdere la testa, ma che in sostanza si potrebbe ricondurre a una serie di reazioni chimiche determinate dai ferormoni. Coloro che si sono presi la briga di analizzare scientificamente la “costruzione di un amore” hanno stabilito che questo percorso ha cinque fasi. In questo percorso alla scoperta delle ardimentose manovre dell’amore, in modo ironico, assisteremo ad una serie di quadri che ripercorrono tutte le epoche arrivando ai giorni nostri. Un viaggio tra le schermaglie amorose di epoche e stili teatrali diverse che ci farà immedesimare nell’evoluzione del gioco delle relazioni nel quale ci possiamo riconoscere tutti.

Sabato 31 gennaio alle ore 21.00, Il Berretto a Sonagli, di Luigi Pirandello, con Irma Ciaramella, Ivano Falco, Gino Auriuso,Marina Zanchi, Ottavia Orticello, Gioele Rotini, regia di Gino Auriuso. ‘A birritta cu ‘i ciancianeddi è il titolo originale dell’opera che Luigi Pirandello scrisse nel 1916 in dialetto catanese e che poi trasformò in italiano nel 1918 con il nome de Il berretto a sonagli e che riprende le tematiche delle due novelle La verità (1912) e Certi obblighi (1912). Questo testo, considerato uno dei capolavori del grande drammaturgo siciliano, tratta la vicenda di una donna, Beatrice Fiorica, la quale viene a sapere che il marito la tradisce con la moglie di Ciampa, scrivano del cavalier Fiorica, e che decide di farsi aiutare dal delegato Spanò per sorprendere in flagrante i due amanti. Così Beatrice Fiorica, offesa, decide di allontanare Ciampa mandandolo a Palermo per sbrigare certe commissioni per far scoppiare lo scandalo poco dopo; ma la soddisfazione di Beatrice ha breve durata poiché dal verbale risultano solo elementi negativi e non vi è alcuna prova di adulterio. Nonostante tutto, Ciampa, che si ipotizza fosse a conoscenza della relazione tra i due, in città viene tacciato come “becco” e dunque non gli resterebbe altro da fare che uccidere i due amanti; ma la soluzione che egli propone è un’altra: che la signora Fiorica si faccia credere pazza e venga internata. Così cerca di convincerla, giacché solo in questo modo il suo onore e quello del marito potranno essere salvi.

Venerdì 20 febbraio alle ore 21.00, Genitori vs Figli – Don’t worry, stay Chill, con Federico Perrotta e Valentina Olla e conMaria Teresa Pascale, Miloud Mourad Benamara, Sofia Graiani e Luca La Ginestra, scritto e diretto da Antonio Pisu. Con un deciso “io quitto” il figlio diciannovenne, stanco di sentirsi incompreso, decide di andarsene di casa. La famiglia, disperata, si lancerà in una frenetica corsa per farlo restare. In una serie di divertenti e rocamboleschi eventi scopriranno che l’amore autentico nasce dall’accettare le proprie fragilità e andare oltre le apparenze.

Domenica 1° marzo alle ore 18.00, Made in Italy, testo di David Norisco, regia di Francesco Branchetti, con Barbara De Rossi,Simona Bettoni, Ilaria Giorgi, Samanta Chieffallo. Se il Gran Tour del 700/800 portava nella nostra penisola turbe di poeti, musicisti, scrittori e nobili dell’Europa, presi da una fervida emozione culturale, vogliamo oggi percorrere con curiosa determinazione alcune regioni della nostra Italia con un volo planare all’insegna di una curiosa rivisitazione per approfondire e non dimenticare luoghi, monumenti e musica che sono pure il bagaglio che ci ha fatto crescere. Se si corre a Dubai, a New York o Calcutta per stordirci nel rumore, nelle visioni di grattacieli svettanti, torniamo un attimo tra noi e il viaggio non avrà mai fine perché conoscere è volare oltre la soglia fisica consentita.

Sabato 14 marzo alle ore 21.00, Piccole Donne non devono morire di e con Francesca Pica e Maria Scorza, regia di Francesca Pica e Maria Scorza. Sud Italia. Oggi. Due sorelle, Margherita e Pina, sono in un cimitero per la riesumazione della sorella Bettina. Margherita è la maggiore, felicemente sposata con Giovanni, completamente assorbita dalla vita familiare. Pina, la secondogenita, scrittrice, ha pubblicato un romanzo di successo, ma le opere successive non sono all’altezza. Le due sorelle attendono Emilia, la piccola di casa, che è in ritardo. Il cimitero, luogo dell’attesa, diventa un contenitore di ricordi, confessioni, discussioni, verità. Ispirato ai romanzi Piccole donne e Piccole donne crescono di Louisa May Alcott, è un viaggio a ritroso delle piccole donne, ora quarantenni, che ricordando, riflettono su cosa le ha fatte diventare le donne che sono, su cosa hanno ancora bisogno di dire e di fare per sentirsi libere.

Domenica 29 marzo alle ore 18.00, Brigitte Bardot – Scandalo e Solitudine di P. Bellucci, F. Lombardi e F. Catalano, con Patrizia Bellucci, regia e musica di Fabio Lombardi. Un soffuso moltiplicarsi di veli s’apre sulla camera della diva che in Europa ha più d’ogni altra segnato la rivoluzione sessuale. Che più d’ogni altra, anche attraverso errori e ingenuità, ha spalancato la porta dell’emancipazione femminile. Superata la soglia della maturità e della coscienza, allontanatasi dai riflettori ma sempre pronta a far ascoltare le proprie opinioni, circondata dagli amati animali, BB ci svela emozioni ed errori, vittorie e sconfitte, delusioni e amori, passioni deflagranti e dolori repressi, e ci racconta come il successo, molto spesso, sia sinonimo di solitudine. Questo monologo è un modo per far i conti coi cambiamenti del costume in Europa, ma anche con l’idea che ognuno di noi ha di libertà.

Sabato 18 aprile alle ore 21.00, El Fùtbol, testo di Gianvito Pulzone, regia di Francesco Branchetti, con Ettore Bassi,Gianvito Pulzone, Oscar Bellomo. Uno spettacolo dedicato allo spirito del calcio. Ettore Bassi interpreta un uomo dalla passione calcistica più pura, ed evoca alcuni tra i più grandi calciatori della storia del calcio mondiale, uomini che hanno fatto sognare e hanno dato coraggio a migliaia di persone con la loro generosità, il loro coraggio. Oggi vengono i brividi a ricordare le magie delle loro imprese: racconti, ricordi di ieri e di oggi, rievocano il mondo che gira intorno al calcio e che è una metafora a volte dolorosa e a volte esaltante della nostra vita e della nostra società. Una storia dai tratti epici, piena di poesia, in cui l’attenta regia di Francesco Branchetti restituisce al testo la capacità di evocare lo spirito del calcio, lo spirito del gioco in sé attraverso atmosfere fascinose, colori, luci, suoni.

Infine, a chiudere la stagione teatrale 2025-2026 del Teatro Vittoria, sabato 9 maggio alle ore 21.00, Meglio di Niente, di e con Daniele Graziani e Lucio Dal Maso, regia di Daniele Graziani e Lucio Dal Maso. Dopo Anche meno tornano I Carta Bianca con uno spettacolo che incarna alla perfezione il momento storico che stiamo vivendo: Meglio di niente. In questo lavoro i due portano sul palco un viaggio dentro le piccole e grandi mancanze della vita quotidiana, trasformandole in carburante per la risata. Viviamo in un mondo in cui siamo sempre alla ricerca di qualcosa: più tempo, più denaro, più successo, più attenzioni. Eppure, spesso ci ritroviamo con molto meno di quanto desideriamo. È proprio in quel divario, tra l’aspettativa e la realtà, che i Carta Bianca inseriscono la loro comicità: leggera, spiazzante, a tratti surreale, ma sempre diretta e universale. Lo spettacolo si sviluppa come un susseguirsi di quadri comici, in cui i due si divertono a ribaltare situazioni comuni: l’attesa infinita al telefono con la segreteria automatica, le promesse mai mantenute di politici e pubblicità, gli imbarazzi dei rapporti umani, persino le “tragedie” teatrali e quelle storiche. Ogni mancanza, ogni piccola frustrazione diventa il punto di partenza per una gag, un dialogo paradossale, un crescendo di comicità. Con il loro stile fatto di tempi perfetti, improvvisazioni calibrate e un continuo gioco di botta e risposta, i Carta Bianca riescono a trasformare la precarietà e le contraddizioni del presente in un grande motore di divertimento. Perché, se è vero che spesso non abbiamo tutto quello che vorremmo, è altrettanto vero che una risata al momento giusto vale più di “molto”. Meglio di niente è quindi uno spettacolo che non racconta solo la mancanza, ma celebra l’arte dell’accontentarsi e la capacità di trovare comicità anche nel vuoto. Un invito a ridere delle nostre insoddisfazioni quotidiane, a scoprire che persino i momenti “minori” hanno un valore, e che alla fine, come dicono i due protagonisti, se dalla vita non si può avere tutto, va bene lo stesso, perché ridere è sempre meglio di niente.

ABBONAMENTI E BIGLIETTI

Abbonamento platea

Tariffa unica € 110

Abbonamento galleria

Tariffa unica € 80

Vendita abbonamenti:

sabato 13 dicembre ore 15.00/17.00

mercoledì 17 dicembre ore 17.30/19.00

sabato 20 dicembre ore 15.00/17.00

domenica 21 dicembre ore 10.00/12.00

martedì 23 dicembre ore 17.30/19.00

mercoledì 7 gennaio ore 17.30/19.00

venerdì 9 gennaio ore 17.30/19.00

Biglietti platea

Biglietto intero € 18

Biglietto ridotto € 15

Biglietti galleria

Biglietto intero € 15

Biglietto ridotto € 13

Biglietti online: dal 12 gennaio su ciaotickets

Biglietti presso il botteghino:

il giorno dell’evento a partire da due ore

prima dell’inizio dello spettacolo

biglietterie@paloreventi.it

348/1813715

www.atcllazio.it

Franco Battiato. Un’altra vita al Maxxi
2026-01-31 10:00 - 2026-04-26 10:00 | Maxxi Roma, Via Guido Reni, 4a, Roma, 00196, Italia
Dal 31 gennaio al 26 aprile 2026, lo Spazio Extra del MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo accoglie un viaggio unico: Franco Battiato. Un’altra vita, una mostra-evento che celebra, a cinque anni dalla scomparsa, il genio umano e musicale di un artista senza eguali nella storia della musica italiana.

Coprodotta dal Ministero della Cultura e dal MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, a cura di Giorgio Calcara con Grazia Cristina Battiato è organizzata da C.O.R. Creare Organizzare Realizzare di Alessandro Nicosia in collaborazione con la Fondazione Franco Battiato ETS.

Tra ricordi e materiali inediti, il visitatore percorre la vita di Battiato in un’esperienza intensa e toccante, oltre la musica, oltre il tempo.

Cantautore, musicista, poeta, filosofo, intellettuale: ogni sfaccettatura del suo talento risuona nella mostra. Dall’avanguardia al pop, dall’elettronica alla mistica, Battiato ha trasformato la canzone italiana, creando testi evocativi, armonie perfette, melodie immortali.

Sette sezioni raccontano la sua vita e la sua arte: 1. L’inizio (dalla Sicilia a Milano), 2. Sperimentare (dall’acustica all’elettronica), 3. Il successo (dall’avanguardia al pop), 4. Mistica (tra Oriente e Occidente), 5. L’uomo (ritorno alle origini), 6. Il Maestro, 7. Dal suono all’immagine (il cinema di Battiato).

Al centro della sala, uno spazio ottagonale, eco dell’ottava musicale, cuore pulsante della mostra, dove un sistema di ascolto avvolge il visitatore in un’esperienza sonora immersiva.

Tra copertine di album, poster storici, fotografie e cimeli rari, la mostra restituisce la poliedricità di Battiato: innovatore, sperimentatore, precursore di stili.

Accanto all’universo musicale, prende vita il côté pittorico originale, con sfondi dorati e visioni cariche di simboli e archetipi, che evocano un preciso gusto allegorico mediorientale, amato da sempre dal Maestro siciliano.

Nelle ultime due decadi della sua produzione, emerge la dimensione cinematografica: lungometraggi narrativi e documentari che raccontano le sue ricerche artistiche e spirituali, organici alla sua matrice musicale e in dialogo con la contemporaneità.

La mostra, che sarà accompagnata da momenti di approfondimento e da un catalogo dedicato, rende omaggio alla vita che trascende la morte, all’anima delicata e luminosa di uno dei più grandi geni italiani contemporanei, invitando il pubblico a ritrovare e riabbracciare, attraverso le sue opere, quel centro di gravità permanente che, in fondo, tutti cerchiamo.

“Cartier e il Mito ai Musei Capitolini”
2026-03-15 10:00 | Musei Capitolini, Roma, Italia
Dal 14 novembre 2025 al 15 marzo 2026, il Palazzo Nuovo dei Musei Capitolini ospiterà la mostra “Cartier e il Mito ai Musei Capitolini”. Questa è la prima volta che il Palazzo Nuovo ospita una mostra temporanea. Le creazioni della Maison Cartier, per lo più provenienti dall’heritage Cartier Collection, saranno in dialogo con le sculture in marmo della collezione del cardinale Alessandro Albani – nucleo originario della collezione museale di Palazzo Nuovo – e con una selezione di preziosi reperti antichi provenienti dalla Sovrintendenza Capitolina, da prestigiose istituzioni italiane e internazionali e da collezioni private.

La mostra, curata dalla storica del gioiello Bianca Cappello, dall’archeologo Stéphane Verger, dal Sovrintendente Capitolino Claudio Parisi Presicce e promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, in collaborazione con la Maison Cartier e con il supporto di Zètema Progetto Cultura. Il progetto di allestimento è a cura di Sylvain Roca, con uno straordinario contributo creativo del Maestro Dante Ferretti.

Dalla metà del XIX secolo ad oggi, Cartier ha studiato, tratto ispirazione e reinterpretato il repertorio estetico e simbolico dell’antica Grecia e di Roma, trasformando motivi millenari in gioielli dal carattere unico e moderno. “Cartier e il mito ai Musei Capitolini” è un viaggio affascinante alla scoperta dell’universo estetico e formale della Maison Cartier, in continuo dialogo con l’eccezionale collezione di sculture antiche dei Musei Capitolini. La mostra esplora il modo in cui l’antichità classica ha mutevolmente ispirato le sue creazioni più iconiche ricostruendo atmosfere intellettuali e culturali, ed evocando l’evoluzione dell’immaginario legato alla Grecia e a Roma nel corso dell’Ottocento e del Novecento.

Particolare attenzione è posta sul profondo legame tra Cartier e l’Italia, specialmente Roma.

Le collezioni permanenti del Palazzo Nuovo in Campidoglio – l’originario Museo Capitolino istituito nel dicembre del 1733 da Clemente XII Corsini – si compongono in modo quasi esclusivo di sculture in marmo, in gran parte acquisite dalla collezione del cardinale Alessandro Albani. Molte di queste sculture antiche hanno costituito modelli imprescindibili per la formazione del linguaggio artistico europeo. La mostra offre una prospettiva originale su un aspetto particolare e importante di questo tema: dell’uso

del repertorio antico in gioielleria, dai “pastiches” dei grandi collezionisti e orafi del XIX secolo, come i Castellani a Roma, stile Neoclassico Garland, fino alle opere successive ispirate a Jean Cocteau nel secondo dopoguerra, arrivando infine alle creazioni odierne e a un nuovo approccio all’Antichità.

L’esposizione mette in luce l’uso del repertorio classico greco-romano nelle creazioni Cartier e le trasformazioni della prima metà del Novecento, quando maturò una nuova concezione dell’antichità classica. Una sezione è dedicata alle tecniche e ai processi di lavorazione dei gioielli, con riferimenti all’età romana. La mostra esplora inoltre le ispirazioni mitologiche che hanno nutrito l’immaginario Cartier dall’inizio del XX secolo, confrontando le creazioni della Maison con le antiche divinità di Palazzo Nuovo – Afrodite e Dioniso, Apollo ed Eracle, Zeus e Demetra – e invitando i visitatori a riscoprire all’interno della collezione permanente i modelli antichi che le hanno ispirate.

Cartier ha tratto ispirazione dall’Arte Classica in vari modi, sia in modo diretto che attraverso il filtro di periodi storici evocativi profondamente influenzati dall’antichità, come il Rinascimento, la corte di Versailles e il Neoclassicismo. La storia di Cartier si sviluppa attraverso epoche in cui l’estetica classica funge da grammatica stilistica: dai revival storicisti della metà del XIX secolo allo stile a ghirlanda svolazzante della Belle Époque; dalla reinterpretazione delle forme antiche nello stile moderno dei primi delXX secolo, al ritorno dell’oro giallo negli anni Quaranta insieme alla libertà d’espressione femminile; dalla giocosa rivisitazione dei miti negli anni Settanta fino a un approccio contemporaneo all’antichità. I canoni classici rimangono una pietra angolare dell’eccellenza estetica grazie al loro vocabolario formale universalmente riconosciuto.

Ad introdurre la mostra “Cartier e il Mito ai Musei Capitolini”, una spettacolare scalinata cinematografica opera del Maestro Dante Ferretti, scenografo premio Oscar.

Dal labirinto verticale de Il nome della Rosa (1986) alle rovine nostalgiche del Grand Tour nella scenografia di Cenerentola (2015), il suo lavoro ci eleva verso un mondo di Antichi, eroi e dei, che permea il nostro modo di vedere e di vivere l’universo. Riferimenti malinconici all’antichità classica costellano l’atmosfera onirica e burlesca di Le avventure del barone di Munchausen di Terry Gilliam (1988). Con Pasolini, Ferretti fa rivivere la maga Medea sotto le sembianze di Maria Callas (1968), una delle donne più moderne della mitologia antica, che ci appare con un’imponente parure d’oro e ambra, degna della sua discendenza dal Sole.

Una mitologia costantemente rivisitata, gioiosa e piena di sorprese, che parla al mondo di oggi: questo è ciò che Dante Ferretti riesce a creare nelle sue opere. È anche ciò che la Maison Cartier è riuscita a fare fin dalle sue origini attraverso il mito, reinterpretando costantemente un’antichità classica vivente, sempre rinnovata e pronta a fondersi con la modernità.

La mostra, concepita come un’esperienza immersiva arricchita da elementi audiovisivi, si caratterizza per le installazioni olfattive create dalla profumiera della Maison Cartier, Mathilde Laurent, e per l’esposizione di pietre dure provenienti dall’atelier di glittica di Cartier che incarnano le divinità e i miti esposti.

Fin dall’inizio del XX secolo, i disegnatori di Cartier si sono progressivamente allontanati dai riferimenti diretti all’antichità classica, che seguivano i fondamenti della geometria e della matematica dei filosofi greci, basandosi sul principio della sezione aurea. I miti greci compaiono in modo più indiretto e, al tempo stesso, più fedele allo spirito dell’ornamento antico, così come presentato dagli studiosi della religione greca. I gioielli fanno parte di ciò che i Greci chiamano kosmos, una parola che indica sia la disposizione corretta degli abiti e dei gioielli, sia l’ordine imperscrutabile dell’universo. Nelle creazioni di Cartier, come nei miti antichi, i gioielli si presentano come riproduzioni in miniatura dell’universo e delle sue forze primordiali: la terra e i suoi minerali, l’oceano e le sue creature marine, il cielo stellato e il fuoco del sole. Efesto, il dio artigiano, riunisce questi elementi attraverso l’arte, proprio come fanno gli artigiani della Maison Cartier nei loro atelier, ispirati dal potere evocativo delle gemme. Il gioiello diventa così un discorso metafisico, oltre che un ornamento di prestigio.

INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO

Cartier e il mito ai Musei Capitolini

Musei Capitolini – Palazzo Nuovo, Sale al primo piano

Piazza del Campidoglio, 1 – 00186 Roma

Tariffe:

Biglietto “solo mostra”: intero € 8,00; ridotto € 7,00.

Biglietto cumulativo musei capitolini + mostra: intero non residente € 20,00;

ridotto non residente € 13,50; intero residente € 15,50; ridotto residente € 12,50.

Orari: Tutti i giorni ore 9.30 – 19.30. Ultimo ingresso un’ora prima della chiusura

24 e 31 dicembre ore 9.30-14.00; 1° gennaio 2025 dalle 11.00 alle 20.00Ultimo ingresso un’ora prima della chiusuraGiorni di chiusura: 1° maggio e 25 dicembre

Per maggiori informazioni:

tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00 – 19.00) – www.museicapitolini.org

La Collection Cartier

Negli anni Settanta, Cartier iniziò a riunire pezzi prodotti nei suoi primi anni: gioielli, orologi e altri preziosi accessori furono così raccolti per la conservazione, portando alla fondazione della Cartier Collection nel 1983.

Oggi, la Cartier Collection comprende pezzi datati già dagli anni Sessanta dell’Ottocento fino agli anni Duemila. Questi pezzi agiscono come testimonianze materiali della storia di oltre 170 anni di stile e creatività di Cartier e forniscono anche un resoconto storico più ampio delle evoluzioni delle arti decorative così come della società dalla fine del XIX secolo.

Con circa 3.500 pezzi, in continua crescita, la Cartier Collection ha attirato l’attenzione dei musei di tutto il mondo. Dalla prima grande mostra nel 1989 al Petit Palais di Parigi, la Cartier Collection è stata presentata in alcune delle più rinomate istituzioni del mondo in 44 mostre monografiche. “Cartier e il Mito ai Musei Capitolini” è la seconda mostra monografica dedicata a Cartier in Italia, dopo “Il design Cartier visto da Ettore Sottsass”, tenutasi a Palazzo Reale a Milano nel 2002.

"Futuro Passato – Unione Europea” giunge alla IV edizione
2026-04-22 08:00 - 2026-05-09 17:00 | ITA
Simone Corso è il drammaturgo vincitore della quarta edizione di “Futuro Passato – Unione Europea”, progetto nell’ambito di FESTIL_Festival estivo del Litorale 2025 che coniuga formazione, creazione e produzione nell’ambito di FESTIL_Festival estivo del Litorale 2025, diretto da Tommaso Tuzzoli e Federico Bellini, rivolto ad autrici e autori teatrali Under 40. A cura di Associazione Culturale Tinaos, “Futuro Passato” è realizzato con il contributo di MiC e Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e del Comune di Udine, con il sostegno di Fondazione Friuli e di Le Fondazioni Casali, in collaborazione con CSS Teatro stabile di innovazione del FVG. Ne sono partner: Casa del Contemporaneo – centro di produzione teatrale,Elsinor – centro di produzione teatrale, Sonar – Il digitale al servizio del teatro contemporaneo, Fondazione Istituto Dramma Popolare San Miniato, Hystrio – Associazione per la diffusione della cultura teatrale e Teatro Nazionale Croato Ivan pl. Zajc, Rijeka / Dramma Italiano di Fiume (HR). Partner tecnico: B&B I personaggi Udine.

Guidati dal dramaturg di fama internazionale Federico Bellini, e attraverso una residenza creativa offerta dal bando, la quarta edizione di “Futuro Passato” ha permesso la realizzazione di tre nuovi testi di drammaturgia contemporanea sul tema dell’Unione Europea, perseguendo l’obiettivo di riflettere su ciò che oggi rappresenta l’Unione Europea e cercando di realizzare ciascuno un testo che oltrepassasse i confini della drammaturgia italiana per confrontarsi con modelli internazionali.

Ogni partecipante ha potuto scegliere il proprio territorio d’indagine rispetto al tema centrale, pur mantenendo uno stretto rapporto col territorio in cui si è svolta la residenza creativa dal 22 aprile al 9 maggio 2025. I luoghi coinvolti sono stati il Comune di Udine (sede principale delle attività è stato uno degli spazi del CSS Teatro stabile di innovazione del FVG insieme alla sede operativa di Tinaos), che ha visto anche il coinvolgimento del Liceo Artistico Statale “Giovanni Sello” in un laboratorio di drammaturgia, e i suoi comuni limitrofi, con l’attivazione di un laboratorio presso l’I.S.I.S. Magrini Marchetti di Gemona del Friuli (UD). Sono state realizzate, inoltre, due tappe all’estero, in Slovenia e in Croazia dove presso due atenei si sono tenuti gli incontri con Federico Bellini sul tema della drammaturgia europea, e in particolare: in Slovenia in collaborazione con e presso: il Dipartimento di Italianistica della Facoltà di Studi Umanistici dell’Università del Litorale a Capodistria e il Centro Italiano “Carlo Combi”; e in Croazia in collaborazione con/presso: Hrvatsko Narodno Kazaliste Ivana PL Zajca / Dramma Italiano di Fiume, Dipartimento di Italianistica dell’Ateneo di Fiume e Comunità degli Italiani di Fiume.

La giuria composta da Fabrizio Arcuri (regista), Federico Bellini (drammaturgo e co-direttore artistico di FESTIL), Rita Maffei (regista, attrice e co-direttrice artistica del CSS Teatro stabile di innovazione del FVG) e Tommaso Tuzzoli (regista e co-direttore artistico di FESTIL) ha proclamato Simone Corso vincitore della quarta edizione di “Futuro Passato” con il suo testo “Di là dell’Arcadia”. Così la motivazione: «Pensiamo sia doveroso premettere che tutti i finalisti del bando sarebbero stati meritevoli di un premio; i tre testi elaborati dopo la residenza dimostrano sia uno studio approfondito del tema riguardante l’Unione Europea sia un evidente talento nella scrittura per il teatro. Per questo ringraziamo con affetto e stima i partecipanti di questa edizione, augurando loro di proseguire con successo il percorso drammaturgico intrapreso. Il vincitore di quest’anno è Simone Corso con “Di là dell’Arcadia”. Ideando una struttura testuale originale e che guarda ad altre e feconde esperienze della drammaturgia contemporanea, Corso riesce a muoversi tra la forza del mito fondativo d’Europa e una delle sue più evidenti contraddizioni odierne, una burocrazia pervasiva e spesso paradossale qui simboleggiata dalle molte declinazioni del termine carta. Carta che, da iniziale e forse utopico manifesto di collaborazione e solidarietà, può diventare rapidamente il suo diminutivo, quella cartina divisoria alla quale siamo ormai purtroppo abituati, fino a farsi puro strumento senza contenuto, contenitore vuoto di una sintassi senza autore. Abbiamo deciso, inoltre, di non attribuire alcuna menzione o segnalazione per gli altri finalisti, che ci sarebbe parsa riduttiva per lavori a cui auspichiamo una rapida e degna restituzione scenica».

A Simone Corso, vincitore assoluto, viene assegnato il premio di produzione per una prima realizzazione scenica in forma di studio del suo testo, mentre i testi di Giulia Bartolini e Floria Laetitia (Francesco Cecchi Aglietti) saranno presentati al pubblico in forma di lettura scenica. I testi del vincitore e dei finalisti della quarta edizione di “Futuro Passato” saranno pubblicati in un volume, e resi disponibili, successivamente, anche in formato digitale all’interno della piattaforma Sonar (www.ilsonar.it). Hanno vinto le precedenti edizioni di “Futuro Passato”: Alessandra di Lernia (2022), Caterina Filograno (2023), Irene Petra Zani (2024).

Info: www.ilsonar.it

“Chi Me lo Ha Fatto Fare" alla Sala Umberto
2026-04-27 21:00 - 22:30 | Sala Umberto, Via della Mercede, 50, Roma, 00187, Italia
Marco Marzocca in “Chi Me lo Ha Fatto Fare”, scritto da Marco Marzocca con la collaborazione di Claudio Fois, il 27 aprile, alla Sala Umberto di Roma. Il tour dello spettacolo è prodotto eorganizzato da Vincenzo Berti e Gianluca Bonanno per Ventidieci. Uno spettacolo comico, intimo, sorprendente, un viaggio ironico e toccante nella vita di un artista che ha fatto dell’imprevisto la sua regola d’arte. Marco Marzocca apre il sipario sulla sua esistenza: da perito elettronico a farmacista, da comico a volto amato di cinema, radio e televisione. Con la sincerità di una confidenza e l’energia della stand-up, racconta i momenti che l’hanno trasformato, le risate che l’hanno guidato, gli incontri che gli hanno cambiato il cammino. Tra i suoi iconici personaggi – dall’inconfondibile Ariel al tenero Michelino – e aneddoti vissuti al fianco di giganti come Corrado Guzzanti e Gigi Proietti, Marzocca costruisce un racconto che è molto più di uno spettacolo: è un atto d’amore verso il pubblico, il mestiere dell’artista e la bellezza dell’imperfezione umana. Avviso importante: si consiglia di portare un cambio e avvertire casa. Non tanto per la durata… ma per la quantità di emozioni da gestire

BIGLIETTI IN VENDITA SU TICKETONE.IT DA MERCOLEDI 29 OTTOBRE ALLE ORE 12,00

Shakespeare 2026: la rassegna annuale di teatro, incontri e cultura di Casa Shakespeare
2026-07-20 08:00 - 2026-07-26 17:00 | ITA
Casa Shakespeare invita sponsor, media partner, giornalisti, igers, realtà convenzionate e amici della compagnia alla conferenza stampa dedicata al lancio ufficiale di Shakespeare 2026, il grande progetto culturale che accompagnerà Verona per tutto il prossimo anno, in occasione del 410° anniversario della morte di William Shakespeare e del Congresso Mondiale Shakespeariano ospitato in città dal 20 al 26 luglio.

L’evento è inserito nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, il programma multidisciplinare, plurale e diffuso che animerà l’Italia per promuovere i valori Olimpici attraverso la cultura, il patrimonio e lo sport, in vista dei Giochi Olimpici e Paralimpici Invernali che l’Italia ospiterà rispettivamente dal 6 al 22 febbraio e dal 6 al 15 marzo 2026.

“Le tematiche che emergono da queste riscritture — dall’empowerment femminile del Merchant of Venice alla riflessione su pace e riconciliazione in Romeo and Juliet, fino alla difesa della dignità nel finale della Bisbetica Domata — colgono pienamente i valori che l’Olimpiade Culturale intende promuovere attraverso arte, teatro e patrimonio culturale.

Shakespeare 2026 è anche un esempio virtuoso di come un territorio possa unire istituzioni, operatori culturali e comunità, creando una progettualità diffusa e continuativa.L’integrazione tra tradizione teatrale, turismo culturale, innovazione digitale — penso allo Shakespeare Interactive Museum — arricchisce ulteriormente un’offerta che guarda al futuro senza perdere il legame con la storia e con Verona.” Avv. Domenico De Maio Education & Culture Director – Fondazione Milano Cortina 2026

In questa annualità diamo valore ai 10 anni di Shakespeare in Veneto, una rassegna che coinvolge il territorio del Veneto e le città dove il poeta ha ambientato le opere famose. Un decennio di riscoperta del territorio attraverso il teatro itinerante.

Nato per commemorare il 400° anniversario della morte di William Shakespeare, il progetto ha iniziato a mettere in scena opere shakespeariane in lingua originale e nei luoghi d’origine del Veneto. Una collaborazione, e amicizia, tra Casa Shakespeare di Solimano Pontarollo e ON VIEW EXPERIENCES di Ornella Naccari.

Tra i partner di progetto vantiamo Radici del contemporaneo del Circolo Tempo Ritrovatodi Rovigo, coordinato dal Dottor Thomas Bordin, con il contributo dell’amministrazione comunale di Rovigo e con il patrocinio della provincia di Rovigo. Sostenuto dalla Fondazione Cassa di Risparmio Padova e Rovigo. Una programmazione fitta di eventi culturali tra cui la visione di film shakespeariani e dibattiti letterari.

Main Sponsor AGSM AIM.

Con il patrocinio della Camera di Commercio di Verona, della Regione del Veneto, della Provincia di Verona e del Comune di Verona.

Con il supporto di realtà convenzionate, media partner e strutture del territorio, amici e parenti.

Shakespeare 2026 sarà un anno intero di teatro, formazione e innovazione, progettato per mettere in dialogo la tradizione shakespeariana con i linguaggi contemporanei.

Il programma, che prevede dodici spettacoli in dodici mesi, due format permanenti e una rete di iniziative culturali, nasce come naturale evoluzione del percorso artistico e sociale di Casa Shakespeare, oggi punto di riferimento per la produzione teatrale in lingua inglese e italiana, con sede al Teatro Satiro Off e con il primo museo immersivo shakespeariano in Italia, lo Shakespeare Interactive Museum .

Il calendario 2026 prevede:

12 produzioni teatrali, tra riprese e nuove creazioni, con spettacoli in italiano e in inglese.

2 Festival storici di Casa Shakespeare: la Shakespeare Week XI Edizione e il Juliet Summer Fest XII Edizione. Il respiro internazionale arriva con due titoli: TWO SISTERS di Margaret Rose in scena il 23 Aprile e MACBETH SOLO di Paul Goodwin in scena il 29 Aprile, premiato da Casa Shakespeare FRINGE ITALIA OFF.

4 format mensili permanenti:

– Spettacoli teatrali presso il Teatro Satiro OFF e in location suggestive all’interno di festival estivi. Tra i titoli in programma: The Merchant of Venice, Romeo & Juliet, Antonio e Cleopatra, Othello, The Taming of the Shrew, Midsummer, Macbeth, Fake Otello, Welfare Lear, Henry V e La Neve di William (in scena nel weekend di questo Natale con l’inedita terza parte).

Due nuovi produzioni: l’anteprima di studio sulla “Donna in Shakespeare” e la nuova messa in scena di Macbeth segnano un passaggio decisivo nel percorso di Casa Shakespeare. Da un lato, la valorizzazione della voce femminile, riportata al centro con una sensibilità contemporanea; dall’altro, l’esplorazione del conflitto umano nella sua forma più primitiva e selvaggia.

– Spettacoli itineranti come la più conosciuta in città la Walking with Romeo & Juliet a Verona l’esclusività per Venezia con Walking with Othello & Jago e Shylock in collaborazione con On View Experiences di Ornella Naccari, Premio SKÅL Europe 2024 e membro dell’ IGLTA.

– Shakespeare Interactive Museum, primo museo immersivo e interattivo dedicato al Bardo dal 2019; in cui Giulietta, interpretata da un’attrice della compagnia di Casa Shakespeare, racconterà la sua versione in live tra il virtuale e il teatrale. Innovativa è la ripresa a 360° della scena finale dell’opera in realtà virtuale.

Sono previsti interventi per tutto l’anno da luoghi diffusi di presidio culturali, come in data 17.03 presso U.P.I.F. l’università popolare di Verona, a duetti live sui social media con realtà rappresentative del mondo shakespeariano a livello internazionale.

Il cuore del progetto è una visione inclusiva e profondamente contemporanea.

Casa Shakespeare parla a chi cerca un luogo dove riconoscersi, nonostante la cultura o l’età ma che trova risposta nel teatro shakespeariano. in modo particolare la nostra sensibilità va ai giovani che possono trovare nel teatro un linguaggio nuovo per relazionarsi e proporsi al mondo.

L’inclusività è una scelta quotidiana e si traduce nella volontà di portare in scena personaggi, emozioni e conflitti che appartengono a tutti.

Ecco perché Casa Shakespeare ha scelto di collaborare con account social autentici, radicati nel territorio e capaci di parlare con un linguaggio giovane. Realtà di Instagram come Storie di Verona di Matteo Lonardi, Il mio viaggio a Verona di Denis Coppiello e Verona in Scena di Rebecca Piccoli rappresentano comunità riconosciute dalla città stessa: punti di riferimento che raccontano Verona dall’interno, con un senso di appartenenza reale.

È in questa collaborazione tra teatro e territorio digitale che nasce la forza del progetto.

L’interculturalità è parte essenziale della poetica shakespeariana: in Othello, in Shylock, negli amori impossibili di Romeo e Giulietta, nei temi politici di Henry V. Le storie del Bardo risuonano oggi con una forza sorprendente e diventano strumenti per leggere la complessità della società: da temi come il femminicidio, il razzismo e la lotta per i diritti.

L’innovazione è uno dei tratti distintivi del progetto: dal lavoro della doppia lingua alle riscritture radicali, come Welfare Lear, all’attenzione di strumenti di supporto agli spettacoli come i sottotitoli di Henry The Fifth fino alle esperienze immersive del SIM. Casa Shakespeare attraversa confini artistici e tecnologici, esplorando i modi in cui il teatro può evolvere senza perdere la sua identità cercando scambi di conoscenza. Abbiamo stretto contatti per future collaborazioni con Museo per tutti e la SP ENS Verona.

Radici locali e visione globale convivono in un percorso che valorizza Verona come città shakespeariana per eccellenza, con collaborazioni internazionali, progetti educativi, attività con le scuole e una rete ampia di partner culturali. Il format di successo è il “Giulietta e Romeo RE Life”, un workshop teatrale in teatro per i giovani di Verona, e dal 2026 aperto ai gruppi di studenti stranieri in vacanza a Verona. In una settimana si va in scena tra i luoghi menzionati nell’opera, in streaming su Youtube e in inglese. La città diventa palcoscenico. Verona è la base, il mondo è il palco.

Perché esserci. Sostenere Shakespeare 2026 significa legare il proprio nome a un progetto culturale riconosciuto, premiato e con una forte identità territoriale e internazionale.

Conferenza Stampa – Shakespeare 2026Giovedì 4 dicembre, Ore 12.30 – “Sala Arazzi” in Palazzo Barbieri (Piazza Bra, 1) a Verona, sede del Comune.

https://casashakespeare.it

CALENDARIO UFFICIALE

Link calendario: https://linktr.ee/shakespeare2026

Porretta Soul Festival
2026-07-23 21:00 - 2026-07-26 21:00 | ITA
La trentottesima edizione del Porretta Soul Festival si terrà dal 23 al 26 luglio 2026 e consolida ulteriormente il legame con la città di Memphis: infatti, anche quest’anno il festival ospiterà la Memphis Music Hall of Fame Band, diretta da Kurt Clayton, che porterà sul palco l’autentico spirito del soul americano. The Memphis Music Hall of Fame All Star Band è un ensemble di 12 musicisti versatili e di grande talento che si esibiscono regolarmente alla Memphis Music Hall of Fame. Questa band è stata creata per onorare e celebrare i grandi artisti che sono stati introdotti nella Memphis Music Hall of Fame, molti dei quali hanno dato un contributo significativo alla musica di Memphis e alla storia della musica in generale. È diretta da Kurt “KC” Clayton, produttore, compositore, arrangiatore e artista nominato due volte ai Grammy. È il presidente del capitolo di Memphis di N.A.R.A.S. (The GRAMMY’S), Ha lavorato con Stevie Wonder, George Clinton, Chaka Khan, ConFunkShun e gli artisti rap vincitori dell’Oscar Three-6-Mafia.La band svolge un ruolo fondamentale nel mantenere viva la tradizione musicale di Memphis e nell’onorare i suoi artisti principali. Grazie alla loro passione e al loro talento, contribuiscono a diffondere l’importanza della musica di Memphis e a celebrare il suo significativo contributo alla storia della musica. La cittadina emiliana dallo scorso febbraio è ufficialmente gemellata con la città di Memphis.

Tra gli ospiti Eric Gales, chitarrista blues-rock con un’anima soul. È considerato uno dei più virtuosi della sua generazione. Mancino che suona una chitarra da destrimani “al contrario” ha uno stile inconfondibile che fonde blues, rock, funk e soul. Il suo album tributo al fratello Little Jimmy King (ospite a Porretta nel 2000 in una delle sue rarissime performances in Europa) è candidato al Grammy. Lenny Williams, noto soprattutto come voce principale dei Tower of Power durante il loro periodo d’oro nei primi anni ’70. Con la sua voce potente, calda e incredibilmente espressiva, ha contribuito a definire il sound della band in album storici come Tower of Power (1973) e Back to Oakland (1974). Dopo aver lasciato il gruppo, ha intrapreso una carriera solista di successo, diventando un riferimento assoluto nel soul contemporaneo grazie a brani come “Cause I Love You”, considerato un classico intramontabile. Curtis Salgado, l’artista che ha ispirato John Belushi per creare i Blues Brothers, il funambolo del boogie – woogie Mitch Woods ospite dei Bononia Sound Machine. In America Woods è considerato uno dei migliori interpreti moderni di generi tradizionali come blues, rock & roll, boogie, jive. Karen Wolfe, Stefanie Bolton,originaria di Memphis, Tennessee, nota per la sua voce calda, elegante e molto espressiva, radicata nella tradizione del soul della città, Bigg Robb, artista soul/funk/R&B originario di Cincinnati, Ohio. Il suo stile è una fusione di funk di area Midwest, R&B, blues moderno, gospel contemporaneo e soul del Sud (southern soul). Prima volta a Porretta anche per Tad Robinson. Radici newyorkesi e spirito “soulful”. Ben 10 candidature ai Blues Music Award e concerti nei più importanti festival blues internazionali. Con uno stile influenzato da Junior Wells e Junior Parker e una voce ispirata ai grandi soul singers , da Otis Redding, Syl Johnson, Al Green e Teddy Pendergrass. I suoi ultimi cinque album pubblicati per la Severn hanno visto il supporto della grande house band della Severn e arrangiamenti per fiati e archi del leggendario produttore-arrangiatore Willie Henderson. Nel 2019 registra a Memphis “Real Street” con la HI Rhythm Section e la regia di Scott Bomar.

Il suono lo porta a sperimentare con successo l’alchimia dei grandi classici di Memphis ed è una vera delizia per gli appassionati di soul. A Porretta sarà supportato dai collaudati Ozdemirs dove troneggia l’organo Hammond di Alberto Marsico. Per l’ottava volta a Porretta le deliziose Sweethearts ,band tutta al femminile, 22 ragazze sul palco, studentesse del Matthew Flinders Girl Secondary College di Geelong, Victoria cittadina non distante da Melbourne, Australia, una scuola musicale che è divenuta una fucina di talenti. Sono alla loro ottava presenza al Porretta Soul Festival, dove approdarono la prima volta nel 2002. Suonano e cantano new soul – una fusione di stili cha vanno dal classico soul della Stax a quello più vicino al pop della Motown. Da Detroit arriva Thornetta Davis, che della Motor City è considerata l’indiscussa regina del rhythm & blues. Nel 2017 ai Blues Music Award il suo album è stato nominato Miglior Album di un Artista Emergente per poi ripetersi nel 2023 e nel 2025 con la nomination come ‘Artista Femminile Soul Blues dell’Anno’. Dal 1988, il festival è diventato il più prestigioso appuntamento europeo interamente dedicato alla musica soul e rhythm & blues, con una particolare attenzione al Memphis Sound. Di recente Graziano Uliani, fondatore e direttore artistico è stato insignito del prestigioso Memphis Music Hall of Fame Legacy Award. Nel corso del tempo, Porretta ha ospitato alcuni dei più grandi nomi del soul: molti sono arrivati per la prima volta in Europa proprio grazie al festival, altri – autentiche leggende – sono stati riscoperti in piccoli centri del “deep south” degli Stati uniti e rilanciati davanti a un pubblico internazionale. La stampa ha spesso parlato del “miracolo di Porretta” come di uno degli eventi musicali più autentici degli ultimi decenni.

Inoltre, si potranno visitare il parco Rufus Thomas, via Otis Redding, un ponte dedicato a Solomon Burke, un museo dedicato alla Soul Music e quindici murales dedicati ai grandi del soul.

Il programma definitivo è in fase di completamento

Per maggiori informazioni sulla programmazione e l’acquisto dei biglietti consultare il sito ufficiale

.www.porrettasoulfestival.it
