Quarta Parete Roma

"Animal Farm – Pink Floyd History Live Experience e AbbaDream" al Teatro Brancaccio
2026-05-15 21:00 - 2026-05-16 21:00 (Europe/Rome) | Teatro Brancaccio, Via Merulana, 244, Roma, 00185, Italia
Il Teatro Brancaccio di Roma ospita due produzioni firmate Stage 11 dedicate alla storia della musica internazionale. Venerdì 15 maggio alle ore 21:00 andrà in scena l’anteprima di Pink Floyd History – Animal Farm, seguito sabato 16 maggio alle ore 21:00 dallo spettacolo AbbaDream. Entrambe le produzioni propongono un approccio analitico al repertorio originale, unendo ricerca tecnica e apparati visivi dedicati per informare e coinvolgere il pubblico attraverso i grandi classici del rock e del pop. Venerdì 15 maggio, il Brancaccio ospita l’anteprima di Animal Farm – Pink Floyd History Live Experience, il nuovo world tour 2026/2028. Lo spettacolo, portato in scena da una delle tribute band più affermate in Europa dopo 15 anni di tournée internazionali, propone un’esperienza costruita su due livelli. Alla precisione dell’esecuzione musicale, che rispetta l’identità sonora dei Pink Floyd, si affianca una narrazione visiva ispirata all’album Animals(1977) e alla visione distopica di George Orwell. Videoproiezioni, luci e scenografie digitali trasformano il concerto in un racconto contemporaneo sul potere e la società.”Dopo dieci anni Pink Floyd History rivoluziona il suo format”, spiega il direttore musicale Massimiliano Salani. “Dopo quattro tour con il marchio di fabbrica di uno storytelling in rigoroso ordine cronologico, per Animal Farm rompiamo lo schema. In occasione della celebrazione di un disco amatissimo come Animals, proporremo una scaletta in tre atti, ognuno incentrato sui tre concetti della fattoria degli animali e del disco. Il primo atto sarà dedicato ai ‘Dogs’, il secondo ai ‘Pigs’ e il terzo alle ‘Sheep’. Ogni capitolo vedrà i brani del disco accompagnati nel racconto musicale da altri brani storici della band. Un concept sonoro e visual che ci auguriamo rapisca gli spettatori in un viaggio emozionante”.Sabato 16 maggio ore 21.00, la scena sarà occupata da AbbaDream, produzione che riporta sul palco l’estetica e i successi della band svedese. Lo spettacolo ripercorre le tappe fondamentali del viaggio musicale degli ABBA, dai ritmi incalzanti di “Waterloo” e “Money Money Money” fino alle armonie di “Mamma Mia” e “Dancing Queen”. La qualità degli arrangiamenti e la fedeltà delle linee vocali sono integrate da costumi iconici e da una costante interazione con la platea, offrendo una panoramica completa su una produzione discografica che continua a influenzare la cultura pop contemporanea. I biglietti per entrambi gli appuntamenti sono disponibili in prevendita sul circuito

TicketOne. Prevendita Pink Floyd History: https://www.ticketone.it/event/pink-floyd-history-teatro-brancaccio-20970267/

Prevendita AbbaDream: https://www.ticketone.it/event/abbadream-teatro-brancaccio-20970268/

Appuntamenti culturali a Roma dal 15 al 21 maggio 2026
2026-05-15 20:00 - 2026-05-21 17:00 | ITA
Dagli approfondimenti storici alle passeggiate in Villa, dagli spettacoli astronomici al Planetario ai progetti sull’inclusione museale, anche questa settimana l’agenda cittadina è ricca di appuntamenti nei Musei civici e sul territorio, con proposte che spaziano dall’archeologia all’arte moderna e contemporanea. Di seguito alcune delle iniziative promosse da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.

Tra gli eventi in calendario dal 15 al 21 maggio, prosegue alla Casa del Cinema la rassegna This is Englandnell’ambito della mostra Lanterne magiche. Fotografie dalla collezione Valerio De Paolis (visitabile fino al 6 settembre al Museo Carlo Bilotti Aranciera di Villa Borghese) con la proiezione, venerdì 15 maggio alle 20.00, del film The Queen di Stephen Frears (2006). Biglietti acquistabili presso la biglietteria in largo Marcello Mastroianni 1, oppure online attraverso il sito www.casadelcinema.it o www.boxol.it/casadelcinema.

www.museocarlobilotti.it/it/notizie/alla-casa-del-cinema-si-chiude-la-rassegna-legata-alla-mostra-lanterne-magiche

Giovedì 21 maggio, alle 16.30, ci si sposta al Museo di Roma a Palazzo Braschi che ospita una nuova conferenza del ciclo Roma Racconta… A cura di Sofia Bilotta (Fondazione MAXXI), l’incontro L’accessibilità come metodo. Pratiche ed esperienze al museo MAXXI approfondisce i modelli di inclusione e accessibilità museale introdotti dal Museo nazionale delle arti del XXI secolo (ingresso libero in Sala Tenerani fino a esaurimento posti). www.museodiroma.it/it/didattica/laccessibilit-come-metodo-pratiche-ed-esperienze-al-museo-maxxi

L’agenda di Roma, la tua guida culturale – il programma di visite, incontri e formazione – si apre con le iniziative del ciclo aMICi (attività gratuite riservate ai possessori di Roma MIC Card). Venerdì 15 maggio, alle 10.30, una visita ai Fori Imperiali illustra l’evoluzione del Foro di Cesare e del Foro di Traiano dall’antichità ai giorni d’oggi (appuntamento all’ingresso dell’area archeologica, in piazza Madonna di Loreto; prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 20 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/amici-il-foro-di-cesare-e-il-foro-di-traiano-dall-antichit-ai-giorni-d-oggi-3). Lo stesso giorno, ma alle 16.30, la Galleria d’Arte Moderna di via Crispi propone una visita con interprete LIS alla mostra GAM 100. Un secolo di Galleria Comunale 1925-2025. In esposizione oltre 120 opere tra cui capolavori di Balla, Carrà, Sironi, Depero, Donghi, Guttuso, de Chirico, Raphaël Mafai (prenotazione consigliata allo 060608, massimo 25 partecipantiwww.galleriaartemodernaroma.it/it/didattica/amici-gam-100-un-secolo-di-galleria-comunale-1925-2025-3). Martedì 19 maggio alle 16.00, invece, al Museo di scultura antica Giovanni Barracco è in programma un approfondimento su Uno straordinario ritratto dall’Egitto tolemaico che ne ricostruisce il contesto storico e artistico (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 25 partecipanti www.museobarracco.it/it/didattica/amici-egizio-greco-o-romano-uno-straordinario-ritratto-dall-egitto-tolemaico).

Per il ciclo Archeologia in Comune, due iniziative dedicate ai luoghi del sacro sono in calendario sabato 16 maggio. Alle 9.30, una visita al Mitreo del Circo Massimo si concentra sulla figura di Mitra e sulla diffusione del suo culto misterico a Roma (appuntamento in piazza Bocca della Verità 16; prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 5 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/mitra-e-il-suo-culto-misterico-12). A seguire, alle 10.30, una visita con interprete LIS presso l’Area Sacra di Largo Argentina si sofferma sulle trasformazioni del sacro nell’area, dall’età repubblicana all’epoca moderna (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 5 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/area-sacra-di-largo-argentina-il-culto-del-sacro-attraverso-i-secoli-3).

Gli appuntamenti all’insegna dell’archeologia continuano, domenica 17 maggio (ore 11.30), con una visita ai cinque Sepolcri repubblicani di via Statilia (appuntamento all’angolo con via di S. Croce in Gerusalemme; prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 10 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/visita-ai-sepolcri-di-statilia-3), mentre martedì 19 maggio (ore 15.15) è in programma una visita con interprete LIS alSepolcro degli Scipioni (appuntamento in via di Porta San Sebastiano 9; prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 10 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/visita-al-sepolcro-degli-scipioni-9). Alla storia di Porta San Sebastiano, l’antica Porta Appia, è dedicata l’iniziativa di mercoledì 20 maggio (ore 10.00): a partire dal Museo delle Mura, la visita comprende una passeggiata sul tratto di camminamento che si dirige verso via Cristoforo Colombo (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 10 partecipanti.www.museodellemuraroma.it/it/didattica/storia-di-porta-san-sebastiano-2). Lo stesso giorno, alle 11.45, è invece possibile accedere al cantiere di scavo della Biblioteca del Foro di Traiano in corso ai Fori Imperiali (appuntamento all’ingresso dell’area archeologica, presso la Colonna Traiana. Attività non adatta a persone con difficoltà motorie; prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 10 partecipantiwww.sovraintendenzaroma.it/content/cantieri-ai-fori-la-biblioteca-del-foro-di-traiano-11).

Doppio appuntamento, domenica 17 maggio, con le Passeggiare Romane, che alle 10.30 fanno tappa a Villa Glori. Aperta al pubblico nel 1924 su progetto dell’architetto Raffaele de Vico, la Villa, immersa tra i quartieri Parioli e Flaminio, prese il nome di “Parco della Rimembranza” in memoria dei caduti della prima guerra mondiale. Il percorso si concentra sulle aree di interesse storico e artistico in particolare sulle opere contemporanee che compongono il Parco delle Sculture, costituito nel 1997 con un’iniziativa di esposizione permanente site-specific dal titolo Varcare la soglia. Appuntamento all’interno della Villa, presso l’Altare ai Caduti (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 30 partecipanti www.sovraintendenzaroma.it/content/villa-glori-e-il-parco-delle-sculture-fra-storia-e-restauri). A seguire, alle 11.00, il Museo della Repubblica Romana e della memoria garibaldina propone l’itinerario Sul Colle di Giano. Memorie del territorio lungo la Passeggiata del Gianicolo per approfondire il settore dell’area gianicolense che si spinge verso il Vaticano (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 25 partecipanti www.museodellarepubblicaromana.it/it/didattica/sul-gianicolo-1873-dalla-vocazione-agricola-allo-sviluppo-urbano).

Al Planetario di Roma proseguono gli spettacoli astronomici. Per il pubblico adulto: From Earth to the Universe (in inglese – venerdì 15 e giovedì 21 maggio alle 16.00; mercoledì 20 maggio alle 17.00); Space Opera(venerdì 15 maggio alle 17.00; sabato 16 maggio alle 10.00; martedì 19 e giovedì 21 maggio alle 18.00); Ritorno alle Stelle (venerdì 15 maggio alle 18.00; sabato 16 e giovedì 21 maggio alle 17.00; domenica 17 maggio alle 10.00 e alle 16.00; martedì 19 e mercoledì 20 maggio alle 16.00); Interstellari – il viaggio delle sonde Voyager(sabato 16 e domenica 17 maggio alle 11.00; martedì 19 maggio alle 17.00; mercoledì 20 maggio alle 18.00);Ecologia cosmica: figli delle stelle, custodi della Terra (sabato 16 maggio alle 12.00); La magia dell’aurora boreale (sabato 16 maggio alle 16.00; domenica 17 maggio alle 18.00); La notte stellata (domenica 17 maggioalle 17.00).

Per i più piccoli, sabato 16 (alle 18.00) e domenica 17 maggio (alle 12.00) torna lo spettacolo giocoso e interattivo Girotondo tra i Pianeti.

Acquisto biglietti online su https://museiincomuneroma.vivaticket.it/it/tour/trova-il-tuo-spazio-planetario-roma/2998– www.planetarioroma.it.

Il programma potrebbe subire variazioni. Per tutti gli eventi, visite e incontri, info e prenotazioni allo 060608 (attivo tutti i giorni ore 9.00-19.00). Modalità di accesso e tariffe su www.museiincomuneroma.it;

"CHAOS" al Comunale di Ferrara
2026-05-15 18:00 - 2026-05-16 15:30 | Teatro Comunale Ferrara, Corso Martiri della Libertà 5, Ferrara, ITA, 44121, Italy
Venerdì 15 maggio alle 18.00 presso il Ridotto del Teatro Comunale secondo appuntamento della diciannovesima edizione del festival miXXer, il festival di musica contemporanea del Conservatorio G. Frescobaldi di Ferrara. L’edizione di quest’anno si intitola CHAOS e intende sottolineare la tradizione ormai ventennale di proporre generi diversi all’interno dell’ampio e variegato repertorio del XX e XXI secolo con l’intento di esaltare la cultura frammentista tipica della nostra epoca.

Un percorso musicale che attraversa epoche, linguaggi e geografie sonore, costruendo un dialogo vivo tra tradizione e contemporaneità: è questa la cifra del concerto in programma venerdì 15 maggio alle ore 18.00, negli spazi del Ridotto, con un’apertura che si irradia simbolicamente anche nella Rotonda Foschini.

Il programma musicale si apre con Clapping Music di Steve Reich, emblema del minimalismo novecentesco, eseguito nella suggestiva cornice della Rotonda Foschini: un brano essenziale e ipnotico, costruito esclusivamente sul ritmo e sulla progressiva sfasatura tra due esecutori, che introduce immediatamente il pubblico in una dimensione di ascolto attivo e percettivo.

Il percorso prosegue con le Canzoni da battello di Salvatore Sciarrino, raffinate rielaborazioni di melodie veneziane del Settecento, in cui la vocalità si fa fragile, sospesa e intensamente evocativa. A interpretarle sono Anna Rigotti, voce, insieme a Olga Mykulyak al violino, Danny Vommaro alla viola e Kahila Franchini Suarez al violoncello, dando vita a un tessuto sonoro rarefatto e carico di suggestione. Sciarrino ritorna più avanti nel programma con un secondo gruppo di brani, affidati alla voce di Kahila Franchini Suarez con l’accompagnamento di oboe e chitarra, ampliando ulteriormente la dimensione intima e teatrale della sua scrittura.

Accanto a queste pagine, il concerto propone Railroad Sunset di Mario Pagotto, eseguito da Leonardo Zoncati al clarinetto e Kahila Franchini Suarez al violoncello, e un affascinante momento multimediale con Cinéma di Erik Satie per pianoforte a quattro mani, interpretato da Carlo e Giovanni Bergamasco, accompagnato dalla proiezione del celebre cortometraggio muto Entr’acte di René Clair.

Ampio spazio è dedicato alla musica contemporanea e alle nuove creazioni, con il Capriccio di Patrizio Barontini per due pianoforti, e la prima esecuzione assoluta di Tre tigri contro tre tigri di Andrea Biagioli, affidata a un insolito ensemble di triangoli. La ricerca sonora prosegue con The Unanswered Question di Charles Ives, pagina iconica del Novecento che mette in scena un dialogo sospeso tra strumenti, eseguita da un ampio organico strumentale.

Il programma include inoltre una nuova composizione di Giacomo Bellini e un omaggio a György Kurtág nel centenario della nascita, con estratti da Játékok per pianoforte, testimonianza di una scrittura essenziale e profondamente espressiva.

Completano il percorso Due pezzi anestetici di Mario Garuti, affidati al dialogo tra flauto e percussioni, e Xochipilli di Carlos Chávez, intensa evocazione di una musica rituale immaginaria di ispirazione azteca, che coinvolge un ricco ensemble strumentale in un finale di grande impatto ritmico e timbrico.

Nel suo insieme, il programma si configura come un viaggio tra linguaggi, epoche e geografie sonore differenti, capace di intrecciare tradizione e sperimentazione in un continuo gioco di contrasti e rimandi.

Interpreti del programma sono i docenti e gli studenti del Conservatorio Frescobaldi, i docenti e gli studenti del Liceo musicale Carducci e alcuni musicisti ospiti.

Anche quest’anno il festival miXXer si avvale della Media Partnership di Rai Radio 3 Classica che trasmetterà un estratto del festival.

Il festival si conclude sabato 16 maggio con la passeggiata musicale nei luoghi storici della città. (h. 15.30 Giardino Palazzo Giulio d’Este. Ingresso libero, h.17.30 Palazzo Naselli Crispi. Ingresso libero (prenotazione consigliata whatsapp 3338043626), h. 20.00 Pinacoteca Nazionale. Palazzo dei Diamanti. Ingresso solo concerto 2€)

Programma dettagliato è disponibile sul sito www.consfe.it

" Da BOB MARLEY a BAD BUNNY" al Manzoni di Roma
2026-05-15 18:00 - 19:30 | Teatro Manzoni di Roma, Via Monte Zebio, 14C, Roma, RM, 00195, Italia
Dalla rivoluzione di Bob Marley alla consacrazione globale di Bad Bunny. La musica caraibica torna a riscrivere le regole del potere culturale, un filo rosso che unisce ribellione e festa, identità e trasformazione. Per il ciclo DIVI A CONFRONTO, Alessandro Alfieri torna sul palco del Teatro Manzoni di Roma con un nuovo appassionante appuntamento dal titolo Da BOB MARLEY a BAD BUNNY: Lo spirito dei caraibi tra rivoluzione e fiesta, venerdì 15 maggio alle ore 18.00.

Con la definitiva consacrazione avvenuta con lo spettacolo dell’Half Time alla finale del Superbowl, Bad Bunny è diventato il fenomeno più significativo del mutamento di paradigma che sta avvenendo a livello geopolitico globale. Il successo dell’artista portoricano segna un punto di non ritorno nel rapporto che l’immaginario statunitense ha sempre intrattenuto con la cultura latina. Così come avvenne negli anni 60 con la mitologia rastafariana di Bob Marley, Bad Bunny si fa espressione di una rivendicazione che da un lato mette in discussione la retorica americana identitaria, dall’altro testimonia come da sempre, nella cultura caraibica, rivoluzione e ribellione si sono sempre coniugate con lo spirito della festa.

Attraverso l’ascolto di brani e la visione di videoclip musicali e immagini, Alessandro Alfieri accompagna il pubblico attraverso un percorso fatto di riflessi e paragoni, tra passato e presente, tra generi musicali differenti, per mettere in evidenza come alcune icone immortali dell’industria culturale contemporanea abbiano influenzato l’immaginario, dicendoci qualcosa del nostro presente.

Il filosofo della popular culture e professore di Teoria e metodo dei mass media propone al pubblico spunti interessanti per ragionare, partendo da alcuni grandi personaggi, sulle trasformazioni avvenute nella nostra società. E per dimostrare ancora una volta come i prodotti dell’entertainment e le “divinità” del mondo dello spettacolo influenzino il nostro universo, comprendendo così anche le ragioni del loro successo.

Nelle scorse stagioni, sempre al Teatro Manzoni, Alessandro Alfieri ha proposto diversi incontri sulla Pop Music e i cicli Videostar, Rocksofia e Musiksofia. Giornalista pubblicista, è autore di numerosi volumi tra cui Bill Viola. Trascendenze digitali (2025), La fondazione massmediale del mondo. Estetica e ontologia dell’immaginario contemporaneo tra popular music e nuova serialità (2024), Che cos’è la video-estetica (2019), Lady Gaga. La seduzione del mostro. Arte, estetica e fashion nell’immaginario videomusicale pop(2018). Nel 2019 ha pubblicato con Il Melangolo Rocksofia. Filosofia dell’hard rock nel passaggio di millennio.

Dirette da Alessandro Vaccari, SCRITTORI IN SCENA e MANZONI IDEE, da un’idea di Carlo Alighiero, sono le proposte culturali del Teatro Manzoni di Roma, storico teatro del quartiere Prati, nuovo punto di riferimento per i lettori e gli autori.

Ingresso libero fino ad esaurimento posti

Tel. 06.32.23.634 – WhatsApp 327.89.59.298

e-mail eventi@teatromanzoniroma.it

www.teatromanzoniroma.it

Galleria dei busti al Museo dell'Ara Pacis
2026-05-15 09:30 - 18:30 | Museo dell’Ara Pacis, Via di Ripetta, 180, Roma, IT, 00186, Italia
Il Museo dell’Ara Pacis presenta un nuovo progetto di valorizzazione della propria collezione permanente, dedicato in particolare alla Galleria dei busti: a partire dal 15 maggio, alcune opere della Galleria – che accoglie i calchi in gesso di ritratti dei principali membri della famiglia di Augusto – saranno approfondite grazie a una serie di podcast offerti gratuitamente ai visitatori.

L’iniziativa è promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali con il sostegno dellaFondazione Sorgente Group. Podcast realizzati da Foglio Edizioni. Servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

La Galleria dei busti, arricchita fin dal 2017 da sei calchi donati dalla Fondazione Sorgente Group e tratti da originali della propria collezione, presenta i volti di alcuni dei più importanti tra i famigliari del primo imperatore. Le loro vite, le imprese militari, gli amori e le vicende personali saranno raccontati da otto podcast, disponibili in italiano e in inglese e fruibili in autonomia grazie a un QR code presente accanto a ciascuna didascalia.

Attraverso la voce narrante, si presentano al pubblico figure come Augusto, con il fedele generale e amico Agrippa, e inoltre Marcello, il preferito per la discendenza imperiale, nonché i nipoti Gaio e Lucio Cesari, figli di Giulia, e la splendida ed elegante Antonia minore con suo figlio, il coraggioso Germanico.

“Grazie alla collaborazione con Fondazione Sorgente Group, arricchiamo l’esperienza di visita del Museo con nuovi strumenti di approfondimento, pensati per rendere la fruizione ancora più coinvolgente. Non più soltanto una galleria di volti ma un racconto vivo, capace di restituire identità, ruolo e importanza ai personaggi nell’età augustea. Un percorso che accompagna i visitatori nell’osservazione del monumento, invitandoli a riconoscerne le presenze e a scoprirne, dettaglio dopo dettaglio, il significato e la storia”, ha sottolineato il Sovrintendente Capitolino, Claudio Parisi Presicce.

“Raccontare le vicende degli eredi di Augusto avvicina il pubblico alla storia e alle dinamiche dinastiche imperiali con maggiore partecipazione”, ha dichiarato Valter Mainetti, Presidente della Fondazione Sorgente Group. “I ritratti in gesso, copie fedeli dagli originali in marmo di età augustea, sono una preziosa testimonianza e documentazione scientifica e danno la possibilità di riunire insieme in un unico luogo opere conservate in diverse istituzioni museali”.

“La dinastia imperiale della gens giulio-claudia è da sempre protagonista nelle nostre attività culturali e nelle scelte di acquisizione”, ha proseguito Paola Mainetti, Vicepresidente della Fondazione Sorgente Group. “La collaborazione con la Sovrintendenza Capitolina e il Museo dell’Ara Pacis ha visto la realizzazione di numerosi progetti espositivi. Ringraziamo per questa fiducia e stima il Sovrintendente Claudio Parisi Presicce”.

Bando ottava edizione Festival Teatrale "Teatramm 2026"
2026-05-15 00:00 - 23:59 | ITA
EDM FACTORY in collaborazione con il TEATRO PORTA PORTESE di ROMA e il NUOVO TEATRO AMG di MARINO presentano:

BANDO PER OTTAVA EDIZIONE DEL FESTIVAL TEATRALE

“TEATRAMM 2026“ – VIII edizione

Direzione artistica: Emiliano De Martino

A settembre 2026 partirà l’ OTTAVA edizione del festival teatrale TEATRAMM’ che ospita ormai da anni le compagnie di tutta Italia, selezionate attraverso un bando ufficiale di concorso.

La Direzione Artistica è di Emiliano De Martino che, nel 2019, inaugurò questo concorso portandolo, attraverso le varie edizioni, ad una crescita esponenziale e creando una vera e propria rete tra artisti e addetti ai lavori del comparto teatrale.

INFO TECNICHE PER INIZIARE

La durata massima di ogni spettacolo non dovrà essere inferiore ai 55 minuti e non superiore ai 90 minuti totali.

Gli spettacoli verranno votati dal pubblico presente in sala e da una giuria tecnica composta da attori, registi, giornalisti, critici e produttori.

Ogni serata vedrà sul palcoscenico del teatro Porta Portese di Roma -sito in via Portuense N° 102 – 00153- Roma- N° 3 spettacoli. Il primo a partire dalle ore 17.00 e a rotazione fino alle ore 21.30 con l’ultimo spettacolo della giornata.

Il pubblico avrà una scheda per la votazione dello spettacolo che vedrà al suo ingresso in sala, mentre la giuria sarà presente a tutti gli spettacoli, la percentuale dei voti verrà suddivisa al 50% di competenza della giuria e al 50% dal pubblico. La somma delle due sessioni di voto porterà a decretare il passaggio alla finale e alla posizione definitiva in classifica.

IL VINCITORE DEL CONCORSO

“COME NOVITA’ DELLA SCORSA EDIZIONE E CONFERMATA ANCHE PER QUESTA PROSSIMA”, il vincitore avrà la possibilità di entrare “NON SOLO” nel cartellone teatrale del teatro in cui il festival avrà luogo, ossia il TEATRO PORTA PORTESE di Roma per la stagione 2026/2027, ma anche nel cartellone 2026/2027 delNUOVO TEATRO GRASSI AMG di MARINO del quale Emiliano De Martino cura la direzione artistica della stagione e la gestione.

BANDO DI PARTECIPAZIONE

Emiliano De Martino in collaborazione con il Teatro Porta Portese, rappresentato dal direttore artistico Antonino Tosto, indicono un bando di partecipazione per la messa in scena di spettacoli teatrali a settembre 2026.

La compagnia ospite avrà a disposizione materiale luci e materiale audio sotto elencata:

impianto audio composto da lettore cd, entrata per pc portatile

impianto luci, -vedi scheda tecnica-

Assistenza tecnica per allestimento a carico dell’organizzazione del festival.

tecnici e assistenti di scena sono a carico della compagnia partecipante.

Sono ammessi spettacoli della durata minima di 55 minuti e dalla durata massima di 90 minuti, tema libero, editi o inediti, anche liberi da diritti Siae, non vi è limite al numero di interpreti.

SI RICHIEDE DI ALLEGARE ALLA PROPOSTA:

breve sinossi del testo che si intende realizzare

scheda artistica con interpreti, regia, e altri artisti impegnati

recapito del referente unico della compagnia

foto e cv del referente unico

un video integrale & trailer dello spettacolo -link youtube/ vimeo-

NO FILE DA SCARICARE WETRANSFER/ FILE MAIL E SIMILI

numero posizione del testo se depositato SIAE

locandina formato web

specificare se l’opera è stata già rappresentata a Roma / quando / in che teatro e con che tiratura.

Tutto il materiale dovrà essere inviato entro e non oltre il 15 Maggio 2026 solo ed esclusivamente all’indirizzo email: teatramm@libero.it

Da specificare nell’oggetto: CANDIDATURA BANDO TEATRAMM’2026

nel caso di superamento della selezione la produzione dovrà fornire all’organizzazione del Festival delle note di sala in formato flyer (non obbligatorio ma preferibile)

la quota di iscrizione sarà di 90.00 € da versare solo dopo la comunicazione telefonica o scritta da parte della direzione artistica per l’avvenuta accettazione dello spettacolo all’interno del FESTIVAL TEATRAMM’.

le spese SIAE sono a carico della compagnia/ o dichiarazione di esenzione da diritti Siae.

le spese di agibilità per i giorni di spettacolo della compagnia selezionata sono a carico della compagnia per gli artisti e i tecnici coinvolti.

"Il gioco delle forme" a Teatrosophia. Torna Bruno Petrosino
2026-05-14 21:00 - 2026-05-17 18:00 | Teatrosophia, Via della Vetrina, 7, Roma, 00186, Italia
Dopo il successo ottenuto nella prima parte della stagione, Bruno Petrosino torna a Teatrosophia da giovedì 14 maggio con un nuovo monologo dove affronta con sensibilità e profondità i temi dell’identità e dell’accettazione, diretto da Stefano Ferrara.

Un attore giovane, ma con un solido e articolato percorso teatrale alle spalle. Un volto dai tratti inconfondibili che ha già conquistato il pubblico nella prima parte della stagione con Nessuno dopo di te. Bruno Petrosino torna in scena con un monologo intenso e delicato: un atto di resilienza gentile, un invito ad andare oltre le apparenze, a mettere in discussione l’idea che esista una forma “giusta” in cui incasellarsi. Un augurio sincero: imparare ad amare qualcuno per ciò che custodisce dentro.

Emidio è un uomo incinto. Il motivo per cui lo sia non è noto, è così e basta, è come il miracolo della creazione, solo che non c’è stato nessun arcangelo fluttuante ad annunciarglielo. Come comportarsi in questi casi? Come dare una spiegazione razionale a qualcosa che capita e basta, un qualcosa di extraordinario che rende straordinarie queste vite ordinarie? Emidio è un uomo incinto che soffre il concetto atavico di genitorialità. Com’è possibile poter sacrificare la propria vita per dare al mondo un’ulteriore bocca da sfamare, proprio lui che, a detta sua, tornando indietro, non ci metterebbe proprio piede su questo mondo? Emidio è un uomo incinto che non sa accudire e pensa solo ai fatti suoi. Non vuole assumersi la responsabilità di sé stesso, figuriamoci di un altro. Emidio è un uomo incinto che quando si siede non sta mai comodo, che cambia sempre posa della schiena, che beve l’ultimo goccio della bottiglia.

Al termine dello spettacolo, Teatrosophia avrà il piacere di offrire il consueto aperitivo, un momento di incontro e condivisione dedicato ad artisti e pubblico.

Orari spettacolo: giovedì a venerdì – ore 21:00 – sabato e domenica – ore 19:00

Biglietti: € 15,00 + tessera associativa

Prenotazioni: https://www.teatrosophia.it/index.php/le-stagioni/2025-2026?view=article&id=108&catid=9

N.B: Per accedere alla prenotazione è necessaria la registrazione all’Associazione Culturale Teatrosophia per la sottoscrizione della tessera associativa che sarà valida per tutta la stagione 2025/2026.

https://www.associazioneteatrosophia.it/index1.asp

Info: info@teatrosophia.com

Tel. 0668801089- – Whatsapp: https://wa.me/+393533925682

"MITI" al Teatro Marconi
2026-05-14 21:00 - 2026-05-17 17:30 | Teatro Marconi, Viale Guglielmo Marconi, 698e, Roma, Italia
Mito. Mite. Possono essere la stessa parola? Può un mito essere mite o un mite essere un mito?

“Miti” è un emozionante viaggio attraverso il passato per rievocare uomini e donne che hanno inciso sulle vicissitudini e i mutamenti del mondo, anche quando forse, clamorosamente, non ce ne ricordiamo più.

Ripercorrendo la storia di un tempo appena andato, ci abbandoneremo a una divertente ma profonda riflessione su valori e virtù che caratterizzano uomini e donne che vivono la vita con autenticità e integrità.

Alla fine rimarrà nell’aria il ricordo di un viaggio che ci ha fatto sorridere, riflettere e commuovere.

Dal giovedì al sabato ore 21.00, domenica ore 17.30

Info e biglietteria – 06 5943554 – info@teatromarconi.it – 3757717111 (solo whatsapp)

"CARTA STRACCIA" al Teatro De' Servi
2026-05-14 21:00 - 2026-05-17 17:30 | Teatro De’ Servi, Via del Mortaro, 22, Roma, 00187, Italia
Approda al Teatro de’ Servi dal 14 al 17 maggio CARTA STRACCIA, spettacolo di Mario Gelardi con la regia di Pino Strabioli, anche in scena accanto a Sabina Knaflitz e Mauro de Fusco.

I protagonisti Teresa e Agostino, sono due fratelli immersi nel loro laboratorio di carta artigianale, molto lontani dagli accadimenti rivoluzionari del 1968 che cambieranno nel profondo il volto del mondo. Teresa e Agostino saranno sorpresi dal giovane Remo, un nipote inaspettato il cui arrivo cela un personale segreto, destabilizzante come la Rivoluzione che avanza. È il 1968 e Roma vibra a tempo di musica, cinema, moda, proteste studentesche. Le donne chiedono a gran voce un radicale cambiamento. Patty Pravo è la regina del Piper. È l’inizio di una rivoluzione che muterà il volto della storia. In un piccolo laboratorio di carta artigianale lavorano Teresa e Agostino, due fratelli che a malincuore, sono costretti a convivere. Il loro mondo è lì, tra quelle quattro mura, a riparo da quella rivoluzione che sembra così distante dalla loro vita che scorre tranquilla. Talmente tranquilla che anche la loro attività ormai sembra un ricordo del passato, tanto da convincerli a chiudere bottega e ritornare al paese natio, dove il padre aveva lasciato loro una casa in eredità. Carta Straccia, inizia proprio da qui, dall’ultimo giorno di apertura del loro piccolo laboratorio di carta artigianale, quando un periodo della loro vita sembra essere terminato e un altro, ancora più tranquillo, pare stia per iniziare. Ma le strade della vita sono imprevedibili e in quell’anno di svolta tutto sembra possibile.

“La svolta” si presenta sotto le sembianze di Remo, nipote mai conosciuto, figlio di una sorellastra quasi dimenticata. Remo sembra il personaggio di un romanzo di Palazzeschi, Remo è come il ’68: una vera rivoluzione per le vite dei due fratelli. Agostino e Teresa decidono di non lasciare più Roma e di accogliere quel nipote gioioso e solare che, col passare dei giorni, sembra quasi dominare le loro vite.

Tra gelosie e ripicche i due fratelli iniziano a rendersi conto che quel bellissimo ragazzo nasconde un segreto, un segreto che invano cercano di scoprire. È la storia italiana di quei giorni che irromperà nella vita dei due; la rivoluzione, tenuta fuori dalla finestra, è in realtà entrata dalla porta principale.

Il duo DINDO - LUCCHESINI all'Accademia Filarmonica Romana
2026-05-14 21:00 - 22:30 | Accademia Filarmonica Romana, Via Flaminia, 118, Roma, ITA, Italy
Dopo il successo del 2025, tornano giovedì 14 maggio (ore 21) per l’ultimo concerto di stagione dell’Accademia Filarmonica Romana al Teatro Argentina,Enrico Dindo al violoncello e Andrea Lucchesini al pianoforte, interpreti fra i più rinomati e importanti del nostro paese, che con la Filarmonica hanno avviato una residenza triennale che si concluderà nel 2027.

Legati alla più recente storia dell’Accademia anche per averne tracciato le linee guida degli ultimi anni, curando le direzioni artistiche, ad accomunare Dindo e Lucchesini è anche il loro modo di vivere la musica: la passione per il repertorio di musica da camera e del “fare musica insieme”, il desiderio di esplorare la musica senza confini, spaziando dal classico al contemporaneo, l’instancabile dedizione verso la formazione di giovani talenti.

Per il secondo dei tre concerti programmati nel triennio 2025-27, Il Duo affronta alcune delle pagine più note del repertorio romantico per musica da camera, il tutto impreziosito dal suono profondo del violoncello di Dindo, un Pietro Giacomo Rogeri (ex Piatti) del 1717. Il concerto si apre e si chiude nel segno di Robert Schumann con due composizioni accomunate dallo stesso anno di nascita, il 1849, un anno particolarmente felice nella vita tormentata del musicista tedesco, e dalla destinazione da Hausmusik, la musica dei salotti che si eseguiva all’epoca, per il diletto e per occasioni private. Scritte per oboe, violino o clarinetto, talvolta eseguite anche col violoncello, come in questo caso, le Tre romanze op. 94 sono piccole composizioni dal carattere delicato in un intenso dialogo tra i due solisti, mentre i Cinque pezzi in stile popolare op. 102, vedono la predominanza del violoncello, con l’impiego di melodie dal carattere popolare e dal lirismo e cantabilità che risaltano lo strumento a corda.

Al centro del programma la Sonata in fa maggiore op. 99 di Johannes Brahms, la seconda e ultima che il musicista scrisse per violoncello e pianoforte, nel 1886. A ispirarla fu il virtuoso violoncellista berlinese Robert Hausmann, che l’eseguì a Vienna nella prima esecuzione pubblica, con Brahms al pianoforte. Essenziale concisione e solidità dell’impianto formale, flusso impetuoso del primo e terzo movimento, intensità espressiva e lirica del secondo e quarto, la Sonata richiede al violoncellista un impegno tecnico ed espressivo non comune, per quello che molti considerano uno dei capolavori di musica da camera di secondo Ottocento.

XIX edizione Festival mixer al Comunale di Ferrara
2026-05-14 18:00 - 2026-05-16 15:30 | Teatro Comunale Ferrara, Corso Martiri della Libertà 5, Ferrara, ITA, 44121, Italy
Il festival miXXer, ideato e organizzato dal Conservatorio Frescobaldi di Ferrara, giunge alla XIX edizione e avrà luogo il 14, 15 e 16 maggio 2026 presso Palazzo Naselli Crispi, Ridotto del Teatro Comunale, giardino di Palazzo Giulio D’Este, Pinacoteca Nazionale di Ferrara e loggiato di Palazzo dei Diamanti, grazie alla collaborazione con i numerosi partner istituzionali della città e con il Patrocinio del Comune di Ferrara.

Presentato oggi alle 11.00 in conferenza stampa il programma del festival miXXer del Conservatorio Frescobaldi di Ferrara che giunge quest’anno alla sua diciannovesima edizione. La Direttrice del Conservatorio Frescobaldi, prof.ssa Annamaria Maggese commenta: MiXXer, la rassegna più longeva del Frescobaldi, da un’idea del M° Stefano Cardi e del compianto M° Giordano Tunioli, allora Direttore, ha il merito di mantenere vivo il dibattito su quale possa essere la musica definibile come contemporanea e sul nostro modo di viverla. Il Novecento è stato secolo di grande esplosione di “musiche nuove” , di grande effervescenza e al contempo di grandi contrasti ed estetiche ideologizzate. Storicamente non troppo presente, se non del tutto assente, nei programmi ministeriali, con inclinazione all’accademismo, nei Conservatori si è implicitamente compresso l’interesse per la contemporaneità, la creatività pura, la scoperta nonchè la ricerca di nuove sonorità e di nuovi confini musicali, che invece devono essere il nutrimento principale del musicista nel pieno della sua fase evolutiva. Mixxer, coinvolgendo gran parte del Conservatorio in molte sedi prestigiose della Città, ha quindi il pregio sia di coinvolgere i nostri giovani studenti e di condurli a sperimentare e a sperimentarsi e ad aprire nuove porte sia di assottigliare le distanze generazionali tra i compositori e tra gli esecutori”.”

Ideatore e direttore artistico di miXXer è Stefano Cardi, docente da molti anni al Conservatorio Frescobaldi e responsabile dell’area musica contemporanea che ha illustrato i contenuti musicali di questa edizione: “Il titolo scelto per questa edizione, CHAOS (Secondo il grande filosofo Emanuele Severino, la parola Chaos non starebbe a indicare il disordine, la mescolanza, quanto piuttosto l’apertura di tutte le aperture, il trarsi in disparte di ogni sipario, così che ciò che si costituisce non è un certo spettacolo, ma è lo spettacolo degli spettacoli: appunto perché l’apertura del sipario non è parziale, ma totale; è la totalità che si mette in mostra), intende sottolineare la nostra tradizione ormai ventennale di proporre generi diversi all’interno dell’ampio e variegato repertorio del XX e XXI secolo con l’intento di esaltare la cultura frammentista tipica della nostra epoca.”

La manifestazione è nata con lo spirito di una forte collaborazione tra compositori, interpreti, docenti e studenti, come un laboratorio musicale contemporaneo che affianca la scrittura alla performance, la didattica storica alla sperimentazione, al gioco musicale.

Il repertorio del festival, concepito sin dai suoi inizi con una forte spinta all’inclusività, lascia ampio spazio a “voci” di compositori non necessariamente riconducibili alle avanguardie della cosiddetta musica colta. Per questo motivo troviamo affiancate nei programmi culture musicali diverse che hanno in comune ricerca, sperimentazione, riflesso della cultura frammentista tipica dei nostri tempi.

Le geografie toccate nel programma sono ampie e variegate, dalla nuova musica italiana, a composizioni delle avanguardie storiche, dalle trascrizioni d’autore a brani di ispirazione popolare dell’America Latina.

Tra i compositori del XX e XXI secolo eseguiti nel festival citiamo:

Patrizio Barontini, Béla Bartók, Mauro Bellagamba, Andrea Biagioli, Giacomo Bellini, Giuliano Bracci, Va-lentino Bucchi, Sylvano Bussotti, Luca Buzzavi, Christian Carlino, Luciano Chailly, Carlos Chavez, Aldo Clementi, Gianluca Deserti, Duke Ellington, Mario Garuti, George Gershwin, Alberto Ginastera, Radamès Gnattali, Maria Grever, Gerardo Guevara, Hans Werner Henze, Charles Ives, Adriano Lunghini, Henry Mancini, Michele Montagner, Mariano Mores, Mario Pagotto, Charlie Parker, Francesco Pennisi, Astor Piazzolla, Marco Pütz, Lorenzo Rubboli, Steve Reich, Silvestre Revueltas, Erik Satie, Salvatore Sciarrino, Kurt Weill, Christian Wolff, Hans Zimmer.

Inoltre avrà luogo uno speciale Omaggio a György Kurtág nel centenario della nascita con estratti da Jatekok per pianoforte.

Dario Favretti, Direttore organizzativo e Coordinatore artistico di Ferrara Musica, ricorda l’origine del festival e il suo legame con la città di Ferrara “Il Festival miXXer riallaccia idealmente i fili con la straordinaria stagione d’avanguardia che vide il “Frescobaldi” — allora Liceo Musicale — protagonista assoluto della musica contemporanea a Ferrara tra la fine degli anni Cinquanta e i primi anni Sessanta. Sotto la guida illuminata di Riccardo Nielsen, l’istituto divenne un crocevia di innovazione, ospitando figure del calibro di Stockhausen e Bussotti e offrendo il palcoscenico alle esecuzioni dal vivo delle loro musiche e di altre di Boulez, Cage e Manzoni. Questa eredità d’eccellenza e sperimentazione è rifiorita nel 2001 con la nascita della manifestazione (originariamente titolata “Tanti suoni per un giorno”), concepita sin dal debutto come una grande esperienza di aggregazione cittadina, capace di mettere in rete, per la prima volta, realtà educative e formative eterogenee come le scuole a indirizzo musicale, gli istituti privati e il Conservatorio stesso. ”

Interpreti del programma sono i docenti e gli studenti del Conservatorio Frescobaldi, i docenti e gli studenti del Liceo musicale Carducci e alcuni musicisti ospiti. Un assaggio del festival è stato presentato al termine della conferenza stampa con l’esecuzione del brano “Cantastorie” di Luciano Chailly per soprano e fisarmonica e Clapping Music di Steve Reich.

Anche quest’anno il festival miXXer si avvale della Media Partnership di Rai Radio 3 Classica che trasmetterà un estratto del festival.

Le date:

Giovedì 14 maggio

Concerto ore 18 al Ridotto del Teatro Comunale. Ingresso libero

Venerdì 15 maggio

Concerto ore 18 al Ridotto del Teatro Comunale. Ingresso libero

Sabato 16 maggio

Passeggiata musicale nei luoghi storici della città.

h. 15.30 Giardino Palazzo Giulio d’Este. Ingresso libero

h.17.30 Palazzo Naselli Crispi. Ingresso libero (prenotazione consigliata whatsapp 3338043626)

h. 20.00 Pinacoteca Nazionale. Palazzo dei Diamanti. Ingresso solo concerto 2€

Programma dettagliato è disponibile sul sito www.consfe.it

Festival delle Colline Geotermiche alla 15a edizione
2026-05-14 11:00 - 2026-07-11 17:00 | ITA
L’inaugurazione della 15a edizione del Festival delle Colline Geotermiche si terrà giovedì 14 maggio, una data che coincide con la celebrazione dei 400 anni dalla morte del grande Cristoforo Roncalli detto Il Pomarancio (Pomarance, 8 settembre 1552 – Roma, 14 maggio 1626) protagonista dell’arte europea tra manierismo e innovazione. In scena, la mostra-spettacolo “Ho visto Van Gogh. Matteo si espone” di Teatro Magro che traduce la dimensione della fragilità in gesto creativo tra biografia e arte, attraverso il lavoro pittorico e narrativo di Matteo Rosignoli ispirato all’opera di Van Gogh e Artaud.

Officine Papage – con la direzione artistica di Marco Pasquinucci e la direzione organizzativa di Annastella Giannelli – proporrà dal 14 maggio all’11 luglio 2026 un calendario articolato in 44 appuntamenti, con 6 prime assolute e 4 anteprime nazionali – tra cui quelle dei nuovi spettacoli di Oscar De Summa e Mauro Pescio (entrambi prodotti dal Teatro Metastasio di Prato) – e ospiti eccellenti come Stefano Massini e Andrea Pennacchi, per trasformare i borghi della Val di Cecina e delle colline metallifere toscane in un sistema diffuso di spazi performativi mettendo al centro dialogo tra comunità, paesaggio, arte e teatro contemporaneo. “La bellezza dei margini” è il sottotitolo che anche quest’anno orienta il Festival delle Colline Geotermiche, nella convinzione che ciò che sembra laterale e fragile – nei territori come nelle biografie, nei linguaggi come nei processi creativi – in realtà rivela spazi di osservazione inediti e relazioni sempre nuove tra visibile e invisibile. Questa scelta parla la lingua profonda dei luoghi abitati dal Festival, vive nel loro paesaggio (come conferma il rinnovo della partnership con il Parco Nazionale delle Colline Metallifere UNESCO Global Geopark e Terre di Pisa), e detta la linea totale di Officine Papage, dal concept grafico 2026 – firmato da Enrico Pantani, pittore e disegnatore di questi luoghi ormai diventato una figura di spicco nel panorama nazionale – alle performance sul palco.

Ospiti

La 15a edizione del Festival delle Colline Geotermiche mette in campo una fitta rete di artisti ricca di eccellenze nazionali e internazionali. A Pomarance arrivano gli artisti del Teatro Da Garagem da Lisbona, con “Metamorfoses” (4 giugno), ispirato all’opera di Ovidio, e Stefano Massini con “La ricerca della felicità” (14 giugno), uno spettacolo che risponde con vitalità e ironia alla dittatura del sorriso obbligatorio. Mauro Pescio – podcaster rivoluzionario – è a Montieri con il suo “Malamente” (20 giugno) per raccontare le zone d’ombra della cronaca e dell’animo umano nel ritmo magnetico della sua narrazione tra realtà e finzione. Il caustico umorismo di Luigi Ciotta si fonde con la poesia di Pīnar Bekaroglu, nella magia della natura (“I diari dello stare”, in anteprima il 21 giugno a Castelnuovo V.C.). Valentina Dal Mas porta a Pomarance (25 giugno) il suo “Luisa”, Premio Scenario Periferie 2023. Oscar De Summa presenta a Monteverdi M.mo in anteprima nazionale “I’m Looking For” (26 giugno), un nuovo monologo in cui il ricordo privato diventa un’indagine collettiva sulla sopravvivenza e sul destino. Luca Radaelli chiude il Festival a Castelnuovo V.C. rievocando l’avventura di uno dei più grandi alpinisti italiani nello spettacolo “In capo al mondo. Viaggio con Walter Bonatti” (Castelnuovo V.C., 11 luglio).

Grande spazio sarà dato, come ogni anno, alla creatività delle nuove generazioni, con un vero e proprio vivaio creativo under 35, che vedrà i giovani artisti immersi in un percorso di condivisione con le comunità delle colline. “Scavare e togliere. Esistere è una necessità spaziale” di Kauwa-Auwa (21-22 maggio, prima nazionale) coinvolge le corali del territorio, in un dialogo tra ricerca contemporanea e tradizione popolare. L’ironia surreale targata generazione Z è di scena con “Tik Tok TAC. Il risveglio del Principe d’Egitto” di Valerio Di Martino e Matilde Zavagli. (27 maggio, prima nazionale). Giulia Scotti in “Quello che non c’è” (28 maggio) propone uno spettacolo che intreccia illustrazione e narrazione in una riflessione delicata sulla memoria. Il collettivo OperazioneMiro (Premio Intransito 2025) porta a Pomarance “Oasi Kebab”(28 e 29 maggio), un lavoro che intercetta con energia e immediatezza le tensioni identitarie del presente. Pilar Ternera e Compagnia A.D.D.A. presentano “Disastri. Ovvero quel che resta” (25 giugno, prima nazionale), dove le storie frammentate del caos presente si ricompongono negli occhi di chi guarda.

Sezione Open

Il filo dell’attenzione a linguaggi e pubblici differenti attraversa tutto il Festival, soprattutto con lo sviluppo della ‘Sezione Open’, progetto realizzato con fondi Otto per Mille della Chiesa Valdese. Si va dall’utilizzo degli Smart Glasses per la traduzione in tempo reale – come nello spettacolo di Ilaria Pardini “In compagnia dell’Ape Sunny” (18/22 maggio), fruibile anche per le famiglie delle comunità macedoni – al progetto di Valentina Lisi dedicato agli over 65, con lo spettacolo “Ricordi” (27 maggio), fino alla riflessione su percezione e identità in chiave teatro-danza di“Aspettando Godot… Ha detto che non viene” (18 giugno, prima nazionale) – uno spettacolo corale di Paola Consani prodotto da Officine Papage e nato dal laboratorio “La porta senza maniglia”, aperto a anche a persone con disabilità fisica e psichica. Per arrivare alle sonorità ‘silenziose’ degli artisti sordi, come Diana Anselmo e Nicola Della Maggiora, e a performance come “Music For Your Body. Un viaggio nella dimensione dell’ascolto tattile” di Franco Corica, che lavora sulla percezione sensoriale della music dance (19 giugno).

Evento Speciale

In programma, anche un evento speciale il 5 agosto. Andrea Pennacchi sarà a Monteverdi M.mo con il suo “Shakespeare & Me”, uno spettacolo che racconta come le opere e i personaggi del Bardo gli abbiano cambiato la vita, chiosando con una frase che Il Festival delle Colline Geotermiche condivide perfettamente: «le storie che racconti modificano il mondo (una persona alla volta)».

Il “Cult”

In omaggio al territorio e alla profondità dell’ascolto, torna in scena lo spettacolo ‘cult’ di Officine Papage in versione itinerante: “L’Imbarazzo dell’Infinito”,un dispositivo drammaturgico concepito per un singolo spettatore alla volta, ispirato al mondo di Isaac Asimov (Monterotondo M.mo, Montieri, Monteverdi M.mo e Sasso Pisano tra il 28 maggio e l’11 luglio).

Eventi Collaterali

Passeggiate, laboratori per adulti e ragazzi, apericene e incontri completano il programma, per moltiplicare le occasioni conviviali tra comunità, pubblico e artisti, consentendo agli spettatori di approfondire in prima persona l’esperienza del Festival.

Il Festival delle Colline Geotermiche è un progetto di Officine Papage. In collaborazione con Comune di Pomarance, Comune di Monterotondo Marittimo, Comune di Castelnuovo Val di Cecina, Comune di Monteverdi Marittimo, Comune di Montieri. Con il supporto di MIC – Ministero della Cultura, Regione Toscana. Con il contributo di Enel, SCL Ambiente. Si ringraziano i mecenati Fondazione Cassa di Risparmio di Volterra, Fondazione CR Firenze. Progetto realizzato con fondi Otto per Mille della Chiesa Valdese. In partnership con Parco Nazionale delle Colline Metallifere UNESCO Global Geopark, Terre di Pisa, Camera di Commercio Toscana Nord – Ovest, Volterra Valdicecina Consorzio Turistico, Dipartimento di Civiltà e Forme del Sapere – Università di Pisa. Media partner Radio Bruno.

www.officinepapage.itprenotazioni@officinepapage.itWhatsApp – SMS 3342698007

Antonio e Cleopatra al Teatro Satiro OFF
2026-05-14 10:00 - 2026-05-17 17:00 | Teatro Satiro Off, Vicolo Satiro, 8, Verona, 37121, Italia
Dal 14 al 17 maggio, Casa Shakespeare porta in scena Antonio e Cleopatra al Teatro Satiro OFF.

Immaginate un camerino. Uno specchio acceso, circondato da luci. Attori, attrici, corpi in trasformazione.

Poi immaginate una relazione che esplode: privata, pubblica, osservata. Un amore che non riesce a restare intimo, perché tutto diventa spettacolo. Casa Shakespeare rilegge Antonio e Cleopatra di William Shakespeare attraversando il confine tra tragedia e commedia, tra storia e contemporaneità.

Già nell’antica Roma, la fama era costruita su voci e pettegolezzi. E al centro di tutto c’erano loro: Antonio e Cleopatra.Un binomio indissolubile, travolto dal racconto che lo circonda.Lo spettacolo mette a fuoco proprio questo:non solo l’amore, ma il conflitto.Non solo la passione, ma l’ego.

Tra tradimenti, seduzioni e ritorni, i due protagonisti si muovono in una dinamica instabile e feroce, dove il comico e il tragico convivono. Il linguaggio è diretto, rapido, sorprendentemente contemporaneo: una storia che suona come cronaca emotiva, quasi gossip.

In scena, la vicenda si intreccia con un altro mito: quello di Elizabeth Taylor e Richard Burton. Due amanti iconici che, come Antonio e Cleopatra, hanno trasformato la loro relazione in spettacolo pubblico.

Ne nasce un adattamento che fonde estetica elisabettiana e ritmo pop, costruendo uno spettacolo breve, intenso, accessibile.Una riflessione sul potere della passione e sulla fragilità degli esseri umani quando l’amore diventa visibile a tutti.

Shakespeare 2026 è la rassegna annuale di teatro, incontri e cultura che mette in luce la città di Verona attraverso gli occhi di Shakespeare, creando un dialogo vivo tra tradizione e contemporaneità. Il calendario è su shakespeare2026.com

L’iniziativa è inserita nell’ambito dell’Olimpiade Culturale di Milano Cortina 2026, il programma che promuove i valori olimpici attraverso cultura, patrimonio e sport, in vista dei Giochi Olimpici e Paraolimpici Invernali 2026.

PARTNER

Main sponsor Magis.Con il sostegno di Confartigianato Imprese Verona.Con il patrocinio della Camera di Commercio di Verona, della Regione del Veneto, della Provincia di Verona e del Comune di Verona.

Shakespeare 2026 sarà un anno di teatro, formazione e innovazione, pensato per mettere in dialogo la tradizione shakespeariana con i linguaggi contemporanei.

CREDITI

Regia di Solimano Pontarollo

Adattamento testi: Andrea de ManincorProduzione: Casa Shakespeare

Cast

ATTORI:

Antonio/Richard: Solimano Pontarollo

Cleopatra/Lizzy: Sabrina Modenini

Coreografie: Varhynia Ziliotto

Scenografia: Simone Tessari

Genere: commedia pop

Durata: 50 minuti

Spettacolo in costume elisabettianoLingua: italiano

Date e orariGiovedì 14 maggio – ore 10:00 e ore 19:45Venerdì 15 maggio – ore 19:45Sabato 16 maggio – ore 19:45Domenica 17 maggio – ore 17:00

BIGLIETTI E INFO

Under 12: ingresso omaggio (accompagnati, prenotazione obbligatoria)Accrediti per giornalisti e blogger

Per avvicinare i giovani al teatro e renderli parte attiva dell’esperienza, sono previsti biglietti a 5 euro per studenti delle scuole superiori di Verona e provincia, presentando il badge scolastico la sera dello spettacolo.

Prenotazioni veloci:https://bit.ly/42mDzfo

Biglietteria ufficiale è online:

https://www.vivaticket.com/it/tour/shakespeare-2026/4620

Contatti e accessibilità scrivere a: info@casashakespeare.it

"Bianco" al Teatro Biondo di Palermo
2026-05-13 21:00 - 2026-05-17 20:00 | Teatro Biondo, Via Roma, 258, Palermo, IT, 90133, Italia
Debutta mercoledì 13 maggio alle ore 21.00 nella Sala Strehler del Teatro Biondo di Palermo lo spettacolo Bianco, scritto e diretto da Giuseppe Tantillo, che è anche in scena insieme a Valentina Carli. Le scene sono di Antonio Panzuto, i costumi di Alessandro Lai e le luci di Paolo Rodighiero. Repliche fino al 17 maggio.

Prodotto da Binario Vivo Teatro Nuovo, Accademia perduta Romagna teatri e Teatri molisani, Bianco è la terza opera dell’attore e autore palermitano Giuseppe Tantillo, che nel 2013 ottenne con il suo primo testo teatrale, Best friend, la menzione speciale al prestigioso Premio Riccione per il Teatro.

È una commedia che, come tutte le opere che non si prefiggono come fine unico il puro intrattenimento, cerca (invano) di trovare un senso alla nostra presenza su questo pianeta. Lo spettacolo affronta il tema del tempo e di come la malattia ne modifichi la percezione. E lo fa con un tono leggero, l’unico adatto ad affrontare certi argomenti.

Mia e Lucio si conoscono un pomeriggio nel reparto di oncologia dell’ospedale locale. Hanno rispettivamente 37 e 40 anni. E se non fosse che sono entrambi terrorizzati dall’idea di morire, si accorgerebbero subito che non si tratta di un incontro qualunque. Ma come si fa a riconoscere la vita mentre si sta guardando in faccia la morte? Ed e possibile immaginare un futuro se non si è sicuri di averlo?

Bianco parte dalla condivisone di un percorso delicato e complesso per raccontare l’incontro tra due anime che, per potersi afferrare, devono prima di tutto riuscire a restare attaccate ai propri corpi.

_____________________

Bianco

testo e regia Giuseppe Tantillo

con Valentina Carli e Giuseppe Tantillo

scene Antonio Panzuto

costumi Alessandro Lai

disegno luci Paolo Rodighiero

tecnico luci Gianni De Monaco

un progetto Bestfriend Teatro

produzione Binario Vivo Teatro Nuovo / Accademia perduta Romagna teatri / Teatri molisani

durata: 1 ora e 40 minuti

calendario delle rappresentazioni:

mercoledì 13 maggio ore 21.00

giovedì 14 maggio ore 21.00

venerdì 15 maggio ore 17.00

sabato 16 maggio ore 17.00

domenica 17 maggio ore 20.00

" La creatura del desiderio" al Teatro Brancati
2026-05-13 21:00 - 2026-05-17 17:30 | Teatro Vitaliano Brancati, Via Sabotino, 4, Catania, ITA, 95129, Italy
Dal 13 al 17 maggio al Teatro Vitaliano Brancati di Catania va in scena il testo di Andrea Camilleri nel libero adattamento drammaturgico, la regia e l’interpretazione di Massimo Venturiello

Una vera e propria ballata noir, in cui la musica klezmer dialoga con la voce, costruendo una struttura ritmica serrata e coinvolgente. Al Teatro Brancati di Catania, nell’ambito della Stagione del Teatro della Città, debutta mercoledì 13 maggio, ore 21, La creatura del desiderio di Andrea Camilleri, con il libero adattamento drammaturgico, la regia e l’interpretazione di Massimo Venturiello. Lo spettacolo, prodotto dal Teatro della Città – Centro di Produzione Teatrale e in scena fino al 17 maggio, vanta le musiche del Quartetto Klezmer (Pasquale Laino, clarinetto; Andrea Pandolfo, tromba; Riccardo Manzi, chitarra; Fabia Salvucci, voce) e si avvale della cura tecnica di Andrea Memoli (luci e fonica), dando vita a una potente partitura scenica in cui parola e suono si fondono in un racconto emotivamente travolgente. Ambientata nel 1912, la vicenda prende avvio un anno dopo la morte di Gustav Mahler e si concentra sulla figura di Alma Mahler, giovane e affascinante vedova, e sul suo incontro con il pittore Oskar Kokoschka. Tra i due nasce una relazione intensa e tormentata, segnata da passione, creatività e una gelosia sempre più soffocante. Ma l’inquietudine di Alma e l’ossessivo bisogno di possesso di Kokoschka conducono inevitabilmente alla rottura…

Con quest’opera, Massimo Venturiello conferma il suo percorso artistico centrato su una parola scenica viva e musicale, capace di attraversare i grandi testi con rigore e sensibilità contemporanea. Attore di lunga esperienza tra teatro, cinema e televisione, Venturiello ha costruito negli anni un linguaggio registico riconoscibile, fondato sull’intreccio tra narrazione e partitura sonora, dove la musica non è semplice accompagnamento ma elemento strutturale della drammaturgia. In questo spettacolo, la sua direzione esalta la tensione emotiva del testo di Camilleri, trasformandolo in un flusso scenico serrato e immersivo.

Info e biglietti allo 095530153

CALENDARIO SPETTACOLImercoledì 13 maggio, ore 21 giovedì 14 maggio, ore 17:30 venerdì 15 maggio, ore 17:30 sabato 16 maggio, ore 17:30 e ore 21domenica 17 maggio, ore 17:30

"Casanova" al Teatro Vascello
2026-05-13 21:00 - 2026-05-17 17:30 | Teatro Vascello, Via Giacinto Carini, 78, Roma, RM, 00152, Italia
Dopo essersi misurato con Pier Paolo Pasolini in Calderón e Thomas Ligotti in Nottuari, il regista Fabio Condemi torna a collaborare con il LAC portando in scena Casanova, lavoro di cui Fabio Cherstich firma scenografia e drammaturgia dell’immagine, su un testo originale di Fabrizio Sinisi. Ispirato alle memorie autobiografiche del celebre intellettuale veneziano Giacomo Casanova, lo spettacolo si avvale dell’interpretazione di Sandro Lombardi, grande protagonista del panorama teatrale italiano.

Inverno 1798. Nel Castello di Dux, in Boemia, un medico esperto di mesmerismo viene chiamato per visitare un uomo ormai al crepuscolo della vita: Giacomo Casanova, bibliotecario al servizio del Conte di Waldstein da quindici anni, vuole recuperare la memoria perduta. Malandato e amareggiato, Casanova trascorre le sue giornate tra vecchi libri e scontri con i cortigiani che gli parlano in una lingua a lui estranea. Durante la seduta mesmerica, lo stato di coscienza alterato spalanca le porte della memoria di Casanova, ma i ricordi che affiorano non sono quelli descritti nei suoi Mémoires: sono visioni, premonizioni, apparizioni. Il medico ascolta la storia di Casanova, una storia popolata di fantasmi, un viaggio in cui compaiono personaggi del suo passato quali il frate Balbi, la giovane amata Henriette e l’esoterica Marchesa D’Urfé. Ma è davvero la memoria ciò che Casanova cerca? O forse, giunto alla fine del viaggio, l’unico vero sollievo è l’oblio? Casanova è una riflessione sulla memoria e sul tempo di un’intera epoca. Filosofo, prestigiatore e truffatore, Giacomo Casanova ha attraversato il Secolo dei Lumi per spegnersi alla fine del Settecento, mentre il mondo si trasforma e inizia la modernità.

Note di drammaturgia Fabrizio Sinsi

Sonata di fantasmi

Casanova è una meditazione sulla memoria e sul tempo: non solo quelli di Giacomo Casanova, ma di un’epoca intera. Ci sono personaggi osservando i quali si può misurare la transizione di un’epoca storica. Casanova – nato all’inizio del secolo, nel 1725, e morto alle soglie del successivo, nel 1798 – è uno di questi corpi che funzionano come dei campi di battaglia. Pochi più di lui sono stati così profondamente europei, espressioni di una cultura esuberante e libera da confini nazionali; pochi più di lui hanno saputo, quasi loro malgrado, incarnare un secolo. Giacomo Casanova è forse la più perfetta cartina di tornasole del Settecento, un secolo che vive uno dei più grandi stravolgimenti culturali, politici e antropologici che la storia ricordi: la fine dell’aristocrazia e l’ascesa della borghesia; il tramonto dei miti religiosi e l’accelerazione del capitalismo di mercato; l’inizio dell’età dei Lumi e del razionalismo materialista. È il secolo di Kant e della “scomparsa della realtà” a favore della percezione soggettiva del mondo. È il secolo del terremoto di Lisbona, che nel 1755 sconvolse le coscienze di tutta Europa, generando la convinzione che non una sapienza divina governasse il la natura, ma un caso cieco e puramente deterministico. È il secolo di Voltaire, che infatti compare in scena come uno speaker a commentare gli eventi; è il secolo della tecnologia e delle prime macchine industriali; è il secolo del primo volo a bordo di una mongolfiera, che destò immenso stupore e fece sognare a tanti il sovvertimento delle leggi della natura per mezzo dell’ingegno umano. Infine, è il secolo della Rivoluzione Francese, vero e proprio spartiacque tra due epoche. In tutti questi eventi, Casanova è stato in qualche modo un testimone, una coscienza scomoda, fastidiosa, tormentata – piena espressione del suo tempo e, contemporaneamente, suo elemento rimosso, qualcosa di tenace, disturbante e regressivo che il progresso deve espellere per poter evolvere. Quest’uomo malinconico e rancoroso, rinchiuso come un prigioniero in una piccola biblioteca in Boemia, non è solo una celebre personalità del tempo che fu: è una maschera tragicomica, un paradigma che cambia, un’icona che segna la fine di un mondo e l’inizio di un altro. Il teatro, diceva Artaud, è dialogo con i morti. Questo è il centro intorno a cui ruota Casanova: il teatro come rito che mette in comunicazione i vivi e i morti, presente e passato, quello che c’è, quello che non c’è più e persino quello che sarà. Il tempo è irrevocabile e scorre in una sola direzione, ciò che è accaduto una volta non tornerà mai più: questo ricordano continuamente i personaggi che in questa lunga notte vengono a visitare Casanova, come una specie di monito instancabile. Eppure, il rito teatrale permette ciò che nella vita è impossibile: infrangere l’univocità del tempo, invertire il suo flusso, sparigliare le carte dell’irrevocabile. La vita di Giacomo Casanova è sempre stata un inno alla vitalità: avventuriero, amante, giocatore d’azzardo, latitante, soldato di ventura, filosofo itinerante – la sua esistenza è sempre attraversata da un desiderio incontenibile e sfuggente: un’inquietudine, una continua fuga in avanti. Ora, nell’ultimo atto della sua vita, quell’inquietudine diventa emblema di una ribellione disperata contro la mortalità. Questo rappresentano i diversi personaggi di questa sonata di fantasmi: l’affabile e ambiguo mesmerista; il frate Marino Balbi, compagno di cella di Casanova nel suo periodo di detenzione nel carcere dei Piombi; la giovane amata (e poi abbandonata) Henriette; e soprattutto la lunare, esoterica e futuristica Marchesa D’Urfé: tentativi di fermare l’entropia del mondo, di modificare quell’irrevocabilità che fa apparire ogni vita simile a un destino. Ognuno di loro rappresenta un turning-point nella vita di Casanova, un punto interrogativo della sua biografia, come un crocevia rimasto drammaticamente aperto. Come ha scritto una volta Friedrich Nietzsche: si ricorda solo ciò che non ha mai smesso di dolorare.

Note di regia Fabio Condemi

Fantasmi, memoria, illuminismo

Inverno 1798: un medico esperto di mesmerismo arriva a Dux, in Boemia, per visitare il vecchio bibliotecario. Quel bibliotecario è Giacomo Casanova, che da quindici anni è al servizio del Conte di Waldstein. Casanova si presenta vecchio e malandato. Sta catalogando dei libri ed è in collera con i cortigiani di Dux che gli parlano in tedesco, lingua che non conosce. L’unica impresa che lo appassiona ora è la composizione della Histoire de ma vie, il gigantesco libro di memorie della sua vita, delle sue avventure, dei suoi viaggi e delle sue fughe. Arrivato al settimo volume, Casanova ha iniziato a perdere la memoria e, terrorizzato, ha fatto chiamare il mesmerista per recuperarla. Il vecchio Casanova, eternamente esule e straniero nel Mondo Nuovo, forza del passato, è ossessionato dal tempo perduto, dall’infanzia perduta, e ricorda per rivivere con tutto se stesso quei momenti. Durante la seduta mesmerica, Casanova, in uno stato di coscienza alterato, comincia a ricordare; ma non sono veri ricordi, sono diversi da quelli che lui ha descritto nelle memorie, hanno il carattere di visioni, premonizioni, apparizioni. Il medico ascolta la storia di Casanova, una storia popolata da fantasmi, da immagini fantasma. La memoria per Casanova comincia con un episodio di epistassi. Un bambino con il sangue che cola copiosamente dal naso. Dopo il ricordosogno ad occhi aperti dell’epistassi, Casanova si ritrova nel buio di un convento, il letto bianco illuminato dalla luce lunare, le voci dei preti, le imposizioni dei preti nei suoi confronti, i legami con i compagni. Casanova, ormai profondamente immerso nel sonno mesmerico, si ritrova in un banchetto veneziano durante la sua ultima notte di libertà. Infatti, la notte tra il 25 e il 26 luglio 1755 egli fu arrestato e rinchiuso nei Piombi. L’accusa ufficiale era di aver diffuso dei versi antireligiosi. Il medico mesmerista che cerca di farlo guariresvegliare si confonde nel sogno con il suo compagno di cella, il frate somasco Marino Balbi. Nella notte della fuga dai Piombi si verifica il terremoto di Lisbona, evento che scosse le coscienze di un’intera generazione. Il terremoto ebbe una forte influenza su molti pensatori europei dell’Illuminismo, che dibatterono nell’ambito della cosiddetta filosofia del disastro. Il carattere apparentemente arbitrario con cui persone furono risparmiate o uccise dal terremoto fu utilizzato da Voltaire per screditare il concetto di “miglior mondo possibile”. Casanova fugge da Venezia. Inizia il suo lungo esilio. A Parigi frequenta il salotto della Marchesa D’Urfé, estimatrice di arti esoteriche. La marchesa, a detta dello stesso Casanova “folle solo per eccesso di intelligenza”, col nome iniziatico di Egeria, era una cultrice di magia, discepola dell’alchimista Benoît de Maillet detto Taliamed, “ottima alchimista” lei stessa. La D’Urfé possedeva un vero e proprio laboratorio alchemico ed aveva raccolto nella sua biblioteca una vasta messe di importanti manoscritti, specialmente paracelsiani. La marchesa lascia il posto a Henriette. Nell’opera autobiografica Casanova narra di essersi imbattuto nell’autunno del 1749, a Cesena, in un’affascinante giovane donna francese che, in fuga dai torti a lei inflitti da marito e suocero, viaggiava – indossando abiti maschili – alla volta di Parma in compagnia di un anziano Capitano di un reggimento ungherese. La giovane, la cui educazione e sensibilità tradiscono l’alto lignaggio, si fa chiamare Henriette. Forse Henriette è l’unica donna che Casanova abbia mai amato, eppure lui non riesce a ricordarne il volto. L’ultima cosa che Henriette disse a Casanova (anzi scrisse su un vetro) fu “Dimenticherai anche Henriette”. Alla fine della seduta, il cui scopo era recuperare la memoria perduta, Casanova capisce che forse quello che deve fare è dimenticare tutto.

Biografie

Fabrizio Sinisi Drammaturgia

Drammaturgo, poeta e scrittore, nel 2012 debutta come autore teatrale con La grande passeggiata per la regia di Federico Tiezzi. Dal 2010 è dramaturg della Compagnia Lombardi-Tiezzi e consulente artistico del Centro Teatrale Bresciano. Suoi lavori sono stati tradotti e rappresentati anche in Austria, Croazia, Egitto, Francia, Germania, Gran Bretagna, Grecia, Romania, Spagna, Svezia, Svizzera e Stati Uniti. Collabora stabilmente con “Doppiozero” e con il quotidiano “Domani”. Ha ottenuto diversi premi, tra cui la menzione dell’American Playwrights Project, il Premio Testori per la Letteratura e il Premio Nazionale dei Critici di Teatro. Nel 2025 è in uscita per Mondadori il suo primo romanzo.

Fabio Condemi Regia Classe 1988, si diploma al corso di regia dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio d’Amico” di Roma. Successivamente collabora con Giorgio Barberio Corsetti come assistente per regie teatrali e operistiche e progetti didattici. Nel 2018 debutta alla Biennale Teatro di Venezia diretta da Antonio Latella con Jakob Von Gunten, tratto dal romanzo di Robert Walser. L’anno successivo presenta al teatro India di Roma e al Verdi di Pordenone Questo è il tempo in cui attendo la grazia, monologo ispirato dalle sceneggiature di Pasolini e interpretato da Gabriele Portoghese. Dal 2019 fa parte, insieme a DOM, Industria Indipendente, mk, Muta Imago, del nuovo progetto produttivo e abitativo del Teatro di Roma “Oceano Indiano”. Nel 2020 presenta alla Biennale Teatro di Venezia La filosofia nel boudoir del Marchese de Sade, spettacolo con cui, nel 2021, vince il Premio Ubu per la miglior regia. Per il progetto digitale del LAC Lingua Madre. Capsule per il futuro firma la regia di Analisi Logica dal testo di Riccardo Favaro, lavoro selezionato all’Incontro del Teatro Svizzero 2022. Nel 2022 porta in scena Calderón di Pier Paolo Pasolini, realizzato all’interno del progetto internazionale “Prospero Extended Theatre”. Nel 2023 dirige Nottuari, tratto dalle opere di Thomas Ligotti, e debutta come regista di opera lirica con The turn of the screw di Benjamin Britten per I teatri di Reggio Emilia. Nel 2024 firma la regia di Ultimi crepuscoli sulla terra, ispirato alle opere di Roberto Bolano. Sandro Lombardi Casanova

Attore, drammaturgo e scrittore. Diretto da Federico Tiezzi, ha interpretato, tra gli altri, testi di Aristofane, Beckett, Bernhard, Brecht, D’Annunzio, Luzi, Pasolini, Pirandello, Schnitzler. Di grande rilievo i suoi spettacoli da Giovanni Testori, che hanno rivoluzionato l’immagine dello scrittore lombardo. Per quattro volte, tra il 1988 e il 2002, ha ricevuto il Premio Ubu per la migliore interpretazione maschile. Ha inciso su cd le Poesie di Pasolini e l’Inferno di Dante (Garzanti); Il teatro di Giovanni Testori negli spettacoli di Sandro Lombardi e Federico Tiezzi (Edizioni ERI); Cleopatràs di Giovanni Testori. Le più recenti interpretazioni, unanimemente apprezzate, sono Antichi Maestri di Thomas Bernhard (2020), Scene da Faust di Johann W. Goethe e Il Purgatorio di Mario Luzi (2022). Con la sua prima regia ha diretto Anna Della Rosa in Erodiàs + Mater strangosciàs (2023). Fra teatro, musica e radio ha lavorato, tra gli altri, con Furio Bordon, Arturo Cirillo, Giancarlo Cobelli, Rainer W. Fassbinder, Roberto Latini, Claudio Longhi, Mario Martone, Riccardo Muti, Giorgio Pressburger, Carlo Quartucci, Pascal Rambert, Paolo Rosa, Giorgio Sangati, Fabrizio Sinisi, Fabio Vacchi. Ha pubblicato per Garzanti Gli anni felici, romanzo di formazione vincitore del Premio Bagutta Opera Prima nel 2004. Nel 2009 è uscito il suo primo romanzo, Le mani sull’amore (Feltrinelli), seguito nel 2015 da Queste assolate tenebre (Lindau), incentrato sul suo lavoro con Mario Luzi.

Marco Cavalcoli Mesmerista

Si forma frequentando il Teatro delle Albe e poi lavorando nella scena sperimentale dei primi anni ‘90, in particolare con Teatrino Clandestino, la compagnia di teatro da discoteca Teddy Bear Company e infine Fanny & Alexander, di cui è membro dal 1998 e con cui è stato in scena in numerose produzioni teatrali, musicali e installative. Muovendosi tra teatro, musica, produzioni audiovisive e radiofoniche, ha lavorato, tra gli altri, con Elvira Frosini e Daniele Timpano, lacasadargilla, Nextime Ensemble e Tempo Reale, Mario Perrotta, Giorgina Pi, Mauro Lamanna, Gob Squad, Geppy Gleijeses, Fabio Cherstich, Fabio Condemi, Nerval Teatro, Anagoor, Silvia Rigon, Jacopo Panizza e Wang Chong, Forced Entertainment e Aldes, Berardo Carboni, Paolo Bonacelli, Veronica Cruciani, Lorenzo Gioielli, Luigi Polimeni, Dimitri Grechi Espinoza. Al cinema è stato diretto da Sydney Sibilia, i Manetti Bros, Antonio Bigini e Alessandro Soetje, e come voice actor da Mitra Farahani e Giovanni Piperno. Legge per Ad alta voce e Cose che succedono la notte programmi di Rai Radio 3. Insegna all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” e alla STAP Brancaccio di Roma. Nel 2022 vince il Premio Ubu come migliore attore italiano.

Simona De Leo Henriette

Nasce nel 2001 a Cinquefrondi, provincia di Reggio Calabria. Dopo la maturità scientifica, frequenta la Scuola di Teatro “Luca Ronconi” del Piccolo Teatro di Milano dove si diploma a giugno del 2024. A dicembre dello stesso anno prende parte allo spettacolo Sogno di una notte di mezza estate (commento continuo) di William Shakespeare/ Riccardo Favaro per la regia di Carmelo Rifici.

Alberto Marcello Voltaire

Classe 1996, inizia la sua formazione con l’attrice Lea Karen Gramsdorff, con cui avvierà una lunga collaborazione. Nel 2017 viene ammesso alla Scuola di Teatro “Luca Ronconi” del Piccolo Teatro di Milano diretta da Carmelo Rifici, dove si formerà, tra gli altri, con Alessio Maria Romano, Francesca della Monica, Antonio Latella, Paolo Rossi, Stefano Massini, Massimo Popolizio, Marta Ciappina e Lisa Ferlazzo Natoli. Debutta al Piccolo Teatro di Milano con Doppio sogno, tratto dall’omonima novella di Arthur Schnitzler, diretto da Carmelo Rifici, con cui lavora anche in Ci guardano – prontuario di un innocente, nell’ambito di Lingua Madre. Capsule per il futuro, progetto vincitore del Premio speciale Ubu 2021. Dopo il diploma, prende parte a numerosi spettacoli lavorando con diversi registi, tra i quali Giacomo Lilliù in Teoria della classe disagiata, Romeo Gasparini ne Il grande nulla, Chiara Cingolani in Astra Nostra, Federico Tiezzi ne Il Purgatorio. La notte lava la mente, Andrea Chiodi in Sogno di una notte di mezza estate e La Passione, Giovanni Ortoleva ne La dodicesima notte (o quello che volete) e La signora delle Camelie. In televisione prende parte alla serie Il Mostro, diretta da Stefano Sollima.

Betti Pedrazzi Marchesa D’Urfé

Diplomata all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” di Roma, inizia a lavorare con Luca Ronconi, suo primo maestro e regista. In quegli anni fonda la compagnia Il Quadro e gestisce il Teatro Nuovo Eden di Carpi. In teatro, tra i tanti, ha lavorato con Luca Ronconi, Giancarlo Cobelli, Vincenzo Salemme, Carlo Cecchi, Valerio Binasco, Toni Servillo, Roberto Andò, Jean Bellorini. Vince il premio Borgio Verezzi come migliore attrice non protagonista nel ruolo di Emilia in Otello di William Shakespeare ed è candidata al Premio Ubu per la Trilogia della villeggiatura di Carlo Goldoni. Di recente è stata diretta da Lino Musella in Pinter Pary. Al cinema, tra gli ultimi lavori più significativi, si ricordano 18 regali di Francesco Amato, Figli di Mattia Torre e Giuseppe Bonito, È stata la mano di Dio di Paolo Sorrentino, Il più bel secolo della mia vita di Alessandro Bardani, Benvenuti in casa Esposito di Gianluca Ansanelli, Immaculate, coproduzione internazionale diretta da Michael Mohan, Iddu di Fabio Grassadonia e Antonio Piazza, in concorso al Festival di Venezia 2024. In televisione ha partecipato a diverse fiction, tra le ultime Vostro Onore e Il metodo Fenoglio per la regia di Alessandro Casale, Imma Tataranni di Francesco Amato e Antonia diretta da Chiara Malta.

Edoardo Matteo Casanova bambino

Nasce nel 2012 a Milano, primogenito di tre fratelli. Timido e introverso, ha sempre amato il mondo dello spettacolo e il cinema, trovando nella recitazione un modo per impersonificare i suoi personaggi preferiti ed esprimere al massimo se stesso. Nel 2019 si trasferisce in Svizzera, dove inizia a coltivare la sua passione e a frequentare una scuola di recitazione. Casanova di Fabio Condemi segna il suo debutto sul palcoscenico.

Fabio Cherstich Scene e drammaturgia dell’immagine

Classe 1984, è regista e scenografo di teatro e opera. Il suo lavoro combina una meticolosa attenzione all’estetica visiva con la passione per i nuovi media e i linguaggi artistici contemporanei. Ha lavorato in numerosi teatri, tra cui Teatro Mariinsky di San Pietroburgo, Teatro Massimo di Palermo, Teatro dell’Opera di Roma, Opera d’Avignone, Opera di Marsiglia, Teatro Maillon di Strasburgo, Teatro Argentina di Roma e I Teatri di Reggio Emilia. Le sue produzioni sono state invitate a prestigiose manifestazioni internazionali, come Festival di Napoli, Festival Première-Strasbourg, Festival Dei Due Mondi di Spoleto, STUCK Contemporary Art Center Festival di Leuven e la Biennale Teatro di Venezia. È ideatore e regista di Operacamion, opera-on-the-road descritta dal New York Times come “un progetto unico capace di riportare l’opera alle sue origini”. Come regista di eventi performativi nel campo della moda e del design, ha collaborato con brand come Cassina, Gufram, Memphis Milano, Fay, Hermès, Off-WHITE e Acne Studio. Insegna Estetica della regia teatrale presso la Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi e l’Università IULM di Milano. Da sempre interessato all’arte contemporanea, con particolare attenzione alla scena underground di Manhattan degli anni ‘80 e ‘90, dal 2019 è curatore del Larry Stanton Estate di New York.

Gianluca Sbicca Costumi

Classe 1973, studia Scenografia all’Accademia di Brera a Milano. Dopo varie esperienze nel campo della moda, si avvicina al teatro come assistente di Jacques Reynaud per Lolita – sceneggiatura di Vladimir Nabokov (2001), regia di Luca Ronconi, con il quale collabora anche a Phoenix di Marina Cvetaeva (2001). Sempre del Maestro è il primo spettacolo di cui firma i costumi, Candelaio di Giordano Bruno (2001). Inizia così un sodalizio artistico con Ronconi, proseguito per 15 anni, fino al suo ultimo spettacolo, Lehman Trilogy. Collabora poi stabilmente con Claudio Longhi, per il quale firma i costumi di diversi spettacoli, tra cui La classe operaia va in paradiso e Ho paura torero. Nel corso della sua carriera, lavora inoltre, sia per la prosa sia nell’opera lirica, con numerosi registi, tra cui Massimo Popolizio, Stefano Ricci, Peter Greenaway, Alvis Hermanis, Gabriele Lavia, Federico Tiezzi, Valter Malosti, Giorgio Sangati, Jacopo Gassmann, Sergio Blanco, Roberto Latini, Fabio Condemi, Fabio Cherstich, Lino Guanciale, Fanny & Alexander. Collabora stabilmente con lo stilista Antonio Marras a diverse installazioni e spettacoli teatrali. Nel 2018 vince il Premio Ubu e il Premio Le Maschere del Teatro Italiano per i costumi di Freud o l’interpretazione dei sogni di Federico Tiezzi; nel 2022 riceve il Premio Ubu per i costumi di M Il figlio del secolo di Massimo Popolizio.

Giulia Pastore Disegno luci Dopo il liceo classico e la laurea in Discipline dello spettacolo dal vivo, si specializza in light design, seguendo dal 2012 compagnie di prosa e danza con produzioni e tournée italiane ed internazionali. Ha firmato le luci per Deflorian/Tagliarini (La vegetariana, Avremo ancora occasione di ballare insieme, Chi ha ucciso mio padre, Il cielo non è un fondale, Memoria di ragazza), Carmelo Rifici (Le relazioni pericolose), VicoQuartoMazzini (La ferocia), Cristina Rizzo (Bolero Effect, Ikea, Prelude), Marco D’Agostin (Best Regards, nominato ai Premi Ubu 2021 come miglior spettacolo di danza), Marco Lorenzi (La collezionista e Affabulazione), Philippe Kratz (Lydia, The red shoes, Camera Obscura), Alessio Maria Romano (Principia), Giorgia Nardin (Ghisher, Anahit), Fattoria Vittadini (Amor, Salvaje, To this pourpose only) e per tutti i lavori di Annamaria Ajmone, con cui è candidata al Premio Ubu 2022 per il miglior disegno luci. Dal 2018 al 2021 ha curato la direzione tecnica e degli allestimenti di SpazioFattoria, di T!nk P!nk e del Festival del Silenzio a Milano. Dal 2022 insegna alla Civica Scuola di Teatro Paolo Grassi di Milano. Nel 2024 vince il Premio Ubu come miglior disegno luci per lo spettacolo La ferocia. Andrea Gianessi Musiche e sound design

Compositore, sound designer, musicista e autore. Laureato con lode in Dams Musica a Bologna, si dedica alla sperimentazione delle potenzialità drammaturgiche del suono. È fondatore del tsd – teatro dei servi disobbedienti e di DAS – Dispositivo Arti Sperimentali di Bologna, di cui è nella direzione artistica fino al dicembre 2024. Nel 2025 fonda, con la regista Federica Amatuccio, la Diade, gruppo di ricerca performativa. Realizza musiche e sound design per il teatro, collaborando con artisti come Fabio Condemi, Antonio Latella, Giuseppe Stellato, Franco Visioli (Stabilemobile), Silvia Rigon, Michela Lucenti (Balletto Civile), Fanny & Alexander, Jacopo Squizzato, Menoventi, Mitmacher Teatro, Ateliersi, Andrea Centazzo, Masque Teatro. I suoi lavori vanno in scena in contesti come Emilia Romagna Teatro ERT, Teatro di Roma, Teatro Stabile di Torino, TPE – Teatro Piemonte Europa, LAC Lugano Arte e Cultura, CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli-Venezia Giulia, Campania Teatro Festival, Festival delle Colline Torinesi, Kilowatt Sansepolcro, Cantiere Poetico Santarcangelo, Ravenna Festival, OperaEstate, Accademia di Belle Arti di Bologna, La Biennale Teatro di Venezia.

Andrea Lucchetta Assistente alla regia

Classe 1998, inizia il suo percorso professionale mettendo in scena Cecità di Josè Saramago presso il Teatro Nuovo di Napoli nel 2017. Nel 2021 consegue il diploma di regia presso l’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico” di Roma. Ha curato alcune delle proprie produzioni affiancato dalla guida di professionisti come Giorgio Barberio Corsetti in Sulla strada maestra di Anton Cechov, Massimiliano Civica in uno studio su Patroni Griffi, Arturo Cirillo in Questi Fantasmi di Eduardo De Filippo. Collabora come assistente per Sergio Ariotti, Andrea De Rosa, Andrea Baracco, Carlo Cecchi, Fabio Condemi, Leonardo Manzan. È il fondatore del collettivo Asilo Republic. Tra i lavori realizzati, Il Calapranzi di Harold Pinter al Teatro Nuovo di Napoli, uno studio su Friedrich Dürrenmatt al Teatro India di Roma, Elettra di Euripide, Dust to Dust di Robert Farquhar, L’isola di Arturo di Elsa Morante, Il tempo di stare insieme di cui cura drammaturgia e regia. Nel 2022 porta in scena La tempesta di William Shakespeare nella traduzione di Eduardo De Filippo al Teatro Olimpico di Roma. Nel 2023 debutta il progetto Shame Culture, prodotto dal Teatro Elfo Puccini di Milano.

Info e prenotazioni esclusivamente tramite abbonamenti Zefiro , Eolo e CARD LIBERA E CARD LOVE e VIVISPETTACOLO, info promozioneteatrovascello@gmail.com – promozione@teatrovascello.itBiglietti: Intero 25 euro – Ridotto over 65: 20 euro – Ridotto addetti ai lavori del settore e Cral/Enti convenzionati: 18 euro – Ridotto studenti, studenti universitari, docenti e operatori esclusivamente delle scuole di teatro, cinema e danza 16 euro e gruppi di almeno 10 persone 16 euro a persona È possibile acquistare i biglietti, abbonamenti e card telefonicamente 065881021 con carta di credito e bancomat abilitati, acquista direttamente alla biglietteria – acquista tramite bonifico bancario SOLAMENTE PER GRUPPI DI ALMENO 10 PERSONE a favore di Coop. La Fabbrica dell’Attore E.T.S. BANCA INTESA SAN PAOLO ag. Circ. Gianicolense 137 A di Roma iban IT28f0306905096100000013849oppure acquista on line https://www.vivaticket.com/it/ticket/casanova/268560

Info: 06 5881021 – 06 5898031

promozioneteatrovascello@gmail.com – promozione@teatrovascello.it

ORARI spettacoli

dal martedì al venerdì h.21

sabato h.19

domenica h.17

BIGLIETTERIA

intero € 25

over 65 € 20

cral e convenzioni € 18

studenti € 16

Abbonamenti

le card libere a 6 spettacoli e le card love sono valide fino al 24 maggio 2026, ultima replica dell’ultimo spettacolo in cartellone. Gli abbonamenti e le card sono nominativi ma cedibili

"La disfatta. Gli ultimi giorni del bunker" al Teatro Basilica
2026-05-13 21:00 - 2026-05-15 21:00 | Teatro Basilica, Piazza di Porta San Giovanni, 10, Roma, 00185, Italia
Il 30 aprile 1945 a Berlino, asserragliato nel bunker costruito sotto il palazzo della Cancelleria, Adolf Hitler si suicida insieme ad Eva Braun appena sposata. Poco dopo Joseph Goebbels, ministro della propaganda e gauleiter della Capitale, insieme alla moglie Magda avvelena i suoi bambini e con lei anch’egli si toglie la vita.

Pochi epiloghi di foschi periodi della storia hanno tanto somigliato alla rappresentazione teatrale di una tragedia, immaginata e addirittura in qualche modo provata per giungere all’immagine scenica voluta. La materia del racconto, benché calata nei fatti veri della storia, mi ha riportato alla crudeltà e alla violenza del dramma elisabettiano. Ma il dramma non è rappresentato, è raccontato, rivissuto, puntigliosamente rievocato da una mente che è rimasta chiusa nella prigione di una follia lucida che le suggerisce parole quasi “indicibili”.

Il mio Fritz, il personaggio da me inventato per dar voce a questa quasi inspiegabile follia che riassume l’abbaglio di un intero popolo comincia a parlare osservando il mucchietto di terra che indica il luogo dove “tutto è avvenuto”, dove “la tragedia si è consumata”. Fritz pensa che il nazismo non sarebbe dovuto durare dodici anni, ma mille, vive nella convinzione che una grande occasione sia andata perduta e tenta di spiegare il perché, ma inciampa in interminabili sillabe che si contraddicono e diventano un balbettìo quasi musicale e funereo. Nella mente di Fritz regna un irreale deserto del senso ed ogni suo movimento del pensiero è dominato da un ipotetico “se ci avevano ordinato questo, una ragione ci sarà stata” oppure “a noi piccoli, a noi deboli non è e non era permesso di addentrarci nelle immense e irraggiungibili ragioni della storia”. Forse questi sono i meccanismi che ancora guidano le ideologie che si ispirano alla flosofa nazista e che forniscono carne e sangue agli attuali movimenti neonazi che sempre più pericolosamente camminano nelle strade dell’Europa di oggi con nomi spesso contrastanti con le immagini evocate dai loro stessi proclami.

Qualche sprazzo di assurda poesia si affaccia nel monologare di Fritz e diventa canto, una paurosa preghiera al contrario che ci ammonisce e ci tiene ben svegli a vigilare perché non si passi il limite.

Per tenere la follia sotto controllo. Perché la follia resti tale e non si nasconda sotto un costume di mendace innocuità. Gianni Guardigli

Orario spettacoli: tutti gli spettacoli in scena in settimana dal lunedì al sabato sono in scena alle ore 21.00 tranne gli spettacoli della domenica che si tengono alle ore 16.30.

di Gianni Guardigli – Interprete Riccardo Leonelli – Regia Riccardo Leonelli – Costumi Marinella Pericolini – Musiche a cura di Francesco Pepicelli

"Il Quartetto c’era" al Teatro Verdi di Milano
2026-05-13 21:00 - 22:30 | Teatro Verdi di Milano, Via Pastrengo 16, Milano, ITA, Italia
Al Teatro Verdi prende il via mercoledì 13 maggio Il Quartetto c’era, rassegna ideata da Giangilberto Monti e prodotta dal Teatro del Buratto che riunisce quattro scrittori profondamente legati alla città di Milano, che nel corso della loro carriera hanno raccontato la musica nei suoi molteplici aspetti.

Quattro serate di narrazione musicale che ripercorrono percorsi professionali ricchi e trasversali: protagonisti sono quattro autori che non si sono limitati a scrivere saggi o dizionari, ma hanno anche ideato rassegne (come Enzo Gentile), diretto teatri (come Piero Colaprico), dato vita a incontri e produzioni musicali (come Giordano Casiraghi) o diffuso la canzone d’autore attraverso la radio (come Roberto Caselli, storica voce di Radio Popolare). Senza contare che ognuno di loro ha attraversato diversi linguaggi e media, contaminando tutto questo.

Monti, che proprio in questa sala ha debuttato nel 1979, ha ideato questo appuntamento per far conoscere chi, dietro le quinte, permette agli appassionati di scoprire storie e i personaggi che stanno dietro i piccoli e grandi nomi del mondo musicale. Sono gli intellettuali della nostra musica e i narratori di questi sogni, capaci di intercettare nuovi talenti, raccontare gli esordi di artisti affermati e restituire il senso di concerti, performance e momenti che hanno segnato la storia musicale italiana.

Ogni spettacolo è arricchito dalla presenza di un musicista, che accompagna il racconto con esecuzioni dal vivo, evocando atmosfere e brani – noti e meno noti – legati ai mondi musicali dei protagonisti.

Enzo Gentile (mercoledì 13 maggio) è accompagnato dal pianista e compositore Fabrizio Roberto Grecchi; Piero Colaprico (giovedì 14 maggio) dal cantautore Alessio Lega; Roberto Caselli (venerdì 15 maggio) dal chitarrista blues Francesco Garolfi; Giordano Casiraghi (sabato 16 maggio) dal chitarrista folk Renato Franchi.

Il Quartetto c’era conclude la rassegna Che Musica Milano che ha debuttato ad aprile al Teatro Verdi: tre appuntamenti pensati per raccontare le radici musicali di Milano, dal secondo dopoguerra fino alla fine del secolo scorso e rendere omaggio ai suoi protagonisti più iconici e ai luoghi che hanno fatto da cornice alla nascita di una tradizione unica.

"Il figlio della tempesta" al Nuovo Teatro Ateneo
2026-05-13 20:30 - 22:00 | Nuovo Teatro Ateneo, Piazzale Aldo Moro, 5, Roma, IT, 00185, Italia
il Nuovo Teatro Ateneo ospita il 13 maggio 2026 alle ore 20.30 Armando Punzo con IL FIGLIO DELLA TEMPESTA. Musiche, parole e immagini dalla Fortezza, concerto-spettacolo realizzato insieme ad Andrea Salvadori per i trent’anni della Compagnia della Fortezza.

Figura centrale del teatro contemporaneo europeo e artefice della più radicale esperienza di teatro in carcere nel nostro Paese, Punzo porta in scena un lavoro che attraversa tre decenni di ricerca artistica e umana dentro la Fortezza di Volterra, intrecciando parola, musica e immagine in una partitura di memoria, visione e trasformazione.

Lo spettacolo restituisce la materia viva di un’esperienza che ha ridefinito il rapporto tra creazione teatrale, detenzione e possibilità di riscrittura dell’esistenza, nel quadro delle attività di Terza missione della Sapienza dedicate ai temi del carcere, dell’eguaglianza e del contrasto alle discriminazioni.

"Morte di un commesso viaggiatore" al Teatro Argentina
2026-05-13 20:00 - 2026-05-24 17:00 | Teatro Argentina, Largo di Torre Argentina, 52, Roma, 00186, Italia
Morte di un commesso viaggiatore, la celebre opera di Arthur Miller, si fa specchio delle inquietudini contemporanee con la regia di Carlo Sciaccaluga, in scena dal 13 al 24 maggio al Teatro Argentina.

Quando, nel 1949, lo spettacolo debuttò a Broadway, l’America era immersa in quel paradossale slancio ottimistico del dopoguerra, tra ricostruzione materiale, boom economico, fiducia cieca nella promessa di un’ascesa sociale illimitata, ma Arthur Miller seppe cogliere fin da subito il volto oscuro di quel mito: la brutalità nascosta sotto la superficie del successo, la solitudine di chi misura il proprio valore sul metro della competizione, la disperazione di chi non può permettersi il fallimento. Oggi, in un mondo in cui il capitalismo è diventato non soltanto un sistema economico, ma una forma di vita interiore, Morte di un commesso viaggiatore non parla più soltanto dell’America, ma dell’intera umanità globalizzata.

La regia di Carlo Sciaccaluga è uno scavo doloroso nel nostro presente. Il Willy Loman, interpretato da Luca Lazzareschi, non è un relitto, è il nostro contemporaneo. È l’uomo che cerca ancora, ostinatamente, di esistere in un mondo che non conosce più il valore dell’errore, della lentezza, della fragilità. Il grido d’allarme lanciato da Miller più di settant’anni fa è rimasto inascoltato, e ciò che nel 1949 sembrava già intollerabile oggi si è fatto regola, sistema, normalità. Eppure, anche in questo paesaggio di fratture, resta la traccia, inconfondibile, di un legame, di un amore che resiste, di una voce che chiama, di uno sguardo che, pur nel fallimento, cerca l’altro.

A rendere quest’opera rivoluzionaria fu anche la sua struttura formale. Miller spezza la linearità del tempo, abolisce ogni netta separazione tra realtà e memoria, presente e passato, sogno e coscienza. Le scene si fondono, si sovrappongono, si contraddicono.

Con una scena votata alla crudezza dei sentimenti più che alla ricostruzione naturalistica, e una recitazione che punta al cuore nudo dei personaggi – interpretati da Luca Lazzareschi, Pia Lanciotti, Sergio Basile, Andrea Nicolini, Giovanni Arezzo, Silvia Biancalana, Domenico Bravo, Giovanni Cannata, Michele De Paola, Eletta Del Castillo, Riccardo Livermore, Chiara Sarcona – lo spettacolo propone un viaggio dentro la disgregazione degli affetti familiari, la perdita della dignità personale, la tragedia quotidiana di chi, pur avendo dato tutto, si trova a mani vuote. È una scrittura scenica che affonda nella mente del protagonista, seguendo i suoi scarti, i suoi vuoti, i suoi deliri. In un’epoca come la nostra, in cui il concetto stesso di realtà si fa sempre più sfumato — e resta da interrogarsi se sia un bene o un male — Morte di un commesso viaggiatore si impone come una delle opere fondanti di quel lungo attraversamento della coscienza che è gran parte della letteratura occidentale del secondo Novecento.

«Rileggerla oggi significa interrogarsi su cosa ancora possiamo intendere per verità – dichiara Carlo Sciaccaluga – Morte di un commesso viaggiatore non parla più soltanto dell’America, ma dell’intera umanità globalizzata. Walter Benjamin, nel descrivere il mondo moderno, parlava della perdita d’aura: la dissoluzione dell’unicità dell’opera, e con essa dell’individuo, nell’epoca della riproducibilità tecnica. Anche Willy Loman, in fondo, è una figura senza aura: replicabile, intercambiabile, superflua. La sua tragedia è quella dell’uomo ridotto a funzione economica, che non trova più nella propria esistenza un valore intrinseco, ma solo un prezzo di mercato. Nel figlio primogenito, Willy proietta tutte le sue speranze di riscatto: un futuro migliore, la promessa di un’affermazione che a lui è stata negata. Ma il figlio stesso, pur desiderando una vita diversa, non riesce davvero a liberarsi di quella visione, non trova il coraggio di abbattere il totem paterno. Morte di un commesso viaggiatore è anche, come lo stesso Miller ha scritto, una storia d’amore tra un padre e un figlio. Ed è, come molte storie d’amore dolorose, una storia fatta di fantasie, illusioni, allucinazioni. Willy non riesce ad accettare la realtà per quella che è: inizia a crearne versioni alternative, deformate dal desiderio e dalla frustrazione. Il passato si trasfigura in un’età dell’oro perduta, il futuro proietta l’ombra di case-dormitorio affollate da un’umanità disperata e feroce, contro la quale competere senza tregua. Ma l’illusione della realizzazione di sé, del successo, sopravvive nei sogni, o meglio: negli incubi.

Accanto a lui, Linda Loman rappresenta la silenziosa, potentissima presenza dell’amore che resiste. In un testo dominato dalle voci maschili, è lei il contrappunto costante alla disperazione del protagonista: un amore reale, quotidiano, ricambiato, che non redime Willy ma lo accompagna fino all’ultimo istante, riconoscendone la dignità anche quando il mondo intero gliel’ha negata. In Linda, Miller affida alla scena una figura femminile complessa e radicale, ben lontana dalla retorica della moglie devota, e ancora oggi, nella sua semplicità, di straordinaria forza tragica. Nel suo Salesman in Beijing, Miller sottolinea come la vicenda di Willy Loman fosse immediatamente comprensibile e toccante anche per il pubblico cinese: un pubblico lontano, diverso, eppure pronto a riconoscersi nel dramma di un uomo che misura il proprio valore in base alla sua produttività. È la prova che quel “sogno americano”, con la sua promessa e il suo inganno, parla ancora al cuore ferito di ogni società che abbia fatto della competizione e dell’efficienza il perno dell’esistenza umana. Morte di un commesso viaggiatore non è un’opera che ci insegna a capire. È un’opera che ci spinge, ancora, a sentire. A non dimenticare che, prima di ogni ruolo, di ogni prestazione, di ogni aspettativa, siamo esseri umani. E che solo nelle relazioni tra esseri umani si gioca, davvero, la nostra possibilità di esistere».

Orari spettacolo:

Mercoledì 13 maggio ore 20, venerdì, martedì ore 20; mercoledì, sabato e giovedì 21 ore 19;

domenica e giovedì 14 maggio ore 17

Durata spettacolo: durata 3 ore più un intervallo

Presentazione del libro "Tutto Visconti"
2026-05-13 17:30 - 19:00 | Cinema Caravaggio, Via Giovanni Paisiello, 24, Roma, ITA, 00198, Italy
Mercoledì 13 maggio alle ore 17:30, presso il Cinema Caravaggio di Roma, si terrà la presentazione ufficiale del volume Tutto Visconti, un’opera monumentale edita da Gremese e dedicata a uno dei più grandi protagonisti della cultura europea del Novecento. L’evento rappresenta un appuntamento imperdibile per studiosi, appassionati di cinema, teatro e musica, ma anche per chiunque desideri approfondire la figura e l’eredità artistica di Luchino Visconti.

Progettato e pubblicato a 50 anni dalla scomparsa di Luchino Visconti, curato da Jean A. Gili e Piero Spila, con una prestigiosa prefazione firmata da René de Ceccatty, il volume Tutto Visconti si presenta come un dizionario antologico che ripercorre, dalla A alla Z, l’intera carriera del grande regista: dal cinema al teatro, dall’opera lirica al balletto. Dalla “A” della voce “Alain- Fournier” alla “Z” di “Zeffirelli”, passando per la “C” della “Callas” e la “N” di “Neorealismo”, il lettore può affrontare un viaggio articolato e approfondito nell’universo viscontiano, godendo della complessità e della ricchezza di una produzione artistica senza eguali.

Il libro raccoglie 80 voci redatte da 39 studiosi e critici italiani e francesi, e offrendo uno sguardo aggiornato e multidisciplinare. I contributi, rigorosi ma accessibili, affrontano temi, opere, collaborazioni e influenze che hanno segnato il percorso creativo di Visconti. Film, spettacoli teatrali, opere liriche, e poi gli incontri artistici fondamentali (Jean Renoir, Maria Callas, Alain Delon, Claudia Cardinale, ecc.), i rapporti professionali con i collaboratori più preziosi (Susi Cecchi d’Amico, Enrico Medioli, Piero Tosi). Infine i momenti che hanno segnato da vicino la carriera dell’artista: i successi e le incomprensioni, le provocazioni, gli scandali, le censure.

Arricchito da decine di immagini, il volume restituisce, anche visivamente, il mondo di Visconti nei suoi aspetti più felici e apprezzati, ma anche nelle sue difficoltà e zone d’ombra.

Tutto Visconti si configura così come una monografia definitiva su un autore di fama mondiale, capace di attraversare e unire linguaggi diversi – cinema, teatro e opera – mantenendo sempre una visione artistica coerente e riconoscibile.

Alla presentazione del 13 maggio, presso il cinema Caravaggio, interverranno il curatore Piero Spila, l’editore Gianni Gremese e Stefania Parigi, tra gli autori che hanno collaborato al volume. L’incontro sarà introdotto e moderato da Catello Masullo, nell’ambito delle attività del Cinecircolo Romano.

L’ingresso è libero fino a esaurimento posti

Biancaneve di Walser al Teatro Astra
2026-05-12 21:00 - 2026-05-31 17:00 | TPE Teatro Astra, Via Rosolino Pilo, 9, Torino, ITA, 10143, Italia
Biancaneve di Walser, con la regia di Andrea Lucchetta è l’ultimo spettacolo della Stagione del TPE, dal 12 al 31 maggio 2026 in prima nazionale al Teatro Astra.

Il mostro è la spinta a ridurre il trauma a qualcosa di comprensibile, digeribile. Biancaneve si ribella a questa narrazione: non cerca di adattarsi, ma di liberarsi. Andrea Lucchetta

Robert Walser riprende la fiaba classica di Biancaneve per immaginare ciò che accade dopo il (presunto) lieto fine. Proprio laddove la narrazione tradizionale si interrompe, i personaggi principali – Biancaneve, la Regina, il Cacciatore e il Principe – si incontrano per parlare di ciò che è accaduto e dell’intenzione della Regina di uccidere Biancaneve, attraverso un fitto dialogo che mette in discussione i ruoli prestabiliti, le dinamiche di potere e l’identità individuale. Biancaneve diventa un simbolo della ricerca interiore in un mondo che riduce le sue esperienze a un’interpretazione collettiva e soffocante. La sua storia si trasforma così in un’indagine sul modo in cui memoria ed esperienza possano essere ingabbiate da una narrazione condivisa, che limita ogni possibilità di autenticità.

Note di regia di Andrea Lucchetta

Biancaneve di Walser non è una riscrittura della fiaba nel senso consueto del termine.

È piuttosto una sospensione, una deviazione, un tempo ulteriore che si apre quando la storia sembrerebbe già compiuta. È proprio dentro questo scarto che abbiamo trovato il punto di partenza del nostro lavoro.

Walser lavora sempre su figure che sembrano muoversi alla ricerca di una forma di purezza, di tenerezza, di leggerezza. Eppure, questa ricerca si scontra continuamente con qualcosa che la incrina, la mette in crisi, la espone alla contraddizione. Nei suoi testi c’è una tensione costante tra desiderio di innocenza e consapevolezza che questa innocenza non sia più davvero possibile. I suoi personaggi restano in bilico, non coincidono mai pienamente con il ruolo che incarnano: principesse che non desiderano essere salvate, personaggi che si smarriscono proprio nel momento in cui la salvezza dovrebbe compiersi. È come se, in Walser, il compimento della fiaba fosse sempre anche il suo punto di rottura. Ed è proprio in questa instabilità che abbiamo riconosciuto un punto di contatto profondo con la nostra visione.

La nostra idea registica ha provato a muoversi dentro questa frattura. Non raccontare la fiaba, ma lavorare su ciò che resta quando la fiaba vacilla. Per questo lo spettacolo comincia nel momento in cui tutto dovrebbe già essere concluso. Biancaneve si sveglia, e da quel risveglio qualcosa si sposta irrimediabilmente. Da lì si apre uno spazio di confronto. Biancaneve interroga, accusa, ricostruisce. Chiama in causa la madre, il cacciatore, il principe. Ma si trova di fronte a personaggi che negano, dissimulano, deviano continuamente il senso delle cose.

La verità non riesce mai a imporsi del tutto. Resta instabile, mobile, sfuggente. In questo spazio, i personaggi sembrano mettere in scena se stessi: quello che sono; ciò che devono interpretare; e quello che cercano disperatamente di celare. È proprio in questa distanza che affiora la loro fragilità: una crepa che la finzione non riesce a contenere.

Dentro questa tensione, Biancaneve ci è apparsa come un’eroina dell’amore in senso pienamente walseriano. Portatrice di un amore puro, timido, silenzioso. Un personaggio che sembra inseguire quella “effervescenza” di cui parla Jakob von Gunten, quando Walser scrive: “la vita, lo sento, esige effervescenza”. Biancaneve attraversa il testo come figura della purezza, ma scopre progressivamente che ogni aspirazione all’innocenza porta con sé il proprio mostro: una zona d’ombra che non può essere espulsa, ma solo attraversata.

Ma il percorso che attraversa la conduce a una scoperta radicale: che l’amore non è mai del tutto innocente. Ed è da questa scoperta che nasce la sua scelta. Nella nostra messinscena Biancaneve sceglie di mangiare la mela avvelenata. Quel gesto non è più una caduta subita. È un atto consapevole. Un gesto che interrompe il compimento della fiaba, che rifiuta la sua promessa rassicurante, e che forse cerca una forma diversa di purezza. In questo gesto ci è sembrato di ritrovare qualcosa che appartiene profondamente anche a Walser: quella sua tensione verso una forma di sottrazione, di sparizione silenziosa, che torna inevitabilmente alla mente pensando all’immagine della sua morte, durante una passeggiata nella neve. Come se, anche lì, ci fosse l’estremo compimento di una traiettoria poetica: il desiderio di dissolversi in una leggerezza definitiva.

Forse è proprio in questa soglia — tra tenerezza e oscurità, tra desiderio di amore e desiderio di sparizione — che continua a parlarci, oggi, la sua Biancaneve.

Concept scene e costumi di Andrea Colombo

Dal luogo della morte, l’obitorio, prende avvio una progressiva ricostruzione della favola di memoria disneyiana, attraverso elementi iconici che si insinuano nello spazio e nella drammaturgia. La scena è funzionale e schematica, costruita per seguire le esigenze dei personaggi più che una logica decorativa. Ne emerge uno spazio sospeso e attivo, in trasformazione, dove l’immaginario della fiaba viene spostato, esposto e smontato. I costumi evocano l’immaginario del cartone animato per poi scartarlo, traducendo con sottile autoironia lo spirito dei personaggi di Walser. Il procedere tratteggiato della drammaturgia rivela spazi di intimità e ampie aperture, in cui attori e pubblico vivono insieme momenti di verità, oltre i confini della fiaba, lasciando che il testo dell’autore agisca come detonatore delle anime e delle relazioni.

"Stremate sotto la pioggia" al Teatro Vittoria
2026-05-12 21:00 - 2026-05-15 17:30 | Teatro Vittoria, Piazza Santa Maria Liberatrice, 10, Roma, 00153, Italia
“Stremate sotto la pioggia” è il secondo episodio della fortunatissima Saga Teatrale delle “Stremate” 8 spettacoli campioni di incasso nelle stagioni romane dal 2015 al 2024, replicati anche in un inedito “tour romano” che ne ha confermato il successo a suon di doppie, triple e sold-out. la 1^ Serie Teatrale al Mondo. Un riuscito format di teatro brillante al femminile e un acclamato esempio di “teatro seriale”. Gli spettacoli raccontano le vite paradossali ed esilaranti delle stesse tre protagoniste (con guest occasionali). Tutta la serie indaga con grande onestà e una giusta dose di cattiveria nel complicato mondo della donna di oggi. Ne mette in mostra gli aspetti più intimi ma nel contempo più quotidiani. È uno spaccato di verità spietate, grottesche, esilaranti, che nascondono tutta la fragilità, la forza, il divertimento e la profondità delle donne. Si affrontano le caratteristiche delle donne adulte “sull’orlo di una crisi di nervi”, soprattutto per colpa degli uomini; ma anche della vita, che in qualche maniera, non le ha soddisfatte del tutto. Dubbi, crisi, schermaglie, rappresentazioni di umori palpitanti e di frenesie goliardiche, nel ricordo delle grandi aspettative della giovinezza. Aspettative tradite o raggiunte? Tre donne che nascondono le loro paure, rifugiandosi in una comicità violenta e spassosa, tra Almodòvar, Woody Allen e Totò. Lo stile della Ricciardi conferma una narrazione cinematografica (sostenuta da un grande ritmo registico) e molto “chiacchierata”, come chiacchiererebbero tre amiche sincere, tra un battibecco e una risata. Sono “Stremate” dalla vita, dagli eventi e forse dalle responsabilità che non vogliono o sono in grado di sostenere. Testi sinceri ed esilaranti ma anche molto toccanti nella loro forte linea “esistenziale”, che raggiunge verità agrodolci aprendo lo spettro emotivo a tutte le donne, che troveranno nelle protagoniste un po’ di loro stesse, delle loro mamme e delle loro nonne. Una Serie che entrerà nel cuore anche agli uomini, sempre molto distratti nel capire le straordinarie donne che hanno a fianco.

“Stremate sotto la pioggia” – È la Befana del 2018. Le tre Stremate storiche, Marisa, Mirella ed Elvira sono in vacanza a Vico Equense e proprio nell’albergo di lusso dove sono alloggiate inizia il loro dramma. Piove a dirotto e Marisa ha colpito a morte un cameriere dell’albergo scambiandolo per un terrorista e la vacanza diventa un thriller comico e ricco di suspense. Tra malintesi, scaramucce e complicità Elvira confesserà di essere rimasta incinta attraverso l’inseminazione artificiale, e da questa notizia prenderà corpo tutta la nuova paradossale avventura delle Stremate, popolata da un avvocato che tartaglia, un “morto” chiuso in bagno e l’improvvisa intrusione di uno sceicco arabo. Così i pettegolezzi e le invidie tra donne contribuiranno a rendere la giornata esilarante e imprevedibile. Come sempre le Stremate daranno vita a battibecchi, angherie e confessioni esilaranti e inattese, trasportandoci ancora una volta nel mondo delle donne di oggi, con tutte le loro luci e ombre, ma sempre irresistibilmente comiche. Su tutto questo, l’inconfondibile stile registico di Patrizio Cigliano, caratterizzato come sempre da un ritmo vertiginoso e infinite trovate sceniche e un elegante stile teatrale, con chiari riferimenti alla commedia all’italiana e a Hitchcock, strizzando l’occhio a Woody Allen, Mel Brooks e Totò.

Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598

Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it

Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.

Biglietti (prevendita esclusa):

intero: platea € 27, galleria € 21

ridotto (under 35/over 65/cral): platea € 20, galleria € 17

ridotto under 18: platea € 13, galleria € 11

“Concerto di Primavera” al Teatro Alessandrino
2026-05-12 21:00 - 22:30 | Teatro Alessandrino, via Verdi, 12, Alessandria, ITA, 15121, Italy
Martedì 19 maggio 2026, alle ore 21, torna uno degli appuntamenti più attesi del panorama culturale di Alessandria e provincia: il Teatro Alessandrino (via Verdi, 12 – Alessandria) ospiterà la diciassettesima edizione del “Concerto di Primavera”.

L’evento, realizzato con il patrocinio del Comune di Alessandria, è offerto gratuitamente alla città ed è il frutto della consolidata sinergia tra il Conservatorio “A. Vivaldi” e ben 11 Club di Servizio cittadini, ovvero: Inner Wheel Club Alessandria, Lions Club Alessandria Host, Alessandria Marengo, Alessandria Cittadella, Alessandria Valmadonna Valle delle Grazie, Bosco Marengo Santa Croce, Bosco Marengo La Fraschetta; Panathlon Club Alessandria, Rotary Club Alessandria, Soroptimist Club Alessandria, Zonta Club Alessandria.

Protagonista della serata sarà, come sempre, l’Orchestra sinfonica del Conservatorio “A. Vivaldi”, la cui attività è sostenuta da anni dal Contributo della Fondazione Cassa di Risparmio di Alessandria.

A guidare la formazione orchestrale, composta da circa 50 studenti dei corsi accademici di I e II livello, sarà Paolo Ferrara, che ha diretto le orchestre di prestigiose istituzioni come il Teatro Regio di Torino e il Carlo Felice di Genova. La carriera internazionale di Ferrara, docente di Composizione del conservatorio cittadino, tocca Europa, Americhe e Giappone (Kansai Philharmonic di Osaka), oltre a registrazioni per etichette come la RCA Victor.

Il concerto – come ci racconta Federico Favali, docente di Teoria dell’Armonia ed Analisi- si apre con l’Ouverture di Axur, re d’Ormus, un’opera in cinque atti di Antonio Salieri, su libretto di Lorenzo Da Ponte. L’opera andò in scena a Vienna, al Burgtheater, nell’estate del 1788 e riscosse un successo straordinario. L’Ouverture ha un tema energico e ritmico e un altro tema cantabile. Salieri anticipa qui quell’ immediatezza espressiva che sarà centrale nel teatro musicale a cavallo tra Sette e Ottocento.

Il secondo brano è il Concerto per flauto ed orchestra in sol maggiore K313 di W.A. Mozart. Fu nel gennaio 1778, durante il soggiorno a Mannheim, che Mozart ricevette una commissione da un dilettante olandese, Ferdinand De Jean, per scrivere questo concerto. Il primo movimento si distingue per eleganza e per il dialogo fluido tra solista e orchestra; l’Adagio centrale, tra le pagine più liriche di Mozart, mette in luce la cantabilità del flauto; il Rondò finale chiude con leggerezza e brillantezza, essendo modellato su temi vivaci e trasparenti. La parte solistica del flauto è affidata a Simone Sgariboldi, giovane talento distintosi in una selezione interna e allievo di Stefano Parrino presso il Conservatorio di Alessandria, dove ha già conseguito, con il massimo dei voti, il diploma accademico di primo livello. Sgariboldi è stato inoltre dichiarato idoneo per l’Orchestra Sinfonica Nazionale dei Conservatori (ONCI) nel 2025, è attivo come camerista nel “Trio Zardino” e ha collaborato con l’Orchestra Sinfonica Campana.

Chiude il concerto la monumentale Sinfonia op. 95 “Dal nuovo mondo” di Antonín Dvořák. Quando il compositore giunse a New York per dirigere il National Conservatory of Music, nel settembre 1892, portò con sé la curiosità di un europeo affascinato dall’idea di una musica autenticamente americana. Questa Sinfonia, completata nel maggio 1893 e presentata alla Carnegie Hall nel dicembre dello stesso anno, fu il risultato di quell’incontro tra la sua anima boema e i canti delle popolazioni native che aveva ascoltato e studiato. Dvořák non cita direttamente melodie popolari ma ne assorbe lo spirito. Il risultato è una delle sinfonie più amate del repertorio con una forza espressiva immediata e duratura.

Come da tradizione, la serata celebrerà il merito accademico con la consegna di tre borse di studio straordinarie donate dai Club di Servizio a tre allievi meritevoli del “Vivaldi”, un gesto concreto per sostenere il futuro di tre giovani musicisti, che si affiancherà alla cerimonia di consegna delle 12 borse ordinarie che il Conservatorio, ogni anno, riconosce ai propri allievi più meritevoli.

I tre beneficiari delle borse concesse dai Club di servizio sono:

Riccardo Glinac, laureato in Filosofia con una tesi su Mahler e Adorno, frequenta il 2° anno del corso accademico di primo livello in Composizione e il 3° anno del corso accademico di primo livello in Pianoforte. Si è distinto nella direzione d’orchestra, vincendo audizioni e concorsi.

Chiara Pontoriero ha recentemente acquisito, con il massimo dei voti e la lode, il diploma di primo livello in Canto rinascimentale e barocco, sotto la guida di Mirko Guadagnini, con il quale sta ora seguendo il percorso accademico di secondo livello. Premiata in diversi concorsi nazionali ha collaborato con ruoli primari a molte produzioni del Conservatorio Vivaldi.

Alessio Calabrese frequenta il corso accademico di secondo livello in Liuto e il corso accademico di primo livello in Flauto dolce. Attivo in molte produzioni della rassegna “Il Cantiere di Orfeo”, con Chiara Pontoriero e Ziyu Zhang (al violino barocco) costituisce la formazione “Armonie barocche” che, in esito alle audizioni annualmente promosse dal Conservatorio, rappresenta il Vivaldi in rassegne e manifestazioni prestigiose.

I 12 destinatari delle Borse riconosciute dal Conservatorio Vivaldi sono:

Nisterov Tsvetan Georgiev (biennio canto lirico), Decarolis Matteo (triennio chitarra), Nigra Giulia (biennio flauto), Valera Casasanta Fabio Alessandro (triennio violino), Bolla Stefano (triennio strumenti a percussione), Abergo Micol (triennio tromba), Premoli Alessandro (biennio violino), Bellora Virginia (triennio viola), Ronzio Francesco Pietro (biennio musica da camera), Boestian Andrea Matteo (triennio pianoforte), Tudisco Giorgio (triennio flauto), D’Elia Anastasia (triennio viola).

Mutamenti e prospettive future allo spazio Plus Arte Puls
2026-05-12 21:00 - 21:30 | Plus Arte Puls, V.le Giuseppe Mazzini, 1, Roma, ITA, 00195, Italy
Giovedì 21 maggio 2026 alle ore 18:00, presso lo spazio Plus Arte Puls, si apre il nuovo ciclo di eventi Mutamenti e prospettive future con la mostra e l’incontro Geopolitica: trasformazioni e sviluppi, promosso dall’Associazione culturale in tempo,a cura di Ida Mitrano e Rita Pedonesi.

Il progetto intende proporre una riflessione multidisciplinare sulle trasformazioni in atto, conseguenze e sviluppi inediti nel panorama globale riguardanti l’attuale situazione geopolitica, e non solo. A tal fine, il progetto si articola in tre mostre con relativi incontri che si svolgeranno entro il 2026: in questo primo evento intervengono Bruno Chiarini, docente di Politica Economica, Università di Napoli Parthenope e di Roma “Tor Vergata” e Vladimiro Giacché, filosofo ed economista. In esposizione opere di: Patrizia Borrelli, Valeria Cademartori, Ennio Calabria, Davide Castelmezzano, Luca Castelmezzano, Fabio Crisarà, Franco Ferrari, Carlo Frisardi, Alessandra Giovannoni, Danilo Maestosi, Mauro Magni, Alessandra Pedonesi, Stefano Piali.

CON#tatto al Teatro Le Maschere
2026-05-12 20:00 - 2026-06-13 20:00 | Teatro Le Maschere, Via Aurelio Saliceti, 1/3, Roma, 00153, Italia
Il Teatro Le Maschere presenta dal 12 maggio al 13 giugno 2026 CON#tatto, rassegna di nove spettacoli il cui filo rosso è la contemporaneità. Non una semplice moda o uno slogan, ma la capacità del teatro di leggere il presente attraverso storie, riscritture, classici rivitalizzati e nuove drammaturgie che indagano l’emotività dei personaggi e il loro rapporto con il mondo sensibile.

INCONTRO TRA PASSATO E PRESENTE

Da oltre trent’anni, il Centro Culturale Talia anima la scena romana con una vocazione chiara: un teatro che parla alle persone, che educa, emoziona, accompagna e crea comunità. Riconosciuto dal Ministero della Cultura come “Teatro di Innovazione” nell’ambito del Teatro Ragazzi, Talia ha costruito un’identità forte e coerente, ma negli ultimi anni ha scelto di affiancare alla propria mission storica una nuova linea di lavoro serale dedicata alla prosa contemporanea, alle giovani compagnie e ai linguaggi emergenti.

È all’interno di questa visione che nasce CON#tatto – incontro tra passato e presente, un nome semplice ma potentissimo: il contatto come vicinanza, scambio umano e artistico, ma anche come “tocco creativo”, connessione tra generazioni e sensibilità diverse. Il simbolo “#” non è decorativo: rappresenta l’incrocio, la soglia, il punto in cui due mondi si incontrano e creano qualcosa di nuovo.

E infatti CON#tatto è pensato come un ponte, un dispositivo scenico e culturale che unisce maestri riconosciuti del teatro italiano e giovani artisti Under 35, favorendo una trasmissione di sapere che oggi più che mai è urgente proteggere.

I titoli proposti compongono una mappa viva delle inquietudini e delle domande del nostro tempo: il potere e la sua seduzione, l’identità individuale e collettiva, le fragilità affettive, le derive digitali, il rapporto tra mito e contemporaneità, il corpo come campo di battaglia sociale, le migrazioni e le disuguaglianze, la memoria come responsabilità, il teatro come luogo in cui l’immaginazione diventa coscienza. Un percorso che attraversa generazioni e linguaggi, unendo denuncia, poesia, visione politica e ricerca interiore.

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, è vincitore dell’Avviso Pubblico, curato dal Dipartimento Attività Culturali, per la concessione di contributi destinati a sale teatrali private con capienza inferiore a 100 posti aventi sede a Roma, per progetti di ricerca e sperimentazione nell’ambito dello spettacolo dal vivo e della formazione. Stagione 2025/2026 – Carla Marchini – Massimo Vulcano

IL CARTELLONE DEGLI SPETTACOLI:

Martedì 12 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 13 maggio 2026 alle 20:00

Sete

di Walter Prete

con Giorgio Sales

regia: Lorenzo Parrotto

produzione: Compagnia Orsini

“Con Sete vogliamo raccontare una storia. La storia di un luogo che, come tutte le cose, porta con sé una memoria. L’avvento improvviso e fortuito di uno dei tanti eroi del nostro tempo (o antieroi, a seconda di come la si legge) cambierà il destino di questo luogo e, a effetto domino, i destini di tutte le persone a esso collegate. Insieme a Walter e a Giorgio ci siamo decisi a raccontare un piccolo grande spaccato del nostro tempo. È sempre difficile sapere davvero cosa si vuole. Per questo, spesso e volentieri, ci si affida, oggi più che mai. Ci si affida a quelle persone che sanno cosa vogliono, o almeno sembrano saperlo. E ci affascinano, ci attraggono, proprio perché ci comunicano sicurezza e decisione. Ed è tra queste maglie che i nostri cinque personaggi prendono forma. Ed ecco l’acqua: bene indispensabile, primario. Bene che deve, dovrebbe, essere alla portata di tutti. E così come Dio, che nella Genesi separa la luce dalle tenebre, così il nostro eroe separa un bene come questo dal resto del mondo, “stabilendo un valore”: in questo caso il valore è dato dalla bottiglia, da ciò che contiene e racchiude l’acqua. Ma il valore cambia anche a seconda di chi stabilisce il valore stesso, il nostro eroe. Noi, da parte nostra, non vogliamo trovare il colpevole. Vogliamo raccontare ciò che può cambiare radicalmente una vita. Alla fine, chissà̀, ci ritroveremo anche noi chiedendoci a vicenda un sorso d’acqua, cercando nello zaino o nella borsa la nostra bottiglietta. Che c’è di male. In fondo si sa: a teatro viene sete.” (Lorenzo Parrotto)

=============================================================================

Venerdì 15 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 16 maggio 2026 alle 20:00

SISTEMA NERVOSO under 35

di e con Leonardo Capuano

assistente alla regia e alla drammaturgia: Paola Corsi

produzione: Compagnia Orsini

Un uomo di questo tempo che si sforza di riappropriarsi di pezzi della propria vita che non ricorda, cerca di mettere ordine tra le parti mancanti che gli sfuggono. Le conseguenze di questi episodi della sua esistenza, a cui non riesce ad accedere, scuotono il suo equilibrio a tal punto che il proprio sistema nervoso si manifesta come un soggetto autonomo e parlante, con cui dialoga ed entra in relazione, così come con altre presenze che abitano il suo quotidiano. Nella sua folle lucidità ha però la consapevolezza che il suo stato di alterazione sia dovuto non soltanto alla sua condizione personale ma alla sua realtà di uomo, parte di un sistema nervoso globale che è il mondo in cui vive.

Martedì 19 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 20 maggio 2026 alle 20:00

VENDITORI DI ANIME

di Alberto Bassetti

con: Bruno Governale, Maddalena Rizzi, Alessandro Scafati

Regia: Filippo d’Alessio

Produzione: Seven Cults

Un’opera che tesse i fili di una storia che è insieme un inno di tributi e un turbinio di sconfitte e speranze vane, vissute da tre figure reali ma misteriose allo stesso tempo, ognuna pronta a dedicare tutta se stessa per preservare un luogo, che è alla base dei loro desideri e delle loro disgrazie: il teatro.

I tre personaggi incarnano le forze e le debolezze che sono legate a questo edificio, che durante l’opera gli farà vivere un viaggio alla ricerca del proprio scopo: l’Uomo che ha fatto della sua vita un inganno nella vacuità di un luogo che gli ha tolto tutto e che è pronto a trasformare in un supermercato, trae a sé il Giovane neofita che con ardore ed emozione ambisce a quelli che sono i grandi desideri ed ideali che tutti noi nutriamo sin dalla giovane età, per poi accorgerci che questi non sempre portano alla nostra sazietà di desiderio e speranza, percezioni che vediamo incarnate nella figura misteriosa della Donna che forse rappresenta una fantasia, un fantasma o il corpo concreto di un’attrice; ma che soprattutto incarna i fasci di un luogo arcano e misterioso ma che allo stesso tempo accomuna ed appassiona, che custodisce i nostri sogni e fa vivere infinite vite, elevando il semplice uomo ad una esperienza sensoriale senza eguali.

=============================================================================

Venerdì 22 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 23 maggio 2026 alle 20:00

UOMINI O CAPORALI

di e con Francesco Stella

regia: Nicola Pistoia

produzione: Teatro Le Maschere

Uomini o caporali è un intenso monologo teatrale che affronta il tema del caporalato nell’Agro Pontino attraverso lo sguardo di Jasnoor, un giovane immigrato proveniente dal Punjab. La storia, riduzione teatrale del podcast omonimo del 2022, porta in scena il viaggio di Jasnoor, dal debito insostenibile contratto per raggiungere l’Italia alla dura realtà della schiavitù moderna nei campi agricoli italiani. Il racconto attraversa momenti di dolore, speranza e coraggio, con una narrazione che intreccia il dramma personale di Jasnoor a quello collettivo di migliaia di invisibili che vivono e lavorano in condizioni disumane.

Tra dialoghi intensi e cambi di registro narrativo, la pièce alterna scene di profondo realismo a momenti poetici, illuminando il potere della dignità e dell’amore come strumenti di resistenza. Il gioco nazionale indiano del kabaddi diventa metafora di sopravvivenza, trasformandosi nel respiro stesso di chi lotta per restare umano in un sistema che tenta di disumanizzarlo

=============================================================================

Martedì 26 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 27 maggio 2026 alle 20:00

OSSITOCINA under 35

di Elena Stauffer

con Maria Anolfo e Francesco Providenti

regia Elena Stauffer

produzione: Compagnia Mauri Sturno

Claudia e Flavio sono stati selezionati per uno studio clinico sperimentale che testa una pillola in grado di simulare la sensazione dell’innamoramento. Mentre aspettano che lo studio inizi, però, diventa evidente che i due non potrebbero essere più incompatibili; l’unica chimica presente nella stanza è quella sintetica sul tavolo. Ambientato nella Roma di oggi, Ossitocina esplora quanto pesa il contesto sociale sui nostri comportamenti, principi morali ed idee, ed esamina le contraddizioni che caratterizzano due degli stereotipi principali della gioventù romana. Ci si interroga sulla responsabilità individuale, sull’eredità familiare, sul potere e i limiti della comunicazione e sul rapporto di una generazione con l’identità e l’impegno politico.

=============================================================================

Venerdì 29 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 30 maggio 2026 alle 20:00

Anna

tratto dal racconto “Anna e il Moro” di Dacia Maraini

diretto e interpretato da Viola Graziosi

produzione: Effimera teatro srl

Una musica di violino storpiata, un’anima in frantumi, anzi due.

Madre e figlia: un’unica voce. La separazione è strapiombo. La fine, buio: nessuna indulgenza.

Cosa ci rende ciechi e ci impedisce di vedere? Chi, di noi, resiste, rimane inerte, complice? È una domanda che mi sono fatta più volte. Chi sono, dove sono, mentre la vita scorre attraverso di me.

La scena: una madre sulla soglia. La torba che è vita. Semi che possono crescere, oppure no.

Echi di voci, energia vitale, di Anna e i suoi sogni e poi il silenzio, e il rimbombo storpiato della voce di lui, cantante rock dalle mani violente.

Note di Viola Graziosi

Questo racconto di Dacia Maraini tratto dalla raccolta L’Amore rubato, si ispira a una terribile storia vera che mi aveva molto colpito quando vivevo a Parigi. La giovane attrice in questione era, come me, figlia di un grande attore… E lui, il cantante famoso, è stato condannato, ma troppo poco.

Quando Federica Di Martino mi ha proposto di continuare il racconto degli “Amori rubati” affidandomi Anna che ha qualcosa di Ofelia e di Marie, ho capito che potevo farmi testimone.

Perché ancora il Teatro è la risposta: la culla, il ventre, la terra, la Madre. Qui possiamo imparare a guardare, senza paura. Un’attrice ci prende per mano e risorgiamo insieme dal dolore. Più forti e svegli nella nostra vita, che è il dono più prezioso che abbiamo.

=============================================================================

Giovedì 4 giugno 2026 alle 20:00

Venerdì 5 giugno 2026 alle 20:00

OSSESSIONI under 35

dai racconti di Edgar Allan Poe

con: Paolo Cutroni e Erika Russo

adattamento, traduzione e regia: Giuseppe Convertini

scene e costumi: Maria Antonia Pagliara

produzione: Teatro Le Maschere

“I mostri più spaventosi sono quelli che si nascondono nella nostra mente.”

Le ossessioni personali di Edgar Allan Poe sono il motore delle sue storie.

Nonostante l’intensità di queste ossessioni, i racconti – Morella, Berenice e Ligeia – sono costruiti con una razionalità fredda e distaccata.

Alle protagoniste femminili di questi tre racconti, lo scrittore assegna uno stesso destino di morte. Lo stesso destino che aveva colpito sua madre, quando egli aveva solo 3 anni, e Virginia sua moglie, deceduta a soli 24 anni.

Poe, che ha vissuto tutta la sua vita in una sorta di lutto perenne, viene inevitabilmente trascinato nell’inferno del suo orrore e della sua dannazione.

“I morti ci perseguitano. Ci reclamano a gran voce.”

Le ossessioni e gli spettri della mente sono dei temi ancora attuali. Lo scrittore parla al nostro cuore. La sua angoscia è anche la nostra.

=============================================================================

Martedì 9 giugno 2026 alle 20:00

Mercoledì 10 giugno 2026 alle 20:00

Dick Pic – Quando il corpo diventa schermo under 35

di Andrea Lucchetta e Anna Bisciari

con Anna Bisciari

regia Andrea Lucchetta

produzione: Compagnia Mauri Sturno

Una donna sale sul palco. Una scrivania, un monitor acceso, una tazza. Può sembrare di trovarsi ad una conferenza o di fronte a un’edizione straordinaria del telegiornale. L’argomento che introduce è tanto assurdo quanto reale: “la dick pic”. Inizialmente l’atmosfera è leggera. Riferimenti a conversazioni autentiche o verosimili: “Ciao bella”, “Sei una stella”, “Tuo padre è un ladro”, “Ti posso sposare?”, e l’inevitabile immagine esplicita. Da qui la narrazione scivola in un territorio senza regole, che riguarda il selvaggio mondo del web, dove non ci sono sempre le giuste punizioni e dove anche le nuove generazioni faticano a tutelarsi. Dove la curiosità può spingere a trovarsi in situazioni pericolose e dove l’incorporeità stimola l’audacia. La conferenza si trasforma. Le parole si mutano in denuncia. Le dick pic diventano simbolo: di possesso, di invasione, di potere, di abuso. Lo spettacolo si addentra nei territori più cupi della cultura patriarcale e digitale: l’erotofilia narcisistica travestita da spontaneità, il sessismo interiorizzato, la violenza normalizzata in rete. Una riflessione sul risvolto psicologico che hanno certi comportamenti e sul perché si accetta di più che avvengano quando sono in formato virtuale.

=============================================================================

Venerdì 12 giugno 2026 alle 20:00

Sabato 13 giugno 2026 alle 20:00

MOSTRE – Scilla e Cariddi under 35

drammaturgia: Laura Pinato, Sebastiano Spada

con Beatrice Ceccherini, Maria Chiara Pellitteri

direzione artistica: Sebastiano Spada

produzione: Effimera teatro srl

Mostre – Scilla e Cariddi è un progetto teatrale che rilegge il mito omerico attraverso una lente contemporanea. Due figure mitiche, condannate a essere mostri per sempre, prendono finalmente la parola e si scoprono sorelle nella stessa ferita: entrambe sono state mostrificate da un mondo che non tollera il femminile fuori misura. Troppo belle, troppo libere, troppo ambiziose, troppo desideranti, troppo fuori controllo. Troppo.

Scilla è punita per la sua bellezza, per essere stata desiderata. Rimane fanciulla dal busto in su ma la sua sessualità viene deformata in violenza, trasformata in un corpo che divora con sei cagne all’altezza della vita.

Cariddi è punita per la sua fame – di terra, di mare, di potere – una voracità permessa agli uomini ma negata alle donne. La sua condanna è diventare inghiottimento eterno.

Nell’Odissea, Omero le descrive come minacce insormontabili, poste l’una di fronte all’altra nello Stretto di Messina. Ulisse è costretto a passare tra loro, scegliendo quale pericolo affrontare: da una parte Scilla, “il mostro che ruba sei compagni d’un colpo, dalle sue gole spalancate”; dall’altra Cariddi, “il gorgo che tre volte al giorno inghiotte e tre volte rigetta il mare infinito”.

Il testo alterna linguaggi e ambientazioni: da una parte il mito con i monologhi Scilla e Cariddi, scritti in una lingua poetica e fisica, viscerale e sensuale; dall’altra il presente, in cui le due creature diventano specchio delle donne di oggi, mostri contemporanei raccontati dai media, dalla cronaca e dai social.

Il progetto nasce dall’esigenza di indagare la genealogia della mostrificazione del femminile: un tema antico, che attraversa la mitologia, la religione, la politica e il corpo stesso della donna. Scilla e Cariddi non sono più trappole marine, ma voci vive: raccontano il prezzo di essere donne libere e immaginano la possibilità di una riscrittura della loro storia. Un rito teatrale che trasforma il mito in un atto politico e poetico.

CON#tatto al Teatro Le Maschere
2026-05-12 20:00 - 2026-06-13 20:00 | Teatro Le Maschere, Via Aurelio Saliceti, 1/3, Roma, 00153, Italia
Il Teatro Le Maschere presenta dal 12 maggio al 13 giugno 2026 CON#tatto, rassegna di nove spettacoli il cui filo rosso è la contemporaneità. Non una semplice moda o uno slogan, ma la capacità del teatro di leggere il presente attraverso storie, riscritture, classici rivitalizzati e nuove drammaturgie che indagano l’emotività dei personaggi e il loro rapporto con il mondo sensibile.

INCONTRO TRA PASSATO E PRESENTE

Da oltre trent’anni, il Centro Culturale Talia anima la scena romana con una vocazione chiara: un teatro che parla alle persone, che educa, emoziona, accompagna e crea comunità. Riconosciuto dal Ministero della Cultura come “Teatro di Innovazione” nell’ambito del Teatro Ragazzi, Talia ha costruito un’identità forte e coerente, ma negli ultimi anni ha scelto di affiancare alla propria mission storica una nuova linea di lavoro serale dedicata alla prosa contemporanea, alle giovani compagnie e ai linguaggi emergenti.

È all’interno di questa visione che nasce CON#tatto – incontro tra passato e presente, un nome semplice ma potentissimo: il contatto come vicinanza, scambio umano e artistico, ma anche come “tocco creativo”, connessione tra generazioni e sensibilità diverse. Il simbolo “#” non è decorativo: rappresenta l’incrocio, la soglia, il punto in cui due mondi si incontrano e creano qualcosa di nuovo.

E infatti CON#tatto è pensato come un ponte, un dispositivo scenico e culturale che unisce maestri riconosciuti del teatro italiano e giovani artisti Under 35, favorendo una trasmissione di sapere che oggi più che mai è urgente proteggere.

I titoli proposti compongono una mappa viva delle inquietudini e delle domande del nostro tempo: il potere e la sua seduzione, l’identità individuale e collettiva, le fragilità affettive, le derive digitali, il rapporto tra mito e contemporaneità, il corpo come campo di battaglia sociale, le migrazioni e le disuguaglianze, la memoria come responsabilità, il teatro come luogo in cui l’immaginazione diventa coscienza. Un percorso che attraversa generazioni e linguaggi, unendo denuncia, poesia, visione politica e ricerca interiore.

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, è vincitore dell’Avviso Pubblico, curato dal Dipartimento Attività Culturali, per la concessione di contributi destinati a sale teatrali private con capienza inferiore a 100 posti aventi sede a Roma, per progetti di ricerca e sperimentazione nell’ambito dello spettacolo dal vivo e della formazione. Stagione 2025/2026 – Carla Marchini – Massimo Vulcano

IL CARTELLONE DEGLI SPETTACOLI:

Martedì 12 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 13 maggio 2026 alle 20:00

Sete

di Walter Prete

con Giorgio Sales

regia: Lorenzo Parrotto

produzione: Compagnia Orsini

“Con Sete vogliamo raccontare una storia. La storia di un luogo che, come tutte le cose, porta con sé una memoria. L’avvento improvviso e fortuito di uno dei tanti eroi del nostro tempo (o antieroi, a seconda di come la si legge) cambierà il destino di questo luogo e, a effetto domino, i destini di tutte le persone a esso collegate. Insieme a Walter e a Giorgio ci siamo decisi a raccontare un piccolo grande spaccato del nostro tempo. È sempre difficile sapere davvero cosa si vuole. Per questo, spesso e volentieri, ci si affida, oggi più che mai. Ci si affida a quelle persone che sanno cosa vogliono, o almeno sembrano saperlo. E ci affascinano, ci attraggono, proprio perché ci comunicano sicurezza e decisione. Ed è tra queste maglie che i nostri cinque personaggi prendono forma. Ed ecco l’acqua: bene indispensabile, primario. Bene che deve, dovrebbe, essere alla portata di tutti. E così come Dio, che nella Genesi separa la luce dalle tenebre, così il nostro eroe separa un bene come questo dal resto del mondo, “stabilendo un valore”: in questo caso il valore è dato dalla bottiglia, da ciò che contiene e racchiude l’acqua. Ma il valore cambia anche a seconda di chi stabilisce il valore stesso, il nostro eroe. Noi, da parte nostra, non vogliamo trovare il colpevole. Vogliamo raccontare ciò che può cambiare radicalmente una vita. Alla fine, chissà̀, ci ritroveremo anche noi chiedendoci a vicenda un sorso d’acqua, cercando nello zaino o nella borsa la nostra bottiglietta. Che c’è di male. In fondo si sa: a teatro viene sete.” (Lorenzo Parrotto)

==========================

Venerdì 15 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 16 maggio 2026 alle 20:00

SISTEMA NERVOSO under 35

di e con Leonardo Capuano

assistente alla regia e alla drammaturgia: Paola Corsi

produzione: Compagnia Orsini

Un uomo di questo tempo che si sforza di riappropriarsi di pezzi della propria vita che non ricorda, cerca di mettere ordine tra le parti mancanti che gli sfuggono. Le conseguenze di questi episodi della sua esistenza, a cui non riesce ad accedere, scuotono il suo equilibrio a tal punto che il proprio sistema nervoso si manifesta come un soggetto autonomo e parlante, con cui dialoga ed entra in relazione, così come con altre presenze che abitano il suo quotidiano. Nella sua folle lucidità ha però la consapevolezza che il suo stato di alterazione sia dovuto non soltanto alla sua condizione personale ma alla sua realtà di uomo, parte di un sistema nervoso globale che è il mondo in cui vive.

===========================

Martedì 19 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 20 maggio 2026 alle 20:00

VENDITORI DI ANIME

di Alberto Bassetti

con: Bruno Governale, Maddalena Rizzi, Alessandro Scafati

Regia: Filippo d’Alessio

Produzione: Seven Cults

Un’opera che tesse i fili di una storia che è insieme un inno di tributi e un turbinio di sconfitte e speranze vane, vissute da tre figure reali ma misteriose allo stesso tempo, ognuna pronta a dedicare tutta se stessa per preservare un luogo, che è alla base dei loro desideri e delle loro disgrazie: il teatro.

I tre personaggi incarnano le forze e le debolezze che sono legate a questo edificio, che durante l’opera gli farà vivere un viaggio alla ricerca del proprio scopo: l’Uomo che ha fatto della sua vita un inganno nella vacuità di un luogo che gli ha tolto tutto e che è pronto a trasformare in un supermercato, trae a sé il Giovane neofita che con ardore ed emozione ambisce a quelli che sono i grandi desideri ed ideali che tutti noi nutriamo sin dalla giovane età, per poi accorgerci che questi non sempre portano alla nostra sazietà di desiderio e speranza, percezioni che vediamo incarnate nella figura misteriosa della Donna che forse rappresenta una fantasia, un fantasma o il corpo concreto di un’attrice; ma che soprattutto incarna i fasci di un luogo arcano e misterioso ma che allo stesso tempo accomuna ed appassiona, che custodisce i nostri sogni e fa vivere infinite vite, elevando il semplice uomo ad una esperienza sensoriale senza eguali.

===========================

Venerdì 22 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 23 maggio 2026 alle 20:00

UOMINI O CAPORALI

di e con Francesco Stella

regia: Nicola Pistoia

produzione: Teatro Le Maschere

Uomini o caporali è un intenso monologo teatrale che affronta il tema del caporalato nell’Agro Pontino attraverso lo sguardo di Jasnoor, un giovane immigrato proveniente dal Punjab. La storia, riduzione teatrale del podcast omonimo del 2022, porta in scena il viaggio di Jasnoor, dal debito insostenibile contratto per raggiungere l’Italia alla dura realtà della schiavitù moderna nei campi agricoli italiani. Il racconto attraversa momenti di dolore, speranza e coraggio, con una narrazione che intreccia il dramma personale di Jasnoor a quello collettivo di migliaia di invisibili che vivono e lavorano in condizioni disumane.

Tra dialoghi intensi e cambi di registro narrativo, la pièce alterna scene di profondo realismo a momenti poetici, illuminando il potere della dignità e dell’amore come strumenti di resistenza. Il gioco nazionale indiano del kabaddi diventa metafora di sopravvivenza, trasformandosi nel respiro stesso di chi lotta per restare umano in un sistema che tenta di disumanizzarlo

==============================

Martedì 26 maggio 2026 alle 20:00

Mercoledì 27 maggio 2026 alle 20:00

OSSITOCINA under 35

di Elena Stauffer

con Maria Anolfo e Francesco Providenti

regia Elena Stauffer

produzione: Compagnia Mauri Sturno

Claudia e Flavio sono stati selezionati per uno studio clinico sperimentale che testa una pillola in grado di simulare la sensazione dell’innamoramento. Mentre aspettano che lo studio inizi, però, diventa evidente che i due non potrebbero essere più incompatibili; l’unica chimica presente nella stanza è quella sintetica sul tavolo. Ambientato nella Roma di oggi, Ossitocina esplora quanto pesa il contesto sociale sui nostri comportamenti, principi morali ed idee, ed esamina le contraddizioni che caratterizzano due degli stereotipi principali della gioventù romana. Ci si interroga sulla responsabilità individuale, sull’eredità familiare, sul potere e i limiti della comunicazione e sul rapporto di una generazione con l’identità e l’impegno politico.

======================

Venerdì 29 maggio 2026 alle 20:00

Sabato 30 maggio 2026 alle 20:00

Anna

tratto dal racconto “Anna e il Moro” di Dacia Maraini

diretto e interpretato da Viola Graziosi

produzione: Effimera teatro srl

Una musica di violino storpiata, un’anima in frantumi, anzi due.

Madre e figlia: un’unica voce. La separazione è strapiombo. La fine, buio: nessuna indulgenza.

Cosa ci rende ciechi e ci impedisce di vedere? Chi, di noi, resiste, rimane inerte, complice? È una domanda che mi sono fatta più volte. Chi sono, dove sono, mentre la vita scorre attraverso di me.

La scena: una madre sulla soglia. La torba che è vita. Semi che possono crescere, oppure no.

Echi di voci, energia vitale, di Anna e i suoi sogni e poi il silenzio, e il rimbombo storpiato della voce di lui, cantante rock dalle mani violente.

Note di Viola Graziosi

Questo racconto di Dacia Maraini tratto dalla raccolta L’Amore rubato, si ispira a una terribile storia vera che mi aveva molto colpito quando vivevo a Parigi. La giovane attrice in questione era, come me, figlia di un grande attore… E lui, il cantante famoso, è stato condannato, ma troppo poco.

Quando Federica Di Martino mi ha proposto di continuare il racconto degli “Amori rubati” affidandomi Anna che ha qualcosa di Ofelia e di Marie, ho capito che potevo farmi testimone.

Perché ancora il Teatro è la risposta: la culla, il ventre, la terra, la Madre. Qui possiamo imparare a guardare, senza paura. Un’attrice ci prende per mano e risorgiamo insieme dal dolore. Più forti e svegli nella nostra vita, che è il dono più prezioso che abbiamo.

==========================

Giovedì 4 giugno 2026 alle 20:00

Venerdì 5 giugno 2026 alle 20:00

OSSESSIONI under 35

dai racconti di Edgar Allan Poe

con: Paolo Cutroni e Erika Russo

adattamento, traduzione e regia: Giuseppe Convertini

scene e costumi: Maria Antonia Pagliara

produzione: Teatro Le Maschere

“I mostri più spaventosi sono quelli che si nascondono nella nostra mente.”

Le ossessioni personali di Edgar Allan Poe sono il motore delle sue storie.

Nonostante l’intensità di queste ossessioni, i racconti – Morella, Berenice e Ligeia – sono costruiti con una razionalità fredda e distaccata.

Alle protagoniste femminili di questi tre racconti, lo scrittore assegna uno stesso destino di morte. Lo stesso destino che aveva colpito sua madre, quando egli aveva solo 3 anni, e Virginia sua moglie, deceduta a soli 24 anni.

Poe, che ha vissuto tutta la sua vita in una sorta di lutto perenne, viene inevitabilmente trascinato nell’inferno del suo orrore e della sua dannazione.

“I morti ci perseguitano. Ci reclamano a gran voce.”

Le ossessioni e gli spettri della mente sono dei temi ancora attuali. Lo scrittore parla al nostro cuore. La sua angoscia è anche la nostra.

===========================

Martedì 9 giugno 2026 alle 20:00

Mercoledì 10 giugno 2026 alle 20:00

Dick Pic – Quando il corpo diventa schermo under 35

di Andrea Lucchetta e Anna Bisciari

con Anna Bisciari

regia Andrea Lucchetta

produzione: Compagnia Mauri Sturno

Una donna sale sul palco. Una scrivania, un monitor acceso, una tazza. Può sembrare di trovarsi ad una conferenza o di fronte a un’edizione straordinaria del telegiornale. L’argomento che introduce è tanto assurdo quanto reale: “la dick pic”. Inizialmente l’atmosfera è leggera. Riferimenti a conversazioni autentiche o verosimili: “Ciao bella”, “Sei una stella”, “Tuo padre è un ladro”, “Ti posso sposare?”, e l’inevitabile immagine esplicita. Da qui la narrazione scivola in un territorio senza regole, che riguarda il selvaggio mondo del web, dove non ci sono sempre le giuste punizioni e dove anche le nuove generazioni faticano a tutelarsi. Dove la curiosità può spingere a trovarsi in situazioni pericolose e dove l’incorporeità stimola l’audacia. La conferenza si trasforma. Le parole si mutano in denuncia. Le dick pic diventano simbolo: di possesso, di invasione, di potere, di abuso. Lo spettacolo si addentra nei territori più cupi della cultura patriarcale e digitale: l’erotofilia narcisistica travestita da spontaneità, il sessismo interiorizzato, la violenza normalizzata in rete. Una riflessione sul risvolto psicologico che hanno certi comportamenti e sul perché si accetta di più che avvengano quando sono in formato virtuale.

==========================

Venerdì 12 giugno 2026 alle 20:00

Sabato 13 giugno 2026 alle 20:00

MOSTRE – Scilla e Cariddi under 35

drammaturgia: Laura Pinato, Sebastiano Spada

con Beatrice Ceccherini, Maria Chiara Pellitteri

direzione artistica: Sebastiano Spada

produzione: Effimera teatro srl

Mostre – Scilla e Cariddi è un progetto teatrale che rilegge il mito omerico attraverso una lente contemporanea. Due figure mitiche, condannate a essere mostri per sempre, prendono finalmente la parola e si scoprono sorelle nella stessa ferita: entrambe sono state mostrificate da un mondo che non tollera il femminile fuori misura. Troppo belle, troppo libere, troppo ambiziose, troppo desideranti, troppo fuori controllo. Troppo.

Scilla è punita per la sua bellezza, per essere stata desiderata. Rimane fanciulla dal busto in su ma la sua sessualità viene deformata in violenza, trasformata in un corpo che divora con sei cagne all’altezza della vita.

Cariddi è punita per la sua fame – di terra, di mare, di potere – una voracità permessa agli uomini ma negata alle donne. La sua condanna è diventare inghiottimento eterno.

Nell’Odissea, Omero le descrive come minacce insormontabili, poste l’una di fronte all’altra nello Stretto di Messina. Ulisse è costretto a passare tra loro, scegliendo quale pericolo affrontare: da una parte Scilla, “il mostro che ruba sei compagni d’un colpo, dalle sue gole spalancate”; dall’altra Cariddi, “il gorgo che tre volte al giorno inghiotte e tre volte rigetta il mare infinito”.

Il testo alterna linguaggi e ambientazioni: da una parte il mito con i monologhi Scilla e Cariddi, scritti in una lingua poetica e fisica, viscerale e sensuale; dall’altra il presente, in cui le due creature diventano specchio delle donne di oggi, mostri contemporanei raccontati dai media, dalla cronaca e dai social.

Il progetto nasce dall’esigenza di indagare la genealogia della mostrificazione del femminile: un tema antico, che attraversa la mitologia, la religione, la politica e il corpo stesso della donna. Scilla e Cariddi non sono più trappole marine, ma voci vive: raccontano il prezzo di essere donne libere e immaginano la possibilità di una riscrittura della loro storia. Un rito teatrale che trasforma il mito in un atto politico e poetico.

======================

Tel. 0658330817 – Fax. 0658334313

info@teatrolemaschere.it

www.teatrolemaschere.it

facebook.com/teatrolemaschere

Instagram @teatrolemaschere

COME RAGGIUNGERE IL TEATRO

Autobus linea H

Tram linea 8 (Largo Argentina – Casaletto)

Tram linea 3

MODALITÀ DI ACCESSO:

INGRESSO GRATUITO CONTINGENTATO SINO AD ESAURIMENTO POSTI

OBBLIGO DI PRENOTAZIONE AL NUMERO 06.58330817 – E-MAIL INFO@TEATROLEMASCHERE.IT

dal lunedì al venerdì (9:30-16:00).

“Bar sotto il mare” al Teatro Stabile di Catania
2026-05-12 08:00 - 17:00 | Teatro Stabile di Catania, Via Giuseppe Fava, 35, Catania, ITA, 95123, Italia
Prosegue la stagione della Sala Futura del Teatro Stabile di Catania con “Bar sotto il mare”, tratto dall’omonimo romanzo di Stefano Benni, in scena dal 14 al 17 maggio 2026.

Uno spettacolo surreale, poetico e visionario diretto da Emilio Russo, che firma anche l’adattamento teatrale di uno dei testi più amati dello scrittore bolognese, recentemente scomparso. In scena Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli e Lorenzo degl’Innocenti, protagonisti di un viaggio teatrale che intreccia comicità, musica e immaginazione.

“Bar sotto il mare” conduce il pubblico in un luogo sospeso e fantastico, dove storie improbabili e personaggi fuori dall’ordinario prendono vita tra racconti, canzoni e atmosfere oniriche. Un bar misterioso, popolato da avventori eccentrici e indimenticabili: il barista enigmatico, il vecchio con la gardenia, il marinaio solitario, l’uomo invisibile, la sirena ammaliatrice e molti altri personaggi che trasformano il palcoscenico in uno spazio libero e immaginifico.

Lo spettacolo restituisce tutta la forza poetica e ironica dell’universo di Stefano Benni, alternando leggerezza e riflessione in una dimensione dove il grottesco incontra la tenerezza e l’assurdo diventa strumento per raccontare il presente.

Accanto agli interpreti, la musica dal vivo di Cosimo Zannelli accompagna e amplifica il racconto scenico, mentre le canzoni originali, tratte anche dalle poesie di Benni, si fondono con la recitazione dando vita a una partitura teatrale dinamica e coinvolgente.

Le musiche sono di Fabrizio Checcacci e Cosimo Zannelli, scene e costumi di Pamela Aicardi, luci di Mattia De Pace.

Lo spettacolo è prodotto da Tieffe Teatro.

Calendario rappresentazioni:

giovedì 14 maggio 2026 ore 20:45venerdì 15 maggio 2026 ore 17:30sabato 16 maggio 2026 ore 20:45domenica 17 maggio 2026 ore 18:00

Bar sotto il mare

di Stefano Benni

con Fabrizio Checcacci, Roberto Andrioli, Lorenzo degli Innocenti

regia e adattamento Emilio Russo

musiche dal vivo Cosimo Zannellimusiche Fabrizio Checcacci e Cosimo Zannelliscene e costumi Pamela Aicardiluci Mattia De Pace

durata 100 minuti

produzione Tieffe Teatro

LA DISFATTA - GLI ULTIMI GIORNI NEL BUNKER
2026-05-12 08:00 - 17:00 | Teatro Basilica, Piazza di Porta San Giovanni, 10, Roma, 00185, Italia
Al TeatroBasilica il 15 e 16 maggio 2026 alle ore 21.00 andrà in scena LA DISFATTA – GLI ULTIMI GIORNI NEL BUNKER di Gianni Guardigli, diretto e interpretato da Riccardo Leonelli; musiche a cura di Francesco Pepicelli.

La disfatta si sviluppa all’interno di un bunker tedesco, non sappiamo quanti giorni dopo la morte del tiranno. Un intenso monologo-dialogo tra Fritz, il postino di Hitler, e degli interlocutori immaginari che si ammassano di volta in volta nella psiche lacerata e instabile del protagonista. La scena è disseminata di oggetti e simboli che richiamano il bunker e con cui Fritz si rapporta, nell’illusione di ricreare una quotidianità di azioni e gesti che, invece, stonano terribilmente con il suo delirio. Se da un lato ci risulta impensabile giustificare un Fritz qualunque, certamente colluso e responsabile delle atrocità compiute dal Nazismo, dall’altro non possiamo non lasciare aperto uno spiraglio di umanità di fronte a una delle tante comparse di quella che è stata, forse, la più grande “disfatta” della storia del Novecento.

Note di Gianni Guardigli

Il 30 aprile 1945 a Berlino, asserragliato nel bunker costruito sotto il palazzo della Cancelleria, Adolf Hitler si suicida insieme ad Eva Braun appena sposata. Poco dopo Joseph Goebbels, ministro della propaganda e gauleiter della Capitale, insieme alla moglie Magda avvelena i suoi bambini e con lei anch’egli si toglie la vita.

Pochi epiloghi di foschi periodi della storia hanno tanto somigliato alla rappresentazione teatrale di una tragedia, immaginata e addirittura in qualche modo provata per giungere all’immagine scenica voluta. La materia del racconto, benché calata nei fatti veri della storia, mi ha riportato alla crudeltà e alla violenza del dramma elisabettiano. Ma il dramma non è rappresentato, è raccontato, rivissuto, puntigliosamente rievocato da una mente che è rimasta chiusa nella prigione di una follia lucida che le suggerisce parole quasi “indicibili”.

Il mio Fritz, il personaggio da me inventato per dar voce a questa quasi inspiegabile follia che riassume l’abbaglio di un intero popolo comincia a parlare osservando il mucchietto di terra che indica il luogo dove “tutto è avvenuto”, dove “la tragedia si è consumata”. Fritz pensa che il nazismo non sarebbe dovuto durare dodici anni, ma mille, vive nella convinzione che una grande occasione sia andata perduta e tenta di spiegare il perché, ma inciampa in interminabili sillabe che si contraddicono e diventano un balbettìo quasi musicale e funereo.

Nella mente di Fritz regna un irreale deserto del senso ed ogni suo movimento del pensiero è dominato da un ipotetico “se ci avevano ordinato questo, una ragione ci sarà stata” oppure “a noi piccoli, a noi deboli non è e non era permesso di addentrarci nelle immense e irraggiungibili ragioni della storia”. Forse questi sono i meccanismi che ancora guidano le ideologie che si ispirano alla filosofia nazista e che forniscono carne e sangue agli attuali movimenti neonazi che sempre più pericolosamente camminano nelle strade dell’Europa di oggi con nomi spesso contrastanti con le immagini evocate dai loro stessi proclami.

Qualche sprazzo di assurda poesia si affaccia nel monologare di Fritz e diventa canto, una paurosa preghiera al contrario che ci ammonisce e ci tiene ben svegli a vigilare perché non si passi il limite.

Per tenere la follia sotto controllo. Perché la follia resti tale e non si nasconda sotto un costume di mendace innocuità.

Note di regia di Riccardo Leonelli

Ogni riferimento alla Palestina è fortemente voluto. La disfatta non è un semplice monologo. È l’urlo folle, disperato, distonico di un uomo comune ritrovatosi a servire un regime – per scelta o per necessità non ci è dato saperlo – capace di condurre milioni di persone a una mostruosa perdita di giudizio, attraverso una seduzione di gloria. Il tema è tristemente contemporaneo e lo spettacolo denuncia “tutte” le stragi e “tutti” i genocidi compiuti in nome di una presunta superiorità etica, genetica o religiosa. Non esiste un popolo eletto. Né allora né oggi. Poiché Dio ama ciascuno indistintamente. Siamo in un bunker, forse proprio quello del Fuehrer, non sappiamo quanti giorni dopo la caduta del tiranno. La performance è un intenso monologo-dialogo tra Fritz – immaginario postino di Hitler – e degli interlocutori che si ammassano di volta in volta nella sua psiche lacerata e instabile. Voci, volti e macerie si fanno sempre più presenti man mano che lo spettacolo si sviluppa, in un crescendo di follia che non lascia spazio alla luce. L’oscurità del bunker rispecchia la notte oscura di un uomo-simbolo di un’umanità che ha perso la strada per inseguire spettri di potere, che ha smarrito ogni senso di civiltà convinta di poterne forgiare una nuova, ma intrisa di orrore. La scena è disseminata di oggetti e simboli che richiamano il bunker e con cui Fritz si rapporta nell’illusione di ricreare una quotidianità di azioni e gesti che, invece, stonano terribilmente con il suo delirio, in cui egli è vittima e carnefice allo stesso tempo. Infatti, se da un lato ci risulta impensabile giustificare un Fritz qualunque, certamente colluso e responsabile delle atrocità compiute dal Nazismo, dall’altro non possiamo chiudere ogni spiraglio di umanità di fronte a una delle tante comparse di quella che è stata, forse, la più grande “disfatta” della storia del Novecento.

Link al trailer: https://www.youtube.com/watch?v=Mx0kf1R_tMM

SILVIO, CI MANCHI? Le tecniche di comunicazione che hanno cambiato la nostra vita
2026-05-11 21:00 - 22:30 | Teatro Vittoria, Piazza Santa Maria Liberatrice, 10, Roma, 00153, Italia
In scena Patrick Facciolo analista della comunicazione, dottore in tecniche psicologiche e giornalista radiotelevisivo con uno spettacolo senza precedenti, che per la prima volta analizza ed esplora direttamente sul palco le tecniche di comunicazione di Silvio Berlusconi. Non un ritratto celebrativo del personaggio, né l’ennesima occasione di critica politica, ma un’indagine sul linguaggio, le figure retoriche e le strategie persuasive che, in trent’anni di storia, hanno contribuito a plasmare il modo di pensare e comunicare degli italiani.

In scena Patrick Facciolo, analista della comunicazione, dottore in tecniche psicologiche e giornalista radiotelevisivo, autore di Fallacie logiche (HarperCollins Italia), volto televisivo e figura di riferimento sui temi della comunicazione in Italia, con una community di oltre 320.000 follower sui social. Dopo anni di studio e divulgazione, porta sul palco un’analisi unica e definitiva sul linguaggio politico e mediatico di Silvio Berlusconi, e sugli effetti che la sua comunicazione ha prodotto nella vita quotidiana di tutti noi.

Dal discorso della discesa in campo al “Contratto con gli italiani”, dalla scena della sedia di Marco Travaglio fino allo sbarco su TikTok: Facciolo smonta chirurgicamente e ricostruisce in chiave teatrale i momenti comunicativi più salienti della comunicazione berlusconiana, con un’analisi profonda delle sue tecniche, dei suoi punti di forza e delle sue inadeguatezze, che accompagnano ancora oggi la comunicazione contemporanea.

Attraverso monologhi, materiali audio-visivi, momenti musicali e analisi dal vivo, lo spettacolo mette in luce i meccanismi comunicativi che hanno reso Berlusconi un caso studio unico nelle teorie della leadership e nella politica italiana e internazionale: l’uso della voce, il controllo non verbale della scena, la gestione dell’immagine, la narrazione personale. E quanto queste modalità incidano e pesino ancora oggi nella politica, dalla comunicazione di Giorgia Meloni a quella di Donald Trump.Un progetto che non si limita a raccontare la vicenda di Berlusconi, che non lo deride né lo celebra, ma che offre al pubblico un’analisi tecnica, chirurgica e senza sconti, per comprendere come le sue modalità comunicative, ci piacciano o no, hanno plasmato (e plasmano tuttora nel profondo) la vita di tutti noi

Biglietti (prevendita inclusa):

Intero: platea € 27, galleria € 21

Botteghino: 06 5740170 – 06 5740598

Vendita on-line e info: www.teatrovittoria.it

Come arrivare: Metro: Piramide; Tram: 3; Bus: 23, 30, 75, 83, 170, 280, 716, 781.

Comunicazione: uffstampa@teatrovittoria.it
