Quarta Parete Roma

60° Festival di Borgio Verezzi
2026-07-08 21:00 - 2026-07-13 21:00 (Europe/Rome) | Borgio Verezzi, Piazza Sant'Agostino, Borgio Verezzi, IT, 17022, Italia
Dall’8 luglio al 13 agosto Borgio Verezzi (Savona) si trasforma in una macchina del tempo per accompagnare il pubblico in un viaggio avventuroso tra luoghi, memorie e immaginari differenti. In programma, 23 serate vista mare che abiteranno per la prima volta spazi nuovi del borgo: non solo la piazza gotica di Sant’Agostino – cuore tradizionaledella manifestazione – ma anche il Torrione del ‘500 che domina la città antica, l’affascinante prospettiva settecentesca di piazza San Pietro e il modernissimo Teatro Gassman; fino alle famose Grotte del Valdemino, dove un’installazione sonora ideata da Paky Di Maio farà risuonare le voci autentiche di grandi interpreti del passato, da Sarah Bernhardt a Ruggero Ruggeri, da Tommaso Salvini a Ettore Petrolini. È un omaggio alle radici profonde di una manifestazione nata sessant’anni fa e divenuta nel tempo un riferimento del panorama teatrale nazionale. «60 anni di festival raccontano una lunga storia di creatività e amore. Una storia di tutti noi, un patrimonio comune che va vissuto e sempre più valorizzato», sottolinea il sindaco Renato Dacquino. Un’eredità che il direttore artistico Maximilian Nisi ha scelto di celebrare attraverso tre parole chiave: Tempo, Magia e Incanto. «Il teatro è da sempre un luogo d’incanto. – dichiara – Uno spazio in cui il tempo smette di scorrere in modo lineare e si dilata, oscillando tra il presente e l’infinito. Sul palcoscenico convivono passato, presente e futuro: ciò che è stato ritorna, ciò che è diventa eterno per la durata della scena. In questo tempo “altro”, le relazioni umane rivelano la loro natura più profonda, muovendosi tra inferno e commedia, paradiso e magia».

«Questo importante anniversario ci richiama a una grande responsabilità: custodire e valorizzare un’eredità prestigiosa continuando a investire sulla qualità. – dichiara Mattia Rolando, consigliere comunale con delega al Festival – Il cartellone di quest’anno, frutto della visione e del lavoro del Direttore Artistico, conferma con forza questa scelta. In un contesto in cui sarebbe certamente più semplice puntare esclusivamente su proposte di immediato richiamo televisivo o di intrattenimento leggero, il Festival continua a distinguersi per la volontà di offrire spettacoli di alto profilo artistico e teatrale, capaci di coniugare qualità, emozione e riflessione». «Dalle origini ad oggi è stato fatto un percorso importante. – aggiunge il Sindaco di Borgio Verezzi – La continuità è sempre stata garantita dalle varie amministrazioni; sempre con attenzione alle varie proposte artistiche, con la voglia di mettere insieme qualità e innovazione (80% degli spettacoli in prima nazionale, tanti i talenti lanciati) per caratterizzare la nostra unicità e sviluppare cultura». E conclude citando i numeri storici del successo registrato nel corso degli anni: «380 spettacoli per 1200 serate, oltre 2500 presenze artistiche con circa 420.000 spettatori». “Da ben sessant’anni il FestivalTeatrale di Borgio Verezzi unisce lo splendore del paesaggio, la ricchezza del patrimonio storico e l’alto livello artistico in uno scenario senza eguali nel panorama nazionale – commenta il vicepresidente di Regione Liguria condelega alla Cultura e Spettacolo Simona Ferro –. Ogni anno l’evento si propone come un ponte ideale tra passato e presente, offrendo una perfetta armonia tra il prestigio della drammaturgia classica e la freschezza della sperimentazione contemporanea. Il nuovo calendario di questa edizione ancora una volta valorizza la Liguria a livellointernazionale. Ci attende un viaggio composto da ventitré serate vista mare che riafferma l’indissolubile legame di questa storica manifestazione con tutto il territorio ligure”.

Gli spettacoli

Ad aprire il Festival, l’8 e 9 luglio in piazza Sant’Agostino, è il “Don Giovanni” di Molière, proposto nella traduzione di Edoardo Sanguineti. La regia è di Carlo Sciaccaluga, e saranno Simone Toni e Enzo Paci a dare corpo e voce al sogno di libertà del mitico seduttore e al contrappunto comico, e spesso feroce, del suo servitore Sganarello. Ilmito diventa invece storia contemporanea con “Elettra 1944” (11 e 12 luglio), un testo scritto e diretto da Giancarlo Nicoletti e interpretato da Pamela Villoresi, Giulio Corso, Francesco Foti e Alice Spisa, dove i personaggi e i temi della tragedia antica rivivono nell’epopea appassionante e drammatica di una famiglia lacerata dal conflitto nella Roma occupata dai nazisti.

Ma il tempo – che nel teatro vive attraverso il dialogo continuo tra passato e presente – è soprattutto trasformazione. Lo raccontano, da prospettive differenti, “L’inconveniente” di Juan Carlos Rubio (14 e 15 luglio), diretto da Luca Manfredi con Milena Vukotic, Giulia Fiume e Marco Grossi e “Terzo tempo” (17 e 18 luglio), tratto dal romanzo di Lidia Ravera, con la drammaturgia della stessa autrice ed Emanuela Giordano, che firma anche la regia, nell’interpretazione di Lucia Vasini e Paolo Hendel insieme a Viola Lucio e Marco Maravacchio. Due spettacoli che guardano all’età matura non come a un approdo, ma come a una stagione ancora aperta a cambiamenti, desideri e nuove possibilità.

L’identità, con le sue maschere e le sue metamorfosi, è un tema che percorre tutto il programma del festival. In “Tre variazioni della vita” di Yasmina Reza (21 e 22 luglio), diretto da Luigi Saravo con Ugo Dighero, Mariangeles Torres, Alberto Giusta e Laura Mazzi, una stessa serata viene raccontata da prospettive differenti, mettendo in discussione l’idea stessa di verità. E ancora più radicale è il viaggio attraverso quattro secoli di storia -cambiando identità, genere e destino – del protagonista di “Orlando, la commedia” (25 e 26 luglio), adattamento e regia di Giuseppe Dipasquale dal celebre romanzo di Virginia Woolf, con Viola Graziosi, Arturo Cirillo e David Coco.

Sul confine tra realtà e mistero insiste anche “Ci vediamo all’alba” di Zinnie Harris (28 e 29 luglio al TeatroGassman), diretto da Davide Livermore con Anna Della Rosa e Linda Gennari. Ispirandosi al mito di Orfeo ed Euridice, il testo conduce lo spettatore in una dimensione sospesa, dove amore, perdita e memoria si fondono in un’atmosfera quasi magica.

Il viaggio vertiginoso dentro i meccanismi della coscienza e dello sguardo continua in “Huis Clos – L’inferno sono gli altri” di Jean-Paul Sartre (30 e 31 luglio), diretto dallo stesso Maximilian Nisi, con i giovani della Compagnia Il Barone Rampante: Gaia Capelli, Gaia De Giorgi, Iacopo Ferro e Pietro Ramello. Scenografia e costumi dello spettacolo saranno realizzati dalle allieve dell’Accademia Ligustica di Belle Arti di Genova coordinate dalla scenografa Anna Varaldo. Coinvolgere sempre di più le nuove generazioni è, infatti, uno degli obiettivi più importanti della direzione artistica. In questo senso va anche la collaborazione avviata con l’ISS “Giovanni Falcone” della vicina Loano: gli studenti dell’indirizzo Grafica e Comunicazione dell’istituto hanno creato per ciascuno dei 13 titoli in cartellone una locandina originale, e i loro lavori saranno esposti in una Mostra aperta al pubblico durante il Festival.

Il sorprendente gioco tra identità e ruoli prosegue in commedia. Sia con la declinazione brillante e moderna dello spettacolo “Uno scherzo del genere” di Jade-Rose Parker (2 e 3 agosto) – diretto dal regista spagnolo GabrielOlivares con Emanuela Grimalda, Gianluca Ramazzotti, Virginia Bonacini e Manuel Rosati – che con la comicità popolare, e ancora oggi esplosiva, della Commedia dell’Arte a cui si ispira “Scaramuccia” (5 e 6 agosto), uno spettacolo ideato e diretto da Marco Zoppello che introduce un altro elemento magico e rituale, quello della maschera.

In un’edizione dedicata all’incanto non poteva mancare uno dei personaggi più amati dell’immaginario italiano. Il 9 agosto il Torrione di Borgio ospiterà “Le avventure di Pinocchio raccontate da lui medesimo”, un omaggio al bicentenario della nascita di Carlo Collodi e alla forza inesauribile del racconto teatrale, diretto e interpretato da Flavio Albanese. A chiudere il percorso saranno altri due appuntamenti che guardano alle radici della nostra tradizione: “La cameriera brillante” di Carlo Goldoni (10 e 11 agosto), diretta da Ferdinando Ceriani con Franco Oppini e Miriam Mesturino, e “Rosso Veneziano. Goldoni vs Vivaldi” (13 agosto in piazza San Pietro), un racconto scritto e diretto da Mauro Canova ispirato ai “Mémoires” di Goldoni con la voce recitante di Maximilian Nisi e l’accompagnamento musicale dell’Ensemble MusAntica.

Il teatro è, da sempre, un luogo d’incanto. Uno spazio non definito in cui il tempo smette di scorrere in modo lineare esi dilata, oscillando tra il presente e l’infinito. Sul palcoscenico convivono passato, presente e futuro: ciò che è stato ritorna, ciò che è diventa eterno per la durata della scena. In questo tempo “altro”, le relazioni umane rivelano la loro natura più profonda, muovendosi tra inferno e commedia, paradiso e magia.

Don Giovanni ne è un esempio emblematico. Figura che oscilla tra la vita e la morte, tra desiderio e condanna, è inseguito dal fantasma del Commendatore — il padre di Donna Anna, ucciso da Don Giovanni all’inizio dell’opera, che si materializza come statua animata per reclamare giustizia —, incarnazione di un tempo che ritorna per chiedere conto delle azioni passate. L’inferno non è solo ultraterreno, ma nasce nella relazione stessa: uno spazio di confronto ineludibile, dove il passato irrompe nel presente.

Non a caso Jean-Paul Sartre afferma che “l’inferno sono gli altri”. Nella relazione l’altro diventa specchio, giudizio, limite. Il teatro rende visibile questa tensione: il tempo delle relazioni non è mai neutro, ma carico di attese, conflitti,memorie.

Anche il mito di Elettra — figlia di Agamennone, condannata a vivere nel rancore e nell’attesa di vendicare l’uccisione del padre da parte della madre — vive di questo tempo stratificato. Il suo dramma appartiene a un passato remoto, eppure parla di un passato che non passa mai, di ferite che continuano a sanguinare nel presente. La scena teatrale diventa così il luogo in cui il mito si rinnova e il tempo antico si fa sorprendentemente attuale.

La Commedia dell’Arte introduce un’altra dimensione magica: quella della maschera. Antica e rituale, la maschera annulla il volto individuale per dare vita a uno spirito autonomo. Indossarla significa uscire dal tempo quotidiano ed entrare in un tempo simbolico, dove i personaggi si ripetono, si trasformano e sopravvivono ai secoli. La maschera è incanto, perché nasconde e rivela allo stesso tempo.

Non sorprende che nel teatro compaiano spesso le streghe, figure liminali per eccellenza. Esse abitano un tempo circolare, fatto di presagi, visioni e trasformazioni. Attraverso la magia, le streghe mostrano come il tempo possa essere piegato, anticipato o evocato, influenzando le relazioni e i destini dei personaggi.

Il teatro, dunque, è uno spazio scenico che diventa luogo suggestivo in cui il tempo delle relazioni prende forma: nasce, si spezza, ritorna, si trasforma. Ogni incontro sulla scena è un viaggio temporale, in cui passato e presente dialogano, e il futuro resta incerto fino all’ultimo gesto.

In questo percorso, il teatro ci ricorda che le relazioni non esistono mai fuori dal tempo: sono attraversate da memorie, desideri, fantasmi e magie. Ed è proprio questo intreccio a renderle profondamente umane e, sul palcoscenico, eternamente vive.

Nota di Maximilian Nisi

Direttore artistico del Festival

Tempo, magia e incanto

Il teatro non è soltanto una forma d’arte. Con sessanta edizioni alle spalle, il Festival di Borgio Verezzi rappresenta non solo una kermesse di settore, ma un patrimonio culturale vivo, capace di attraversare il tempo e di rinnovarsi mantenendo intatto il suo valore simbolico e sociale. È il cuore pulsante di una comunità che ha strutturato la propria identità attorno al palcoscenico, promuovendo un linguaggio comune, un senso di appartenenza e una riconoscibile vocazione artistica.

Il prestigio che il teatro dona a un territorio non è mai casuale: nasce dalla continuità, dalla qualità delle proposte e dal dialogo costante tra interpreti, pubblico e luoghi. In questo senso, il teatro diventa ambasciatore di eccellenza, capace di proiettare Borgio Verezzi oltre i propri confini geografici, rendendolo un punto di riferimento riconosciuto e apprezzato.

Tale valore merita di essere celebrato non come semplice ricorrenza, ma come risultato di un percorso condiviso e collettivo. Onorare un anniversario così speciale significa, quindi, riempire gli spazi — non solo fisici ma anche simbolici — con eventi teatrali che sappiano essere intelligenti, costruttivi e coerenti con la storia del luogo.

Le piazze, gli angoli suggestivi e gli scorci carichi di memoria di Borgio Verezzi diventano palcoscenici naturali, capaci di amplificare l’esperienza scenica e di creare un legame profondo tra spettacolo e ambiente circostante. In questo contesto, il teatro non si limita a essere rappresentato: viene vissuto, attraversato, condiviso.

Questa nuova edizione nasce dalla volontà concorde della direzione artistica e del Comune di valorizzare un’eredità importante, guardando al futuro senza dimenticare il passato. L’obiettivo è offrire ai residenti e ai visitatori un’occasione di incontro, riflessione e festa, nel segno di una tradizione che continua a evolversi. Il Festival diventa così strumento di coesione sociale, di crescita interiore e di promozione del territorio.

Sessanta capitoli di pura magia sotto le stelle: Borgio Verezzi festeggia una storia teatrale unica. Celebrarla significa rendere omaggio a un palcoscenico irripetibile che intreccia un legame indissolubile tra attori e spettatori, testimoniando il ruolo centrale che, decennio dopo decennio, ha rivestito e continua a rivestire nella vita della sua comunità. Significa affermare che la cultura è un bene comune da custodire e rilanciare, e che il teatro, con la sua capacità di raccontare l’uomo e la società, resta uno dei mezzi più potenti per dare voce alla storia, alla bellezza e all’identità di un luogo unico. Maximilian Nisi

Sessant’anni dopo la sua nascita, il Festival Teatrale di Borgio Verezzi non si limita a celebrare una ricorrenza, ma costruisce un percorso in cui il teatro continua a rivelare la sua vocazione più autentica: trasformare il tempo in racconto, la memoria in presenza, la maschera in verità e l’immaginazione in esperienza condivisa. Un luogo d’incanto dove passato, presente e futuro si incontrano e, per la durata di una sera, diventano una cosa sola.

Il Festival Teatrale di Borgio Verezzi è organizzato dal Comune di Borgio Verezzi, con il sostegno di Mic – Ministero della Cultura, Regione Liguria, CCIA Riviere di Liguria, Fondazione Agostino De Mari, Virgin Active, Calizzano Acqua Minerale Fonti Bauda, Banca Generali, Fondocasa, Bolidea Concessionario Range Rover, Studio Gallea.

INFO ORARI E SERVIZI

Tutti gli spettacoli si terranno alle ore 21.30 Servizio Bus Navetta piazza Gramsci / piazza Sant’Agostino / piazza Gramsci € 1,00 (partenze orario 19.15 – 19.45 – 20.10 – 20.30 e con ritorno dopo gli spettacoli)

BIGLIETTERIA

Viale Colombo 47 – Borgio Verezzi (orario 8.30 / 13.00 e 14.30 / 18.30)

Apertura venerdì 19 giugno – 20 giugno / 7 luglio da lunedì a sabato – 8 luglio / 13 agosto aperta anche la domenica Prenotazioni telefoniche tel. 019 610 167 / via mail biglietteria@comuneborgioverezzi.it

Prenotazione e acquisti on line sul sito www.webtic.it

I biglietti per la serata in corso sono acquistabili anche nelle sere e nei luoghi di spettacolo a partire dalle ore 20.30 e fino ad inizio spettacolo.

COSTO BIGLIETTI

Piazza Sant’Agostino: intero 1° settore € 32,00 – 2° settore € 29,00 – Ridotti (over 65 /under 25) 1° settore € 29,00 / 2° settore € 26,00 – Muretti € 26 senza distinzione di settore – Ridottissimo under 12 € 15,00. Teatro Gassman: intero € 20 / ridotto € 18 (over 65/studenti under 25) – Torrione Medievale: posto unico € 15 – Piazza San Pietro: ingresso gratuito.

Abbonamento a otto spettacoli € 208,00

Brividi d'Estate 2026, la rassegna in scena al Real Orto Botanico di Napoli
2026-07-08 21:00 - 2026-07-12 21:00 | Real Orto Botanico, Via San Gregorio Armeno, Napoli, ITA, 80138, Italy
È una settimana costruita intorno alle grandi storie dell’uomo quella che attende gli spettatori di Brividi d’Estate 2026, la rassegna in scena al Real Orto Botanico di Napoli, che da mercoledì 8 a domenica 12 luglio 2026 proporrà cinque appuntamenti capaci di alternare emozione, riflessione, divertimento e partecipazione.

Dal racconto contemporaneo alla riscoperta di figure femminili dimenticate, dal coinvolgimento diretto del pubblico con il celebre murder party ai grandi classici della letteratura italiana, fino a un omaggio poetico a Napoli, la rassegna conferma la sua identità, capace di coniugare intrattenimento e riflessione, offrendo ogni sera linguaggi, atmosfere e suggestioni differenti in uno dei luoghi più affascinanti della città.

Ad aprire il percorso, mercoledì 8 luglio, sarà Caivano Dream – Se puoi sognarlo devi farlo, scritto e interpretato da Fulvio Sacco insieme a Christian Giroso. Un invito a guardare oltre i limiti imposti dalla realtà, a interrogarsi sul significato dei propri desideri e sulla forza necessaria per trasformarli in futuro.

Il giorno seguente, giovedì 9 luglio, il racconto cambia prospettiva, tornando indietro di quattro secoli con La Ciulla, scritto e diretto da Carlo Faiello. Gea Martire, Chiara Di Girolamo, Elisabetta D’Acunzo e l’ensemble musicale composto da Pasquale Nocerino, Gianluca Mercurio, Marco Di Palo, Vittorio Cataldi ed Edo Puccini, restituiranno il ritratto di una figura intensa, moderna e sorprendentemente attuale.

Dopo il racconto e la memoria arriva il gioco, venerdì 10 luglio, in cui il pubblico non resterà seduto a osservare, ma entrerà direttamente nella storia con il secondo appuntamento de La cena con delitto, il celebre murder party del Pozzo e il Pendolo.

Il fine settimana si aprirà, sabato 11 luglio, con uno dei testi che più hanno segnato la letteratura del Novecento. Paolo Cresta porta in scena Uno, nessuno e centomila di Luigi Pirandello. A distanza di oltre un secolo dalla sua pubblicazione, il viaggio di Vitangelo Moscarda continua a interrogare il presente.

A chiudere la settimana, domenica 12 luglio, sarà invece Napoli, o meglio, le sue voci, i suoi ricordi, le sue melodie con Lettere al vento, interpretato da Rosaria De Cicco e Massimo Masiello, con le musiche di Luca Mennella e la drammaturgia e regia di Annamaria Russo. La città prende parola attraverso i suoi luoghi simbolo e le sue canzoni, dando vita a un racconto poetico nel quale memoria, ironia e sentimento si intrecciano fino a trasformarsi in un’unica, intensa dichiarazione d’amore.

Info al numero 0815422088

biglietti www.ilpozzoeilpendolo.it e sul circuito Etes

Al via la 60a edizione del Festival di Borgio Verezzi
2026-07-08 21:00 - 2026-07-09 21:00 | Borgio Verezzi, Piazza Sant'Agostino, Borgio Verezzi, IT, 17022, Italia
Il 60° Festival Teatrale di Borgio Verezzi apre i battenti in piazza Sant’Agostino mercoledì 8 e giovedì 9 luglio. Un formidabile cast di attori diretto da Carlo Sciaccaluga porta in scena il “Don Giovanni” di Molière nella celebre traduzione di Edoardo Sanguineti. Sul palco nei ruoli del grande libertino e del servitore Sganarello ci saranno Simone Toni ed Enzo Paci. Mentre Federica Castellini, Giorgia Coco e Francesca Osso interpreteranno la moltitudine di personaggi, maschili e femminili, che popolano le avventure dei due, opponendosi a Don Giovanni o restandone vittime, fino alla grande vendetta del Commendatore.

«Chi è Don Giovanni? – si chiede il regista – È uno di quei personaggi che hanno inventato l’uomo, è più vero del vero e più grande della vita». Simbolo di un’arte della seduzione che ha ispirato tante opere diverse, nella geniale tragicommedia di Molière non è solo un seduttore, ma «una straordinaria raffigurazione del nostro inconscio, perché in ciascuno di noi c’è veramente Don Giovanni, il suo grande sogno di libertà». Una libertà che cerca di insegnare anche al servo Sganarello, che non può permettersela. «La loro coppia è inscindibile – continua Carlo Sciaccaluga – e tra l’intellettuale e l’analfabeta, tra il servo e il padrone, è difficile stabilire se uno dei due abbia un primato morale sull’altro».

Scene e costumi sono ideati e realizzati dagli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti, un’iniziativa in linea con una delle scelte più importanti fatte quest’anno dal direttore artistico Maximilian Nisi: dare massimo spazio e visibilità ai giovani artisti.

“Don Giovanni” è prodotto dalla compagnia Gli Incauti e dal Teatro Nazionale di Genova, che il 28 e il 29 luglio porterà al festival – non in piazza ma al Teatro Gassman di Borgio – una prima assoluta firmata da Davide Livermore: “Ci vediamo all’alba” di Zinnie Harris, un testo intenso e magico, interpretato da due attrici tra le più stimate nel nostro panorama teatrale, Anna Della Rosa e Linda Gennari.

Mercoledì 8 / giovedì 9 luglio (ore 21.30 Piazza Sant’Agostino – Verezzi)

PRIMA

DON GIOVANNI

di J.B.P. Molière

Traduzione Edoardo Sanguineti

Con Simone Toni, Enzo Paci, Federica Castellini, Giorgia Coco, Francesca Osso

Regia Carlo Sciaccaluga

Luci Aldo Mantovani

Scene e costumi a cura degli studenti dell’Accademia Ligustica di Belle Arti Arianna Roveri, Siria Siri, Olimpia Cecilia Tonini con Matilde Grillo, Andrea Parodi, Virginia Serino, Giulia Servili

Assistente alla regia Leonardo Nicolini

Produzione: Gli Incauti – Teatro Nazionale di Genova

Sinossi

Don Giovanni ha rapito e sposato Donna Elvira strappandola al convento, per poi abbandonarla. Vagando per la Sicilia con il servo Sganarello, corteggia due contadine promettendo matrimonio a entrambe, e si scontra con i fratelli di Elvira venuti a vendicare l’onore della sorella. Salva la vita a uno di loro, Don Carlo, complicando la vendetta. Incontra un Povero a cui chiede di bestemmiare in cambio di denaro, e si imbatte nella tomba del Commendatore, che aveva ucciso precedentemente, invitandone la statua a cena. La statua annuisce. Dopo aver umiliato il creditore Quaresima, subito la paternale del padre Don Luigi e rivisto Elvira che lo supplica pentita, Don Giovanni sceglie l’ipocrisia come strategia di sopravvivenza — ma la resa non basta. La statua del Commendatore viene a prenderlo: gli stringe la mano e lo trascina nell’abisso. A Sganarello non restano che i salari perduti.

Note di regia

Chi è Don Giovanni? È uno di quei personaggi che hanno inventato l’uomo, è più vero del vero e più grande della vita. Il nostro Don Giovanni è un rivoluzionario del pensiero critico, un anarchico aristocratico che mette in discussione l’ordine della società. È un pedagogo un po’ perverso: insegna la libertà al suo servo Sganarello, che non può permettersela, perché la libertà è prerogativa dei ricchi. Don Giovanni e Sganarello si pongono le domande fondamentali dell’essere umano: chi siamo? Dove andiamo? Da dove veniamo? La loro coppia è inscindibile, e tra l’intellettuale e l’analfabeta, tra il servo e il padrone, è difficile stabilire se uno dei due abbia un primato morale sull’altro.

Nella nostra messinscena, l’azione si svolge sulle pendici di un vulcano. Una forza che non risponde a nessun ordine, che distrugge e crea senza progetto, che rivela la crosta del mondo per quello che è — una superficie sottile su un magma incandescente. Don Giovanni (che per tradizione è siciliano) abita questo paesaggio come la lava abita la montagna. È la cosa viva sotto la crosta, la realtà che il sistema sociale cerca di contenere e che periodicamente esplode. Tre attrici interpretano tutti i personaggi, femminili e maschili, che vorticano intorno a Don Giovanni e Sganarello, si oppongono a loro o ne rimangono vittime.

Don Giovanni ama l’umanità tutta, e la sua voracità sessuale non è tanto un trionfo del narcisismo quanto una delle espressioni della sua curiosità. Come tutti i rivoluzionari, è incapace di confrontarsi con il dolore degli altri, e dietro di lui i cadaveri rimangono sul campo. La sua ribellione metafisica non è solo quella di Epicuro e Gassendi, non c’è solo la geniale protesta libertina contro le pretese di ordine aristotelico del mondo. Don Giovanni vuole sapere, criticare, indagare anche l’invisibile. È il personaggio che ognuno di noi meriterebbe di incontrare per mettersi alla prova. Confrontarsi con lui significa smarrire le proprie convinzioni, o radicarsi ancor di più in esse; in fondo Molière ci propone una straordinaria raffigurazione del nostro inconscio, perché in fondo a ognuno di noi c’è veramente Don Giovanni: il nostro grande sogno di libertà. [Carlo Sciaccaluga]

www.festivalverezzi.it

"The Belly Button of the World" alla Cavea dell'Auditorium
2026-07-08 21:00 - 23:00 | Auditorium Parco della Musica, Via Pietro de Coubertin, 30, Roma, 00196, Italia
L’8 luglio Goran Bregović porta alla Cavea dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone di Roma “The Belly Button of the World“, concerto evento con orchestra sinfonica, coro e la Wedding & Funeral Orchestra: una delle opere più intense e visionarie del suo percorso musicale, per la prima volta in Italia.

Compositore, autore delle colonne sonore di Emir Kusturica (dal Tempo dei Gitani ad Arizona Dream) e artefice di un suono che da trent’anni attraversa palchi in tutto il mondo, Bregović è una delle voci più autorevoli e riconoscibili della musica balcanica. A Roma apre una dimensione diversa da quella che lo ha reso celebre: più ampia e solenne, in cui la festa collettiva lascia spazio a una narrazione potente e contemporanea.

“The Belly Button of the World“ è il concerto in cui riassume la sua idea di convivenza tra i popoli e le religioni. A raccontarla è un figlio di Sarajevo, città simbolo d’Europa: prima romana, poi bizantina, per secoli ottomana, quindi austro-ungarica, jugoslava e infine bosniaca. Un crocevia di culture e fedi (ebraica, musulmana, ortodossa e cattolica) spesso conteso e attraversato dalla storia, che diventa qui materia musicale. In un’Europa che torna a fare i conti con confini, identità e appartenenze, la storia di Sarajevo non è un ricordo ma una domanda ancora aperta.

Bregović costruisce un’opera che unisce memoria, spiritualità e contemporaneità, trasformando la storia di Sarajevo in un racconto universale: la prova vivente e musicale che ascoltarsi l’un l’altro è ancora possibile.

Per la data romana Bregović sarà affiancato dall’Orchestra Sinfonica di Sanremo, diretta dal Maestro Danilo Rossi, con la partecipazione della violinista solista Grazia Raimondi, dalla Band Gitana di Fiati, dalle Voci Bulgare e dal Sestetto di Voci Maschili.

THE WEDDING AND FUNERAL ORCHESTRA è composta da:

GORAN BREGOVICChitarra, Sintetizzatore, Voce

BAND GITANA DI FIATIMuharem Redžepi – Goc (Grancassa tradizionale), VoceBokan Stankovic – Prima TrombaDragic Velickovic – Seconda TrombaStojan Dimov – Sax, ClarinetAleksandar Rajkovic – Primo Trombone, GlockenspielMilos Mihajlovic – Secondo TromboneAleksandar Jovic – Tuba

VOCI BULGARELudmila Radkova Trajkova – VoceDaniela Radkova Aleksandrova – Voce

Performare Festival 2026 VIII edizione a Serradifalco
2026-07-08 19:30 - 2026-07-11 22:00 | ITA
Torna Performare Festival, il progetto dedicato alla danza contemporanea e alla ricerca artistica che continua a costruire un dialogo tra creazione artistica, territorio e comunità.

Nella giornata di ieri è stato presentata l’ottava edizione del Festival e, fino all’11 luglio sarà in programma l’anteprima, che poi riprenderà dal 26 al 31 luglio e attraverserà Serradifalco, Milena e San Cataldo con spettacoli, performance, residenze creative, workshop, laboratori e momenti di approfondimento, trasformando il territorio in uno spazio di incontro tra artisti, cittadini e linguaggi contemporanei.

Per due settimane il festival si configura come uno spazio di attraversamento e relazione, nel quale artiste e artisti provenienti da esperienze nazionali e internazionali condividono pratiche, visioni e processi creativi. Più che una semplice programmazione di eventi, Performare Festival è un tempo condiviso, in cui la danza diventa esperienza capace di mettere in relazione luoghi, persone e immaginari contemporanei, favorendo l’incontro tra ricerca artistica, territorio e comunità.

Dopo “Corpo Universo”, che nella precedente edizione aveva posto il corpo al centro della riflessione come memoria vivente e archivio in continua trasformazione, il festival prosegue il proprio percorso di ricerca con “Muoviti fermo”, tema dell’edizione 2026. Un’espressione della tradizione siciliana che accosta due termini apparentemente inconciliabili e che invita a riflettere sul rapporto tra azione e immobilità, presenza e trasformazione. Nella danza l’azione non coincide con il semplice movimento, ma prende forma nel momento in cui il corpo sceglie di abitare il presente, costruendo relazioni e rendendo il tempo un’esperienza condivisa.

“Tornare all’azione significa interrogare il modo in cui scegliamo di stare nel mondo. Significa riconoscere che anche la quiete può essere un atto, che ogni presenza modifica lo spazio che incontra e che il tempo non è soltanto ciò che scorre, ma ciò che prende forma nelle relazioni che costruiamo. È in questa soglia, fragile e concreta, che Performare Festival sceglie di sostare. Ogni azione dà forma al tempo e la danza ci invita ad abitarlo.” dichiarano le direttrici artistiche Simona Miraglia e Amalia Borsellino del Collettivo SicilyMade.

Performare Festival è promosso dall’Associazione IN ARTE, con il riconoscimento del Ministero della Cultura, ed è curato dalla direzione artistica di Simona Miraglia e Amalia Borsellino del Collettivo SicilyMade. La manifestazione si realizza con il sostegno dell’Assessorato del Turismo, dello Sport e dello Spettacolo della Regione Siciliana, del Comune di Serradifalco, della Fondazione Sicana e di Sicilbanca, insieme a una rete di partner culturali e realtà del territorio che contribuiscono alla crescita del progetto.

Anche quest’anno il festival ospiterà artiste e artisti provenienti da alcune delle più interessanti esperienze della scena contemporanea italiana e internazionale, alternando nuove creazioni, anteprime e prime nazionali a percorsi di ricerca condivisi con il territorio. Tra gli ospiti figurano, tra gli altri, Rachele Montis, Anna Basti, Francesco Colaleo e Maxime Freixas, Compagnia Zappalà Danza 2, Lorenzo Covello, Rosada Letizia Zangrì, Delfina Stella, Collettivo SicilyMade, Federica Aloisio e Federica Marullo, Mara Noto e Rita Esposito, Giorgia Briguglio e Mariano Cerino Calanzas, Emanuela Serra e Alessandro Pallecchi, Claudio Malangone, Nello Calabrò e il gruppo musicale Nuhara.

Ieri, dopo la presentazione dell’ottava edizione di Performare Festival, si è svolto lo spettacolo Eleonorae di Rachele Montis di Fattoria Vittadini nella splendida cornice di Lago Fonte. A conclusione della serata, il Dopofestival a cura dell’associazione Radici al Quadrato con il concerto del duo Davide Campisi e Mariano Di Stefano.

I prossimi appuntamenti dell’anteprima saranno:

Mercoledì 8 luglio spazio all’incontro partecipativo Tracce visibili per futuri invisibili di Delfina Stella e alla prima nazionale di Trame – piccolo rituale di cura per due corpi di Federica Aloisio e Federica Marullo. Giovedì 9 luglio in programma Anabasis – studio di Mara Noto e Rita Esposito e ADDØSS0 di Giorgia Briguglio e Mariana Cerino Calazans. Venerdì 10 luglio il festival si sposterà a Milena con Land_Scape_Osmosi del Collettivo SicilyMade, Trame – piccolo rituale di cura per due corpi e Pomodoro di Rosada Letizia Zangrì. L’anteprima si concluderà sabato 11 luglio, nuovamente a Serradifalco, con Early Morning Symphony di Lorenzo Covello e una nuova replica di Pomodoro. Tutte le serate saranno accompagnate dai dopofestival con momenti di convivialità, musica dal vivo e incontro con gli artisti.

Il festival entrerà poi nel vivo dal 26 al 31 luglio con sei giornate di spettacoli, performance e incontri distribuiti tra Serradifalco, Milena e San Cataldo. Il programma vedrà protagonisti, tra gli altri, Anna Basti, Francesco Colaleo e Maxime Freixas, Emanuela Serra e Alessandro Pallecchi di Balletto Civile, Claudio Malangone, Compagnia Zappalà Danza 2 e Nuhara, affiancati dagli appuntamenti dedicati alla riflessione sul rapporto tra danza, territori e pratiche artistiche contemporanee.

Accanto alla programmazione degli spettacoli si conferma anche quest’anno Performare Project, la sezione dedicata alla formazione, alla ricerca e alla partecipazione, con residenze artistiche, laboratori, masterclass e percorsi rivolti a professionisti, giovani performer, bambine e bambini. Un progetto che continua a fare della danza uno strumento di incontro e crescita condivisa, valorizzando il dialogo tra artisti, territorio e comunità.

Anche gli eventi collaterali accompagneranno l’intera manifestazione con i tradizionali dopofestival, momenti di convivialità, musica dal vivo e valorizzazione delle realtà locali, contribuendo a rendere Performare Festival un’esperienza diffusa capace di coinvolgere il territorio ben oltre gli spazi della scena.

PERFORMARE FESTIVAL 2026

PROGRAMMA – ANTEPRIMA

Mercoledì 8 Luglio

_ Quartiere San Giuseppe – ore 19:30

Incontro pubblico

DELFINA STELLA

TRACCE VISIBILI PER FUTURI INVISIBILI

incontro e pratica di riflessione collettiva danzata con la comunità, a cura di Delfina Stella | interviene Massimo Iacuzzo

_ Parco delle Rimembranze – ore 20:00

FEDERICA ALOISIO, FEDERICA MARULLO / Pindoc

TRAME – piccolo rituale di cura per due corpi prima nazionale

di e con Federica Aloisio, Federica Marullo | musiche Angelo Sicurella | video Giacomo Ceste | produzione PinDoc | coproduzione Limone Lunare |con il sostegno di Diaria

Giovedì 9 Luglio

_ Sala Don Sturzo – ore 19:30

MARA NOTO, RITA ESPOSITO / Borderlinedanza

ANABASIS – studio

di e con Mara Noto e Rita Esposito | musiche AA VV | produzione BorderlineDanza | con il sostegno di MIC, Regione Campania, Comune di Rutino (SA), Cooperativa MA.TE. | organizzazione Maria Teresa Scarpa | relazioni esterne e segretaria produzione Hanka I. van Dongen

_ Quadrato – ore 20:30

GIORGIA BRIGUGLIO, MARIANA CERINO CALANZAS

ADDØSS0

Ideazione e danza Giorgia Briguglio e Mariana Cerino Calazans | drammaturgia Chiara Leonardi |suono Riccardo Leotta | produzione Associazione Culturale Culture Possibili

[ Milena ]

Venerdì 10 Luglio

_ Villa Comunale – Parco Urbano S. Pertini – ore 19:00

COLLETTIVO SICILYMADE

LAND_SCAPE_OSMOSI

concept Simona Miraglia | coreografia e interpreti Amalia Borsellino, Agnese Canicattì, Simona Miraglia, Silvia Oteri | collaborazione artisticaMarta Greco | produzione IN ARTE/Performare Festival | in collaborazione con Scenario Pubblico | con il sostegno di Regione Siciliana Ass.to del Turismo, Sport e Spettacolo

_ Villa Comunale – Parco Urbano S. Pertini – ore 19:30

FEDERICA ALOISIO, FEDERICA MARULLO / Pindoc

TRAME – piccolo rituale di cura per due corpi

di e con Federica Aloisio, Federica Marullo | musiche Angelo Sicurella | video Giacomo Ceste | produzione PinDoc | coproduzione Limone Lunare |con il sostegno di Diaria

_ Magazzino culturale “ex oleificio” – ore 21:00

ROSADA LETIZIA ZANGRÌ / Cie RoZa

POMODORO

Ideazione, creazione e interpretazione Rosada Letizia Zangrì | Ricerca sul territorio e raccolta testimonianze Cie RoZa | drammaturgia partecipativa Rosada Letizia Zangrì | sound design Carlo Locicero | con la partecipazione della comunità di Milena e Serradifalco | produzione Cie RoZa | progetto in dialogo con la ricerca artistica sviluppata attraverso ‘Talia Talia’ | progetto realizzato nell’ambito di Performare Festival 2026 sezione ‘Performare Project Paesaggio e Comunità’

[ DOPOFESTIVAL ORE 22:00 ]

[ Serradifalco ]

Sabato 11 Luglio

_ Quadrato – ore 20:30

LORENZO COVELLO / Sosta Palmizi

EARLY MORNING SYMPHONY

di e con Lorenzo Covello | produzione Sosta Palmizi

_ Vicolo Caico – ore 21:30

ROSADA LETIZIA ZANGRÌ / Cie RoZa

POMODORO

Ideazione, creazione e interpretazione Rosada Letizia Zangrì | Ricerca sul territorio e raccolta testimonianze Cie RoZa | drammaturgia partecipativa Rosada Letizia Zangrì | sound design Carlo Locicero | con la partecipazione della comunità di Milena e Serradifalco | produzione Cie RoZa | progetto in dialogo con la ricerca artistica sviluppata attraverso ‘Talia Talia’ | progetto realizzato nell’ambito di Performare Festival 2026 sezione ‘Performare Project Paesaggio e Comunità’

[ DOPOFESTIVAL ORE 22:00 ]

EVENTI COLLATERALI

Dopofestival a cura di Radici al Quadrato APS / Food & Drink e Musica dal vivo con Davide Campisi e Mariano Di Stefano _Domenica 5 Luglio – ore 22:00 – Largo Fonte Serradifalco (CL)

Dopofestival a cura di IN ARTE e Circo Pace e Bene / Food & Drink e Musica dal vivo con Carlo e Giorgio Locicero _ Venerdì 10 Luglio – ore 22:00 – Magazzino culturale “ex-oleificio” Milena (CL)

Dopofestival a cura di Radici al Quadrato APS e … / Food & Drink e Musica dal vivo con Carlo e Giorgio Locicero _Sabato 11 Luglio – ore 22:00 – Osteria Don Giuseppe (ex Osteria 2000)

Sezione PERFORMARE PROJECT – anteprima

// RESIDENZA CONDIVISA 6 > 11 Luglio

GERMAN JAUREGUI, ANTIA DIAZ OTERO – Approach to a creation process

// ARTISTI IN RESIDENZA

P. P. | Paesaggio e Comunità:

ROSADA LETIZIA ZANGRÌ – Pomodoro // DELFINA STELLA – Warm Down

P. P. | Creazione e Ricerca:

FEDERICA ALOISIO, FEDERICA MARULLO – Trame. Piccolo rituale di cura per due corpi // MARA NOTO, RITA ESPOSITO – Anabasis // GIORGIA BRIGUGLIO, MARIANA CERINO CALANZAS – ADDØSS0 // COLLETTIVO SICILYMADE – Land_scape_Osmosi // LORENZO COVELLO – Early morning Symphony // AMALIA BORSELLINO – Shocking! // GIULIA DI GUARDO, CLINT LUTES – Toutes les raisons de ne pas danser

BIGLIETTERIA

Presso il Teatro Comunale A. De CurtisVia Cavalieri di Vittorio Veneto93010 Serradifalco (CL)

Orari di apertura

Da lunedì a venerdì: 9.00 – 13.00

Martedì e giovedì: 16.00 – 18.00

INFO E PRENOTAZIONI

+39 333 5276578

+39 327 1559908

“Il caso Cobain – Indagine su un suicidio sospetto” è il nuovo libro di Epìsch Porzioni
2026-07-08 08:00 - 17:00 | ITA
“Il caso Cobain – Indagine su un suicidio sospetto” è il nuovo libro di Epìsch Porzioni, in libreria dall’8 luglio pubblicato da Il Castello nella collana Chinaski.A oltre trent’anni dalla morte di Kurt Cobain, leader dei Nirvana, il libro prende le mosse dalle conclusioni di una nuova indagine condotta da un team forense statunitense che ha rimesso in discussione alcuni aspetti della versione ufficiale del suicidio. Senza sostenere tesi definitive né avallare ipotesi di omicidio, Porzioni -uno dei massimi esperti italiani in materia- ricostruisce la vita, la carriera e soprattutto la morte del musicista. Questo attraverso un lavoro che intreccia biografia, cronaca, testimonianze e analisi investigative, invitando il lettore a distinguere tra fatti documentati, ipotesi e speculazioni.L’opera si apre con la ricostruzione dettagliata del ritrovamento del corpo di Cobain nell’aprile 1994, degli oggetti presenti sulla scena, del rapporto della polizia di Seattle e della rapida conclusione ufficiale: suicidio. Da questo punto di partenza, l’autore si interroga sulla completezza delle indagini e analizza una serie di elementiche negli anni hanno alimentato il dibattito: la lettera d’addio, l’assenza di improntedigitali sull’arma, le elevate concentrazioni di eroina nel sangue, alcune incongruenzeinvestigative, testimonianze discordanti e studi forensi emersi successivamente, affiancati alle valutazioni di investigatori indipendenti e al ruolo dei media nella costruzione del racconto pubblico della vicenda.Accanto all’indagine sulla morte, il volume dedica ampio spazio alla biografia di Cobain. L’infanzia ad Aberdeen, segnata dal divorzio dei genitori, dall’instabilità familiare, dal senso di rifiuto, dal bullismo, dall’ADHD, dal trattamento con Ritalin, dalla depressione e dai primi contatti con le droghe, viene presentata come il contesto in cui maturò la sua fragilità emotiva, senza ridurre la sua storia a una spiegazione univoca. L’adolescenza, l’emarginazione, l’abuso di sostanze e la scoperta della musica come possibilità di riscatto conducono alla nascita dei Nirvana e all’esplosione mondiale di Nevermind, che trasformò Cobain nel simbolo della generazione grunge, pur lasciandolo alle prese con dolore cronico, dipendenza dall’eroina e crescente pressione mediatica.Una sezione significativa è dedicata anche a Courtney Love. Porzioni ne ricostruisce il percorso personale, segnato da un’infanzia problematica e da una storia familiare complessa, soffermandosi soprattutto sulle numerose contraddizioni emerse nel corso degli anni nelle dichiarazioni della cantante e delle persone a lei vicine. L’autore precisa di non voler intentare un “processo”, ma ritiene indispensabile analizzarne criticamente il ruolo all’interno di una vicenda caratterizzata da conflitti personali, dipendenze e rilevanti interessi economici.Uno dei temi centrali del libro è la difficoltà di ricostruire una verità definitiva. Secondo Porzioni, le fonti sulla vita di Cobain e Courtney Love risultano spesso contraddittorie, interessate o manipolate; per questo il volume mette continuamente a confronto versioni differenti invece di accettarne una sola come definitiva.Ne emerge un saggio narrativo che unisce storia della musica, biografia e true crime. Pur ritenendo la tesi ufficiale la più plausibile soluzione al giallo, l’autore sostiene che il caso presenti ancora interrogativi meritevoli di approfondimento, proponendo una rilettura critica di uno degli episodi più controversi della storia del rock e invitando il lettore a riflettere sul mito di Kurt Cobain e sul fascino persistente della sua vicenda.

https://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeghttps://www.instagram.com/il_castello_editore/https://www.instagram.com/chinaskiofficial/

Festival in una notte d’estate con Lunaria Teatro a Genova
2026-07-07 21:00 - 2026-08-08 21:00 | ITA
Dopo l’anteprima della settimana scorsa, rappresentata dalla messa in scena itinerante de La regina disadorna, la 29ª edizione del Festival in una notte d’estate di Lunaria Teatro entra nel vivo nel vivo con gli spettacoli in piazza San Matteo a partire da martedì 7 luglio, serata in cui è in programma il concerto benefico Una Quasi Notte d’estateorganizzato dallo spazio socio-culturale della Caritas Diocesana di Genova Quasi Casa con protagonista la Caretta Big Band, un gruppo nato per rompere le barriere stilistiche fra i generi, e altri ospiti ad alternarsi sul palco nel corso della serata: Mike FC, Aldo De Scalzi, Irene Buselli, Irene Manca, Stewie, Mare, Eames, Fijo, Spike, Hellsy, Tommy Scerd. L’apertura sarà invece affidata al cantante folk Simone Meneghelli, in arte Misentotale

Particolarmente significativa, giovedì 9 luglio, la messa in scena della Lunaria di Vincenzo Consolo, testo vincitore nel 1985 del Premio Pirandello e diventato un fondamento della letteratura italiana, a 40 anni dalla prima mondiale che segnò il debutto alla regia di Daniela Ardini e avrebbe poi dato il nome stesso alla compagnia da lei diretta: la prima messa in rappresentazione, con scene originali di Giorgio Panni, risale infatti al 1986 e avrebbe poi conosciuto molte altre versioni, in Italia e all’estero.

Nella Palermo del Settecento, il Viceré sogna la caduta della Luna e il suo scettro indica una misteriosa Contrada senza nome. Lì, poco dopo, la Luna si crepa e si sfalda. Il villano Mondo porta un frammento agli accademici di corte per trovare risposte. Dopo dispute e apparizioni fantastiche, nell’epilogo i villani seppelliscono i resti del satellite, che ricompare incompleto. Il Viceré giunge sul posto, incastra il pezzo mancante nel cielo e ribattezza il luogo “Lunaria”.

Ad interpretare tutti i personaggi di questa storia a più voci è Pietro Montandon, attore siciliano di grande esperienza e versatilità, che prende per mano il suo pubblico e lo guida con ironia, ma anche con mano ferma e mente fredda nei meandri non sempre facili dell’opera, facendolo assistere ad un gioco letterario, ma anche teatrale, che diverte con l’astrusità dei vari linguaggi, le situazioni paradossali e l’ironia dei personaggi, suscita emozioni con il linguaggio poetico del Viceré e la versificazione dei Villani e delle Villanelle, ultimi baluardi di un mondo dove rimane ancora la poesia.

Venerdì 10 luglio il debutto della danza con Orfeo ed Euridice coreografato da Alekseij Canepa, che reinterpreta il mito greco in una creazione contemporanea intensa in cui il corpo diventa memoria, desiderio e continua ricerca dell’altro. Formatosi in importanti realtà italiane come l’Arts Center of Contemporary Dance di Modena e premiato come Miglior talento dal maestro Mario Porcile, Canepa ha militato anche nell’Atzewi Dance Company per poi fondare nel 2015, a Genova, la Kseij Dance Company che tuttora dirige e con la quale presenta questo spettacolo al Festival, interpretato dai ballerini Francesco Gerbi, Arianna Carino, Elia Santonastaso, Aurora Dieci, Elisa Conte, David Manzoni e Martina Pozzo. Ha lavorato all’estero presso il Budapest Dance Theatre, partecipando anche a produzioni dell’Opera nazionale ungherese, Delattre Dance Company di Mainz e il Theater Ulm, ottenendo il premio come miglior coreografo all’International Dance Competition di Perm, in Russia.

La settimana in piazza San Matteo si concluderà sabato 11 luglio con la prima, prestigiosa ospitalità, la SantaRita & Jack Teatro diretta da Elena Arvigo, che è anche regista e interprete dello spettacolo proposto al Festival in una notte d’estate, Ismene. Con questo testo dedicato alla sorella di Antigone, forza silenziosa che tenta di rimettere ordine tra le macerie, Arvigo – attrice ed autrice nata a Genova ma la cui carriera si è poi articolata anche a livello internazionale, facendone una delle più intense interpreti della scena contemporanea e tra le esponenti più interessanti del teatro indipendente italiano – prosegue la Trilogia delle Stanze, un progetto dedicato alle figure femminili della Quarta dimensione di Ghiannis Ritsos – uno dei massimi poeti del ‘900, candidato per ben nove volte al Nobel e vincitore, nel 1977, del Premio Lenin per la Pace – trilogia aperta da Elena, la donna dietro al mito, e chiusa da Crisotemi, la figlia che rimane nella casa degli Atridi, sospesa tra obbedienza, desiderio e attesa. Tre stanze, tre femminilità, tre modalità di resistere alla violenza della storia.

Informazioni e ringraziamenti

Il programma completo del Festival in una notte d’estate 2026 è disponibile sul sito www.lunariateatro.it,prenotazioni su www.happyticket.it oppure contattando Lunaria Teatro (tel. 0102477045, sito internet www.lunariateatro.it, e-mail info@lunariateatro.it). I ristoranti e bar del quartiere (Migone, Rosmarino, La Buca di San Matteo, 20tre, Bar Campetto e Il Cavaturaccioli) praticheranno uno sconto sulle cene e gli aperitivi a tutti i clienti muniti del biglietto dello spettacolo della serata.

Biglietto singolo (salvo dove diversamente indicato): intero 16 euro; ridotto* 14 euro; under 26 8 euro; under 13 7 euro; incontri-aperitivo 1 euro.

** over 65, soci Coop Liguria, Cral Regione Liguria, titolari di Green Card, e possessori di biglietto per i Musei Civici di Genova

Inizio degli spettacoli alle 21:15 (salvo dove diversamente indicato)

Prenotazioni on line su www.happyticket.it, oppure contattando Lunaria Teatro ai recapiti tel. 0102477045, www.lunariateatro.it, info@lunariateatro.it.

Il “Festival in una notte d’estate” è realizzato grazie al sostegno di Comune di Genova e Camera di Commercio di Genova, con la Regione Liguria come partner istituzionale ed il patrocinio della Città Metropolitana di Genova. Si ringraziano lo sponsor Generali – Assicuriamo Genova, i partner culturali Musei Nazionali di Genova – Palazzo Spinola, Alliance Française Gênes, L’Amico Ritrovato, Associazione Guide Turistiche della Liguria, Quasi Casae Willy Montini Arte, i partner Signor Kiwi Bistrot, DEMA, Coop Liguria e Capoverso. Un ringraziamento particolare anche a Teatro Nazionale di Genova, La quinta praticabile, abate Don Carlo Parodi, famiglia D’Oria eArmando Idà.

Con il patrocinio di Rai Liguria

Media partner GOA Magazine

Programma della settimana

PIAZZA SAN MATTEO

Martedì 7 luglio ore 21:15

MUSICA

UNA QUASI NOTTE D’ESTATE

evento benefico di Quasi Casa

con la Caretta Big Band (fiati, archi, percussioni, basso, batteria)

Apertura Misentotale

PIAZZA SAN MATTEO

Giovedì 9 luglio ore 21:15

PROSA

LUNARIA o il sogno del Viceré

di Vincenzo Consolo

con Pietro Montandon

luci e fonica Stefano Gualtieri Luca Nasciuti

scene Giorgio Panni Giacomo Rigalza

regia Daniela Ardini

produzione Lunaria Teatro

PIAZZA SAN MATTEO

Venerdì 10 luglio ore 21:15

DANZA

ORFEO ED EURIDICE

coreografie di Alekseij Canepa

con Francesco Gerbi, Arianna Carino, Aurora Dieci, Elia Santonastaso, David Manzoni, Elisa Conte, Martina Pozzo

esecuzione Kseij Dance Company

produzione Tocnadanza

PIAZZA SAN MATTEO

Sabato 11 luglio ore 21:15

PROSA

ISMENE

di Ghiannis Ritsos

traduzione di Nicola Crocetti

con e regia Elena Arvigo

in collaborazione con Maria Alessandra Giuri

produzione SantaRita & Jack Teatro

Lunaria in giro

VADO LIGURE, VILLA GROPPALLO

Giovedì 2 luglio ore 21:15

PROSA

IL MARE DI CAMILLERI

con Daniela Ardini, Pietro Montandon, Pino Petruzzelli, Paolo Portesine

produzione Lunaria Teatro

Ingresso libero

Eventi collaterali

Dal 27 giugno all’8 agosto

MOSTRA FOTOGRAFICA

Vetrine in salita San Matteo 12r gentilmente concesse

Morire di Poesia a 90 anni dalla scomparsa di Luigi Pirandello
2026-07-07 21:00 - 2026-07-23 21:00 | ITA
Morire di Poesia celebra il grande drammaturgo Luigi Pirandello a 90 anni dalla sua scomparsa con un progetto multidisciplinare. Attraverso incontri, masterclass e momenti performativi, Morire di Poesia invita il pubblico a confrontarsi con l’universo creativo del grande drammaturgo siciliano, concentrandosi in particolare su I Giganti della Montagna, la sua ultima e incompiuta opera, considerata il suo testamento poetico. Il tema centrale de I Giganti della Montagna è lo scontro tra due mondi, quello dell’Arte rappresentato dalla contessa Ilse e dai suoi attori, e il mondo dei Giganti, rozzi e materialisti, che abitano una società che non lascia spazio alla poesia. Un confronto che culmina nel celebre finale incompiuto, che Pirandello, poco prima della morte, immaginò come la tragica sconfitta della poesia. Come risolvere il finale “mai scritto” è stato il nodo critico per ogni regista chiamato a misurarsi con la messa in scena di quest’opera. Quale soluzione registica a questo finale hanno trovato i mostri sacri del nostro teatro? E 90 anni dopo, a che punto siamo? Chi vince, chi soccombe, e chi sono oggi i Giganti della Montagna? Per dare concretezza a queste domande MORIRE DI POESIA si articola in due fasi, complementari tra loro: un ciclo di tre serate narrative-evocative, dove saranno analizzate le soluzioni sceniche e creative di alcuni tra i più grandi registi italiani degli ultimi 50 anni, accompagnato da una doppia pubblica restituzione de I giganti della montagna – Ultimo atto, risultato della masterclass diretta dal regista Matteo Tarascosul IV atto dell’opera, riservata a otto giovani attori e attrici under 35.

Il ciclo di incontri sarà inaugurato il 7 luglio a La Casina del Salvi, con un appuntamento su I Giganti della Montagna di Giorgio Strehler. L’incontro si concentrerà sull’ultimo dei tre allestimenti dell’opera, che debuttò al Teatro Lirico di Milano nel 1994. A partire dagli appunti del Maestro, letti da Gabriele Lavia, Andrea Jonasson, indimenticabile interprete di quella storica edizione, dialogherà con Maurizio Porro e Sara Chiappori, ripercorrendo la genesi e il significato di uno degli spettacoli più importanti del teatro italiano del Novecento. A seguire, il 9 luglio sarà la volta della regia de I Giganti della Montagna di Leo de Berardinis. Partendo dalle lettere di Pirandello sui Giganti, Roberto Latini ed Elena Bucci, moderati da Marcantonio Lucidi, racconteranno la particolare messa in scena di de Berardinis, innovativa e di rottura, nel suo riuscitissimo connubio tra sperimentazione e tradizione. Il 10 luglio il ciclo di incontri si chiuderà con I Giganti de la Montagna di Gabriele Lavia nel suo allestimento del 2018. Attraverso una lettura degli appunti di regia del Maestro e un dialogo con Michele Sciancalepore, la serata ripercorrerà le scelte artistiche e drammaturgiche che hanno caratterizzato lo spettacolo, soffermandosi in particolare sull’enigmatico finale dell’opera. L’incontro sarà arricchito da una mostra fotografica digitale di Tommaso Le Pera, tra i più importanti fotografi di scena italiani, con una selezione di immagini dedicate agli allestimenti pirandelliani di Gabriele Lavia, tra cui I Giganti della Montagna. Dall’11 al 20 luglio al Teatro Tor Bella Monaca avrà luogo la seconda fase del progetto, con la masterclass condotta da Matteo Tarasco sul IV atto de I Giganti della Montagna, rivolta a otto giovani attori e attrici under 35, impegnati in un percorso creativo di analisi scenica del finale dell’opera.

La restituzione pubblica del lavoro, dal titolo I giganti della montagna – Ultimo atto sarà presentata il 21 luglio, al Tor Bella Monaca Teatro Festival – Arena Estate e il 23 luglio, a La Casina del Salvi. I costumi saranno creati dagli studenti e le studentesse del terzo anno del Diploma Accademico di Primo Livello in Costume e Moda di Accademia Costume & Moda, sotto la guida del Maestro Andrea Viotti, Coordinatore del Dipartimento Costumi. In occasione dei novant’anni dalla scomparsa dell’autore e con il patrocinio dell’Istituto di Studi Pirandelliani e sul Teatro Contemporaneo, MORIRE DI POESIA intende così porsi come un’occasione di riflessione sul ruolo dell’arte e della poesia nel nostro tempo attraverso il confronto tra memoria, ricerca e creazione. Nel dialogo tra i grandi maestri del teatro italiano e le nuove generazioni di artisti, I Giganti della Montagna torna a essere uno strumento per comprendere il nostro rapporto con l’immaginazione, la cultura e il senso stesso del fare teatro.

EVENTI APERTI AL PUBBLICO

7 – 9 – 10 e 23 luglio

La Casina del Salvi

Clivo di Scauro 4

Ingresso gratuito con prenotazione all’indirizzo info@effimerateatro.it

21 luglio

Tor Bella Monaca Teatro Festival – Arena Estate

Via Bruno Cirino

BIGLIETTI

intero 13 Euro

ridotto 11 Euro

giovani 9 Euro

06/2010579 (dalle 11 alle 19)

promozione@teatrotorbellamonaca.it

Yamandu Costa e Solomeo Open Combo Wind Orchestra alla Casa del Jazz
2026-07-07 21:00 - 23:30 | Casa del Jazz, Viale di Porta Ardeatina, 55, Roma, 00154
Martedì 7 luglio, unica data a Roma, per i Concerti nel Parco alla Casa del Jazz, un evento realizzato in collaborazione con il Festival di Festival Villa Solomei (Perugia) che schiera accanto a YAMANDU COSTA, grandissimo virtuoso brasiliano, la Solomeo Open Combo Orchestra, ensemble musicale originario del borgo umbro di Solomeo con ospite il clarinettista Gabriele Mirabassi.

Una chitarra a otto corde che produce suoni che sembrano impossibili per un solo strumento… il suo virtuosismo strumentale è universalmente riconosciuto ed in questa occasione sarà ulteriormente valorizzato dall’interazione con le sonorità di una combo allargata di oltre quaranta elementi, che aggiungono una componente di novità al repertorio.

Il programma spazierà nel grande repertorio tradizionale latino americano, fino a composizioni delle stesso Yamandu Costa, adattate per l’occasione da Andrea Angeloni, in veste anche di direttore.

L’incontro tra Yamandu Costa e la Solomeo Open Combo Orchestra è una prima assoluta a livello italiano e si colloca nel solco delle collaborazioni che il chitarrista di fama mondiale intrattiene con organici di fiati di diversi tipi, dalla classica big band a gruppi strumentali più eterogenei.

Yamandu Costa si è esibito praticamente in tutto il mondo, nei maggiori cartelloni ma anche collaborando con istituzioni sinfoniche di rilievo; rappresenta ad oggi uno dei più brillanti esponenti del mondo musicale brasiliano e sudamericano in generale, grazie alla profonda conoscenza delle forme tradizionali di quei paesi.La

Solomeo Open Combo Orchestra affonda le sue radici in una tradizione centenaria che ha visto la società filarmonica di cui fa parte, svolgere un’attività incessante di produzione ed educazione musicale sul territorio umbro.

Gabriele Mirabassi è tra i clarinettisti di maggior talento del panorama musicale internazionale, si muove con uguale disinvoltura sia nella musica classica che nel jazz. Negli ultimi anni poi svolge una ricerca approfondita sulla musica strumentale popolare brasiliana e sudamericana in genere. Collabora inoltre sistematicamente con artisti di ambiti eterogenei, partecipando a progetti di teatro, danza, canzone d’autore, ecc…

***

La manifestazione I Concerti nel Parco, Estate 2026 è sostenuta dal MiC Ministero della Cultura Direzione Generale Spettacolo e dalla Regione Lazio Direzione Generale Cultura e Lazio Creativo.

L’iniziativa è promossa e sostenuta da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria Dipartimento Attività Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura ed è organizzata e realizzata da Ass.Cult I Concerti nel Parco ETS.

I Concerti nel Parco, Estate 2026, è realizzato in partnership con BCC Roma

Castelfranco Veneto Jazz Festival
2026-07-07 08:00 - 2026-07-11 17:00 | ITA
La grande virtù del Castelfranco Veneto Jazz Festival risiede nel trasformare un cartellone concertistico ricco di importanti star del jazz italiano e internazionale in un’occasione di coinvolgente apprendimento per le giovani generazioni. Molti artisti ospiti oltre a salire sul palco per i live serali saranno infatti coinvolti in attività didattiche, con masterclass rivolte principalmente (ma non solo) agli studenti del Conservatorio di Musica “Agostino Steffani”. La dodicesima edizione del festival si svolgerà dal 7 all’11 luglio: cinque giornate con molteplici appuntamenti (molti a ingresso gratuito) oltre alle jam session e altri eventi di contorno.

In cima alla locandina svettano i nomi di quattro stelle del jazz d’oltre oceano, riunite in un quartetto all stars per l’inaugurazione della kermesse musicale: Gonzalo Rubalcaba, Chris Potter, Larry Grenadier ed Eric Harland. Seguirà una variegata e trasversale rappresentanza del miglior jazz nazionale, con Fabrizio Bosso, Mauro Ottolini, Maria Pia De Vito, il J&J Organ Trio di Gianluca Carollo aperto alla presenza di vari ospiti speciali.

Il Castelfranco Veneto Jazz Festival, con la direzione artistica di Gianluca Carollo, è organizzato dal Conservatorio di Musica “Agostino Steffani” di Castelfranco Veneto e dal Comune di Castelfranco Veneto, con il contributo della Regione del Veneto e in collaborazione con Banca delle Terre Venete, Zoppas Industries e Associazione Dentro/Centro, tra cui Bistro S. Giustino.

I concerti principali

Il cartellone del Castelfranco Veneto Jazz Festival 2026 propone ogni sera l’esibizione di artisti di ampia notorietà, protagonisti ai massimi livelli della scena jazz italiana e internazionale.

Ne è un supremo esempio il quartetto che si ascolterà la prima sera del festival (7 luglio al Teatro Accademico): una all stars che raccoglie sullo stesso palco il pianista Gonzalo Rubalcaba, il sassofonista Chris Potter, il contrabbassista Larry Grenadier e il batterista Eric Harland, quattro dei più celebrati e premiati jazzisti in attività. Il loro progetto “First Meeting” ci consegna tutta l’esplosiva creatività del modern jazz venato di spunti latin.

La sera dell’8 luglio sono previste due esibizioni di rilievo. Si inizia nel Salone di Villa Barbarella con il piano solo di Yakir Arbib (ingresso libero): un set che fonde musica colta e jazz in una sintesi originale, reinventando la musica classica attraverso l’improvvisazione. Ci si sposta poi nel Giardino di Villa Barbarella per un altro spettacolo a ingresso libero: il J&J Organ Trio guidato dal trombettista Gianluca Carollo dedicherà la sua esibizione (tra hard bop, swing, latin jazz e sonorità blues) alla memoria di Beppe Pilotto, contrabbassista originario proprio di Castelfranco Veneto. Sul palco ci saranno anche numerosi ospiti speciali: la cantante e chitarrista Francesca Bertazzo, il trombonista Mauro Ottolini e il clarinettista Michele Uliana.

I concerti del 9 e 10 luglio (entrambi a ingresso libero, sul Sagrato del Duomo) si svolgeranno nella cornice creata dalle Notti Blu del Jazz. Giovedì 9 l’Orchestra Ottovolante diretta da Mauro Ottolini (con ospite la cantante Chiara Luppi) darà vita a un omaggio alla musica italiana del dopoguerra in chiave jazz, swing, mambo, cha cha cha. Un repertorio popolare ma anche musicalmente sofisticato.

Venerdì 10 il trombettista Fabrizio Bosso, uno dei solisti più brillanti del nostro jazz, salirà sul palco col suo quartetto: una formazione dotata di un’eloquenza che riporta al centro dell’attenzione la lingua maestra dello swing-bop con in più il repertorio di virtuosismi e l’incredibile inventiva che contraddistinguono il suo incontenibile leader.

Sabato 11 luglio, per il finale del festival, il Teatro Accademico ospiterà la cantante Maria Pia De Vito: il suo progetto “Buarqueana”, in quartetto, traduce in napoletano alcuni capolavori dellaMPB (música popular brasileira), concentrandosi sulle canzoni di Chico Buarque de Hollanda. La lingua napoletana si dimostra formidabile strumento musicale, lirico e ritmico allo stesso tempo. In questa visione metamorfica, le danze campane incrociano quelle brasiliane, il samba la tammurriata.

La Notte Blu

La Notte Blu, inaugurata nell’edizione 2024 del festival, è diventata da allora un elemento distintivo della manifestazione, tanto che quest’anno il format raddoppia. Saranno infatti due le Notti Blu, giovedì 9 e venerdì 10 luglio: una ‘grande abbuffata’ di musica a partire dalle ore 19 con appuntamenti di ascolto in vari locali e nelle vie del centro storico.

In queste due giornate si terranno anche le dirette de “Il Jazzofono”, trasmissione di Radio Café a cura di Dario Barollo e Nick Ferrauto: in Piazza Guidolin, i conduttori daranno vita a un jazz DJ set dalle ore 19 per poi andare in onda con la trasmissione in diretta radio dalle ore 20.

…e altro ancora

A rafforzare il legame tra il festival e la città ci saranno poi numerosi altri eventi, non solo live. Come nel caso di “Miles, The Last Concert”, un incontro a ingresso libero per celebrare il centenario della nascita di Miles Davis, argomento topico per la comunità jazzistica mondiale e particolarmente pertinente per Castelfranco Veneto, che ospitò l’ultimo concerto italiano ed europeo del divino Miles, appena due mesi prima della sua scomparsa. La storia di quella notte dell’estate del 1991 verrà ricordata da Riccardo Brazzale con la partecipazione di Giuseppe “Momo” Mormile, che ne fu organizzatore (7 luglio presso la Sala Conferenze dell’Hotel La Torre; a seguire Aperijazz con brindisi d’inaugurazione del festival).

Una forte connessione con la città è anche quella di Anna Passuello, uno dei più rilevanti talenti emersi all’interno del Conservatorio di Castelfranco Veneto: la cantante si esibirà assieme allo Steffani Jazz Quintet presso il Salone di Villa Barbarella (11 luglio, ingresso libero).

Tutte le serate del festival saranno caratterizzate da una serie di appuntamenti ricorrenti: le jam session a cura degli studenti del Dipartimento Jazz del Conservatorio; il percorso pittorico nel jazz di Walter Marin, con esposizione e live painting; la postazione food & drinks con Bistrò San Giustino presso il Giardino di Villa Barbarella.

PROGRAMMA

Martedì 7 luglio

Hotel La Torre – Sala Conferenze, ore 17:30

MILES, THE LAST CONCERT

Storia di una notte di mezza estate a Castelfranco Veneto

Incontro per celebrare il centenario della nascita di Miles Davis

A cura di Riccardo Brazzale

con la partecipazione straordinaria di Giuseppe “Momo” Mormile

A seguire Aperijazz. Brindisi d’inaugurazione del Festival

ingresso libero

Teatro Accademico, ore 21:15

GONZALO RUBALCABA / CHRIS POTTER / LARRY GRENADIER / ERIC HARLAND

“First Meeting”

Gonzalo Rubalcaba (pianoforte), Chris Potter (sax), Larry Grenadier (contrabbasso), Eric Harland (batteria)

Mercoledì 8 luglio

Salone di Villa Barbarella, ore 20

YAKIR ARBIB

“Piano solo”

Yakir Arbib (pianoforte)

ingresso libero

Giardino di Villa Barbarella, ore 21:15

GIANLUCA CAROLLO E J&J ORGAN TRIO

“Hand to Hand”

Gianluca Carollo (tromba, flicorno), Nicola Dal Bo (organo Hammond), Marco Carlesso (batteria)

special guests:

Francesca Bertazzo (voce, chitarra), Mauro Ottolini (trombone), Michele Uliana (clarinetto)

concerto in memoria di Beppe Pilotto

ingresso libero

in caso di pioggia il concerto si terrà al Teatro Accademico

Giovedì 9 luglio

La Notte Blu

Jazz nei locali e nelle vie del centro storico, dalle ore 19

Piazza Guidolin

“Il Jazzofono” di Radio Café

a cura di Dario Barollo e Nick Ferrauto

Jazz Dj Set dalle ore 19

Diretta Radio dalle ore 20 alle 21

Sagrato del Duomo, ore 21:15

MAURO OTTOLINI & ORCHESTRA OTTOVOLANTE

feat. Chiara Luppi

Mauro Ottolini (voce, trombone ,conchiglie), Chiara Luppi (voce), Andrea Lagi (tromba), Morris Ottolini (tromba), Michele Polga (sax alto),

Stefano Menato (sax tenore), Corrado Terzi (sax baritono), Lino Bragantini (trombone), Matteo Del Miglio (trombone basso),

Enrico Trevisanato (pianoforte), Giulio Corini (contrabbasso), Luca Colussi (batteria), Valerio Galla (percussioni)

ingresso libero

in caso di pioggia il concerto si terrà al Teatro Accademico

Venerdì 10 luglio

La Notte Blu

Jazz nei locali e nelle vie del centro storico, dalle ore 19

Piazza Guidolin

“Il Jazzofono” di Radio Café

a cura di Dario Barollo e Nick Ferrauto

Jazz Dj Set dalle ore 19

Diretta Radio dalle ore 20 alle 21

Sagrato del Duomo, ore 21:15

FABRIZIO BOSSO QUARTET

Fabrizio Bosso (tromba), Julian Oliver Mazzariello (pianoforte), Jacopo Ferrazza (contrabbasso), Nicola Angelucci (batteria)ingresso libero

in caso di pioggia il concerto si terrà al Teatro AccademicoSabato 11 luglio

Salone di Villa Barbarella, ore 20

ANNA PASSUELLO

Steffani Jazz Quintetingresso libero

Teatro Accademico, ore 21:15

MARIA PIA DE VITO

“Buarqueana”

Maria Pia De Vito (voce), Roberto Taufic (chitarra), Huw Warren (pianoforte), Roberto Rossi (batteria, percussioni)

Tutte le sere del Festival dalle ore 22:30

JAZZ, ART & FOOD

Jam Session

a cura degli studenti del Dipartimento Jazz del Conservatorio

Il percorso pittorico nel Jazz

di Walter Marin

Esposizione e live painting

Food & Drinks

Con Bistrò San Giustino

Giardino di Villa Barbarella

***

Informazioni concerti:

www.castelfrancovenetojazz.org

www.conscfv.it/eventi

www.facebook.com/castelfrancojazzfestival

www.instagram.com/castelfrancovenetojazzfestival

castelfrancovenetojazzfestival@gmail.com

Biglietti:

Tutti i concerti sono gratuiti tranne quelli di:

Gonzalo Rubalcaba/Chris Potter/Larry Grenadier/Eric Harland “First Meeting”: intero € 35; ridotto € 20

Maria Pia De Vito: intero € 15; ridotto € 10

Biglietti ridotti per studenti del Conservatorio “Steffani”, under 18 e over 65

Prevendite:

– www.vivaticket.it e su tutto il circuito VivaTicket

– De Santi Dischi (via Marconi 1, Castelfranco Veneto)

– il giorno del concerto presso la biglietteria del Teatro Accademico dalle ore 16

Direzione artistica: Gianluca Carollo

Torna Cinevillage Villa Lazzaroni: due mesi di cinema e cultura nel VII Municipio
2026-07-06 21:00 - 2026-09-06 21:00 | Villa Lazzaroni, Via Appia Nuova, 520, Roma, ITA, 00179, Italy
La magia del grande schermo torna ad accendersi sotto il cielo di Roma. Da lunedì 6 luglio a domenica 6 settembre prende il via la terza edizione di Cinevillage Villa Lazzaroni, l’arena cinematografica estiva organizzata da AGIS Lazio, ormai divenuta un appuntamento atteso e riconosciuto nel panorama culturale dell’estate romana.

Per due mesi, il parco di Villa Lazzaroni si trasformerà ogni sera in un luogo di incontro e condivisione, dove vivere il cinema all’aperto attraverso una programmazione che spazia tra le migliori produzioni italiane, europee e internazionali, tra grandi autori, film premiati e titoli capaci di raccontare il nostro tempo.

Anche quest’anno l’arena aderisce alla campagna del Ministero della Cultura Cinema Revolution, consentendo al pubblico di assistere alle proiezioni dei film italiani ed europei al prezzo speciale di 3,50 euro, con l’obiettivo di rendere il cinema sempre più accessibile e favorire la partecipazione di un pubblico ampio e trasversale.

Accanto alle proiezioni, torna uno degli elementi distintivi del Cinevillage: gli incontri con i protagonisti del cinema italiano, curati da Franco Montini e Massimo Righetti, che offriranno al pubblico l’opportunità di dialogare con registi, interpreti e autori.

Il cartellone si aprirà lunedì 6 luglio con l’incontro con Rocco Siffredi, Alexia Cozzi e Shaen Barletta in occasione della proiezione di Blue, il film di Eleonora Puglia. Il giorno successivo, martedì 7 luglio, sarà ospite dell’arena Paolo Virzì, che incontrerà il pubblico prima della proiezione del suo nuovo film Cinque secondi. Giovedì 9 luglio sarà la volta di Daniele Vicari, presente per Ammazzare stanca – Autobiografia di un assassino. Lunedì 13 luglio il pubblico potrà dialogare con Monica Guerritore, che presenterà il suo Anna, mentre venerdì 17 luglio arriverà a Villa Lazzaroni Rocco Papaleoper accompagnare la proiezione de Il bene comune. A chiudere questo primo ciclo di appuntamenti, lunedì 20 luglio, sarà Barbara Ronchi, ospite dell’arena in occasione di Elisa di Leonardo Di Costanzo.

La programmazione delle prime settimane promette inoltre grande varietà di linguaggi e di sguardi, alternando il cinema d’autore italiano alle produzioni internazionali più attese. In cartellone figurano, tra gli altri, Le città di pianura di Francesco Sossai, Tre ciotole di Isabel Coixet, La grazia di Paolo Sorrentino, il documentario Giulio Regeni – Tutto il male del mondo di Simone Manetti, Hamnet di Chloé Zhao, Cime tempestose di Emerald Fennell, Un semplice incidente di Jafar Panahi e il kolossal fantascientifico L’ultima missione: Project Hail Mary.

Non mancherà, inoltre, lo spazio dedicato alla parola e alla riflessione grazie a Libri & Spritz, la rassegna culturale realizzata in collaborazione con la Community C.A.S.A., che proporrà incontri pomeridiani intorno alle ore 19. I primi appuntamenti vedranno protagonisti, il 9 luglio, Giampiero Sartarelli, che presenterà Etica e Psicologia Sociale. Vivere in armonia con la psicopandemia (Edizioni Universitarie Romane) dialogando con Rosaria Impenna; il 16 luglio, Agnese Torre, autrice di Fili di Miele(Armando editore), in conversazione con Edoardo Scirè; il 23 luglio, Linda Reali, che presenterà il suo libro Il tè e l’orchidea; e il 6 agosto, Antonio Agrestini, autore di Ciao Mondo (Edizioni Fuorilinea), in dialogo con Ilaria Agostini, e Salvatore Cassarino, che presenterà Gestalt Coaching Medicine. Lasciare emergere in medicina(Talent Edizioni) insieme a Patrizia Ruscio.

Per tutta l’estate, Cinevillage Villa Lazzaroni si conferma così non soltanto come arena cinematografica, ma come un vero presidio culturale di prossimità, uno spazio aperto alla cittadinanza in cui cinema, libri e incontro diventano strumenti di partecipazione e condivisione.

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura, è vincitore dell’Avviso Pubblico “Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno” in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

Con il sostegno di ACEA, il progetto è realizzato da AGIS Lazio, con il supporto di ANEC Lazio, in collaborazione con CNB Comunicazione e Libri & Spritz (Community C.A.S.A.), con ATAC quale Mobility Partner e Dimensione Suono Soft e Mymovies come Media Partner.

CINEVILLAGE VILLA LAZZARONI

Programma da lunedì 6 luglio a lunedì 20 luglio 2026

LUNEDÌ 6 LUGLIO

21:15

INCONTRO CON ROCCO SIFFREDI, ALEXIA COZZI, SHAEN BARLETTA

e proiezione del film

BLUE(Drammatico) 84’ di Elenora Puglia

con Alexia Cozzi, Shaen Barletta, Rocco Siffredi

MARTEDÌ 7 LUGLIO

21:15 proiezione del film e

INCONTRO CON PAOLO VIRZÌ

CINQUE SECONDI

(Commedia) 105′ di Paolo Virzì

con Valerio Mastandrea, Galatéa Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi, Ilaria Spada

MERCOLEDÌ 8 LUGLIO

21:30

LE CITTÀ DI PIANURA

(Commedia) 100′ di Francesco Sossai

con Filippo Scotti, Sergio Romano, Pierpaolo Capovilla, Roberto Citran

GIOVEDÌ 9 LUGLIO

21:15

proiezione del film e

INCONTRO CON DANIELE VICARI

AMMAZZARE STANCA – AUTOBIOGRAFIA DI UN ASSASSINO

(Drammatico) 129′ di Daniele Vicari

con Gabriel Montesi, Vinicio Marchioni, Selene Caramazza, Andrea Fuorto, Thomas Trabacchi

VENERDÌ 10 LUGLIO

21:30

TRE CIOTOLE

(Drammatico) 120′ di Isabel Coixet

con Alba Rohrwacher, Elio Germano, Silvia D’Amico, Galatéa Bellugi, Francesco Carril

SABATO 11 LUGLIO

21:30

CIME TEMPESTOSE

(Drammatico) 136′ di Emerald Fennell

con Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Shazad Latif

DOMENICA 12 LUGLIO

21:30

LA GRAZIA

(Drammatico) 131′ di Paolo Sorrentino

con Toni Servillo, Anna Ferzetti, Orlando Cinque, Massimo Venturiello

LUNEDÌ 13 LUGLIO

21:15

INCONTRO CON MONICA GUERRITORE

e proiezione del film

ANNA

(Drammatico) 111′ di Monica Guerritore

con Monica Guerritore, Tommaso Ragno, Beatrice Grannò, Lucia Mascino

MARTEDÌ 14 LUGLIO

21:30

LAVOREREMO DA GRANDI

(Commedia) 91’ di Antonio Albanese

con Antonio Albanese, Giuseppe Battiston, Nicola Rignanese, Niccolò Ferrero

MERCOLEDÌ 15 LUGLIO

21:30

GIULIO REGENI – TUTTO IL MALE DEL MONDO

(Documentario) 105′ di Simone Manetti

con Claudio Regeni, Paola Deffendi, Alessandra Ballerini

GIOVEDÌ 16 LUGLIO

21:30

HAMNET

(Drammatico) 125′ di Chloé Zhao

con Jessie Buckley, Paul Mescal, Emily Watson, Joe Alwyn, David Wilmot

VENERDÌ 17 LUGLIO

21:15 proiezione del film e

INCONTRO CON ROCCO PAPALEO

IL BENE COMUNE

(Commedia) 103′ di Rocco Papaleo

con Claudia Pandolfi, Rocco Papaleo, Teresa Saponangelo, Vanessa Scalera

SABATO 18 LUGLIO

21:30

L’ULTIMA MISSIONE: PROJECT HAIL MARY

(Fantascienza) 156′ di Phil Lord, Christopher Miller

con Ryan Gosling, Milana Vayntrub, Sandra Hüller, Ken Leung

DOMENICA 19 LUGLIO

21:30

UN SEMPLICE INCIDENTE

(Drammatico) 101′ di Jafar Panahi

con Vahid Mobasseri, Mariam Afshari, Ebrahim Azizi, Hadis Pakbaten

LUNEDÌ 20 LUGLIO

21:15

proiezione del film e

INCONTRO CON BARBARA RONCHI

ELISA (Drammatico) 105′ di Leonardo Di Costanzo

con Barbara Ronchi, Roschdy Zem, Diego Ribon, Valeria Golino

Infoline: info@cinevillageroma.it

"The Big Band Theory" il libro di Alceste Ayroldi all'Auditorium Flaiano di Pescara
2026-07-06 19:00 - 20:30 | Auditorium Flaiano, Lungomare Colombo, 122, Pescara, ITA, 65126, Italy
Mercoledì 15 luglio alle ore 19,00, nelle Sala Conferenze dell’Auditorium Flaiano di Pescara, Alceste Ayroldi presenterà il suo libro, The Big Band Theory (Minimun Fax). Moderatore, Angelo Valori, direttore artistico Pescara Jazz. Dalle prime decadi del secolo si è assistito in Italia alla formazione delle prime orchestre, che si sono fortemente radicate nel panorama musicale nazionale, e con l’avvento della tecnologia e la diffusione dei mezzi di registrazione, la produzione musicale orchestrale ha subito una significativa trasformazione, consentendo una più ampia diffusione della musica sinfonica e un’apertura verso nuove sonorità e generi musicali. Tra questi, il jazz ha progressivamente assunto un ruolo sempre più dominante, accompagnato da una crescente professionalizzazione. Alla fine degli anni Cinquanta è nata a Milano la prima scuola di musica dedicata al jazz, fondata da Giorgio Gaslini, forse il primo a dare al jazz la stessa dignità della musica colta. Un processo che è proseguito senza interruzioni fi no ai nostri giorni, e che è ampiamente documentato dalle interviste rivolte a sedici direttori/fondatori di «big band» italiane. Un’inchiesta con profili giuridici ed economici e che tracciano uno spaccato dell’attuale situazione delle orchestre jazz italiane. Ricostruendo la genesi delle rispettive orchestre e rievocandone l’attività e le collaborazioni internazionali, le testimonianze di maestri come Angelo Valori, Mario Corvini e Pino Jodice, Enrico Intra e Massimo Nunzi, Stefano Mastruzzi, Ferdinando Faraò, Riccardo Brazzale e molti altri, dimostrano quanto il jazz rimanga una realtà vitale all’interno del panorama musicale italiano, e abbia anzi conosciuto, negli ultimi anni, un’ulteriore espansione. Alle interviste segue un interessantissimo focus sulla nascita e sullo sviluppo della scena jazz a Palermo, che ha trovato nell’Orchestra Jazz Siciliana il suo momento forse più esaltante, qui raccontato attraverso le voci di Ignazio Garsia, Domenico Riina, Vito Giordano e Antonino Pedone.

Alceste Ayroldi, docente, critico musicale, saggista, veejay. Laureato in Giurisprudenza, chitarrista, cantante e batterista, si occupa professionalmente di musica dal 1982. È docente di Legislazione dello Spettacolo e Rapporti tra autore ed editori, di Legislazione dello Spettacolo e di Gestione di Imprese dello Spettacolo presso il Saint Louis College di Roma (A.F.A.M.), nonché Music Research Practice, Music Industries e Academic Writing presso la University of the West of Scotland. E’ coordinatore del Corso di Critica Musicale del Saint Louis College of Music di Roma, per l’Alta Formazione Artistica e Musicale. E’ docente di Produzioni Discografiche presso l’università degli studi di Bari – DAMS. In qualità di critico musicale collabora stabilmente dal 2010 con la rivista Musica Jazz. E’ editor manager della webzine Jazzitalia dal 2000. Ha scritto per Il Giornale della Musica, Jazzit, Musica Black, Jazz Convention, Il Mucchio Selvaggio e molte altre riviste culturali. Collabora stabilmente con Rete 2 Radio Svizzera Italiana nella rubrica “La Recensione” ed è ospite di altre radiotrasmissioni, in particolare di “Voi che sapete”. E’ il direttore artistico della rassegna Mast Groove Connection. Ha prodotto diversi spettacoli, è stato – ed è tuttora – il consulente artistico di numerosi festival italiani. Collabora, in qualità di docente, con il CdPM di Bergamo. È docente del Master in Musica d’Insieme a indirizzo Jazz dell’Università Roma Tre.E’ stato visiting professor presso il Politecnico di Berlino. Collabora con la Fondazione The Brass Group di Palermo, della quale è il biografo. È stato direttore artistico del Ueffilo Jazz Club di Gioia del Colle e ha collaborato per oltre vent’anni, in qualità di consulente, con il Multiculturita Summer Festival e il Beat Onto Jazz Festival. Tra le sue opere: Paolo Lepore e la Jazz Studio Orchestra (Adda, 2020); La Legislazione dello Spettacolo e il diritto d’autore delle opere musicali (Arcana, 2022); Fatti e misfatti dell’industria musicale italiana (Arcana, 2023); The Big Band Theory: la produzione orchestrale jazzistica in Italia (Minimum Fax, 2025). Nel corso della sua attività professionale ha intervistato oltre 1000 artisti, tra i quali Brad Mehldau, Pat Metheny, George Benson, David Bowie, Lady Gaga, Ringo Starr, Steve Vai, Joe Satriani, Carlos Santana, Carl Palmer, Angelique Kidjo, Billy Cobham. Ha tenuto numerose lectures in diverse università e conservatori italiani e stranieri (Danzica, Stettino, Bari, Foggia, Roma, Bergamo, Berlino, Roma.

INGRESSO GRATUITO

Per informazioni: 342.9549562

“Ridere d’agosto ma anche prima” al Teatro Garage
2026-07-05 21:00 - 2026-08-07 21:00 | Teatro Garage, Via Paggi. 43, Genova, Italia
Da domenica 5 luglio a venerdì 7 agosto 2026 tornano a Genova gli appuntamenti del Festival “Ridere d’agosto ma anche prima”, la tradizionale rassegna estiva organizzata dal Teatro Garage che quest’anno giunge alla 36ª edizione. La manifestazione rientra tra le rassegne vincitrici del bando “Genova città dei Festival 2026″ del Comune di Genova e si avvale del patrocinio di Regione Liguria.

Sono 19 gli appuntamenti in programma che esplorano modi diversi di fare comicità: dal cabaret alla commedia contemporanea, dalla satira al teatro d’improvvisazione, senza dimenticare concerti, danze acrobatiche, spettacoli per famiglie e solidarietà. Gli spettacoli si dividono tra i palchi del Porto Antico (Axpo Arena del Mare e Piazza delle Feste) e della Villa Imperiale, storica location della rassegna, nel quartiere di San Fruttuoso, da poco ristrutturata.

«Siamo felici di dare il via alla 36ª edizione di una delle rassegne più longeve del territorio – raccontano le organizzatrici Daniela Deplano e Maria Grazia Tirasso, del Teatro Garage – un appuntamento ormai imperdibile per cittadini e turisti che per più di un mese offre un cartellone per tutti i gusti all’insegna del sorriso e della qualità. Come di consueto, due saranno i luoghi degli spettacoli: il Porto Antico, con i due palchi della Axpo Arena del Mare e di Piazza delle Feste, e la Villa Imperiale, nel cuore del quartiere di San Fruttuoso. Nostra storica location, da poco ristrutturata, che farà da cornice a commedie, improvvisazione, spettacoli per famiglie e danza acrobatica. Avremo il tradizionale appuntamento con Bruciabaracche e Pirati dei Caruggi, due gruppi amati e seguiti per la varietà dell’umorismo e il tratto distintivo made in Liguria, i ritorni del brillante scienziato divulgatore Vincenzo Schettini e dei comici liguri Enzo Paci, Andrea Di Marco e Daniele Raco, il giovane ma già affermato collettivo di stand up comedy Li Evito Male e moltissimo altro. Il Teatro Garage porta avanti da sempre una manifestazione con un’identità forte, capace di scoprire e lanciare talenti che si sono poi affermati a livelli assoluti. Anche quest’anno siamo pronti a offrire oltre un mese di intrattenimento straordinario, unendo la tradizione artistica locale a ospiti di prestigio nazionale».

I PALCHI DEL PORTO ANTICO – Sette sono gli spettacoli in scena al Porto Antico, inseriti nel cartellone di EstateSpettacolo 2026. In partenza ogni sera alle ore 21.30, si svolgono sui due palchi della Axpo Arena del Maree di Piazza delle Feste.

All’Axpo Arena del Mare la comicità è protagonista con due degli appuntamenti più attesi della rassegna. Si parte lunedì 20 luglio con il ritorno dei Pirati dei Caruggi, pronti a colpire nel segno con il nuovo spettacolo “Ostility”. Il collaudato quartetto composto da Alessandro Bianchi, Fabrizio Casalino, Enrique Balbontin e Andrea Ceccon porta in scena una satira scorbutica ed esilarante, fondata sul celebre “mugugno” e su una feroce autoironia tipicamente ligure. Giovedì 30 luglio è invece la volta dei Bruciabaracche con “Spiaggiati”, un vero e proprio manuale di sopravvivenza alla stagione calda che si snoda tra monologhi inediti e sketch corali. Come da tradizione, ad accompagnare lo show ci sarà una band dal vivo formata dai migliori musicisti della scena genovese, pronti a scandire il ritmo della serata con un travolgente sound funk.

Il palcoscenico della vicina Piazza delle Feste si accende giovedì 9 luglio con “15 Minuti”, il nuovo format del collettivo Li Evito Male che fonde stand-up comedy e musica hip hop; la serata vede alternarsi sul palco comici della nuova scena genovese e professionisti, tra cui Davide Calgaro, Angelo Amaro, Paul D Genovese, Lolli Bozzi, Noemi Sanfilippo e Roberto Gentile, introdotti da Andrea Bruzzone e Francesco Solari, prima di chiudersi con il dj set di DJ Kamo. Il giorno successivo, venerdì 10 luglio, spazio alla divulgazione scientifica con il ritorno di Vincenzo Schettini e il suo nuovo spettacolo “La fisica della musica”, un viaggio emozionale pensato per i giovani in cui il celebre professore del web spiega la fisica attraverso il linguaggio universale del suono.

La settimana successiva è dedicata a un doppio appuntamento di grande richiamo: venerdì 17 luglioEnzo Paci porta in scena l’ironico e intimo “Paci a pezzi” insieme alla danzatrice Romina Uguzzoni, mentre sabato 18 luglio la musica si unisce alla solidarietà con il concerto a offerta libera dei DOC – Direzione Ostinata e Contraria, intitolato “Canzoni, droni e padroni” e finalizzato a sostenere la Fondazione Gigi Ghirotti. A chiudere gli spettacoli in Piazza delle Feste è, giovedì 23 luglio, la travolgente energia di Andrea Di Marco con il nuovo show “Estate, però…”. Tra aneddoti personali, musica ed “estremismo ligure”, il comico trasforma la bella stagione in una commedia fatta di stabilimenti balneari, aperitivi, code infinite in autostrada, hit reggaeton e l’improvvisa nostalgia nelle sere di macaia.

IL PALCO DI VILLA IMPERIALE – Accanto ai due palchi del Porto Antico di Genova, la 36ª edizione di “Ridere d’agosto ma anche prima” fa tappa anche a Villa Imperiale, storica e prestigiosa location nel quartiere di San Fruttuoso che, recentemente ristrutturata, quest’anno torna a ospitare il Festival.

Sono ben dodici gli appuntamenti in cartellone che, dalle 21.30, animano questo suggestivo scenario: un ricco ventaglio di proposte che spazia dalla musica d’autore alla commedia, passando per il teatro per famiglie, la danza acrobatica e l’improvvisazione.

A inaugurare l’intera rassegna è proprio la musica: domenica 5 luglio si parte con l’energia travolgente della Swing Band San Fruttuoso, una serata ideale per gli amanti del jazz e perfetta dare l’avvio al Festival. Lo spettacolo inaugurale di domenica 5 luglio è a ingresso libero. Dopo la partenza a ritmo di swing, il cartellone riprende sabato 11 luglio con il teatro musicale per famiglie della Compagnia Liberitutti, che presenta “Pinocchio Rockstar”, la celebre storia del burattino rivisitata in chiave rock e suonata interamente dal vivo dalla Liberitutti Band. Il giorno successivo, domenica 12 luglio, l’atmosfera si fa magica con l’attore prestigiatore Carlo Cicala e il suo ultimo lavoro “Amichevol… mente”, uno spettacolo che unisce mentalismo, giochi di prestigio e calembour per un pubblico di grandi e piccini. Sul palco insieme a lui Valerio Cavaliero, mentalista di The Best of Italia’s Got Talent.

La settimana successiva si apre martedì 14 luglio nel segno della comicità pura, diretta e senza filtri di Daniele Raco e del suo nuovo monologo “Esecrabile”, dove l’indignazione quotidiana si trasforma in una sana risata liberatoria. Si cambia registro mercoledì 22 luglio con l’omaggio affettuoso e nostalgico di Clara Costanzo in “A nanna dopo Carosello”, un viaggio tra canzoni e parole dedicato alla celebre striscia televisiva che ha accompagnato le serate degli italiani per vent’anni. Il programma prosegue venerdì 24 luglio con il Duo Aetheria e il loro sorprendente spettacolo di danza aerea “L’officina dei sogni difettosi”, che fonde acrobazia, racconto ed evoluzioni mozzafiato.

Il weekend continua a tutta musica: sabato 25 luglio la cover band White Wings propone con “What if” un tributo agli Wings degli anni ’70, arricchito dai successi solisti di Paul McCartney e dalle leggendarie canzoni dei Beatles. Lunedì 27 luglio ancora una serata di musica, dalla canzone d’autore italiana a quella internazionale, rivisitate in chiave acustica e intima dalla voce di Vera Torrero e dall’accompagnamento musicale del chitarrista Luca Borriello in “Stelle e suoni 2”. A chiudere il mese, venerdì 31 luglio, è la cantante italo-australiana Gisella Cozzo con “La mia vita in uno spot”: l’interprete di alcune tra le pubblicità più amate della TV italiana e internazionale, spesso definita la “Regina degli spot”, propone una carrellata di sigle pubblicitarie e jingles diventati veri e propri tormentoni televisivi e social.

“Ridere d’agosto ma anche prima” prosegue domenica 2 agosto con la compagnia Caravan Sventura, che porta in scena “Shredingher! Storie di una gatta che saltò dal balcone”, un originale esperimento teatrale in cui è proprio il pubblico a decidere l’evoluzione della trama. Giovedì 6 agosto è la volta del travolgente laboratorio creativo di Maniman Teatro con “MixImprò”, uno spettacolo carico di energia che celebra la magia dell’improvvisazione teatrale, ambito in cui la compagnia è punto di riferimento da oltre 25 anni. Il sipario sulla programmazione di Villa Imperiale cala venerdì 7 agosto con Fabio Fiori e il suo “Ho fatto un casino”, un divertente viaggio fatto di equivoci, pessime figure e piccole catastrofi quotidiane, raccontate con irresistibile autoironia.

BIGLIETTI – Le prevendite per gli spettacoli sono acquistabili all’ufficio del Teatro Garage mercoledì e giovedì ore 14-17 e venerdì ore 11-14 (via A. Repetto 18 r. canc.- 16143 Genova): oppure online su www.teatrogarage.it.

Le sere degli spettacoli le biglietterie aprono presso le aree di spettacolo a partire dalle ore 20.

OMBRE FESTIVAL VITERBO
2026-07-05 21:00 - 2026-08-01 21:00 | ITA
Oltre novanta eventi tra Viterbo e Tuscania per promuovere cultura, legalità e valorizzazione del territorio. Ombre Festival porta nelle piazze grandi protagonisti del panorama nazionale con incontri, libri, spettacoli e dibattiti, trasformando i luoghi della storia in spazi di confronto, partecipazione e racconto del presente.

Dal 5 luglio al 1 agosto 2026 torna, tra Viterbo e Tuscania, Ombre Festival, rassegna alla settima edizione che nasce con un’idea semplice: usare la cultura come strumento per illuminare ciò che spesso resta nascosto: storie, persone, fenomeni sociali, memoria, territori.

Ogni anno, nel cuore di Viterbo, le piazze diventano luoghi di incontro in cui il presente viene osservato, raccontato e messo in discussione.

Per il secondo anno consecutivo, anche Tuscania diventa sede del festival, ampliando questo spazio di dialogo e partecipazione.

Ombre non è una rassegna dedicata solo alla letteratura, né un semplice calendario di eventi: è uno spazio di confronto che attraversa il giornalismo, la giustizia, la politica e il racconto della realtà contemporanea. Sul palco si alternano politici, giornalisti, scrittori, magistrati e testimoni diretti: voci diverse, spesso portatrici di prospettive complesse, chiamate a dialogare sulle zone d’ombra insieme al pubblico che non è spettatore passivo, ma parte di un dialogo che prende forma dal vivo, tra domande, racconti e punti di vista diversi.

È in questo scambio che il festival trova il suo senso più profondo: non offrire risposte definitive, ma creare le condizioni per comprendere meglio il presente.

“Questa nuova edizione di Ombre Festival rappresenta, senza dubbio, il programma più importante e ambizioso che abbiamo mai costruito – spiega il direttore artistico Alessandro Maurizi – . Non nasce per caso: è il risultato di anni di lavoro, di relazioni coltivate con rispetto.

Ombre è cresciuto senza perdere la sua identità: portare nelle piazze il confronto, le idee, le storie e renderle accessibili a tutti, perché la cultura deve essere un luogo aperto, libero e condiviso.”

“Questa edizione avrà inoltre un significato speciale – prosegue Maurizi – A ottocento anni dalla morte di San Francesco, abbiamo scelto di dedicare al suo messaggio una sezione autonoma del Festival: un percorso di incontri ed eventi per riflettere su pace, dialogo, ambiente, fraternità e attenzione agli ultimi. Perché Ombre Festival, oggi più che mai, vuole continuare a cercare la luce proprio là dove sembra più difficile trovarla.”

Un parterre che attraversa mondi e sensibilità diverse: dalle istituzioni al giornalismo, dalla magistratura alla divulgazione, dalla letteratura allo spettacolo, con la presenza, tra gli altri, di Matteo Piantedosi, Bruno Vespa, Mario Giordano, Michele Emiliano, Stefano Bonaccini, Giuseppe Cruciani, Gabriele Corsi, Alessandro Di Battista, Serena Bortone, Federico Palmaroli, Luca Palamara, Gennaro Sangiuliano, Massimo Polidoro, Pietro Grasso, Luigi De Magistris, Civita Di Russo, Filippo Roma, Federica Angeli, Emanuele Filiberto di Savoia, Catena Fiorello e Davide Rondoni e tanti altri.

Tutti gli eventi sono ad ingresso gratuito.

OFFICINA PASOLINI, Luglio nel Giardino Pasolini
2026-07-05 21:00 - 2026-07-17 21:00 | Officine delle Arti Pier Paolo Pasolini, Viale del Ministero degli Affari Esteri, 6, Roma, Italia, Italia
Con l’arrivo di luglio Officina Pasolini, il Laboratorio di Alta formazione artistica e HUB culturale della Regione Lazio diretto da Tosca, si trasferisce nel Giardino Pasolini, per un nuovo mese di appuntamenti all’aperto, prima della pausa estiva.

Si comincia domenica 5 alle ore 21 con SCRAMBLE, spettacolo del Teatro del Libero Scambio, compagnia nata dall’incontro tra giovani attori formatisi a Officina Pasolini e l’attore e drammaturgo Francesco Brandi, docente della sezione Teatro. Attiva come laboratorio permanente dedicato alla realizzazione di spettacoli, la compagnia sviluppa durante tutto l’anno un percorso di ricerca dedicato alla commedia di prosa e all’improvvisazione, unendo scrittura, gioco scenico e sperimentazione. Elemento distintivo del progetto è un format unico nel panorama nazionale: a ogni replica, i ruoli vengono sorteggiati tra gli interpreti, dando vita a uno spettacolo sempre diverso, in cui il valore della sorpresa diventa parte integrante della messa in scena. Con Scramble, il Teatro del Libero Scambio propone una serata che unisce tecnica e comicità in uno spettacolo fondato sulla variabilità, confermando la vocazione della compagnia a esplorare nuove forme di teatro dal vivo. Gli artisti che ne fanno parte sono Marta Beggio, Francesco Brandi, Giulia Guastella, Livia Massimi, Francesco Nuzzi, Camilla Pujia.

Lunedì 6 alle ore 21 sarà la volta di LUDO, protagonista di un concerto che attraversa indie pop, elettronica e jazz, accompagnando il pubblico in un universo sonoro intimo e raffinato. Le sue composizioni intrecciano melodie sospese, trame elettroniche e arrangiamenti ricchi di sfumature, dando vita a un linguaggio personale in cui convivono ricerca timbrica e immediatezza espressiva. La serata sarà l’occasione per presentare dal vivo Sleep inside my head, album d’esordio in uscita a giugno 2026, un lavoro che restituisce pienamente l’identità artistica di LUDO, sospesa tra songwriting contemporaneo, sensibilità jazzistica e produzione elettronica. Musicista italiana con una formazione che spazia dal violoncello classico al jazz e alla composizione, LUDO ha sviluppato un percorso originale che l’ha portata a esibirsi nel 2025 in festival e sale da concerto in Italia, Berlino e Rio de Janeiro. La sua musica, caratterizzata da atmosfere sospese, groove discreti e arrangiamenti curati, guarda alla scena internazionale mantenendo una cifra autoriale riconoscibile.

Giovedì 9 alle ore 21, per il ciclo di incontri dedicati alla letteratura e all’attualità culturale, SERENA BORTONE presenta il suo nuovo romanzo Le dirimpettaie, un racconto corale che attraversa oltre quarant’anni di storia italiana attraverso le vite di tre donne legate da un’amicizia nata sul pianerottolo di un condominio romano. Attraverso le vicende di Tina, Gabriella e Maria, il romanzo ripercorre i profondi cambiamenti che hanno attraversato la società italiana dalla seconda metà del Novecento ai giorni nostri, soffermandosi sui temi dell’emancipazione femminile, dell’autodeterminazione e della trasformazione dei rapporti sociali. In dialogo con la giornalista Giorgia Rombolà, l’autrice approfondirà i temi del libro e il processo creativo che ne ha accompagnato la scrittura, offrendo al pubblico un’occasione di confronto tra memoria individuale e storia collettiva.

Domenica 12 alle ore 21 torna Nuovi Standard, il format di Officina Pasolini ideato e condotto da Martina Di Florio, in arte Cyaodieffe, che unisce conversazione e musica dal vivo in una dimensione raccolta e informale, e dedicato agli artisti che stanno contribuendo a ridefinire il linguaggio della canzone contemporanea. Protagonista di questo nuovo appuntamento è MARCO CASTELLO, tra le figure più apprezzate della nuova scena musicale italiana. Cantautore e polistrumentista, ha sviluppato un percorso artistico originale che fonde influenze mediterranee, jazz, pop e tradizione cantautorale, costruendo nel tempo un’identità sonora riconoscibile. L’incontro si sviluppa come una conversazione aperta, intervallata da momenti musicali eseguiti in versione unplugged. Un’occasione per esplorare il percorso creativo dell’artista, le sue influenze e le storie che animano le sue canzoni, in un dialogo diretto tra parole e musica.

Martedì 14 alle ore 21 è in programma il quarto appuntamento di ACQUOLINA, il format di Officina Pasolini dedicato agli ex allievi e alle ex allieve che stanno sviluppando il proprio percorso professionale nei diversi ambiti della creatività contemporanea. Ideato e condotto da Riccardo Zianna, Acquolina propone un incontro tra presentazione di progetti e momenti performativi, offrendo al pubblico la possibilità di conoscere da vicino le esperienze, le sfide e i risultati raggiunti dagli artisti che hanno mosso i primi passi all’interno del Laboratorio. Protagonisti della serata saranno: Martz, con il proprio progetto musicale accompagnato dalla band, Marzio Pulcini, autore di un cortometraggio proiettato nel corso della serata, Fabrizio Scuderi, attore e performer che interverrà con un racconto del proprio percorso artistico. Tra testimonianze ed esibizioni, l’obiettivo è di valorizzare le esperienze professionali degli ex allievi e il legame con il percorso formativo svolto presso Officina Pasolini.

Mercoledì 15 alle ore 19:30 gli artisti delle sezioni Canzone, Teatro e Multimediale portano sul palco del Giardino Pasolini il lavoro di un anno intero in una serata aperta al pubblico. WOODSTOCK PASOLINI,appuntamento centrale della stagione di Officina Pasolini, è una grande festa collettiva, la restituzione collettiva del percorso formativo delle tre sezioni. La serata si articola su due palchi con concerti, performance teatrali, letture, cortometraggi e opere audiovisive, in un flusso continuo di esibizioni e contaminazioni tra linguaggi. Un momento di condivisione che restituisce la varietà dei percorsi sviluppati all’interno del Laboratorio e l’identità creativa delle nuove generazioni di artisti.

Giovedì 16 alle ore 21 CHIARA CIVELLO, cantautrice e interprete tra le più raffinate e internazionalmente riconosciute della sua generazione, sarà protagonista di Geografie di una voce, ConversaConcerto con Emanuele Trevi. Artista nata a Roma e da sempre in dialogo con il mondo, Chiara Civello ha costruito un percorso che attraversa Italia, Stati Uniti e Brasile, muovendosi tra generi, lingue e culture senza mai aderire a definizioni univoche. Con sette album all’attivo, la partecipazione al Festival di Sanremo e collaborazioni internazionali con artisti come Burt Bacharach, Tony Bennett, Chico Buarque, Gilberto Gil e Maria Gadù, ha sviluppato una cifra stilistica fondata su contaminazione e libertà espressiva. È stata inoltre la prima cantante italiana a pubblicare un album per la storica etichetta Verve. Nel corso della serata il pubblico sarà accompagnato in un racconto tra biografia e musica, dagli anni della formazione tra Boston e New York fino all’incontro con la cultura brasiliana e alla costruzione di un linguaggio personale e riconoscibile. L’incontro sarà arricchito da momenti musicali dal vivo, in un dialogo continuo tra narrazione e performance. Una conversazione musicale che restituisce il profilo di un’artista capace di unire eleganza, ricerca e apertura internazionale, attraversando stili e tradizioni con assoluta libertà espressiva.

Venerdì 17 alle ore 21, nell’ambito della collaborazione tra Officina Pasolini e Tǔk Music, l’etichetta creata e diretta da Paolo Fresu, prende vita OFFICINA TǓK, un incontro dedicato a Travessu, album d’esordio dell’organettista e compositore Pierpaolo Vacca e primo titolo della collana ETNOTǓK dedicata alla world music. Un disco che nasce dall’incontro tra tradizione e contemporaneità: a partire dai repertori popolari della Sardegna, dai balli e dalle pratiche musicali tramandate nel tempo, Vacca sviluppa un linguaggio sonoro che integra organetto ed elettronica, in un dialogo contino tra memoria e innovazione. Nel corso della serata l’artista racconterà il percorso che ha portato alla realizzazione dell’album, approfondendo i temi della trasmissione culturale, della reinterpretazione delle tradizioni e delle possibilità espressive offerte dai linguaggi contemporanei. Il racconto sarà accompagnato da momenti musicali dal vivo che permetteranno al pubblico di entrare nel cuore di un progetto artistico capace di coniugare radici, sperimentazione e ricerca. Introduzione di Paolo Apolito.

Consulenza alla programmazione Valentina Romano

Ingresso Teatro Eduardo De Filippo: Viale Antonino di San Giuliano 782/angolo Via Mario Toscano, a pochi passi da Ponte Milvio.

Tutti gli eventi sono gratuiti, con prenotazione obbligatoria sul profilo Eventbrite di Officina Pasolini al seguente link http://officina-pasolini.eventbrite.com

"LA RICERCA DELLA FELICITA’" di e con Stefano Massini alla Casa del Jazz
2026-07-05 21:00 - 23:00 | Parco della Casa del Jazz, Viale di Porta Ardeatina, 55, Roma, 00154, Italia
Domenica 5 luglio ancora una prima a Roma, per i Concerti nel Parco alla Casa del Jazz, LA RICERCA DELLA FELICITA’ di e con STEFANO MASSINI e le musiche di Luca Roccia Baldini, un viaggio emozionante e pieno di ironia fra storie, personaggi, racconti e testimonianze, in cui l’autore ci strascina n un vortice irresistibile di domande e di cambi di prospettiva, fino all’incredibile constatazione che oggi siamo tutti ostaggi di un dovere categorico: essere per forza, a tutti gli effetti, sempre felici.

Che cos’è, in fondo, la felicità? – si chiede e ci chiede l’autore – Che cosa cerchiamo davvero, quando diciamo di voler essere felici? La felicità è l’obiettivo di ogni essere umano, ma è difficilissimo definirla. E se non lo siamo, ci tocca simularlo. Benvenuti nel grande teatro della finzione, quello in cui tutti ci imponiamo il sorriso per non finire fra i “perdenti”. Ma se allora la felicità, per paradosso, fosse proprio riuscire a essere felici della propria infelicità?…

Conosciuto dal grande pubblico grazie ai suoi interventi come ospite di Corrado Formigli nella trasmissione Piazza Pulita e per la conduzione del programma Ricomincio da Rai3, Stefano Massini è soprattutto un drammaturgo, narratore e autore di libri di grande successo, tradotti in più di 30 paesi. L’esperienza già da giovanissimo come aiuto regista per il Maggio Musicale fiorentino e pochi anni dopo la possibilità di lavorare come assistente alla regia di Luca Ronconi al Piccolo Teatro di Milano, portano definitivamente il suo percorso di vita verso il mondo del teatro.

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La manifestazione I Concerti nel Parco, Estate 2026 è sostenuta dal MiC Ministero della Cultura Direzione Generale Spettacolo e si è in attesa dei risultati della graduatoria FURS 2026/2028 anno 2026 della Regione LazioDirezione Generale Cultura e Lazio Creativo.

L’iniziativa è promossa e sostenuta da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria Dipartimento Attività Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura ed è organizzata e realizzata da Ass.Cult I Concerti nel Parco ETS.

I Concerti nel Parco, Estate 2026, è realizzato in partnership con BCC Roma

Siamo su Facebook, Instagram, Twitter #ConcertiParco26

"Ero. L’ultima luce" al Castello di Monastero Bormida
2026-07-05 21:00 - 22:30 | Castello di Monastero Bormida, Piazza Castello, 1, Monastero Bormida (AT), ITA, 14058, Italy
Ero. L’ultima luce, opera scritta dal drammaturgo Alessandro Pertosa ispirata allo storico mito greco di Ero e Leandro, è un monologo che si fa invocazione, preghiera, rito. È la confessione estrema di una donna che ha fatto dell’amore il proprio destino, anche a costo della propria identità, della propria fede, della propria vita. È un testo che interroga la fede amorosa come atto radicale, come scelta che resiste anche quando tutto intorno frana. E’ nell’impossibilità e nell’assenza che l’amore rivela tutta la sua grandezza. L’amore di Ero e Leandro non è «giusto», non è «buono», non è «utile». È semplicemente vero. E forse è proprio questo che fa paura. Che commuove. Che resta incistato nelle pieghe più profonde della nostra anima.

Ero. L’ultima luce è un inno alla durata, all’attesa, alla resistenza del sentimento oltre la presenza, oltre il tempo, oltre il corpo. In un mondo che tende a considerare l’amore come consumo, come evento che si esaurisce nella reciprocità immediata, Ero ci ricorda che amare è anche – e forse soprattutto – un atto solitario, un sacrificio muto, un’offerta senza garanzie. Ero non è solo una donna che ama: è una donna che si fa amore, che si consuma nel desiderare, nel custodire, nel credere. Anche quando tutto sembra crollare. Questa tragedia nasce anche da un’urgenza: interrogare la natura del sentimento amoroso in un’epoca come questa, così disincantata, così rapida, così impaziente. Autore di quest’opera è Alessandro Pertosa, poeta, scrittore, drammaturgo, filosofo e saggista italiano. Insegna Filosofia all’ISSR, Istituto Superiore di Scienze Religiose delle Marche e ha all’attivo numerose pubblicazioni scientifiche e divulgative. La sua ricerca si concentra sulla critica del modello economico neoliberista, sull’ecologia profonda e sull’umanesimo radicale. Accanto all’attività accademica, Pertosa cura un’intensa produzione teatrale. Le sue opere, rappresentate in festival e teatri nazionali ed europei, fondono riflessione filosofica, ricerca poetica e potenza del linguaggio drammatico. Nei suoi testi affronta spesso i grandi dilemmi dell’esistenza contemporanea, il rapporto tra uomo e natura e i paradossi della società dei consumi. Scrive inoltre per diverse riviste culturali ed è ideatore di progetti artistici volti a diffondere il pensiero critico attraverso le arti performative.

Ad interpretare Ero sarà Melania Fiore, attrice dall’indiscusso talento e solida formazione artistica: dalla danza classica al teatro, dagli studi di pianoforte al canto con Maestri del Conservatorio di Santa Cecilia vincitrice di numerosi premi e riconoscimenti teatrali, drammaturga, pianista, insegnante di dizione, recitazione e storia del teatro in varie scuole e accademie. Laureata con lode in letteratura teatrale al DAMS (Lettere con indirizzo Spettacolo), dal lavoro decennale con il Maestro Mario Scaccia alla prestigiosa collaborazione con Paolo Sorrentino, Melania Fiore ha lunga esperienza nel Teatro classico e di prosa, che specie l’ha vista protagonista su palcoscenici importanti al fianco di artisti di grande levatura come Mario Scaccia, Enzo Garinei, Giuseppe Manfridi, Enrico Bernard, Giuseppe Pambieri e molti altri.

A dirigerla sarà Graziano Germano Piazza, attore, regista teatrale e scultore italiano con oltre quarant’anni di carriera ai massimi livelli della scena nazionale e internazionale. Formatesi fin dal 1983 sotto la guida di maestri come Vittorio Gassmann, ha interpretato ruoli da protagonista per i più grandi registi del teatro contemporaneo, tra cui Luca Ronconi, Peter Stein, Benno Besson, Anatolij Vassil’ev e Robert Carsen. Acclamato interprete di ruoli iconici nei più prestigiosi teatri di pietra e stabili (tra cui spicca il successo come Tiresia nell’Edipo Re al Teatro Greco di Siracusa, che gli è valso il Premio Flaiano e il Premio Le Maschere del Teatro), affianca da sempre alla recitazione un’intensa attività registica e pedagogica. È stato il direttore del Teatro Stabile di Catania e parallelamente alle arti sceniche, porta avanti una solida e apprezzata ricerca espressiva come scultore, fondendo la materia plastica con la visione poetica e metafisica del suo percorso artistico.

Note di regia di Graziano Piazza

Nello svolgersi poetico di “ERO, L’ULTIMA LUCE” si coglie lo iato tra le due sponde dell’Ellesponto; si avverte la distanza tra i confini della terra che si allontanano, insieme al tempo che passa inesorabile, consegnandoci alla “notte oscura” dell’amore.

Ero e Leandro sono i due elettrodi di un sistema di energia che declina l’amore in tutte le sue più sottili pieghe del sentire. Ero, sacerdotessa di Afrodite, rimasta sola, vive la vertigine dell’attesa, con la fiammella in mano a indicare la direzione all’amato, disperso nelle acque dall’altra parte del mondo.

Gli elementi naturali — il mare, il vento, l’aria — diventano i veicoli predestinati ad accogliere la triste attesa, nel fuoco flebile di una fiammella: piccolo faro nella notte, ma al tempo stesso strenuo avamposto della gioia notturna dei sensi. Nella notte tutto si fa più intimo, tutto acquista dimensioni che travalicano la realtà e, con ostinazione, rivendicano il sogno, l’eternarsi del sogno, la fede nell’amore che non vuole essere illusione, ma certezza.

È il cuore che parla. Esso non ha due orecchie come la testa, ma uno solo: quelle della testa ascoltano il dubbio, la paura, l’assenza; quello del cuore conosce soltanto la certezza. Ero lo sa.

Testimone della propria leggenda, Ero compie tutti i rituali necessari a perpetuare questo sogno. Parla per incidere, con la sua lingua d’amore, gli elementi; per lasciare un segno della sua certezza, componendo con la sua fiamma un vero e proprio mosaico di tessere luminose per tutti coloro che, almeno una volta, hanno amato.

Il coraggio dell’amore è oggi, e sempre, la rivoluzione che ci attende. Ero lo sa. La sua fiamma ci indica la via: dobbiamo solo seguirla.

L’AUTORE “ERO, L’ULTIMA LUCE” nasce dal desiderio profondo di restituire voce e centralità a una figura troppo spesso lasciata nell’ombra e che affascina per la sua capacità di tenere insieme tensioni opposte: è sacerdotessa e amante, vergine e trasgressiva, fedele al culto ma ribelle all’ordine. Vive in una sospensione che è insieme spirituale e carnale. La sua è una voce che nasce dal cuore dell’attesa, dal battito instabile del desiderio. Ho sentito il bisogno di farla parlare, di darle spazio, respiro, carne, vertigine. In lei si incarnano tutte le forme dell’amore assoluto: quello che si compie nella rinuncia, nella promessa, nella fedeltà senza garanzie. Ho cercato una lingua che fosse lirica ma concreta, viscerale e sacra, sensuale e vertiginosa. Una lingua in cui Ero potesse essere, finalmente, non solo oggetto del mito ma sua protagonista. Ho cercato il corpo della parola. La fiamma della voce. Il respiro della perdita. Alessandro Pertosa

L’ATTRICE Ero è una grande sfida come attrice, perché richiede di attingere a registri opposti: dalla forza titanica della passione alla fragilità assoluta della perdita, esplorando una partitura emotiva totale. L’essere fanciulla innocente, sacerdotessa dedita al culto di Afrodite con rigide regole da rispettare e al contempo donna sensuale e luminosa, piena di un ardore poetico e violento che rompe tutti gli argini come il mare stesso, con la sua veemenza e la sua imprevedibilità. Quando ho letto quest’opera la prima volta sono rimasta affascinata e conturbata da questo personaggio, che conoscevo solo in rapporto a Leandro, e di come la forza dell’amore fosse amplificata dall’assenza piuttosto che dalla presenza dell’amato. Ero desidera Leandro che non arriva- e de-sidera vuol dire proprio “mancanza di stelle”.

“IO SONO QUI. SONO SEMPRE QUI” dice Ero. L’amore in fondo non è che questo: una luce che non vuole spegnersi. Melania Fiore

Al via Ombre Festival tra Viterbo e Tuscania
2026-07-05 18:00 - 2026-08-01 18:00 | ITA
Sessanta eventi, due città coinvolte, Viterbo e Tuscania e grandi nomi della cultura, della politica e delle istituzioni coinvolti per quasi un mese di appuntamenti.

Sono i numeri straordinari di Ombre Festival, presentati stamattina in una partecipata conferenza stampa, alla presenza della sindaca Chiara Frontini, dell’assessore alla Capitale europea della Cultura Alfonso Antoniozzi, del vice presidente del Consiglio regionale Enrico Panunzi, del segretario provinciale Siulp Giuseppe Becattini, del presidente Unindustria Viterbo Andrea Belli, che ha portato i saluti del presidente Ance Viterbo Sergio Saggini e del neo questore di Viterbo Giorgio Di Munno, alla sua prima conferenza ufficiale.

Un coro unanime che ha posto l’accento sulla progressiva crescita della manifestazione, assurta ai vertici degli appuntamenti nazionali e, soprattutto realizzata con l’apporto sinergico dell’amministrazione, degli imprenditori e di numerose realtà locali che supportano, anno dopo anno, l’associazione delle Ombre nella realizzazione di un cartellone di ampio respiro che punta alla trasversalità, come ha sottolineato il direttore artistico del festival, Alessandro Maurizi.

“Ombre Festival cresce ogni anno e cresce in maniera sostenibile – ha sottolineato la sindaca Chiara Frontini – riuscendo a portare Viterbo al centro dell’attenzione nazionale e rafforzando la candidatura a Capitale europea della cultura del 2033.”

“Il festival è nato con l’associazione – aggiunge Maurizi – ma il nostro sogno è che diventi un progetto condiviso da affidare alla città, anche per la potenzialità catalizzatrice che riesce ad esprimere. Ogni anno sono sempre di più gli ospiti che vogliono partecipare e altrettanti quelli, ormai affezionati, che chiedono di tornare.”

“Ombre non è una rassegna dedicata solo alla letteratura, né un semplice calendario di eventi – prosegue – è uno spazio di confronto che attraversa il giornalismo, la giustizia, la politica e il racconto della realtà contemporanea.”

Sul palco si alternano politici, giornalisti, scrittori, magistrati e testimoni diretti: voci diverse, spesso portatrici di prospettive complesse, chiamate a dialogare sulle zone d’ombra insieme al pubblico che non è spettatore passivo, ma parte di un dialogo che prende forma dal vivo, tra domande, racconti e punti di vista diversi.

“Questa edizione avrà inoltre un significato speciale – conclude Maurizi – A ottocento anni dalla morte di San Francesco, abbiamo scelto di dedicare al suo messaggio una sezione autonoma del Festival: un percorso di incontri ed eventi per riflettere su pace, dialogo, ambiente, fraternità e attenzione agli ultimi. Perché Ombre Festival, oggi più che mai, vuole continuare a cercare la luce proprio là dove sembra più difficile trovarla.”

Ombre Festival prenderà il via il 5 luglio, con l’anteprima nazionale di Giuseppe Cruciani che ha scelto Viterbo per presentare il suo ultimo libro che uscirà il 7 luglio e si concluderà il 1 agosto con Nicola Gratteri.

Nel mezzo molti altri ospiti illustri, un parterre che attraversa mondi e sensibilità diverse: dalle istituzioni al giornalismo, dalla magistratura alla divulgazione, dalla letteratura allo spettacolo, con la presenza, tra gli altri, di Matteo Piantedosi, Bruno Vespa, Mario Giordano, Michele Emiliano, Stefano Bonaccini, Giuseppe Cruciani, Gabriele Corsi, Alessandro Di Battista, Serena Bortone, Federico Palmaroli, Luca Palamara, Gennaro Sangiuliano, Massimo Polidoro, Pietro Grasso, Luigi De Magistris, Civita Di Russo, Filippo Roma, Federica Angeli, Emanuele Filiberto di Savoia, Catena Fiorello, Davide Rondoni e tanti altri.

Tutti gli eventi sono ad ingresso gratuito e sono consultabili sul sito www.ombrefestival.com

Van Gogh e l'esperienza del cielo: quando le stelle illuminano l'arte" a Villa Torlonia
2026-07-05 10:30 - 17:00 | Musei di Villa Torlonia – Casino dei Principi, Via Nomentana, 70, Roma, Italia
Technotown, l’hub della scienza creativa di Roma Capitale a Villa Torlonia,domenica 5 luglio torna l’appuntamento con l’originale e stimolante format degli aperitivi scientifici in compagnia degli astronomi del Planetario di Roma che per l’occasione, accoglieranno appassionati e curiosi che vorranno trascorrere insieme a loro una piacevole serata all’insegna dell’astronomia, accompagnati anche da un fresco aperitivo.

A condurre l’incontro dal titolo “Van Gogh e l’esperienza del cielo: quando le stelle illuminano l’arte” e ad animare la conversazione sarà l’astronomo e divulgatore scientifico Gianluca Masi.

L’incanto e la meraviglia del cielo notturno appartengono da sempre all’esperienza emotiva dell’uomo. Tra le visioni più personali, troviamo quelle di Vincent van Gogh, straordinario protagonista della pittura universale, il quale ha sempre riservato al cielo un ruolo importante nei suoi capolavori. In questo viaggio tra scienza e arte, Gianluca Masi presenterà un suo studio sull’opera “Notte Stellata sul Rodano” del grande pittore olandese, un capolavoro dietro il quale si celano straordinari dettagli e imprevisti.

Come di consueto, l’appuntamento è costituito da due momenti: si inizierà alle 18.00 nella sala teatro di Technotown con la conferenza a tema e si proseguirà poi alle 19.00, negli spazi della Limonaia, per chi vorrà intrattenersi per una conversazione informale insieme all’astronomo.

Si consiglia il preacquisto al call center 060608 (attivo tutti i giorni ore 9-19).

Musei civici di Roma: prima domenica del mese a ingresso gratuito
2026-07-05 09:30 - 18:30 | ITA
Anche nella stagione estiva prosegue il calendario di incontri, visite e approfondimenti nel Sistema dei Musei Civici e nei siti del territorio. Dalla prima domenica del mese ad accesso gratuito ai percorsi nelle collezioni museali, dalle passeggiate urbane fino agli spettacoli in realtà aumentata di Circo Maximo Experience, ecco alcune delle attività promosse dal 3 al 9 luglio da Roma Capitale, Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria, Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali.

Domenica 5 luglio si rinnova l’appuntamento con la prima domenica del mese a ingresso gratuito per tutti nei Musei civici e in diverse aree archeologiche capitoline, tra cui l’Area Sacra di Largo Argentina (ore 9.30-19.00, ultimo ingresso alle 18.45), l’area archeologica del Circo Massimo (ore 9.30-19.00, ultimo ingresso alle 18.00) e i Fori Imperiali (ore 9.00-19.15, ultimo ingresso alle 18.15). L’iniziativa coinvolge anche il Museo della Forma Urbis(ore 10.00-19.00, ultimo ingresso alle 18.00), all’interno del Parco Archeologico del Celio (sempre ad accesso gratuito, aperto tutti i giorni dalle 7.00 alle 20.00), che custodisce i frammenti della grande planimetria marmorea della città realizzata in età severiana.

In occasione della prima domenica del mese sarà inoltre possibile partecipare alle visite guidate gratuite a Palazzo Senatorio, sul Campidoglio, luogo simbolo del Comune di Roma. L’itinerario inizia dall’ingresso di Sisto IV, prosegue con la visione dei resti archeologici del Tempio di Veiove e termina con l’uscita verso le scale del Vignola, attraversando alcuni degli ambienti più rappresentativi dell’amministrazione capitolina. Gli itinerari si svolgono (in italiano) in quattro turni (ore 10.00, 11.30, 15.00 e 16.30). Prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 30 partecipanti a turno (le prenotazioni saranno aperte giovedì 2 luglio alle ore 16.00).

www.museiincomuneroma.it/it/infopage/visite-guidate-palazzo-senatorio-occasione-della-prima-domenica-del-mese

Non rientrano nella gratuità della prima domenica del mese le visite al Bunker e ai rifugi antiaerei di Villa Torlonia, le strutture sotterranee realizzate sotto il Casino Nobile, che nel mese di luglio proseguono con un nuovo orario estivo. Per i singoli: il sabato (ore 11.00 – in inglese – e 17.00) e la domenica (ore 10.00 e 17.00); per i gruppi (guide disponibili in italiano, inglese, francese, spagnolo e tedesco): dal martedì al venerdì (ore 10.00, 11.00, 12.00, 14.00, 15.00, 16.00 e 17.00), il sabato (ore 12.00 e 14.00) e la domenica (ore 15.00 e 16.00). Prenotazione obbligatoria allo 060608 (massimo 20 partecipanti a turno). Info e acquisto biglietti (a tariffazione ridotta con Roma MIC Card):www.museivillatorlonia.it

Restano a tariffazione ordinaria (ridotta con Roma MIC Card) anche gli appuntamenti con Circo Maximo Experience presso l’Area archeologica del Circo Massimo, la visita itinerante in realtà aumentata e virtuale del più grande edificio per lo spettacolo dell’antichità. Disponibile in italiano, inglese, francese, tedesco, spagnolo, russo, cinese e giapponese, l’itinerario è fruibile con visori immersivi e sistemi auricolari stereofonici ed è accessibile da persone sorde grazie a sottotitoli semplificati in italiano e in inglese: dal martedì alla domenica dalle 17.00 alle 21.00 (ogni 15 minuti, ultimo ingresso alle 19.50). Biglietti preacquistabili online sul sito www.circomaximoexperience.itoppure allo 060608.

Le iniziative di Roma, la tua guida culturale – il programma di visite, incontri e formazione – si aprono con le proposte del ciclo aMICi (attività gratuite riservate ai possessori di Roma MIC Card). Martedì 7 luglio alle 15.00, presso la Casa Museo Alberto Moravia, si terrà la visita Alberto Moravia, lo scrittore e i suoi amici, un viaggio nell’esperienza intima e quotidiana di uno dei massimi autori del Novecento italiano attraverso opere d’arte, dediche e fotografie (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 20 partecipanti).

www.casaalbertomoravia.it/it/didattica/amici-alberto-moravia-lo-scrittore-e-i-suoi-amici-4

Il giorno successivo, mercoledì 8 luglio alle 16.00, al Museo di scultura antica Giovanni Barracco è in programma la visita Attraversando le Sale del Barracco… Un’esperienza visiva dell’Antico, che svelerà le fitte trame di relazioni nascoste dietro l’attuale allestimento museale (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 25 partecipanti). www.museobarracco.it/it/didattica/amici-attraversando-le-sale-del-barracco

Giovedì 9 luglio (ore 17.30) ai Musei Capitolini, Centrale Montemartini l’attenzione è invece rivolta al patrimonio decorativo dell’arte romana con la visita I mosaici romani della Centrale Montemartini, dagli antichi reperti in bianco e nero fino ai più tardi tasselli policromi (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 25 partecipanti).

www.centralemontemartini.org/it/didattica/amici-i-mosaici-romani-della-centrale-montemartini-0

Sempre nella giornata di giovedì 9 luglio, ma alle 10.00, per il ciclo Archeologia in Comune, presso il Parco degli Acquedotti è in calendario Una passeggiata tra acquedotti antichi e moderni. L’itinerario, con partenza da via Lemonia (angolo Circonvallazione Tuscolana), si snoda dall’area denominata “Roma Vecchia” per illustrare la storia e le tecniche di funzionamento del più importante sistema di approvvigionamento idrico dell’antichità (prenotazione obbligatoria allo 060608, massimo 25 partecipanti).

www.sovraintendenzaroma.it/content/una-passeggiata-tra-acquedotti-antichi-e-moderni-2

Il programma potrebbe subire variazioni. Per tutti gli eventi, visite e incontri, info e prenotazioni allo 060608 (attivo tutti i giorni ore 9.00-19.00). Modalità di accesso e tariffe su www.museiincomuneroma.it; www.sovraintendenzaroma.it

Lysistrata di Aristofane al Teatro Ostia Antica Festival
2026-07-04 21:00 - 2026-07-05 21:00 | Teatro Ostia Antica, Viale dei Romagnoli, 717, Ostia (RM), ITA, 00019, Italy
Il viaggio artistico del TEATRO OSTIA ANTICA FESTIVAL – Il Senso del Passato prosegue il 4 e 5 luglio (ore 21) sul palcoscenico millenario del Teatro Romano di Ostia con il debutto in prima nazionale di Lysistrata di Aristofane, firmato da Asterios Peltekis, regista e Direttore Artistico del Teatro Nazionale della Grecia del Nord (NTNG), alla guida di una produzione corale capace di proiettare la commedia classica nello specchio delle crisi e delle dinamiche sociali di ogni tempo.

Quella di Peltekis è una lettura scenica contemporanea che supera la farsa per restituire al pubblico la natura più autentica del testo aristofaneo. Lo spettacolo non si esaurisce in una commedia sulla guerra e sull’amore, bensì si impone come un’opera politica e antropocentrica, focalizzata sul momento esatto in cui una società, sfinita dalla decadenza e segnata da una drammatica carenza di futuro, avverte l’urgenza di darsi un nuovo modello organizzativo.

Attraverso una messinscena incentrata sulla fisicità dei corpi e sulla forza espressiva del movimento, lo spettacolo si rivolge al pubblico con un’autentica “serietà comica” e lirica, capace di disinnescare, tramite la risata, l’entropia in cui le civiltà così spesso sprofondano. In questo quadro, lo storico “sciopero del sesso” ordito dalle donne ateniesi e spartane smette di essere una semplice beffa coniugale e si trasforma in un lucido atto di disobbedienza civile, finalizzato a congelare temporaneamente il sistema per arrestare la distruzione.

Nelle sue note di regia, Asterios Peltekis approfondisce il nucleo filosofico dell’allestimento, elevando il testo a una riflessione universale sulla rigenerazione sociale attraverso il corpo e la collettività: «Sfuggire all’entropia non è una semplice soluzione. È un atto consapevole. E questo atto, come ci insegna Aristofane, comincia spesso dove meno ce lo aspettiamo: attraverso il corpo umano, la risata come espressione rivelatrice di liberazione e il desiderio collettivo di pace. Allo stesso modo, “Lysistrata” non è solo una commedia sulla guerra e sull’amore. È un’opera profondamente politica e antropologica; un testo che si concentra sull’istante preciso in cui una società, esausta dal proprio declino, avvia una ricerca urgente per un nuovo modello di organizzazione globale. Aristofane usa la risata come un’arma per affrontare un tema estremamente serio — l’entropia in cui una società cade così frequentemente. E lo fa senza ricorrere a una finta solennità, ma piuttosto con una “serietà comica” genuinamente lirica. L’entropia — intesa sia come concetto fisico che filosofico — indica il progressivo collasso dell’ordine, la dissipazione dell’energia e l’incapacità di un sistema di autoregolarsi. Nella “Lysistrata”, la città-stato si trova proprio sull’orlo di questo collasso, bloccata in una decadenza cronica dove la guerra è diventata fine a se stessa, la politica si è separata dall’esperienza umana e il corpo è stato bandito dal discorso pubblico. Tutto ciò che doveva servire al bene comune ora funziona in modo meccanico — privo di significato, svuotato di prospettiva. L’eroina della commedia non propone riforme. Non introduce nuove istituzioni. Rifiuta di parlare la lingua del potere. Lysistrata mette sul tavolo qualcosa di radicalmente diverso: la riemersione del corpo, del desiderio, della cura e della responsabilità collettiva come atto politico. Lo sciopero del sesso non è una punizione — è un atto che sospende l’entropia della città. Blocca temporaneamente il sistema, affinché possa ripartire da zero. È questo gesto a costituire il cuore dell’approccio registico. La fuga dall’entropia non si ottiene con la violenza o la coercizione, ma attraverso il rifiuto consapevole di partecipare — e contribuire — a un circolo vizioso. In questo capolavoro del grande poeta comico, le donne non occupano solo l’Acropoli; occupano il tempo stesso, il flusso degli eventi e la logica di una distruzione inevitabile. La commedia qui non funge da valvola di sfogo; è un meccanismo di rivelazione. E la sua risata nasce dall’imbarazzo smarrito di un mondo che improvvisamente si sveglia scoprendo la propria ridicolaggine. I personaggi maschili non sono ridicolizzati perché “cattivi” o inutili, ma perché intrappolati in un sistema che non riescono più a controllare. In questo contesto, l’essere ridicoli è un sintomo dell’entropia. In “Lysistrata”, Aristofane ci ricorda che qualsiasi sociedade che perda il contatto con la fisicità, con la sensualità e con la gioia, sprofonda inevitabilmente nella violenza. Al tempo stesso, ci mostra che la ricostruzione non si mette in moto “dall’alto”, dai detentori del potere, ma dall’istinto collettivo di sopravvivenza. Da quel momento in cui qualcuno trova il coraggio di gridare: “Fino a qui e non oltre!”. La nostra “Lysistrata” vuole tornare nel Teatro — uno spazio in cui la comunità si riunisce da secoli per confrontarsi con i propri limiti — non come un monumento al dramma antico o come un cimelio di forme espressive passate, ma come un evento politico vivo e pulsante. Come un promemoria del fatto che un riavvio è possibile, persino nel bel mezzo della decadenza più cronica e profonda. A patto di trovare il coraggio di immaginare la nostra esistenza — e, soprattutto, la nostra coesistenza — sotto una luce nuova e diversa. Come in un sogno…»

L’interpretazione di questo profondo e ironico rito di rifondazione è affidata a una delle attrici più apprezzate della scena ellenica, Elisavet Konstantinidou, che dà corpo e carisma a Lysistrata, attorno alla quale si muove un cast d’esperienza – composto da Katerina Papoutsaki, Krateros Katsoulis, Alexandra Palaiologou, Panagiotis Petrakis, Nikos Georgakis, Kostas Santas, Giannis Charisis e Sofia Kalemkeridou – affiancato dall’ensemble coreutico e attoriale del Teatro Nazionale della Grecia del Nord.

L’allestimento si avvale della colonna sonora originale di Giorgos Andreou e dei movimenti coreografici di Konstantinos Rigos, artista riconosciuto a livello internazionale che imprime allo spettacolo una gestualità contemporanea e una vibrante tensione drammatica. L’impianto visivo è curato dalla scenografa Froso Lytra, mentre i costumi sono firmati da Nikos Charlaftis e il disegno luci è di Stelios Tzolopoulos. Dopo il debutto assoluto al Forest Theatre di Salonicco (30 giugno) e le date italiane a Ostia Antica, Lysistrata approderà al Teatro Antico di Epidauro il 21 e 22 agosto 2026.

Il percorso del TEATRO OSTIA ANTICA FESTIVAL proseguirà la sua indagine sul contemporaneo attraverso il filtro della memoria spirituale con Requiem(s) di Angelin Preljocaj (10 e 11 luglio), una monumentale architettura di corpi e danza che indaga la finezza dell’essere e l’immortalità dell’arte. La chiusura della rassegna sarà infine affidata alla raffinata indagine psicologica di Filippo Dini con la sua visionaria rilettura dell’Alcesti euripidea (17 e 18 luglio), un viaggio struggente e poetico attorno al mistero del sacrificio d’amore e alla soglia sottile che separa la vita dalla morte.

Asterios Peltekis è attore, regista, docente di teatro e attuale Direttore Artistico del Teatro Nazionale della Grecia del Nord (NTNG). Laureato presso la Facoltà di Teatro dell’Università Aristotele di Salonicco, si è formato professionalmente alla Scuola d’Arte Drammatica dello stesso NTNG, perfezionando i suoi studi all’estero con borse di ricerca incentrate sulla regia e sui sistemi di recitazione contemporanei. Nella sua ricca carriera ha diretto e interpretato decine di opere del repertorio classico, moderno e contemporaneo per le più importanti istituzioni teatrali greche (Teatro Nazionale della Grecia, NTNG, Teatro d’Arte di Atene) e nell’ambito di festival internazionali. Dal 2022, alla guida del Teatro Nazionale della Grecia del Nord, promuove una linea artistica transnazionale capace di coniugare il rigore della tradizione classica alle scommesse espressive dei nuovi linguaggi della scena, intensificando le reti di coproduzione e gli scambi culturali con i più prestigiosi Teatri Nazionali e Stabili europei.

"Dolcevita-sur-Seine" con il Laboratorio Teatrale Integrato Piero Gabrielli debutta a Parigi
2026-07-04 21:00 - 23:00 | ITA
Il Laboratorio Teatrale Integrato Piero Gabrielli, da sempre modello di creazione inclusiva, varca i confini nazionali e approda a Parigi, nell’ambito del prestigioso festival “Dolcevita-sur-Seine“. Oggi, 4 luglio, infatti, presso l’ Arènes de Lutèce va in scena lo spettacolo “Pinocchia a Parigi“, diretto da Roberto Gandini, con i partecipanti al Laboratorio Teatrale Integrato Piero Gabrielli e le musiche eseguite dal vivo da Andrea Filippucci, preceduto da un laboratorio in cui esplorare esercizi teatrali, canti e momenti performativi che illustrano una pratica scenica fondata su relazione, gioco, divertimento e inclusione.

Protagonista di Pinocchia a Parigi è il personaggio che più di ogni altro ha segnato la drammaturgia del Laboratorio Gabrielli, oltre alle figure nate dalla fantasia di Gianni Rodari, ossia Pinocchio, il diverso per antonomasia. Nel bicentenario dalla nascita del suo autore, Carlo Collodi, ci si è chiesti cosa accadrebbe se dal famoso “ciocco di legno” nascesse una burattina. In scena, accompagnati dalla musica dal vivo, attrici e attori, con e senza disabilità, che in questi trent’anni di attività del Laboratorio sono cresciuti e si sono lasciati coinvolgere dalle esperienze teatrali e altre new entry, per dare corpo e voce a una versione al femminile del celebre burattino, che diventa strumento non solo per indagare il “diverso”, ma anche per scandagliare le varie problematiche legate all’essere adolescente oggi. Una vera e propria indagine sull’identità giovanile.

“Il processo teatrale, per sua natura, procede per ipotesi, revisioni e scarti: quel ragazzo a cui è stata affidata la parte è più bravo del previsto, quella ragazza con disabilità fa venire fuori un aspetto della storia a cui non si era pensato… Le prove diventano così uno spazio di ricerca in cui il senso dello spettacolo prende forma progressivamente, attraverso un’elaborazione condivisa_ annota Roberto Gandini.

L’adolescenza è una patologia dalla quale i più guariscono. Ma a che prezzo e con quali passaggi?Pinocchia non vuole andare a scuola, non vuole lavorare, vuole stare con gli amici, vuole scappare. È “umana troppo umana” anche se è fatta di legno ed è alla ricerca disperata di un’altra identità. Pinocchia vuole essere come gli altri, ma chi sono gli altri? I suoi simili sono i burattini che l’accolgono e le vogliono bene. Anche lei ama quei “diversi”, ma non le basta. Allora corre incontro all’amore che scopre con Lucignolo, e corre verso esperienze che l’abbrutiscono e la rendono un’asina! Pinocchia, attraverso questa sofferenza, acquisirà l’identità tanto desiderata. E vissero felici e contenti? No, perché la ricerca dell’identità è una trama con molti sequel. “

Il Laboratorio Teatrale Integrato Piero Gabrielli rappresenta una delle realtà più consolidate e riconosciute in Italia nell’ambito del teatro sociale e dell’inclusione scolastica, giunto appunto al suo trentunesimo anno di attività. Profondamente radicato nei quartieri e nelle scuole della città, è diventato un punto di riferimento per il lavoro con le persone fragili e con disabilità. Attraverso un’azione costante, ha saputo promuovere il tema dell’inclusione sociale e la pratica dell’integrazione tra ragazze e ragazzi con e senza disabilità, affermandosi come vero e proprio patrimonio didattico per gli insegnanti e gli studenti coinvolti. Il Laboratorio Gabrielli è altresì attivo nell’organizzazione di iniziative teatrali rivolte alla cittadinanza e nella promozione di percorsi formativi per docenti e artisti.

"BALLO! Taranta d’amore" all'Auditorium Parco della Musica
2026-07-04 21:00 - 23:00 | Auditorium Parco della Musica, Via Pietro de Coubertin, 30, Roma, 00196, Italia
Il 4 luglio 2026 si svolgerà una nuova e significativa tappa di un percorso che, nel suo sviluppo progressivo, si sta affermando come una delle linee portanti della progettualità coreutica contemporanea nel Lazio. All’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, nella Cavea di Roma, prende forma un nuovo appuntamento di Piattaforme Coreografiche, all’interno del progetto MetaDanze, che si sta delineando come un ecosistema strutturato dedicato alla danza contemporanea e di contaminazione, capace di connettere creazione, formazione, produzione e diffusione del linguaggio del corpo.

In questa occasione viene presentato BALLO! Taranta d’amore, produzione multidisciplinare firmata da Ambrogio Sparagna, Mvula Sungani ed Emanuela Bianchini, con la partecipazione dell’Orchestra Popolare Italiana e del Coro Popolare dell’Auditorium Parco della Musica, insieme alla Mvula Sungani Physical Dance, la GDO Uda Company e ai danzatori e interpreti coinvolti nei percorsi di MetaDanze. Un lavoro che si colloca nel punto di intersezione tra tradizione e contemporaneità, tra memoria e riscrittura scenica, in cui il patrimonio musicale e coreutico italiano viene attraversato non come repertorio cristallizzato ma come materia viva, in costante trasformazione.

La struttura di Taranta d’amore si fonda su un principio di riattivazione del gesto popolare, in cui pizziche, tammurriate, saltarelli e canti tradizionali diventano dispositivi dinamici, capaci di generare una nuova drammaturgia del corpo. La Physical Dance di Mvula Sungani ed Emanuela Bianchini agisce come linguaggio di sintesi e di espansione, mettendo in relazione danza contemporanea, fisica e radici antropologiche del movimento, in una scrittura scenica che non separa mai il gesto dalla sua origine culturale.

All’interno di questo impianto, la presenza dei giovani coreografi ed interpreti provenienti dal progetto MetaDanze assume una funzione centrale e non accessoria, segnando con chiarezza la direzione del percorso: costruire uno spazio in cui formazione e creazione coincidano, e in cui le nuove generazioni non siano semplici osservatori ma parte attiva del processo artistico. È in questa dinamica che il progetto si definisce anche come strumento di accesso e continuità per la danza contemporanea sul territorio.

Taranta d’amore si configura così come un rito contemporaneo, una forma scenica che restituisce alla dimensione della festa la sua funzione originaria di spazio condiviso, in cui musica, corpo e comunità si intrecciano in un’unica esperienza percettiva e collettiva. La danza non rappresenta, ma attiva; la musica non accompagna, ma struttura; il corpo diventa luogo di memoria e trasformazione.

Questo appuntamento inaugurale apre un percorso più ampio che definisce MetaDanze come infrastruttura culturale in evoluzione, orientata alla costruzione di un sistema stabile per la danza contemporanea nel Lazio. Il progetto è stato ideato da CRDL – Centro Regionale Danza Lazio, che grazie a una visione pionieristica ha saputo creare una rete strategica tra ATCL – Associazione Teatrale fra i Comuni del Lazio e ASI – Associazioni Sportive e Sociali Italiane, mettendo in dialogo competenze, territori e professionalità differenti con l’obiettivo di potenziare il sistema regionale della danza. Una sinergia che costituisce l’ossatura operativa del progetto e ne garantisce la dimensione territoriale, formativa e distributiva, favorendo la crescita di una filiera sempre più integrata e capace di valorizzare i talenti e le realtà del territorio.

ATCL, circuito multidisciplinare riconosciuto dal Ministero della Cultura e dalla Regione Lazio, agisce sul piano della distribuzione e della formazione del pubblico; CRDL ente di promozione nazionale riconosciuto dal Ministero della Cultura e dalla Regione Lazio opera sul versante della produzione, del perfezionamento e della formazione professionale; ASI ente di promozione nazionale riconosciuto da Sport e Salute e dalla Regione Lazio per la formazione professionale, garantisce una rete capillare nazionale e regionale, capace di connettere scuole, associazioni e pratiche diffuse del territorio.

In questa prospettiva, MetaDanze non si limita a programmare eventi, ma costruisce un sistema in cui ogni appuntamento si inserisce in una visione organica e continuativa. Il 4 luglio rappresenta dunque un passaggio significativo all’interno di un processo più ampio, che proseguirà nei mesi successivi con ulteriori tappe tra Spazio Rossellini, MSPD Studios e Auditorium della Conciliazione, consolidando una rete di azioni dedicate alla nuova coreografia contemporanea, alla formazione e alla diffusione della danza come linguaggio pubblico e condiviso.

Dal 1 al 4 ottobre presso Spazio Rossellini si svolgerà Emergenze Coreografiche – II edizione, piattaforma dedicata alla nuova coreografia contemporanea e di contaminazione, pensata come spazio di scouting, formazione e accompagnamento delle giovani generazioni coreutiche, con particolare attenzione alle scuole di danza del territorio regionale e alle aree periferiche del Lazio. Un dispositivo che non si limita alla selezione artistica, ma costruisce un processo di ascolto strutturato, fino alla produzione di raccomandazioni condivise tra giovani artisti e operatori del settore, con l’obiettivo di ridurre la distanza tra formazione e sistema produttivo.

Il 5 ottobre, presso MSPD Studios, prenderà avvio il III Corso di Formazione Professionale della Regione Lazio, qualificato EQF 6 ed equiparabile a una laurea triennale, un percorso di alta formazione dedicato al perfezionamento tecnico e artistico delle nuove generazioni di interpreti e coreografi, inserito direttamente nel sistema operativo del progetto MetaDanze.

Il 10 e 11 ottobre, sempre presso MSPD Studios, si svolgerà DanzaNetwork – Steps in Spaces, piattaforma dedicata ai formati brevi della coreografia contemporanea per solo, duo e trio, con l’obiettivo di valorizzare la scrittura coreografica emergente e le nuove forme di produzione agile, in dialogo con i linguaggi della contaminazione.

Dal 16 al 19 ottobre, all’Auditorium della Conciliazione, andrà in scena DanzaNetwork – Tersicore / Nuovi spazi per la danza, piattaforma dedicata ai gruppi emergenti e alle scuole di danza, che amplia ulteriormente il perimetro di visibilità del progetto, rafforzando il rapporto tra creazione e pubblico in una dimensione più ampia e istituzionale.

Il 17 ottobre, nello stesso contesto, sarà presentato Deledda – Cenere e le canzoni della rivoluzione silenziosa, produzione multidisciplinare della Mvula Sungani Physical Dance con musica dal vivo, nata per il centenario del premio Nobel ricevuto dalla grande scrittrice sarda. Il progetto inserirà nel cast, accanto ai professionisti, giovani danzatori del territorio, proseguendo il dialogo tra danza, parola e memoria., inscrivendosi nella linea poetica e politica del progetto MetaDanze.

Infine, il 7 e 8 novembre allo Spazio Rossellini si terrà DanzaNetwork – Danze in Comune, iniziativa dedicata a eventi, lezioni e workshop di danze sociali, che apre esplicitamente il progetto alla dimensione partecipativa e comunitaria, rafforzando il legame tra pratica artistica e cittadinanza culturale.Nel loro insieme, questi appuntamenti non costituiscono una semplice programmazione, ma delineano un sistema continuo e interconnesso, in cui la danza diventa infrastruttura culturale, linguaggio pubblico e dispositivo di relazione tra territori, generazioni e istituzioni

"Dimenticata Pace" al Campania Teatro Festival con Murìcena Teatro
2026-07-04 21:00 - 22:30 | Teatro Tedér – Teatro del Rimedio, Via Flavio Gioia, 66, Napoli, ITA, 80133, Italy
Murìcena Teatro debutta il 4 luglio 2026 con Dimenticata Pace, spettacolo liberamente ispirato alla Pace di Aristofane e interpretato da attori non vedenti e ipovedenti. Una delle rare esperienze italiane di una compagnia professionistica composta esclusivamente da interpreti con disabilità visiva, presenta un lavoro che ribalta la prospettiva sull’inclusione, gli interpreti con disabilità visiva non sono destinatari, ma guide di un’esperienza sensoriale alternativa. Dimenticata Pace è un lavoro nato per interrogare l’immaginario contemporaneo della pace, all’interno del laboratorio teatrale permanente Fare Teatro…oltre lo sguardo, progetto avviato nel 2018 e riconosciuto nel gennaio 2026 dal Ministero della Cultura tra i soli dodici progetti finanziati a livello nazionale nell’ambito delle iniziative dedicate agli organismi che impiegano professionalmente artisti con disabilità.

Nel testo aristofaneo, il vignaiolo Trigeo si ribella all’inesorabilità della guerra e libera Eirene, la dea della Pace. In Dimenticata Pace questo mito si trasforma: un mendicante, accompagnato dalla fedele Nuvola, cane-guida con cui viaggia alla ricerca diuna pace dimenticata. Una figura-cantastorie — Opora, che fila e lavora a maglia come una Parca — racconta in lingua napoletana il cunto della “guagliuncedda”, un racconto che affonda nelle memorie più antiche. Sullo sfondo la guerra si alimenta recuperando la forza satirica e grottesca dell’opera aristofanea. La scena si sviluppa come un attraversamento percettivo in cui il teatro si affida ai sensi prima che alla vista: olfatto, tatto e udito diventano canali privilegiati di conoscenza, capaci di attivare memoria, emozione e presenza corporea.

Il debutto si terrà al Teatro Tedér – Teatro del Rimedio, chiesa sconsacrata oggi spazio culturale nel cuore di Napoli. Un luogo che dialoga direttamente con la dimensione immersiva dello spettacolo, offrendo un’architettura fisica capace di amplificarne la risonanza sensoriale e simbolica. Attraverso il recupero della tradizione classica, della lingua napoletana e delle pratiche partecipative contemporanee, Dimenticata Pace propone una riflessione sul presente e sul significato della riconciliazione, un invito a immaginare nuovamente ciò che sembra perduto. «Siamo partiti da una domanda semplice – afferma Raffaele Parisi, regista e drammaturgo: dove cerchiamo la nostra pace, in un mondo attraversato da guerre? Da lì abbiamo cominciato a improvvisare, non sui testi, ma sui corpi. Suoni, movimenti, passi, respiri, voci, memoria e infine racconti: tutto questo è diventato materia drammaturgica. Aristofane ci ha dato la struttura, ma il vero lavoro è stato trasformarla nel modo in cui i nostri attori e le nostre attrici non vedenti conoscono il mondo. In un mondo di guerra, loro non vedono le immagini che ci sommergono ogni giorno: sentono le notizie, le ascoltano, le attraversano con il corpo. Quello su cui ci siamo voluti interrogare è se forse abbiamo dimenticato cosa significa la pace. E forse la strada per ritrovarla passa attraverso la bellezza, attraverso il prendersi cura dell’altro, attraverso la ricerca di una pace intima per provare a raggiungere una pace di comunità.»

Per info e prenotazioni: https://campaniateatrofestival.it/

Contatti Murìcena Teatro: muricena.teatro@gmail.com

"Dimenticata Pace" al Muricena Teatro
2026-07-04 20:30 - 22:00 | Teatro Tedér – Teatro del Rimedio, Via Flavio Gioia, 66, Napoli, ITA, 80133, Italy
Muricena Teatro porta in scena uno spettacolo con interpreti professionisti non vedenti e ipovedenti. Prima nazionale il 4 luglio 2026 alle ore 20:30 al Teatro Tedér di Napoli, nell’ambito del Campania Teatro Festival

Murìcena Teatro debutta il 4 luglio 2026 con Dimenticata Pace, spettacolo liberamente ispirato alla Pace di Aristofane e interpretato da attori non vedenti e ipovedenti. Una delle rare esperienze italiane di una compagnia professionistica composta esclusivamente da interpreti con disabilità visiva, presenta un lavoroche ribalta la prospettiva sull’inclusione, gli interpreti con disabilità visiva non sono destinatari, ma guide di un’esperienza sensoriale alternativa. Dimenticata Pace è un lavoro nato per interrogare l’immaginario contemporaneo della pace, all’interno del laboratorio teatrale permanente Fare Teatro…oltre lo sguardo, progettoavviato nel 2018 e riconosciuto nel gennaio 2026 dal Ministero della Cultura tra i soli dodici progetti finanziati a livello nazionale nell’ambito delle iniziative dedicate agli organismi che impiegano professionalmente artisti con disabilità.

Nel testo aristofaneo, il vignaiolo Trigeo si ribella all’inesorabilità della guerra e libera Eirene, la dea della Pace. InDimenticata Pace questo mito si trasforma: un mendicante, accompagnato dalla fedele Nuvola, cane-guida con cui viaggia alla ricerca di una pace dimenticata. Una figura-cantastorie — Opora, che fila e lavora a maglia come una Parca — racconta in lingua napoletana il cunto della “guagliuncedda”, un racconto che affonda nelle memorie più antiche. Sullo sfondo la guerra si alimenta recuperando la forza satirica e grottesca dell’opera aristofanea. La scena si sviluppa come un attraversamento percettivo in cui il teatro si affida ai sensi prima che alla vista: olfatto, tatto e udito diventano canali privilegiati di conoscenza, capaci di attivare memoria, emozione e presenza corporea.

Il debutto si terrà al Teatro Tedér – Teatro del Rimedio, chiesa sconsacrata oggi spazio culturale nel cuore di Napoli. Un luogo che dialoga direttamente con la dimensione immersiva dello spettacolo, offrendo un’architettura fisica capace di amplificarne la risonanza sensoriale e simbolica. Attraverso il recupero della tradizione classica, della lingua napoletana e delle pratiche partecipative contemporanee, Dimenticata Pace propone una riflessione sul presente e sul significato della riconciliazione, un invito a immaginare nuovamente ciò che sembra perduto. «Siamo partiti da una domanda semplice – afferma Raffaele Parisi, regista e drammaturgo: dove cerchiamo la nostra pace, in un mondo attraversato da guerre? Da lì abbiamo cominciato a improvvisare, non sui testi, ma sui corpi. Suoni, movimenti, passi, respiri, voci, memoria e infine racconti: tutto questo è diventato materia drammaturgica. Aristofane ci ha dato la struttura, ma il vero lavoro è stato trasformarla nel modo in cui i nostri attori e le nostre attrici non vedenti conoscono il mondo. In un mondo di guerra, loro non vedono le immagini che ci sommergono ogni giorno: sentono le notizie, le ascoltano, le attraversano con il corpo. Quello su cui ci siamo voluti interrogare è se forse abbiamo dimenticato cosa significa la pace. E forse la strada per ritrovarla passa attraverso la bellezza, attraverso il prendersi cura dell’altro, attraverso la ricerca di una pace intima per provare a raggiungere una pace di comunità.»

Per info e prenotazioni: https://campaniateatrofestival.it/

Contatti Murìcena Teatro: muricena.teatro@gmail.com

Al Parco del Polo Civico di Via Ballarin torna "IL CINEMA IN ASCOLTO"
2026-07-04 19:00 - 2026-07-17 19:00 | Auditorium Municipale Pasquale De Angelis, Via Aldo Ballarin snc, Roma, ITA, 00142, Italy
Torna a Roma, per la sua seconda edizione, Il Cinema in Ascolto, la rassegna cinematografica all’aperto che unisce grande cinema, innovazione tecnologica e partecipazione culturale. Dal 4 al 17 luglio 2026 il Parco del Polo Civico di Viale Aldo Ballarin, nel Municipio VIII, si trasformerà nuovamente in un’arena immersiva dove il pubblico potrà vivere il cinema attraverso un’esperienza di ascolto in cuffia, accessibile, inclusiva e gratuita.

Dopo il successo della prima edizione, la manifestazione amplia il proprio programma proponendo quattordici serate dedicate al cinema contemporaneo, ai grandi classici, ai documentari e ai cortometraggi, accompagnate da incontri con registi, attori, autori e professionisti del settore.

Il progetto nasce con l’obiettivo di portare il cinema negli spazi pubblici, favorire la partecipazione culturale e creare occasioni di dialogo attorno ai grandi temi del nostro tempo. Le opere selezionate affrontano questioni legate all’identità, alla memoria, ai conflitti, all’ambiente, alle trasformazioni sociali e ai percorsi di crescita individuale, offrendo al pubblico occasioni di confronto e approfondimento.

L’edizione 2026 proporrà un percorso articolato in sei aree tematiche – Confini ed Identità, Conflitti e Trasformazioni, Percorsi e Scelte, Memoria e Racconti, Viaggi ed Avventura, Musica e Ritmo – attraverso una selezione di opere italiane e internazionali che spaziano dal cinema indipendente alle produzioni premiate nei maggiori festival.

Il cartellone alterna recenti opere del cinema italiano e internazionale, grandi cult amati da più generazioni e una serata speciale dedicata al cortometraggio italiano contemporaneo, con la partecipazione di registi e interpreti.

Oltre alle proiezioni, il Parco del Polo Civico sarà aperto ogni sera dalle 19.00 alle 24.00, configurandosi come uno spazio di aggregazione e socialità a disposizione della comunità. L’area ospiterà un punto food & drink e momenti dedicati alla convivialità, favorendo la permanenza del pubblico e la fruizione del festival anche nelle fasce orarie precedenti e successive alle proiezioni.

L’utilizzo di cuffie wireless consentirà inoltre agli spettatori di ascoltare una selezione musicale lounge in totale libertà di movimento, garantendo al contempo il rispetto dell’ambiente circostante grazie all’assenza di emissioni sonore diffuse.

Questa soluzione amplia il concetto di arena cinematografica, trasformando lo spazio pubblico in un luogo multifunzionale dedicato alla cultura, all’incontro e alla partecipazione collettiva.

“Il Cinema in Ascolto” si conferma così non solo una rassegna cinematografica, ma un progetto culturale capace di mettere in relazione pubblico, autori e territorio, valorizzando il cinema come strumento di partecipazione, riflessione e costruzione di comunità.

L’ingresso a tutte le serate è gratuito con prenotazione delle cuffie fino a esaurimento disponibilità

La manifestazione è realizzata da We Break Production, in collaborazione con Marte 2010 e Associak.

IL PROGRAMMA E GLI OSPITI

Sabato 4 luglio

LA CITTÁ PROIBITA

di Gabriele Mainetti

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Domenica 5 luglio

THE BLUES BROTHERS

di John Landis

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Lunedì 6 luglio

CORTI ITALIANI

di Autori Vari

HI MIKE

Il regista Antonio Cinque

LE COSE APPUNTITE

Il regista Giulia Giordano – Il cast Roberto De Francesco, Chiara Caselli, Eugenio Papalia, Carlo Caprioli

MUD

La regista Caterina Salvadori

NOTTURNO

Il regista Lorenzo Nuccio

VOLEVO SOLO DIRTI UNA COSA

Il coprotagonista Gianlorenzo De Donno

ZITTO E GUIDA

Il regista Nick Russo, il protagonista Filippo Tirabassi, il produttore Alessandro Di Renzo

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Martedì 7 luglio

Ore 20,30

Incontro con il regista Gabriele Mainetti (Lo chiamavano Jeeg Robot, Freaks)

Ore 21,00

THE SEA

di Shai Carmell Pollak

Introduzione a cura di Alessia Ripandelli di MSF Medici Senza Frontiere

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Mercoledì 8 luglio

MANAS SORELLE

di Marianna Brennand

Responsabili della Distribuzione Italiana

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Giovedì 9 luglio

SEMPLICE CLIENTE

di Alessio De Leonardis

Alessio De Leonardis Regista, Produttori Stefano Bacchiocchi, Beatrice Campagna

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Venerdì 10 luglio

TRE REGOLE INFALLIBILI

di Marco Gianfreda

Il regista Marco Gianfreda

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Sabato 11 luglio

LA GUERRA DEL TIBURTINO TERZO

di Luna Gualano

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Domenica 12 luglio

TRE STORIE IN BOTTIGLIA

di Giuseppe Gandini

Il Regista Giuseppe Gandini, Cast Valentina Bruscoli, Silvia Mazzotta, Emilia Bruscoli ed altri membri del cast

Lunedì 13 luglio

BURNING VICTORIA

Serata Air a cura di Gianni Aureli

Il regista Gabriele Tacchi

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Martedì 14 luglio

RITORNO AL FUTURO

di Robert Zemeckis

Introduzione a cura del regista Gianni Aureli

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Mercoledì 15 luglio

LOST LAND

di Akio Fujimoto

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Giovedì 16 luglio

E-BOLA

di Christian Marazziti

Il regista Christian Marazziti, lo sceneggiatore Luca Monti – Cast Silvia Mazzotta ed altri membri del cast

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Venerdì 17 luglio

LA TERZA VOLTA

di Gianni Aureli

​Il regista Gianni Aureli, la produttrice Gaia Moretti e altri membri del cast

Direzione Artistica: Gianni AureliDirezione Tecnica: Cristiano Ananìa

Per informazioni e programma completo:www.ilcinemainascolto.it

"Visitate il Garda. Grafica e promozione dalla Belle Époque al turismo moderno"
2026-07-04 10:00 - 2026-10-18 10:00 | MAG Museo Alto Garda, P.za Cesare Battisti, 3/A, Riva del Garda (TN), Italia, 38066, Italy
Cento anni di desideri, immaginari e trasformazioni sociali. Cento anni di turismo che raccontano l’evoluzione del lago di Garda e dell’Italia. Cento anni di modi diversi di guardare e vivere il paesaggio, il tempo libero e il viaggio.

Dal 4 luglio al 18 ottobre 2026 il MAG Museo Alto Garda presenta Visitate il Garda. Grafica e promozione dalla Belle Époque al turismo moderno, una grande mostra che per la prima volta riunisce in un unico percorso espositivo manifesti, cartoline, brochure, guide illustrate, fotografie e materiali promozionali che hanno raccontato, costruito e diffuso nel mondo l’immagine del Lago di Garda.

Per oltre un secolo il Garda è stato immaginato prima ancora che vissuto. È stato desiderato attraverso un manifesto affisso in una stazione ferroviaria, una cartolina spedita oltre confine, una guida illustrata sfogliata da viaggiatori in cerca di nuove destinazioni. Prima di diventare esperienza, il Garda è stato racconto. Un racconto costruito attraverso immagini, colori, simboli e linguaggi che oggi restituiscono non soltanto la storia di una delle destinazioni turistiche più riconoscibili d’Europa, ma anche l’evoluzione del gusto, dei costumi, della società e dell’idea stessa di viaggio.

Curata da Matteo Rapanà e Anna Zunino, la mostra nasce in occasione del centenario della nascita dell’Azienda Autonoma di Soggiorno e Turismo di Riva del Garda, oggi Garda Dolomiti, e rappresenta il punto di arrivo di un importante lavoro di ricerca, acquisizione e valorizzazione sviluppato negli ultimi anni dal MAG. Un patrimonio costruito nel tempo attraverso acquisizioni, donazioni, depositi e collaborazioni con collezionisti e istituzioni che viene ora restituito al pubblico come una grande narrazione collettiva.

Visitate il Garda è un viaggio attraverso la costruzione di uno dei più longevi immaginari turistici europei. Dalla Belle Époque alle avanguardie del Novecento, dall’affermazione della mobilità automobilistica alla nascita del turismo moderno, il percorso espositivo racconta come un territorio sia stato osservato, interpretato e continuamente reinventato attraverso le immagini.

Nei manifesti esposti scorrono le eleganti atmosfere della villeggiatura mitteleuropea, la scoperta del Garda come “Mediterraneo tra le Alpi”, l’entusiasmo per la velocità e il progresso delle nuove infrastrutture, l’affermazione del benessere e del tempo libero come elementi centrali della vita contemporanea. Cambiano gli stili grafici, cambiano i linguaggi, cambiano i viaggiatori. Cambia l’Italia. E attraverso queste trasformazioni prende forma l’identità pubblica di un territorio che continua ancora oggi ad attrarre visitatori da tutto il mondo.

Manifesti, cartoline, guide, fotografie e materiali editoriali raccontano così una storia che va oltre il turismo. Raccontano il modo in cui una comunità ha imparato a rappresentare se stessa, il modo in cui un paesaggio è diventato memoria condivisa, patrimonio culturale e promessa di viaggio.

Con questa mostra il MAG aggiunge un nuovo tassello alla propria missione culturale, confermandosi non solo luogo di conservazione, ma spazio di interpretazione capace di leggere nelle immagini le trasformazioni storiche, sociali e culturali che hanno contribuito a definire il volto contemporaneo del Garda.

Scheda tecnicaVisitate il GardaA cura di Matteo Rapanà e Anna ZuninoMuseo Alto Garda – Riva del Garda (TN)Piazza Cesare Battisti 3/A, Riva del Garda

Inaugurazione: 3 luglio 2026, ore 18:00Periodo di apertura: 4 luglio 2026 – 18 ottobre 2026, tutti i giorni dalle 10:00-18:00.Da ottobre, chiuso il lunedìBiglietto: intero €5 – ridotto €4Info: info@museoaltogarda.it – www.museoaltogarda.it – 0464 573869squarzonidaphne@comune.rivadelgarda.tn.it 0464573873

Festival Gibellina Photoroad 2026
2026-07-04 10:00 - 2026-09-06 10:00 | Museo delle Trame Mediterranee, Località Baglio di Stefano, 1, Gibellina (TP), ITA, 91029, Italy
Protagonista con Ciclica alla 61° Biennale d’Arte di Venezia, dal 4 luglio 2026, Jacopo Di Cera prosegue il suo viaggio dentro l’Italia contemporanea approdando al festival Gibellina Photoroad 2026, negli spazi del Museo delle Trame Mediterranee.

Dal 4 luglio al 6 settembre 2026 l’artista sarà infatti tra i protagonisti della nuova edizione del festival internazionale di fotografia open air e site-specific ideato e diretto da Arianna Catania, che celebra il suo decennale all’interno del programma di Gibellina Capitale Italiana dell’Arte Contemporanea. Un progetto unico nel panorama internazionale che, dal 2016, trasforma la città siciliana in un museo diffuso a cielo aperto, mettendo in dialogo fotografia, architettura, spazio pubblico e comunità.

Per l’occasione, Di Cera presenta Between, videoinstallazione realizzata in residenza al Grande Cretto di Alberto Burri e prodotta in collaborazione con HF4 Art Hub, che coinvolge gli abitanti di Gibellina in una riflessione poetica sul rapporto tra memoria, presenza e vita quotidiana.

Se negli ultimi anni la sua ricerca ha attraversato temi come il cambiamento climatico, lo sport, la fragilità dei territori e l’evoluzione del rapporti umani con un punto di vista inedito che mette tutti sullo stesso piano, annullando le differenze, con Between l’artista torna ancora una volta a osservare le persone. Non i grandi eventi, ma ciò che rimane quando gli eventi passano, le storie che continuano a scorrere dentro i luoghi segnati dalla memoria.

Anziani che giocano a carte, una donna che rientra con la spesa, una bambina in bicicletta, una coppia che stende i panni, bambini che giocano a calcio. Gesti minimi e universali che prendono forma all’interno del Grande Cretto e riportano simbolicamente la vita dentro uno dei più importanti monumenti della memoria contemporanea italiana.

Riprese dall’alto e restituite attraverso una video installazione a sei schermi, le immagini diventano parte di quella ricerca che ha reso riconoscibile il linguaggio di Jacopo Di Cera, le ombre diventano protagoniste tanto quanto le figure reali, trasformandosi in presenze evocative che raccontano appartenenze, assenze, memoria e possibilità future. Una visione zenitale che negli anni si è trasformata in una vera e propria indagine sull’Italia contemporanea: un Paese osservato dall’alto attraverso i suoi paesaggi, le sue comunità e le tracce lasciate dalle persone che li abitano.

Ad accompagnare Between, una installazione sonora site-specific composta da sei tracce originali firmate dal compositore MKDB. Come i sei schermi della video installazione, anche il paesaggio sonoro si sviluppa attraverso sei movimenti tematici che amplificano il dialogo tra memoria e presenza, tra vuoto e quotidianità. Le tracce della vita diventano materia musicale, contribuendo a trasformare il Grande Cretto in uno spazio da attraversare non solo con lo sguardo ma anche con l’ascolto.

Info, dettagli, orari su: www.gibellinaphotoroadfestival.com

https://gibellina2026.it/eventi/mostre/gibellina-photo-road-open-air-site-specific-festival/

" Otello, di precise parole si vive" al Teatro Romano di Verona
2026-07-03 21:30 - 23:00 | Teatro Romano Verona, Via Rigaste Redentore 2, Verona, ITA, 37129, Italy
Venerdì 3 luglio il Teatro Romano di Verona accoglie uno degli appuntamenti più attesi dell’Estate Teatrale Veronese diretta da Fabrizio Arcuri: alle ore 21.30 Lella Costa e Gabriele Vacis portano in scena Otello, di precise parole si vive, una rilettura del capolavoro shakespeariano che interroga il potere del linguaggio, la responsabilità delle parole e la loro capacità di costruire o distruggere le relazioni umane.

Lo spettacolo approda a Verona, riportando sul palcoscenico del Teatro Romano due figure centrali della scena italiana contemporanea. Attraverso una drammaturgia firmata dagli stessi Lella Costa e Gabriele Vacis, l’Otello di Shakespeare viene attraversato e reinterpretato alla luce del presente, in un’indagine teatrale che mette al centro il peso delle parole, la manipolazione del linguaggio e la fragilità dei rapporti umani.

68esimo PREMIO RENATO SIMONI

La serata sarà inoltre preceduta, alle ore 21.15, dalla cerimonia di conferimento del 68° Premio Renato Simoni per la fedeltà al teatro di prosa a Lella Costa. Istituito nel 1958 dal Comune di Verona e dal Comune di Milano, il prestigioso riconoscimento viene assegnato ad artiste e artisti che hanno dedicato la propria vita al teatro di prosa, contribuendo in maniera determinante alla crescita della scena italiana. La giuria, presieduta dal Sindaco di Verona Damiano Tommasi e composta da Claudia Cannella, Roberto Canziani, Masolino D’Amico, Rodolfo Di Giammarco e Katia Ippaso, ha individuato in Lella Costa una delle personalità più autorevoli e significative del teatro contemporaneo.

La consegna del premio e la rappresentazione di Otello, di precise parole si vive compongono così un’unica grande serata dedicata al teatro di parola, alla sua memoria e alla sua capacità di interrogare il presente.

« Accogliere Lella Costa all’interno di questo appuntamento significa riconoscere una delle voci più autorevoli e necessarie del teatro italiano contemporaneo – dichiara il Direttore Artistico Fabrizio Arcuri durante la conferenza stampa tenutasi il primo luglio in Sala Arazzi del Comune di Verona, dedicato al prossimo appuntamento dell’International Live Arts Festival – La sua presenza, insieme a quella di Gabriele Vacis, restituisce al Festival una densità artistica e civile che ci è particolarmente cara. Questo incontro tra premio e scena non è soltanto una celebrazione, ma un gesto di continuità culturale che ribadisce il senso profondo del nostro lavoro: fare del teatro uno spazio vivo di pensiero e di responsabilità condivisa.»

«Sono molto emozionata. Amo molto il Teatro Romano di Verona e ci tengo a ringraziare moltissimo per il Premio Simoni, così bello e inaspettato – afferma Lella Costa intervenuta in conferenza – Tornando allo spettacolo, con il regista Gabriele Vacis abbiamo scelto di riprenderlo perché Shakespeare è immortale e Otello è un testo tremendamente attuale. Otello è sostanzialmente un immigrato: è un uomo che ha imparato a usare la lingua, e ha imparato a usarla molto bene. Desdemona si innamora di lui, ma c’è un uomo che quella lingua probabilmente la usa ancora meglio per tessere trame e inganni, perché è la sua lingua dalla nascita e la manovra con grande abilità. Quell’uomo è Iago, che riesce ad avvelenare le parole e il cuore di Otello, fino a portarlo a uccidere Desdemona. In tutto questo c’è una battuta molto precisa: quando Emilia chiede a Desdemona come si sente, lei risponde “in verità mezza addormentata”. È una frase tremenda, se pensiamo al destino di Desdemona. Il titolo dello spettacolo, Otello. Di precise parole si vive, fa riferimento a una canzone del maestro e poeta Ivano Fossati. Sembra una canzone scritta per Shakespeare e per noi. Con questo lavoro abbiamo cercato di mantenere il suono della parola e dei versi di Shakespeare. L’assunzione di responsabilità per le parole che si pronunciano in scena è fondamentale: bisogna avere un grande rispetto per quelle parole e per ciò che si dice. Assumersi la responsabilità delle parole è un valore etico e noi speriamo di averlo fatto con questo spettacolo. Quello che succede in teatro è irriproducibile e irripetibile: ciò che accade sul palcoscenico succede una sola volta e non accadrà mai più. Per questo prendersi cura delle parole e cercare di usarle nel modo più appropriato è indispensabile. Il messaggio che si trasmette è fondamentale, così come la credibilità e l’importanza del messaggio stesso.»

Presente anche il Sindaco di Verona Damiano Tommasi: «Sono profondamente lieto che il Premio Renato Simoni venga conferito a Lella Costa, interprete che ha saputo attraversare il teatro italiano con rigore, intelligenza e sensibilità civile. La sua presenza al Teatro Romano, in una serata che unisce riconoscimento e scena, rafforza il senso più autentico del nostro impegno culturale. Il valore di questo appuntamento risiede anche nella capacità di ricordarci quanto le parole siano decisive nella costruzione del nostro vivere comune: la responsabilità del linguaggio è un tema che attraversa la nostra contemporaneità e che il teatro sa rendere urgente e necessario. Come ci ricorda spesso anche Papa Leone, il peso delle parole e la loro qualità etica sono fondamentali per la convivenza e per la pace civile: ed è proprio questa attenzione che riconosco in un lavoro come Otello, di precise parole si vive, che considero un contributo prezioso alla riflessione collettiva. Sono inoltre felice che lo spettacolo arricchisca il cartellone dell’Estate Teatrale Veronese, portando con sé un messaggio forte, positivo e necessario.»

Marta Ugolin Assessora alla Cultura del Comune di Verona, ha detto: «La presenza di Lella Costa e di Gabriele Vacis al Teatro Romano rappresenta un motivo di grande orgoglio per la nostra città e per il percorso culturale che stiamo costruendo attraverso l’Estate Teatrale Veronese. Il conferimento del Premio Simoni a una figura di tale rilievo artistico e civile conferma la qualità e la coerenza del nostro impegno nel sostenere il teatro di parola e le sue voci più autorevoli. Otello, di precise parole si vive si inserisce in questo quadro con una forza particolare, perché interroga il presente attraverso i classici e restituisce al pubblico la necessità di una riflessione condivisa. È uno spettacolo che non solo arricchisce il cartellone, ma rafforza l’identità stessa del nostro festival come luogo di pensiero, confronto e consapevolezza civile.»

«Abbiamo sentito l’urgenza di riportare in scena questo spettacolo, rivedendolo e aggiornandolo sia dal punto di vista del testo sia da quello dell’allestimento, perché purtroppo il tema resta attuale – ha dichiarato il regista Gabriele Vacis – Ci abbiamo messo mano, perché si tratta di un lavoro di vent’anni fa, e abbiamo riflettuto molto sul fatto che Otello uccide Desdemona per amore: ed è proprio qui che dobbiamo sentirci responsabili. Oggi dobbiamo rivedere questo concetto dell’uccidere “per troppo amore”, perché non si può più giustificare. Non possiamo continuare a giustificare il patriarcato. Quelle erano idee e parole del tempo di Shakespeare, ma oggi siamo chiamati a non giustificare più in alcun modo il fatto che si possa uccidere per amore. Lo ritroviamo anche in Eschilo e in molti altri autori che si accaniscono sulle donne, perché allora sembrava normale che fosse così. Ma oggi dobbiamo interrogarci sul rapporto tra uomo e donna e sulle prevaricazioni che ancora esistono. E dobbiamo smettere di giustificare l’idea che si possa uccidere per troppo amore.»

Sinossi spettacolo

Succede con i grandi classici, e soprattutto con l’immenso corpus shakespeariano: i loro testi non si limitano ad attraversare i secoli, ma sembrano precederli, parlando al nostro presente con una lucidità che toglie il fiato. Sono bussole necessarie, capaci di squarciare

il velo sulle ipocrisie quotidiane e sulle contraddizioni della società contemporanea. Da questa urgenza di confronto fiorisce la potente rilettura di Lella Costa e Gabriele Vacis a ventiquattro anni dalla loro prima, storica collaborazione sul testo. Lo spettacolo, in questa sua metamorfosi contemporanea, conserva la vibrazione narrativa dell’originale ma ne rivoluziona radicalmente linguaggio e prospettiva. La tragedia di Desdemona e Otello ci appare oggi drammaticamente specchiata nella cronaca. Al centro della scena ruggisce il tema del patriarcato, inteso non come concetto astratto, ma come struttura viscerale e tossica della cultura occidentale, ancora capace di avvelenare identità e relazioni. Lella Costa attraversa il dramma ponendo l’accento sul peso specifico del linguaggio: parole che manipolano, feriscono e deformano la realtà, ma che possono anche trasformarsi in strumenti di consapevolezza e liberazione. E un rito teatrale politico ed emotivo, una riflessione bruciante sulle gerarchie di potere e sulla responsabilità etica di ogni parola pronunciata. Un’esperienza necessaria per riscoprire un classico che ci parla, oggi più che mai, di noi e delle ombre che abitano il nostro linguaggio.

LELLA COSTA Attrice, autrice e scrittrice e una voce tra le più autorevoli del teatro italiano che fonde teatro civile e narrazione con uno stile fondato sull’intelligenza della parola e sull’ironia. Attenta ai temi sociali e politici, trasforma la scena in un vibrante rito di consapevolezza. Scrittrice di successo per Feltrinelli e Piemme e Solferino, e la protagonista assoluta di un teatro che sa interrogare il presente con grazia e coraggio.

GABRIELE VACIS Regista e autore di fama internazionale, e architetto di grandi eventi, Vacis fonde il cinema premiato al Festival di Annecy – Uno scampolo di paradiso – con il battito della compagnia PoEM. Un autore totale che trasforma lo spazio in poesia, narrando

il presente con un’intensità universale.

Prime, riletture, danza, musica e performance compongono un progetto unitario che non conserva i classici, ma li attiva nel presente, mettendo in relazione parola, corpo e spazio. L’Estate Teatrale Veronese 2026 si afferma così come un festival capace di coniugare tradizione e ricerca, radicamento territoriale e visione internazionale.

Il calendario completo del festival

PLANET SHAKESPEARE | PIANETA SHAKESPEARE

FESTIVAL SHAKESPEARIANO

PRIMA NAZIONALE

25-26 giugno | Teatro Romano

LOS DOS HIDALGOS DE VERONA | I DUE GENTILUOMINI DI VERONA

Di William Shakespeare, Regia Declan Donnellan, adattamento Declan Donnellan and Nick Ormerod (SPAGNA – REGNO UNITO)

PRIMA NAZIONALE

09-10 luglio | Teatro Romano

TITO ANDRONICO | Why don’t you stop the show?

Di Davide Sacco

Dal Tito Andronico di William Shakespeare – Regia Davide Sacco, con Francesco Montanari

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

01 settembre | Teatro Romano

ROMEO E GIULIETTA IN THE WAR

Da William Shakespeare – Di e con Stefano Massini con l’Orchestra Multietnica di Arezzo

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

03 settembre | Teatro Romano

REX DESTRUENS, RE LEAR

Da Re Lear di William Shakespeare – Di e con Massimo Cacciari, regia Leonardo Tosini

10-11 settembre | Teatro Romano

AMLETO²

Da Amleto di William Shakespeare – di e con Filippo Timi

03 luglio | Teatro Romano

OTELLO, DI PRECISE PAROLE SI VIVE

Da Otello di William Shakespeare – Regia Gabriele Vacis, con Lella Costa

PRIMA NAZIONALE

06-16 luglio | Piazza Bra

CARTA CARBONE

Da testi di William Shakespeare – Roberto Latini, Gianluca Misiti

PRIMA NAZIONALE

5-6 settembre | Teatro Camploy

OPHELIA

Da Amleto di William Shakespeare – Di Luca Giacomoni (FRANCIA) con Giulia Quacqueri

PRIMA NAZIONALE

16 – 19 luglio | Museo Cavalcaselle – Tomba di Giulietta

MIDSUMMER. Sogno di un gioco di mezza estate

Da Sogno di una notte di mezza estate di William Shakespeare (parti in inglese)

Riscrittura originale di Andrea de Manincor, regia Solimano Pontarollo

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

12 settembre | Teatro Camploy

BRAIN STORM Tempesta in testa

Frank Heuel, Marta Dalla Via

GALAXIES | GALASSIE

GRANDE SOIRÉE | EVENTO SPECIALE

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

28 giugno | Teatro Romano

PADRE CICOGNA

racconto sinfonico per quattro voci voce recitante e orchestra

testo da Eduardo De Filippo di Nicola Piovani, voce narrante Toni Servillo composizione musica e direzione Nicola Piovani, voci Sara Di Fusco, Pino Ingrosso, Tony NezicSusy Sebastiano, Orchestra Giovanile Luigi Cherubini

03 luglio | Teatro Romano

OTELLO, DI PRECISE PAROLE SI VIVE

Da Otello di William Shakespeare – Regia Gabriele Vacis con Lella Costa

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

01 settembre | Teatro Romano

ROMEO E GIULIETTA IN THE WAR

Da William Shakespeare – Di e con Stefano Massini con l’Orchestra Multietnica di Arezzo

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

03 settembre | Teatro Romano

REX DESTRUENS, RE LEAR

Da Re Lear di William Shakespeare – Di e con Massimo Cacciari, regia Leonardo Tosini

POLARIS | POLARIS

CLASSICI

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

28 giugno | Teatro Romano

PADRE CICOGNA

racconto sinfonico per quattro voci voce recitante e orchestra

testo da Eduardo De Filippo di Nicola Piovani, voce narrante Toni Servillo, composizione musica e direzione Nicola Piovani, voci Sara Di Fusco, Pino Ingrosso, Tony NezicSusy Sebastiano, Orchestra Giovanile Luigi Cherubini

17-18 settembre | Teatro Romano

ALCESTI

Di Euripide – Regia Filippo Dini, musiche Paolo Fresu

PRIMA NAZIONALE

26 e 28 giugno | Parco Santa Toscana

UNA DONNA. EDIPO. LA GUERRA

Regia Silvia Masotti e Camilla Zorzi con un gruppo dai 21 ai 35 anni

PRIMA NAZIONALE

29 giugno – 2 luglio | Teatro Scientifico

ECUBA. LA GUERRA SULLE MADRI

Di e con Isabella Caserta, musiche Valerio Mauro

BODIES IN REVOLUTION | CORPI IN RIVOLUZIONE

DANZA CONTEMPORANEA INTERNAZIONALE

14-15 luglio | Teatro Romano

DIPTYCH

Peeping Tom (BELGIO)

presentato in collaborazione fra L’Estate Veronese e Bolzano Danza (17 luglio a Bolzano)

20-21 luglio | Teatro Romano

THE INFINITE APPROACH

Yoann Bourgeois Art Company (FRANCIA)

27 luglio-08 agosto | Teatro Romano

BOTANICA – Season 2

Momix (USA)

STELLAR FREQUENCIES | FREQUENZE STELLARI

CONTAMINAZIONI MUSICALI

27 giugno | Teatro Romano

P.A.F. TRIO | Paolo Fresu, Antonello Salis, Furio Di Castri

29 giugno | Teatro Romano

WHITE LIES (REGNO UNITO)

04 luglio | Teatro Romano

NICCOLO’ FABI in concerto

05 luglio | Teatro Romano

35 Anos Tour | DULCE PONTES (PORTOGALLO)

06 luglio | Teatro Romano

Kairos Tour | SIMONA MOLINARI special guest Raphael Gualazzi

16 luglio | Teatro Romano

JOHNNY MARR (The Smiths) (REGNO UNITO)

25 luglio | Teatro Romano

DANIELE SILVESTRI in Concerto

29 agosto | Teatro Romano

Joanita | JOAN THIELE

05 settembre | Teatro Romano

From The Rooftop – Live 2026 | COEZ

13 settembre | Teatro Romano

QUINTETO ASTOR PIAZZOLLA (ARGENTINA)

CONSTELLATIONS | COSTELLAZIONI

06-16 luglio | Piazza Bra

LITTLE FUN PALACE / VERONA

Di Filippo Andreatta

PRIMA NAZIONALE

07-12 luglio | Piazza Bra

THE WALKS / VERONA

Di Rimini Protokoll (GERMANIA)

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

06 luglio | Piazza Bra

OVERTOURISM

Idea e progetto: Babilonia Teatri

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

13 luglio | Piazza Bra

ATTRAVERSAMENTI

Di e con Chiara Frigo e Silvia Gribaudi

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

06-16 luglio | Piazza Bra

CARTA CARBONE

Da testi di William Shakespeare – Progetto di Roberto Latini e Gianluca Misiti

7. NUOVE ORBITE

GIOVANI AGITATORI DI LANCE CRESCONO

PRIMA NAZIONALE

5 e 6 settembre | Teatro Camploy

OPHELIA

Da Amleto di William Shakespeare – Di Luca Giacomoni con Giulia Quacqueri

7 settembre | Teatro Camploy

HIJOS DE BUDDHA

Di e con Nicolò Sordo

PRIMA NAZIONALE – Creazione per Etv

12 settembre | Teatro Camploy

BRAIN STORM Tempesta in testa

Di Frank Heuel (GERMANIA), Marta Dalla Via

13 settembre | Teatro Camploy

INFINITA BELLEZZA |

regia e drammaturgia Claudia Manuelli | PREMIO SCENARIO 2025

14 settembre | Teatro Camploy

L’ISOLA DEI CICCIONI FELICI

Di e con Andrea Mattei | PREMIO SCENARIO PERIFERIE 2025

15 settembre | Teatro Camploy

DAD OR ALIVE

Di BumBumFritz, Con Giovanni Frison, Michele Tonicello | PREMIO SCENARIO (DISPOSITIVI STEFANO CIPICIANI) 2025

13-16 settembre | Teatro Camploy

DIGITAL ODYSSEY

Opere video MASBEDO, Theo Eshetu, Vinca Petersen, Elisa Giardina Papa, FLxER

Drammaturgia audio Roberto Latini, Gianluca Misiti

L’Estate Teatrale Veronese è promossa dal Comune di Verona in collaborazione con Arteven, Circuito Multidisciplinare Regionale, con il sostegno del Ministero della Cultura e della Regione Veneto, e con Banco BPM, Magis e Pasqua Vini. Affiancano il Festival in questa 78ª edizione il Gruppo Vicenzi e l’Hotel Touring. Il racconto della stagione è affidato alla rete di media partner Radio Rai 3, L’Arena, TeleArena, Radio Verona e AGTW.

INFORMAZIONI. Programma completo sul sito www.estateteatraleveronese.it, sulla pagina FacebookEstate Teatrale Veronese-Comune di Verona, sul profilo Instagram estateteatraleveronese e sul canale YouTube Estate Teatrale Veronese.

BIGLIETTI DISPONIBILI

DA BOX OFFICE VERONA – via Pallone 16 – tel. 045 80 11 154 e

Fino al 24 giugno promozione speciale EARLY BIRD.

Mythos Troina Festival 2026 dal 3 luglio
2026-07-03 21:00 - 2026-08-08 21:00 | Troina, Troina, ITA, 94018, Italy
Mythos Troina Festival 2026: da Leo Gullotta a Lunetta Savino, da Federica De Benedittis a Ester Pantano, il mito incontra il presente tra guerra, memoria e nuove drammaturgie – dal 3 luglio all’8 agosto 2026

Dieci prime nazionali per il Festival diretto da Luigi Tabita, riconosciuto dal Ministero della Cultura con il patrocinio dell’INDA.

Saranno le grandi figure femminili del mito, attraversate da temi contemporanei come guerra, memoria, identità e resistenza, il filo conduttore del Mythos Troina Festival 2026, la rassegna teatrale diretta da Luigi Tabita riconosciuta dal Ministero della Cultura e patrocinata dall’INDA – Istituto Nazionale del Dramma Antico, che animerà l’estate culturale di Troina con dieci prime nazionali, grandi interpreti e nuove drammaturgie.

Ad aprire il festival, il 3 luglio all’Anfiteatro della Radura, sarà la prima nazionale di “Chi ha paura del Minotauro? Voci di donne in tempo di guerra”, progetto, testo e regia di Marco Carniti tratto da “Guardando le donne, guardando la guerra” di Victòria Amelina. Protagonista Ester Pantano, volto amatissimo dal grande pubblico per il ruolo nella serie di Rai 1 “Makari”, affiancata da Antonella Civale, Selene Gandini, Ginevra Di Marco e Gaia Bevilacqua. Lo spettacolo affronta il tema della guerra attraverso le testimonianze di donne ucraine, trasformando il mito del Minotauro in una potente metafora contemporanea.

Il 10 luglio spazio a “Elena” di Euripide, con la regia di Nicasio Anzelmo e un cast composto, tra gli altri, da Anna Teresa Rossini e Silvia Siravo. Una tragedia “anomala” che ribalta il mito tradizionale di Elena di Troia, trasformandola in una figura fedele e tragica sospesa tra verità e illusione.

Il 17 luglio debutta in prima nazionale “Si prova Antigone”, elaborazione drammaturgica e regia di Mauro Avogadro, produzione INDA, ambientata nella Parigi occupata dai nazisti. Lo spettacolo mette in dialogo il classico di Sofocle con le inquietudini del presente attraverso il lavoro degli allievi dell’Accademia d’Arte del Dramma Antico.

Tra gli appuntamenti più attesi anche la prima nazionale de “Il canto di Penelope” di Margaret Atwood, diretto da Marcello Cutugno e interpretato da Lunetta Savino, in scena il 24 luglio. Una rilettura contemporanea e femminista della figura di Penelope, non più simbolo passivo dell’attesa ma donna capace di esercitare un potere silenzioso e strategico.

La sezione “Assoli” ospiterà poi tre nuove produzioni in prima nazionale alla Torre Capitania firmate da tre registe donne. Il 28 e 29 luglio andrà in scena “Andromaca – il candore del cigno” di Gianni Guardigli, con Daniela Giovannetti e la regia di Valeria Almerighi, spettacolo che attraversa i temi della guerra, della perdita e della resistenza femminile, intrecciando mito e drammatica attualità.

Il 30 e 31 luglio sarà invece la volta di “Polissena dimenticata”, scritto e diretto da Aurora Miriam Scala, con protagonista Federica De Benedittis, volto storico de “Il Paradiso delle Signore” e interprete di numerose fiction Rai e Mediaset. Lo spettacolo riporta al centro una figura femminile marginale del mito greco, trasformandola in simbolo di tutte le donne cancellate dalla memoria collettiva.

L’1 e 2 agosto il festival proseguirà con “Sing Orpheus Sing”, scritto e diretto da Noemi Francesca e interpretato da Dario Guidi, una rilettura visionaria e contemporanea del mito di Orfeo che immagina il celebre cantore come ultimo superstite in un mondo post-apocalittico. Uno spettacolo sospeso tra musica, poesia e memoria.

Il festival si concluderà con la sezione “OltreMythos”, che porterà in scena, in suggestive location del borgo normanno, altre due prime nazionali: “La congiura dei Nessuno” con Sergio Beercock e Giovanni Alfieri, il 6 agosto e, come grande evento finale della rassegna, “Τειρεσίας Tiresia Teiresías”, l’8 agosto, interpretato da uno dei più grandi maestri del teatro e del cinema italiano, Leo Gullotta, con la regia di Fabio Grossi.

Mythos è anche formazione con “Mythoslab”, due laboratori gratuiti per attrici e attori professionisti. I due registi che dirigeranno i laboratori per due settimane sul tema del potere e della giustizia saranno Davide Sacco e Jared McNeill, artisti visionari tra i più interessanti e stimati della nuova generazione.

Per tutta la durata del festival Troina ospiterà mostre, performance itineranti ed eventi collaterali che coinvolgeranno alcuni dei luoghi più suggestivi di Troina, trasformando la città in un grande palcoscenico diffuso dedicato al mito e ai linguaggi contemporanei.
