I Ricchi e Poveri in concerto a Fondi
2026-08-31 21:00 - 23:00 (Europe/Rome) | Anfiteatro Fondi, Piazza De Gasperi, Fondi, ITA, 04022, Italy
I Ricchi e Poveri il 31 agosto saranno in concerto, con ingresso gratuito, a Fondi, Anfiteatro Piazza De Gasperi, organizzato dal Comune di Fondi, nell’ambito di Street Music Contest Festival, in collaborazione con Tolfarte, ATCL, Ventidieci, progetto finanziato da Regione Lazio e Visit Lazio.

Il concerto di Fondi rientra nel tour internazionale dei Ricchi e Poveri, che ha portato il gruppo in diversi Paesi europei, tra cui Germania, Repubblica Ceca, Austria e Slovacchia , confermando la capacità della storica formazione di conquistare il pubblico anche oltre i confini nazionali. Lo show ripercorrerà oltre 50 anni di carriera del gruppo sino ai più recenti “Ma non tutta la vita” (Doppio Disco di Platino) e “Aria”. Uno spettacolo travolgente e colorato in cui la storia si intreccia alla contemporaneità attraverso un repertorio di grandi successi, tra i quali: La prima cosa bella, Che sarà, Mamma Maria,Voulez vous danser, Se m’innamoro e Sarà perché ti amo, diventata tra l’altro la colonna sonora di tante manifestazioni e società sportive nazionali e internazionali, un inno che ha collezionato oltre 320.000.000 di streaming e che nel solo 2024 è doppio Disco di Platino in Germania e Quadruplo Platino in Svizzera con oltre 250 milioni di ascolti.

I Ricchi e Poveri festeggiano lo straordinario successo scandito da tormentoni, dalla hit natalizia “Il Natale degli angeli” per la quale diventano cartoon, numeri da record sui social, imitazioni di una gestualità ormai iconica, il recente sold out a maggio del tour internazionale in Australia (Sidney – The State Theatre, Melbourne – Palais Theatre, Adelaide – Her Majesty’s Theatre) con un spettacolo eccezionale e con il desiderio di condividere con il pubblico speciali serate in cui ciascuno sarà protagonista. Angelo e Angela sono accompagnati da Antonio Rugiero alle chitarre, Roberto Chiappetta al basso, Alfredo Biondo alle tastiere e Gianpaolo Noce alla batteria. I Ricchi e Poveri, con 22 milioni di dischi venduti e 30 album realizzati, sono il gruppo italiano più famoso nel mondo oltre ad essere diventati un fenomeno cult che ha travolto tutti: “Ma non tutta la vita” è entrata in Top 10 Italia su Spotify, Amazon Music e iTunes, confermandosi tra i brani più ascoltati in Italia su tutte le principali piattaforme digitali, totalizzando oltre 50 milioni di ascolti nel solo territorio italiano, superando a più riprese la soglia di 8 milioni di ascoltatori mensili su Spotify. Il videoclip del brano sanremese ha superato i 36 milioni di views, è entrato in Top 10 tra i video più guardati su YouTube nella sezione Musica ed è il secondo videoclip musicale più guardato del primo semestre dell’anno su VEVO Italia. Su TikTok il brano è diventato virale sino ad essere la seconda canzone più utilizzata in Italia per oltre due settimane con più di 400 mila creazioni e 720 milioni di views complessive. I Ricchi e Poveri hanno celebrato il meraviglioso successo della hit “Ma non tutta la vita” (DM Produzioni su licenza Carosello Records) con una versione inedita in lingua spagnola del brano: “Pero no toda la vida”, uscita lo scorso 12 luglio e presentata per la prima volta a Madrid durante le celebrazioni del Pride di Madrid.

Il tour dei Ricchi e Poveri è prodotto da DM Produzioni.

IF/INVASIONI (dal) FUTURO - 13° edizione
2026-08-31 21:00 - 2026-09-06 21:00 | Teatro India, Lungotevere Vittorio Gassman, Roma, Italia
Dal 31 agosto al 6 settembre 2026 torna al Teatro India IF/INVASIONI (dal) FUTURO. Tredicesima edizione del progetto multidisciplinare che lacasadargilla dedica alle scritture e ai temi della fantascienza.

IF/INVASIONI (dal) FUTURO_LEGACY*2026 si configura come un anno-crocevia dove progetti biennali e nuove pratiche sceniche e laboratoriali si alternano a una progettualità più estesa che guarda a un orizzonte narrativo di cinque anni. Ed è proprio grazie a questo esperimento espanso nel tempo che IF_LEGACY*2026 si presenta come l’anno zero di un’architettura drammaturgica che approda alla realizzazione dell’intero ciclo narrativo dei sei volumi di DUNE di Frank Herbert. Al centro delle scritture di quest’anno è dunque la forma della Saga, modello di narrazione ibrida che dialoga con le nozioni di tempo profondo e di allenamento all’attesa e all’attenzione per rigenerare immaginari, pratiche e desideri. Il 2026 è dedicato ai primi due volumi del ciclo di Herbert: DUNE e MESSIA di DUNE presentati al pubblico in forma di teatro musicale e multimediale. I due testi sono in qualche modo il fondamento e la matrice dell’opera, qui si introducono i temi della limitazione delle risorse (l’acqua), delle grandi strategie geopolitiche, del potere e delle sue insidie, del mistero della prescienza, del controllo della mente e dello sfruttamento della più ricca e rara materia prima del pianeta Arrakis, la spezia. Una tela di ragno composta da società, pianeti, famiglie e culture tenuta assieme da un’orditura di piani e strategie di sopravvivenza.DUNE e MESSIA di DUNE sono un preludio all’intera saga e introducono all’organismo complesso e stratificato della scrittura di Herbert fatta di soliloqui, dialoghi-psichici, cronache, diari e archivi scomparsi. Un vero e proprio ipertesto che si serve di tutte quelle forme cui la scrittura può aspirare per rieducarci ad abitare un mondo.

Filo rosso di questo attraversamento letterario è il dialogo con il nostro presente: lo stato di crisi climatica, ambientale e geopolitica come minaccia liquida che richiede un orizzonte immaginifico e la costruzione di identità allargate.

Il tema narrativo di questa edizione si inserisce nella programmazione pluridisciplinare di IF_LEGACY*2026 che abita anche quest’anno il Teatro India in tutti i suoi spazi interni ed esterni con un ricco programma che, nel corso della prima settimana di settembre, alterna dal pomeriggio e fino a sera: spettacoli multimediali e melologhi sci-fi, performance non frontali, workshop e laboratori di alta formazione con formati inediti e innovativi, istallazioni immersive multimediali site specific, una conferenza tra letteratura e filosofia e un ricco palinsesto radiofonico quotidiano.

IF_LEGACY*2026 si inaugura lunedì 31 agosto con la messa in onda della prima puntata di RADIO IF_LEGACY – dal vivo e disponibile on demand su spreaker – un appuntamento ormai stabile del festival che presenta anche quest’anno un ricco palinsesto con rubriche quotidiane e ospiti d’eccezione per riflettere sui temi messi in campo dagli eventi spettacolari di quest’anno; a cura di Silvio Impegnoso e dell’ensemble di IF_LEGACY*2026.

Il 2 settembre ha inizio il ciclo di serate aperte al pubblico, con la performance CAPTCHA un progetto di Roberto Scarpetti, Alice Palazzi e Giacomo Albites Coen. Esperimento spettacolare che gioca con il test di Alan Turing, chiamato The Imitation Game perché postula che una macchina è intelligente se riesce a formulare risposte indistinguibili da quelle di un essere umano. Il pubblico viene chiamato a formulare 30 domande a due interpreti in scena. Chi replica con le risposte date da esseri umani, chi con quelle fornite dall’AI. Saranno in grado le spettatrici e gli spettatori di distinguere l’intelligenza umana da quella artificiale?

Prima della performance, nello spazio esterno del Teatro India, un evento musicale esplosivo: ELECTRIC STATE, esperimento sonoro ideato da Anna Mallamaci (voce e testi) e Fortunato Leccese (musiche). Un tempo di ascolto collettivo. Dodici minuti di canti della fine del mondo. Quando il cielo inizia a collassare sotto una pioggia di scintille, nessuno cerca rifugio, nessuno fugge. Un ritmo elettrico attraversa il pianeta, l’ultimo impulso di un corpo morente. Il ritmo si sostituisce alla paura fino a quando la luce divora il suono. È così che finisce un pianeta. E molti altri, a seguire. Quel momento si chiama ELECTRIC STATE.

Dal 3 al 5 settembre l’universo molteplice e stratificato di DUNE si diffonde per tutti gli spazi il Teatro India.

Torna IF_ART focus dedicato alle arti visive che quest’anno ospita MI CAPITA DI PENSARTI dell’artista Martina Biolo. Le opere in lattice dalla natura di calchi di oggetti preesistenti sono allestite nel foyer del Teatro in piccoli fuochi narrativi, mentre una foresta in via d’estinzione sconfina nello spazio scenico di DUNE e MESSIA di DUNE. Oggetti ostinati, tracce mnemoniche, elementi naturali calcificati, scarti del nostro presente. Una natura residuale che dialoga con il mondo deserto costruito da DUNE e con il possibile destino del nostro pianeta. MI CAPITA DI PENSARTI è il riallestimento delle opere realizzate per Beautiful Creatures. Terre di lupi, di lantanidi e ginestre, un progetto site specific de lacasadargilla, per gentile concessione del Teatro Metastasio di Prato.

Sempre il 3 settembre, l’oramai tradizionale appuntamento con la conferenza filosofico/scientifica a cura di Dario Gentili: EFFETTO CORIOLIS. DI SPEZIE, DI ACQUA E DI ALTRE RISORSE IN ESAURIMENTO. Dario Gentili e Felice Cimatti dialogano a partire da alcuni dei temi suscitati dalla lettura dei romanzi di Frank Herbert.

A dare il dare il via agli spettacoli multidimensionali l’istallazione visiva e sonora THE GOLDEN PATH prima puntata di un’opera in divenire che si strutturerà lungo i 5 anni dedicati alla saga. Al calar della sera la parete industriale del teatro India muta pelle in visioni e paesaggi sonori di un universo abitato da tempeste di sabbia, vermi giganti e minuscoli topi del deserto, popoli e sorellanze che coltivano il dono della prescienza. Si ricordò di aver visto un fazzoletto di garza gonfiato dal vento, e percepiva il futuro così, il contorcersi di una superficie gonfia e flessibile come quella del fazzoletto. THE GOLDEN PATH è un’opera di Alessandro Ferroni e Maddalena Parise.

Dal 3 al 5 settembre in prima nazionale si apre il ciclo degli spettacoli DUNE PARTE I, DUNE PARTE II, MESSIA di DUNE. Un progetto teatrale immersivo e multidimensionale che combina narrazione dal vivo, elementi di un paesaggio calcificato, immagini digitali e paesaggi sonori: proiezioni di colori, trame in filigrana, piccoli movimenti vitali, frammenti di architetture si mescolano agli elementi materici di una foresta in lattice sospesa sulla scena, mentre luci roventi e ghiacciate dialogano con una ricca e sofisticata costellazione di costumi. E tutt’intorno, un paesaggio musicale tripartito, composto di canti di matrice elisabettiana, melodie elettroniche e suoni materici con strumentazione dal vivo, disegnando un universo sonoro che struttura la narrazione seguendone gli assi narrativi.

DUNE PARTE I, DUNE PARTE II, MESSIA di DUNE sono un progetto de lacasadargilla regia Lisa Ferlazzo Natoli e Alessandro Ferroni adattamenti Roberto Scarpetti drammaturgia musicale a cura di Gianluca Ruggeri, Veronica Aracri, Alessandro Ferroni, Ivano Guagnelli, ambienti visivi Maddalena Parise costumi Federica Terracina opere di Martina Biolo drammaturgia delle luci Omar Scala disegno sonoro Pasquale Citera e con Veronica Aracri al canto, Alessandro Ferroni agli Electronic Devices, Ivano Guagnellial piano, Gianluca Ruggeri alle percussioni.

DUNE PARTE I – 3 settembre. Nel deserto spietato di Arrakis, il pianeta più inospitale dell’Impero, si gioca una partita mortale per il potere. A causa degli intrighi fra le diverse forze geopolitiche che regolano l’impero, la Gilda Spaziale, la Sorellanza Bene Gesserit, le corporazioni della CHOAM, e gli equilibri precari del Landsraad, la Casa Atreides viene spazzata via lasciando un solo erede: Paul, un ragazzo destinato a riscrivere il destino di mondi interi. Nel corso di questa prima serata Arrakis si rivela un pianeta che custodisce molto più della sabbia, degli immensi vermi o delle Tempeste di Coriolis: è fonte della spezia, la sostanza più preziosa dell’universo, chiave della prescienza e della sopravvivenza stessa.

DUNE PARTE I è con Giacomo Albites Coen, Alessandro Averone, Marco Cavalcoli, Bianca Cavallotti, Tania Garribba, Silvio Impegnoso, Fortunato Leccese, Anna Mallamaci, Emiliano Masala, Flavio Murialdi, Alice Palazzi, Giulio Petushi, Stefano Scialanga.

DUNE PARTE II – 4 settembre. Prosegue la narrazione nel cuore del deserto di Arrakis dove, tra visioni profetiche e leggende, la mancanza d’acqua orienta strategie di sopravvivenza e nicchie ecologiche. Paul si rifugia con la madre Jessica tra i Fremen, il popolo della sabbia, scoprendo i segreti di una terra viva e letale, dominata dal ciclo della spezia. Paul, diventa l’incarnazione di una speranza millenaria, mentre fanatismo e guerra si intrecciano in una danza tragica in un mondo dove il futuro è un miraggio tra le dune e ogni passo è una sfida al tempo presente.

DUNE PARTE II è con Giacomo Albites Coen, Bianca Cavallotti, Marco Cavalcoli, Cecilia Fabris, Silvio Impegnoso, Anna Mallamaci, Emiliano Masala, Alice Palazzi, Giulio Petushi, Stefano Scialanga

MESSIA di DUNE – 5 settembre. Dodici anni dopo aver conquistato l’Impero, Paul regna su un universo insanguinato dal jihad scatenato in suo nome. Arrakis è teatro di complotti: la Gilda Spaziale, le Bene Gesserit, la CHOAM e il Landsraad cospirano per abbatterlo. MESSIA di DUNE è il ritratto vertiginoso di un sovrano che si sgretola sotto il peso della sua stessa leggenda. In un universo che venera e tradisce con la stessa intensità, Paul dovrà affrontare la domanda più antica: quanto vale un uomo se il suo sogno ha trasformato l’universo in una prigione?

MESSIA di DUNE è con Giacomo Albites Coen, Bianca Cavallotti, Cecilia Fabris, Tania Garribba, Nico Guerzoni, Fortunato Leccese, Anna Mallamaci, Paolo Minnielli, Alice Palazzi, Giulio Petushi, Edoardo Sabato

IF_LEGACY*2026 chiude il 6 settembre con due eventi speciali: CHILD OF THREE. DESERT SUITE, performance musicale a cura diRodolfo Rossi/Ars Ludi che guida bambine e bambini alla realizzazione di una partitura di suoni e rumori con materiali naturali, scoperti a partire dal libro Il signor G di Gustavo Roldan e GUIDA IL TUO CARRO SULLE OSSA DEI MORTI melologo di e conFederica Rosellini dal romanzo di Olga Tokarczuk. In un villaggio ai margini del bosco, al confine con la Repubblica Ceca, alcuni cacciatori iniziano a morire in circostanze misteriose. A guidarci in questo racconto-paesaggio è Janina Duszejko, eccentrica insegnante in pensione, appassionata di William Blake, che preferisce la compagnia degli animali a quella degli uomini e legge il mondo attraverso gli astri. Dal capolavoro della Premio Nobel per la Letteratura Olga Tokarczuk, una partitura per voce e musica elettronica in cui il mistero si trasforma in un esercizio di ascolto e di disobbedienza.

IF_LEGACY*2026 ospita infine una ricca programmazione di workshop e laboratori di alta formazione curati da quattro professioniste e professionisti d’eccellenza – Marco D’Agostin, Federica Rosellini, Rodolfo Rossi/Ars Ludi, Roberto Scarpetti. Questi atelier di studio e ricerca punteggiano tutto l’arco della programmazione inaugurando formati innovativi di aperture al pubblico e studio di nuove pratiche e drammaturgie.

Dal 31 agosto e fino al 2 settembre: PICCOLA BOTTEGA_2526, seconda annualità del workshop di scrittura per giovani autori e autrici a cura di Roberto Scarpetti con la collaborazione di Fabulamundi Playwriting Europe. Il 31 agosto e il 1° settembre PICCOLA BOTTEGA_2526_COLLAUDO apre al pubblico con la presentazione in forma di lettura dei testi elaborati durante il laboratorio biennale messi in voce dall’ensemble di attrici e attori di IF_LEGACY*2026.

Dal 31 agosto al 4 settembre: COSTELLAZIONI ERETICHE, workshop di scrittura scenica di Federica Rosellini che a partire da Guida il tuo carro sulle ossa dei morti di Olga Tokarczuk e da Orso di Marian Engel, esplora il desiderio, la giustizia e le forme con cui la letteratura può mettere in crisi le gerarchie imposte al vivente, interrogando il genere come spazio di disorientamento e di immaginazione radicale.

Dal 2 al 5 settembre: ORBITAL, workshop intensivo di Marco D’Agostin intorno al libro di Samantha Harvey. Sulla scorta di alcuni nuclei tematici o invenzioni linguistiche del romanzo, D’Agostin invita un gruppo di attrici e attori, performer e mover a indagare principi e dispositivi teatrali che accettino la sfida di mettere in scena pensieri e azioni inimmaginabili dalla Terra. ORBITAL inaugura un modello di aperture dal formato inclusivo e innovativo: ogni giorno negli ultimi 60 minuti di workshop ORBITAL_OPEN invita il pubblico di IF_LEGACY*2026 a osservare il lavoro in sala.

Dal 3 al 6 settembre: seconda annualità di CHILD OF THREE workshop per l’infanzia condotto da Rodolfo Rossi/Ars Ludi. CHILD OF THREE. DESERT SUITE sperimenta una riflessione ludica e ambientale sugli ecosistemi ispirata a John Cage e alle sue composizioni musicali per strumenti di materia vegetale. Quest’anno l’approfondimento sarà a partire dal libro Il signor G di Gustavo Roldan. Domenica 6 settembre è prevista una performance musicale come esito finale del workshop.

Ogni giorno nella biblioteca DESERT BOOKS sono consultabili edizioni introvabili della sci-fi classica e contemporanea e della speculative fiction più avanzata.

Arena 11, torna a Roma la rassegna cinematografica che celebra la comunità di Viale Marconi e la città
2026-08-31 21:00 - 2026-09-06 21:00 | Parco Tevere Marconi, Lungotevere di Pietra Papa, Roma, ITA, 00146, Italy
Arena 11 – Cinema e Comunità è una rassegna di cinema transculturale curata da Cultural Pro ETS, che si svolgerà dal 31 agosto al 6 settembre presso il Parco Tevere nel Municipio XI di Roma. L’evento ad ingresso gratuito propone la visione di film italiani e internazionali, che raccontano il territorio e la sua comunità attraverso voci e sguardi che svelano la continuità storica, sociale e culturale del nostro quartiere con altri contesti. 150 posti a sedere senza obbligo di prenotazione a disposizione del pubblico, con punto ristoro e vista sul fiume. “Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura è vincitore dell’Avviso Pubblico Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno in collaborazione con Zètema Progetto Cultura”.

Per la seconda edizione della manifestazione è prevista una selezione di film d’autore italiani e internazionali, dove al centro c’è la comunità di Viale Marconi e della città, raccontata attraverso storie che valorizzano il suo carattere interculturale. La rassegna di quest’anno esplora l’alienazione, intesa come il distacco che si crea tra le persone a causa delle disuguaglianze sociali e di genere. La città e il quartiere dove abitiamo dovrebbero farci sentire a casa, ma spesso abbiamo paura e ci isoliamo perché siamo soggetti a narrazioni che vogliono farci sentire innatamente diversi e divisi. La selezione si prepone di riscoprire il quartiere tramite uno sguardo cinematografico, per metterne in risalto la poetica delle sue molteplici relazioni. I film parlano di come sia necessario sostenersi l’un l’altro per creare un mondo più ospitale e solidale al fine di mettere freno all’avidità, allo sfruttamento e alla violenza che condizionano la nostra vita quotidiana. L’evento è pensato come un luogo d’incontro e socialità per passare del tempo insieme in compagnia dei film.

Lunedi 31 agosto20:30 Presentazione della rassegna e talk sul film della serata con Sofia Dati, Nensi Bego, e Fabio Bego.21:00 Proiezione del film La commare secca, di Bernardo Bertolucci, Italia, 1962.Opera prima di Bernardo Bertolucci, il film è ambientato sulle rive del Tevere con molte scene girate tra Parco Schuster e Ponte Marconi. Il soggetto è stato scritto da Pier Paolo Pasolini e racconta la storia del misterioso omicidio di una donna e delle vicende che si intrecciano intorno a questo evento. Lo sguardo cinematografico e la colonna sonora di Piero Piccioni ritraggono le rive del fiume come residuo di una vita rupestre dove si va a cercare qualcosa come una “natura” per sfuggire al controllo e alla conformità della città, concedendosi attimi di svago e di libertà. L’area del Tevere appare come una terra di confine attraversata da personaggi connessi nella loro disconnessione e che malapena si notano. Il titolo cinico indica l’assenza di empatia e la rassegnazione al fatto che certe categorie di persone, come le donne emarginate, siano destinate a soccombere nella dura lotta per la sopravvivenza tra gli scarti del progresso.Martedì 1° settembre21:00 Proiezione del film Adam, di Maryam Touzani, Marocco, 2019.Samia, una ragazza incinta, sola e emarginata, cerca lavoro come domestica nelle case dei quartieri popolari di Casablanca. I pregiudizi pesano sulle coscienze delle persone rendendole diffidenti e indifferenti. Ma per fortuna non sono tutte uguali. Samia viene accolta da Abla, una panettiera che vive con la figlia. Tra di loro si crea un forte legame affettivo che piega le norme sociali. Questa storia ci ricorda che una “famiglia” o una comunità non è necessariamente determinata da vincoli di “sangue” o rituali che spesso servono per riprodurre gerarchie patriarcali, ma è soprattutto un rapporto di sostegno reciproco che arriva nei momenti di bisogno. Il film rappresenta l’ospitalità come un atto di rivolta contro una società che fa dell’egoismo virtù chiudendosi all’interno delle proprie mura domestiche e mentali.

Mercoledì 2 settembre20:30 Presentazione del film Fiume o morte! con il direttore della fotografia Gregor Božič21:00 Proiezione del film Fiume o morte! di Igor Bezinović, Croazia, Italia, Slovenia, 2025.Il film racconta l’occupazione di Fiume nel 1919 da parte di Gabriele D’Annunzio e dei reparti militari da lui capeggiati. Attraverso l’utilizzo di materiale d’archivio e ricreando scene storiche con attori amatoriali, l’opera questiona il modo in cui gli eventi di Fiume sono stati maleati dalla memoria collettiva in entrambi i lati dell’Adriatico sottolineando il diretto rapporto tra passato e presente. Il film ritrae i miti di forza e mascolinità dell’estetica proto-fascista enfatizzando la lore ambigua e tragica teatralità. La storia dell’occupazione di Fiume ci mostra che il colonialismo non è necessariamente la conquista di paesi “lontani”, ma qualsiasi tentativo di sottomettere un territorio e una popolazione a un progetto di sfruttamento tramite un’ideologia di stampo imperiale, nazionalista e razzista. Dietro a quello che sembra un esperimento giocoso, la trama ci fa capire che la poetica della violenza e della guerra che ispirò l’”impresa” fiumana, sono ancora parte del nostro bagaglio politico e culturale.Giovedì 3 settembre21:00 Proiezione del film R.M.N. (Animali selvatici), di Cristian Mungiu, Romania, 2022.Ambientato in Transilvania, una regione cosiddetta “multi-etnica” della Romania, il film di Cristian Mungiu affronta uno dei problemi più vecchi dell’Europa contemporanea: Il razzismo. Matthias, un operaio romeno di “etnia” tedesca immigrato in Germania dove subisce il razzismo dei tedeschi per così dire “autoctoni”, torna nel suo villaggio in Transilvania. Mentre molti hanno lasciato il paese per andare in luoghi dove gli stipendi sono più alti, la popolazione rimasta si sente minacciata dal fatto che un’impresa locale assume degli operai cingalesi. Ispirato da una storia vera, il piccolo villaggio è una metafora di tutto il continente sul quale soffia un vento di xenofobia che rischia di portarci nuovamente, come è già successo due volte in passato, in una guerra civile europea. Il film ci ricorda che il razzismo non è necessariamente il frutto di “teorie scientifiche”, ma è soprattutto radicato nel culto e nel concetto dell’identità nazionale intesa come un’entità geneticamente e culturalmente chiusa e predefinita.

Venerdì 4 settembre21:00 Proiezione film Souad, di Ayten Amin, Egitto, 2021.Souad, una studentessa di Zagazig, vive una tormentata storia d’amore a distanza che le sconvolge la routine familiare e i rapporti con le amiche. Il film apre una profonda riflessione sul modo in cui l’utilizzo dei social media condizionano il nostro quotidiano generando ansie e aspettative che cambiano il rapporto con noi stessi e gli altri. Colta in un mondo sotto la costante tensione tra un rumoroso e interminabile “sviluppo” tecnologico e urbano e il mantenimento dell’ordine sociale, Souad ci rivela che l’interfacciarsi con gli altri attraverso personalità performate incrementa le diseguaglianze sociali e di genere. I social media possono essere anche anti-sociali perché inibiscono i rapporti faccia-a-faccia a favore di relazioni mediate da filtri e algoritmi pensati per dividere le persone e renderle sia il prodotto che viene consumato e sia il consumatore stesso. L’unico modo per superare le sfide del nostro tempo è ricercare rapporti corpo-a-corpo che ci permettano di recuperare la nostra e altrui umanità.

Sabato 5 settembre21:00 Proiezione del film All we imagine as light (Amore a Mumbay), di Payal Kapadia, India, 2024.Si può vivere più di vent’anni in una città e sentirsi ancora stranieri perché minacciati dalla possibilità di essere espulsi. Questo si apprende nelle frasi di apertura di All we imagine as light che racconta il modo in cui i confini visibili e invisibili che tracciano le differenze di classe, genere e religione condizionano la vita delle persone in una grande metropoli cosmopolita come Mumbay. Il film è incentrato su Pabhra e Anu, due amiche infermiere provenienti dal sud dell’India che vivono nella stessa casa. Entrambe sono alle prese con complicate vicende sentimentali che le isolano dai colleghi e dalle famiglie. Mentre insaziabili oligarchie globali strappano terra, vite e affetti, l’amicizia è come la luce delle case nel buio che dona conforto e gioia ai personaggi alleggerendo la loro angoscia di fronte a un futuro che non si fa vedere. Domenica 6 settembre 21:00 Proiezione del film Medusa, di Anita Rocha da Silveira, Brasile, 2021.Mariana fa parte di una setta religiosa guidata da un carismatico predicatore che impone rispetto rigoroso per i valori cosiddetti “cristiani” e l’interdizione di modi di essere non in linea con i suoi principi dogmatici. Di notte le credenti organizzano ronde per punire donne colpevoli di atti immorali. In parte ispirato da Suspiria di Dario Argento, film dimostra che l’oppressione delle donne è insita nell’idea stessa di “femminilità” e “mascolinità” e nelle istituzioni che danno forma a questi concetti. Ma la trama apre anche una riflessione più ampia su come tutti siamo costretti ad indossare una maschera creata per noi prima ancora di nascere e che dobbiamo portare per tutta la vita. Questa maschera serve a darci un ruolo ed una identità utile all’ordine sociale e politico che ci governa e che ci vuole ubbidienti e silenziosi. La ribellione – tramite la festa, la fuga e l’autodifesa – è l’unico modo per porre fine a questa violenza strutturata e accettata. Progetto promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e vincitore dell’Avviso Pubblico Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

COME ARRIVARE:

Parco Marconi si raggiunge con Metro B – fermata Basilica San Paolo (10–15 minuti a piedi). Le linee bus ATAC che servono viale Marconi/Piazza della Radio (fermate Meucci, Fermi, Righi, ecc.) includono 170, 766, 775, 780, 781, 791, 792 (notturna N781). Collegamenti ferroviari: Roma Trastevere e Roma Ostiense (linee FL), con proseguimento in bus o Metro B. Accesso anche a piedi o in bici tramite Ponte Marconi. Arena 11 – Cinema e ComunitàDal 31 agosto al 6 settembre dalle 20.30 alle 23.30 Infoline 0699500Ingresso Liberohttps://culturalpro.art/https://www.facebook.com/culturalprohttps://www.instagram.com/iculturalpro/

"Coreografie del possibile”, progetto di NID Platform in Piemonte
2026-09-01 08:00 - 2026-09-04 17:00 | ITA
Compie dieci anni e approda per la prima volta in Piemonte per festeggiare questo traguardo NID Platform, la nuova Piattaforma della Danza Italiana. Dall’1 al 4 settembre, la prestigiosa vetrina itinerante dedicata alla promozione e diffusione della più recente produzione coreografica nazionale nel contesto italiano e internazionale, torna con un’edizione che intreccia visioni, linguaggi e sensibilità diverse della danza d’autore, confermandosi tra gli appuntamenti più attesi della scena contemporanea.

Per quattro giorni, Collegno, Moncalieri, Torino e Venaria Reale ospiteranno spettacoli, Open Studios, performance, incontri, panel di approfondimento, raccolti sotto il titolo di “Coreografie del possibile”. Un tema che richiama i principi essenziali della danza – corpo, gesto, composizione, relazione tra spazio e tempo – e la capacità di immaginare nuove connessioni tra artisti, luoghi, pubblici, operatori italiani e stranieri, istituzioni e territori, favorendo opportunità di crescita, collaborazione e circuitazione oltre confine.

Nata nel 2012 dagli operatori della distribuzione della danza riuniti nell’ambito di ADEP in sede Federvivo-AGIS, la NID Platform si propone da sempre come un osservatorio privilegiato capace di valorizzare tanto le realtà emergenti quanto le compagnie già riconosciute.

Fondamentale è il sostegno e la condivisione progettuale con il Ministero della cultura – Direzione Generale Spettacolo nonché, quest’anno, dalla Regione Piemonte, coordinata dalla Fondazione Piemonte dal Vivo, con il contributo della Fondazione Compagnia di San Paolo. La dimensione internazionale è sostenuta da collaborazioni con reti europee e programmi di residenza internazionale in dialogo con Ministero degli Affari Esteri – MAECI, Istituti Italiani di Cultura e partner esteri.

La manifestazione attraversa luoghi già segnati da processi di rigenerazione urbana e culturale: Lavanderia a Vapore a Collegno, Fonderie Limone a Moncalieri, Teatro Astra, OGR Torino, Casa del Teatro Ragazzi e Giovani a Torino e Reggia di Venaria Reale. Ex spazi produttivi, architetture rifunzionalizzate, centri di residenza, teatri della contemporaneità e patrimonio storico-architettonico che compongono una geografia diffusa, nella quale la danza abita spazi già attraversati da processi di trasformazione e li mette nuovamente in relazione con artisti, professionisti e comunità.

Mostra fotografica di Tiziano Ionta a Viterbo
2026-09-01 10:00 - 2026-09-30 10:00 | ITA
Un’indagine sul rapporto tra l’uomo e la scena, nel loro connubio tra l’attimo e l’eterno.

Questo il tema della ricerca trentennale oggetto della mostra fotografica di Tiziano Ionta allestita dall’1 al 30 settembre presso il sottopassaggio di Piazza Crispi a Viterbo.

Le situazioni esplicite e oggettive della realtà non sono l’obiettivo della sua ricerca, che invece si focalizza sull’estrapolazione della dimensione soggettiva racchiusa in un istante, che respira di eterno. Il momento dello scatto deve riuscire a trasmettere tutto il dinamismo e l’energia esplosiva racchiusa nella situazione.

In ognuna delle foto esposte l’intento è di cristallizzare l’attimo fuggente, quell’unico irripetibile momento di grazia, emozione o rivelazione, e donargli un’eternità visiva. Quell’istante che sancisce un confine netto tra prima e dopo… che resteranno per sempre uno di spalle all’altro!!

Talvolta ciò si traduce nella ricerca di scatti intrisi di nuances a volte simboliste, a volte surrealiste o astratte, capaci di concentrare e sublimare le potenzialità di un’immagine, permettendo allo spettatore, tramite il loro potere evocativo, di estrapolare la complessità della rappresentazione scenica e della corrispondente esperienza interiore vissuta dal fotografo.

Il percorso nella Street Photography ha anche portato Tiziano Ionta a documentare l’energia incontenibile del teatro di strada del Fringe Festival di Edimburgo e l’intensità del Festival del Mimo di Avignone, esperienze che hanno affinato la sua capacità di cogliere l’autenticità del momento, lavorando al fianco di personaggi leggendari come Marcel Marceau e Lindsay Kemp.

La sua ricerca si è poi addentrata nel Teatro Sperimentale e di Avanguardia, dove l’innovazione e la tradizione si incontrano e si scontrano.

Questo background si è infine consolidato attraverso trent’anni di fotografia nei principali teatri italiani, immortalando innumerevoli performance con lo spirito del reportage affinato durante le missioni in Bosnia e Palestina per conto dell’UNICEF.

Il recente ruolo di fotografo del Vaticano ha inoltre insegnato a Tiziano Ionta il valore della discrezione e la potenza evocativa di un’immagine che sa parlare senza tempo.

Questa mostra è un invito a riflettere su come l’arte, attraverso la fotografia, possa rendere immortale ciò che per sua natura è invece effimero e destinato a svanire in un attimo.

Lasciatevi trasportare da queste visioni, dove la storia, il teatro e la luce si fondono in un racconto senza fine, arazzo di emozioni e di eternità. Buona visione!

NID Platform, la nuova Piattaforma della Danza Italiana
2026-09-01 12:00 - 2026-09-04 10:00 | ITA
Compie dieci anni e approda per la prima volta in Piemonte per festeggiare questo traguardo NID Platform, la nuova Piattaforma della Danza Italiana. Dall’1 al 4 settembre, la prestigiosa vetrina itinerante dedicata alla promozione e diffusione della più recente produzione coreografica nazionale nel contesto italiano e internazionale, torna con un’edizione che intreccia visioni, linguaggi e sensibilità diverse della danza d’autore, confermandosi tra gli appuntamenti più attesi della scena contemporanea.

Per quattro giorni, Collegno, Moncalieri, Torino e Venaria Reale ospiteranno spettacoli, Open Studios, performance, incontri, panel di approfondimento, raccolti sotto il titolo di “Coreografie del possibile”. Un tema che richiama i principi essenziali della danza – corpo, gesto, composizione, relazione tra spazio e tempo – e la capacità di immaginare nuove connessioni tra artisti, luoghi, pubblici, operatori italiani e stranieri, istituzioni e territori, favorendo opportunità di crescita, collaborazione e circuitazione oltre confine.

Nata nel 2012 dagli operatori della distribuzione della danza riuniti nell’ambito di ADEP in sede Federvivo-AGIS, la NID Platform si propone da sempre come un osservatorio privilegiato capace di valorizzare tanto le realtà emergenti quanto le compagnie già riconosciute.

Fondamentale è il sostegno e la condivisione progettuale con il Ministero della cultura – Direzione Generale Spettacolo nonché, quest’anno, dalla Regione Piemonte, coordinata dalla Fondazione Piemonte dal Vivo, con il contributo della Fondazione Compagnia di San Paolo. La dimensione internazionale è sostenuta da collaborazioni con reti europee e programmi di residenza internazionale in dialogo con Ministero degli Affari Esteri – MAECI, Istituti Italiani di Cultura e partner esteri.

La manifestazione attraversa luoghi già segnati da processi di rigenerazione urbana e culturale: Lavanderia a Vapore a Collegno, Fonderie Limone a Moncalieri, Teatro Astra, OGR Torino, Casa del Teatro Ragazzi e Giovani a Torino e Reggia di Venaria Reale. Ex spazi produttivi, architetture rifunzionalizzate, centri di residenza, teatri della contemporaneità e patrimonio storico-architettonico che compongono una geografia diffusa, nella quale la danza abita spazi già attraversati da processi di trasformazione e li mette nuovamente in relazione con artisti, professionisti e comunità.

CALENDARIO

MARTEDÌ 1 SETTEMBRE 2026

ore 12:00 Torino

Inaugurazione NID Platform 2026

SEZIONE PROGRAMMAZIONE

ore 15:00 e 19:00 Torino – Teatro Astra

HUMANOS (50 min) coreografia Vito Leone Cassano/Compagnia Eleina D.

ore 17:00 Torino – OGR

MANIFESTUS (40 min) coreografia Jacopo Jenna/KLm – Kinkaleri, Le Supplici, mk

ore 20:00 Moncalieri – Fonderie Limone

PAS DE CHEVAL (30 min) coreografia Andrea Costanzo Martini/ Associazione Culturale Zebra

ore 22:00 Moncalieri – Fonderie Limone

LE FENICIE (80 min) coreografia Michela Lucenti/Balletto Civile

MERCOLEDÌ 2 SETTEMBRE 2026

SEZIONE PANEL INTERNAZIONALI

ore 10:00 Collegno – Lavanderia a Vapore

ECOSISTEMI DELLA CREAZIONE

SEZIONE OPEN STUDIOS

ore 12:00 Collegno – Lavanderia a Vapore

NU di Virginia Spallarossa per Déjà Donné

SOGNARE – FASE RAM di Damiano Scavo per Scenario Pubblico

SPECIAL K di Davide Tagliavini per Compagnia Artemis Danza

THANKS, ILARIA di Filippo Buonamassa per RESEXTENSA DANCE COMPANY

SEZIONE PROGRAMMAZIONE

ore 10:00 e 14.30 Torino – Casa Teatro Ragazzi e Giovani

EPIPHANĪA. MI RENDO MANIFESTA (65 min) coreografia Michele Abbondanza e Antonella Bertoni/ Compagnia Abbondanza Bertoni

ore 15:00 Torino – OGR

MANIFESTUS (40 min) coreografia Jacopo Jenna/KLm – Kinkaleri, Le Supplici, mk

ore 16:30 Torino – Teatro Astra

CADUTA LA NEVE – DA SARAH MOON (45 min) coreografia Alessandra Cristiani/PinDoc

ore 18:00 Torino – Parco della Tesoriera

COSMORAMA (40 min) coreografia Nicola Galli/ Tir Danza

ore 21:30 Moncalieri – Fonderie Limone

WEIRDO (25 min) Enrico Morelli/ MM Contemporary Dance Company

RISERVATO AGLI OPERATORI INVITATI

ore 18:00 Moncalieri – Fonderie Limone

ITALIAN WINDOWS a cura di Carmelo A. Zapparrata

GIOVEDÌ 3 SETTEMBRE 2026

SEZIONE PANEL INTERNAZIONALI

ore 11:00 Collegno – Lavanderia a Vapore

DANCE MATTERS

SEZIONE PROGRAMMAZIONE

ore 12:30 e 14:30 Torino – Casa Teatro Ragazzi e Giovani

PIANO FORTE (20 min) coreografia Roberto Tedesco/Opus Ballet

ore 14:30 e 18:30 Collegno – Lavanderia a Vapore

CANI LUNARI (55 min) coreografia Francesco Marilungo/Körper | Centro Nazionale di Produzione della Danza

ore 15:30 Collegno – Lavanderia a Vapore

[produzione ospite] – (durational) BREATHING ROOM – Atlante dei respiri ricevuticoreografia Salvo Lombardo/Chiasma

ore 21:00 Torino – OGR

LE PALESTRITI (45 min) coreografia Simona Bertozzi/Nexus

ore 21:00 Torino – Teatro Astra

ABRACADABRA (80 min) coreografia Francesca Pennini/CollettivO CineticO

VENERDÌ 4 SETTEMBRE 2026

SEZIONE PANEL INTERNAZIONALI

ore 10:00 Torino – OGR

RIGENERAZIONE UMANA

SEZIONE PROGRAMMAZIONE

ore 12:00 Torino – OGR

LE PALESTRITI (45 min) coreografia Simona Bertozzi/Nexus

ore 12:30 Torino – Teatro Astra

ABRACADABRA (80 min) coreografia Francesca Pennini/CollettivO CineticO

ore 15:00 Torino – Casa Teatro Ragazzi e Giovani

GOOD VIBES ONLY (THE GREAT EFFORT) (40 min) Francesca Santamaria/Codeduomo

ore 17:00 Moncalieri – Fonderie Limone

PANORAMIC BANANA. ALBUM DEGLI ABITANTI DEL NUOVO MONDO (60 min) coreografie Michele Di Stefano/KLm – Kinkaleri, Le Supplici, mk

ore 19:00 Venaria Reale – Reggia

[produzione ospite] IL SECONDO PARADOSSO DI ZENONE coreografia Elisabetta Consonni/Amigdala ETS

ore 19:30 Venaria Reale – Reggia

COSMORAMA (40 min) coreografia Nicola Galli/TIR Danza

* Le informazioni di biglietteria per poter accedere agli spettacoli sono disponibili sul sito nidplatform.it.

(META)FISICO, bipersonale degli artisti italiani a Spalato
2026-09-01 18:00 - 2026-09-30 10:00 | ITA
Inaugurerà il prossimo 1 settembre alle ore 19.30 (META)FISICO la bipersonale degli artisti italiani Antonio Servillo e Pino Tersigni all’Istituto per il Lavoro Scientifico e Artistico HAZU, all’interno di Palazzo Milesi, Trg Brace Radic 7, a Spalato in Croazia, a cura di Anamarija Runtic.

Il percorso espositivo – all’interno della Croatian Academy of Sciences and Arts (HAZU),la più importante accademia nazionale della Croazia, fondata nel 1861, all’interno di Palazzo Milesi, magnifico edificio, simbolo dell’architettura barocca del XVII secolo – si articolerà in 24 opere dell’artista Antonio Servillo e in 36 di Pino Tersigni, in un dialogo artistico che mette in connessione lo stile dell’arte metafisica, con il fisico di ogni singolo individuo.

Ne nasce una mostra di assoluto pregio ed interesse che porta i due singoli pittori oltre i confine italiani in un parallelismo artistico ricco di spunti e di significati, dove l’iperrealismo pittorico di Antonio Servillo, i suoi ingranaggi umani, la forza pittorica dei suoi colori e della sua tecnica ben si sposano con il simbolismo surrealista delle figure umane quasi danzanti, in bianco e nero e in scale di grigi, ravvivate da un tocco di rosso degli oli di Pino Tersigni.

Le opere di vari formati rimarranno in mostra fino a tutto il 30 settembre 2026.

Breve Bio Antonio Servillo

Antonio Servillo è un pittore italiano autodidatta, nasce a Padova, da famiglia napoletana, il 12 novembre 1964. Il trasferimento a Roma nel 1984 per motivi di lavoro, gli darà l’occasione di conoscere artisti affermati, come Mario Schifano, Paolo Salvati, Novella Parigini, Gianni Testa, Stefano Turchetti, ma ciò rientrerà nella sue esperienza di vita, non di pittore. È stato definito artista dalla pittura fantastica da Giorgio Di Genova, grazie al salto di qualità creativo dell’artista che racconta nella sua ricerca, un iperrealismo singolare dove ogni dettaglio e simbolo sono in equilibrio con tutto il micromondo contenuto in ognuna delle sue opere, richiedente grande attenzione da parte dell’osservatore. Entra a far parte della storica associazione artistica Cento Pittori via Margutta negli anni novanta, e ne è attualmente il Presidente.

Espone a Roma, Napoli, Forlì, Bologna e Istanbul. È pubblicato sugli Annuari Arte Moderna artisti contemporanei ACCA dagli anni 2000, sul Catalogo dell’arte Moderna di Giorgio Mondadori, nell’Enciclopedia d’Arte Italiana, Catalogo Generale Artisti dal Novecento ad oggi e segnalato sul Getty Vocabulary ID: 500490143. Hanno scritto di lui, Cesare Sarzini, Michela Ramadori, Giorgio Di Genova, Andrea Salvati e Alberto Moioli.

Breve Bio Pino Tersigni

Artista romano, classe 1961, è un pittore autodidatta, simbolista, surrealista e iperrealista che utilizza prevalentemente la tecnica a olio. Ha preso parte a numerose esposizioni e rassegne, sia in Italia che all’estero, fra cui quelle di Spoleto, Giffoni, Mosca, Londra, Salerno, Chicago e L’Aquila. Fra le collettive vale la pena ricordare i “Cento pittori Via Margutta”, di cui è anche Consigliere, la “Rassegna re di Roma”, l’Expo’ Arte “Roma Capitale” e l’Expo’ “Arte Cinecittà Due”. Le sue opere si trovano in collezioni pubbliche e private.

Hanno scritto di lui: “Nell’arte del pittore romano non c’è spazio per l’uomo né tantomeno per la natura, che sia essa intesa come paesaggio, sfondo o semplice quinta teatrale su cui proiettare lo spettacolo delle protagoniste dei suoi quadri. L’universo artistico di Tersigni è interamente abitato da figure femminili, o per meglio dire da corpi femminili, privati di ogni attributo o caratteristica che possano far ravvisare un’identità e una personalità ben precise”. (Cristina Nicosia)

“Dietro la bellezza e non dentro, oltre, o prima: è l’altro lato dell’iperrealismo, che provoca la domanda di capire «perché»; domanda d’esistenza prima ancora che di stile, di esperienza prima che di arte. Laddove l’immagine è andata imponendosi fino ad una capillare e apparentemente imprescindibile presenza nella realtà, si pone prima di ogni altro il rischio di non distinguere ciò che deve esserci da ciò che è fatto, ciò che c’è da sempre da ciò che è provvisorio; così non si ha quasi da obiettare per l’ossessione pubblicitaria cui è impossibile sottrarsi, ma desta noia un’opera d’arte che sembra essere quasi una inutile copia della realtà”. (Emanuela Tangari)

Settembre in musica a Testaccio Estate
2026-09-01 21:00 - 2026-09-27 21:00 | Città dell’Altra Economia, Largo Dino Frisullo snc, Roma, 00153, Italia
Un intero mese di musica dal vivo, comicità, cinema, incontri e grandi appuntamenti popolari per accompagnare la Capitale verso la fine dell’estate. Dal 1° al 27 settembre 2026 prosegue, negli spazi della Città dell’Altra Economia, Testaccio Estate, la manifestazione che trasforma uno dei quartieri più vivaci di Roma in un grande luogo di incontro a cielo aperto.

Dalla sperimentazione musicale dei Quintorigo al pop-rap dei Gemelli DiVersi, dai Santi Francesi a Dargen D’Amico, passando per Murubutu, Bambole di Pezza, Management del Dolore Post-Operatorio e Alborosie: il programma di settembre attraversa linguaggi, generazioni e generi differenti, alternando concerti, stand-up comedy, cinema, talk e dj set. Tre gli appuntamenti che scandiranno il mese: dal 6 al 13 settembre TERRA!, la Festa nazionale di Alleanza Verdi e Sinistra; dal 16 al 20 settembre la quinta edizione dell’Oktoberfest di Roma; dal 24 al 27 settembre Magna Roma, il festival dedicato alla cucina capitolina.

Si parte martedì 1° settembre con Scena, che porta sul palco Alessandro Cognini, giovane stand-up comedian capace di raccontare con ironia e sarcasmo ansie, precarietà, relazioni e contraddizioni della generazione dei trentenni. Mercoledì 2 settembre prosegue la rassegna Cinema sotto le stelle, mentre giovedì 3 settembre arrivano i Quintorigo, formazione nata in Romagna nel 1996 con un progetto musicale fuori dagli schemi, nel quale jazz, rock, pop e sperimentazione si incontrano attraverso voce, sax, violino, violoncello e contrabbasso. Vincitori del Premio Tenco per la migliore opera prima con Rospo, i Quintorigo hanno costruito negli anni un linguaggio originale, spingendo gli strumenti acustici verso sonorità potenti e imprevedibili.

Sabato 5 settembre Testaccio Estate compie un viaggio nella musica italiana dei primi anni Duemila con i Gemelli DiVersi, protagonisti di alcuni dei brani più riconoscibili del pop-rap nazionale, accompagnati da Viva gli anni 2000, il party romano dedicato ai tormentoni pop e dance del decennio.

Da domenica 6 a domenica 13 settembre la Città dell’Altra Economia ospita TERRA!, la terza Festa nazionale di Alleanza Verdi e Sinistra: otto giorni a ingresso gratuito tra musica, spettacoli, incontri e dibattiti, con appuntamenti pomeridiani e serali. Domenica 6 settembre la manifestazione si apre alle ore 18.00 con la presentazione della mostra HeArt of Gaza, insieme a Elena Grandi e Mimmo Caporusso. Seguono il monologo di Cathy La Torre dedicato alle donne della Resistenza e il dibattito Tax the Rich, che vedrà tra i protagonisti Jeremy Corbyn ed Emiliano Brancaccio. La musica sarà affidata alle Bambole di Pezza, precedute da Lotta, con il dj set conclusivo di Dj Turbolenta. Lunedì 7 settembre, nello Spazio Tlon, Don Luigi Ciotti, Ilaria Cucchi e Mimmo Lucano si confronteranno sui temi dei diritti e delle responsabilità, mentre Francesca Albanese interverrà sul risveglio collettivo. In serata saliranno sul palco I Santi Francesi, con l’apertura di Etta Di Marco e il dj set di La Reina del Fomento. Martedì 8 settembre si parlerà di energia nucleare, intelligenza artificiale e futuro, mentre il dibattito Prima le idee riunirà Nicola Fratoianni, Giuseppe Conte, Elly Schlein e Angelo Bonelli. In serata spazio alla comicità di Chiara Becchimanzi e MammAdimerda, seguite dal dj set di La Reina del Fomento. Mercoledì 9 settembre sono in programma, tra gli altri, gli incontri Democrazia fragile, con Maria Elena Boschi e Riccardo Magi, e Sblocca stipendi, con Maurizio Landini e Pierpaolo Bombardieri. Sul palco musicale arriveranno Matteo Alieno e il Management del Dolore Post-Operatorio, preceduti da Margò. Giovedì 10 settembre Murubutu e Celeste Costantino discuteranno di adolescenza e rapporto con gli schermi, mentre il fisico e Premio Nobel Giorgio Parisi interverrà sui cambiamenti climatici. La serata proseguirà con Heresiana, Murubutu, Kento, Mad Simon e 1989. con Dj Fuzzten, fino alla chiusura affidata a Pietro Morello. Venerdì 11 settembre Dargen D’Amico sarà protagonista sia dell’incontro La passione non paga l’affitto, insieme a Franco Mari, sia del concerto serale, aperto da Andera. Tra gli appuntamenti anche La natura non è uno sparatutto con Giobbe Covatta; chiude la notte il dj set di Muccassassina. Sabato 12 settembre, dopo gli incontri dedicati alla fuga dei cervelli e al disarmo, con ospiti tra cui Leoluca Orlando e Domenico Quirico, la musica sarà quella dei Si! Boom! Voilà!, preceduti da Allerta!, e di Borghetta Stile, con le incursioni poetiche di GIULIANO Logos e Gea. Domenica 13 settembre il gran finale di TERRA! prenderà il via dalla mattina con le assemblee delle amministratrici e degli amministratori. Nel pomeriggio Roy Paci parteciperà al talk Terre da difendere, seguito dagli interventi conclusivi di Angelo Bonelli, Nicola Fratoianni e Fiorella Zabatta. A chiudere la festa saranno Enrico Capuano e Tammurriata Rock e Alborosie.

Dal 16 al 20 settembre torna l’Oktoberfest di Roma, giunto alla quinta edizione. Cinque giorni a ingresso gratuito tra musica dal vivo, street food bavarese e birra, nell’unico evento italiano che riunisce le sei storiche birrerie di Monaco: HB München, Paulaner München, Augustiner Bräu, Hacker-Pschorr, Löwenbräu e Spaten. Un biergarten all’aperto di oltre 8.000 metri quadrati accoglierà luna park, giostre, area kids, biliardini e un’offerta gastronomica che spazia dallo stinco di maiale con crauti e patate ai bratwurst, dalla wiener schnitzel ai bretzel, con proposte anche vegane. Ospiti musicali: Bla Bla Band, dj set Viva gli anni 2000 di Sgroi e Ventura, il dj set rock di Magenta, Borghetta Stile, la banda bavarese Oktoberbrass. Domenica 20 settembre il gran finale vedrà protagonisti Radio Rock e Rockstar Show, spettacolo dedicato ai grandi classici del rock.

A chiudere il cartellone di settembre sarà, da giovedì 24 a domenica 27 settembre, Magna Roma, il festival della cucina romana. Quattro giornate a ingresso gratuito dedicate ai sapori della Capitale e del Lazio, tra guanciale, pecorino, polpette della nonna e pizza scrocchiarella.

Info e biglietti: https://www.testaccioestate.it/

Sul Tevere torna Fitzcarraldo
2026-09-02 19:30 - 2026-09-05 19:30 | ITA
Sei ponti, un battello in viaggio lungo il Tevere e Roma che, lentamente, si svela sulle note di un’opera composta per essere ascoltata in movimento. Dal 2 al 5 settembre 2026, dopo il debutto del 2022, torna Fitzcarraldo, la prima opera lirica in assoluto concepita per essere rappresentata a bordo di un battello che attraversa il cuore della Capitale, trasformando per quattro giorni il Tevere in un grande teatro a cielo aperto.

Ideata e diretta da Fabio Morgan, con la composizione e la direzione musicale del Maestro Francesco Leineri e il libretto di Andrea Carvelli, promossa e sostenuta da Roma Capitale, in collaborazione con Zètema Progetto Cultura, e realizzata dal Teatro dell’Opera di Roma e dall’Associazione E45, Fitzcarraldo è un progetto visionario che prende ispirazione dal celebre capolavoro cinematografico di Werner Herzog per costruire un’opera originale sulla Città Eterna, sul suo fiume e sulla capacità dell’arte di immaginare una rinascita anche là dove tutto sembra essere andato perduto.

Non è il battello ad attraversare Roma: è Roma che si svela al ritmo del battello. Monumenti, ponti, banchine, architetture antiche e contemporanee appaiono e scompaiono davanti agli spettatori seguendo il procedere della navigazione, fino a diventare parte della partitura e della drammaturgia, in un libretto creato a partire dal Tevere e dalle sue sponde, tra presente, memoria e visione di un possibile futuro.

Il fiume si fa così palcoscenico, perché è sulle sue acque che si svolge l’azione; scenografia, perché monumenti, ponti e banchine scorrono come un fondale naturale; percorso narrativo, perché ogni tratto di navigazione coincide con un nuovo capitolo dell’opera; e infine luogo da attraversare, perché lo spettacolo può essere seguito sia a bordo sia dalle rive, accompagnando il viaggio oppure osservandolo da Ponte Sisto, Ponte Sant’Angelo, Ponte Umberto I e Ponte Cavour, punti privilegiati di osservazione.

Nel viaggio, le rovine dell’antica Urbe e il ponte di una civiltà futura emergono progressivamente lungo il percorso come frammenti superstiti di una città scomparsa: il coro li racconta in metro dantesco, quasi fosse una immaginifica guida turistica incaricata di accompagnare gli ultimi viaggiatori tra ciò che resta di un mondo decaduto. L’intuizione è semplice quanto rivoluzionaria: fare del fiume stesso lo spettacolo. Il Tevere torna così a essere il luogo originario della città, una linea narrativa che unisce secoli di storia e accompagna lo sguardo verso una Roma diversa, sospesa tra memoria e immaginazione.

Come nel capolavoro di Werner Herzog, anche qui Fitzcarraldo è l’uomo che tenta l’impossibile. Ma il suo viaggio non è soltanto un omaggio cinematografico: diventa una riflessione sul presente delle grandi metropoli e sul potere della creazione artistica di trasformare la realtà.

«Nel cuore della grande trasformazione che Roma sta vivendo in questi ultimi anni, siamo felici di poter avere per il terzo anno ‘Fitzcarraldo’, la prima opera lirica che attraversa la città attraverso il battello sul Tevere, con la sua forza artistica e trasformativa, per guardare Roma con uno sguardo diverso. Dopo Opera Camion, le cui nuove rappresentazioni ripartono nei prossimi giorni, il Teatro dell’Opera offre ancora una volta l’opportunità a cittadine e cittadini, di godere della magia della lirica anche al di fuori del Teatro. E sarà un appuntamento culturale per tutte e tutti, perché vedrà il coinvolgimento dei giovani artisti della Cantoria del Teatro dell’Opera»

Mercoledì 2 settembre: ore 19.30 e 21.30Giovedì 3 settembre: ore 19.30 e 21.30Venerdì 4 settembre: ore 19.30 e 21.30Sabato 5 settembre: ore 05.30 (replica speciale all’alba) e 19.30

Partenza da: Isola Tiberina | ingresso da Lungotevere degli Anguillara (di fronte a P.zza Gioacchino Belli)

Ingresso gratuito con prenotazione

Short Theatre 2026 - 21a edizione
2026-09-03 08:00 - 2026-09-12 17:00 | ITA
Dal 3 al 12 settembre 2026 torna la 21esima edizione di Short Theatre, il festival internazionale dedicato alla creazione contemporanea e alle performing arts, 10 giorni di programmazione, 40 tra compagnie, progetti artistici e figure che uniscono arte, pensiero critico e politica, in un programma che conta oltre 65 appuntamenti e mappa le geografie artistiche contemporanee, spaziando nel Sud ed Est Globale, coinvolgendo artiste/i da Italia, Spagna, Francia, Polonia, Ungheria, Algeria, Libia, Eritrea, Camerun, Rwanda, Messico, Cina.

“Un festival che permea tutta la città, la attraversa in molti dei suoi luoghi culturali e storici, all’interno di spazi rinnovati e con la partecipazione di realtà che appartengono all’essenza popolare e autentica di Roma. Short Theatre quest’anno coinvolge il Mattatoio di Roma, nella sua veste restaurata e riaperta al grande pubblico, l’Orto Botanico di Roma, il Teatro India e il Teatro Vittoria come luoghi iconici e storici dell’iniziativa, il MACRO – Museo d’arte Contemporanea di Roma, anch’esso rinnovato e riaperto al pubblico lo scorso dicembre, il Cinema Troisi, il Museo delle Civiltà, tante realtà associative e performative con circa 40 compagnie e oltre 65 appuntamenti in una programmazione ibrida, in similitudine agli spazi coinvolti. Siamo molto felici di poter supportare un progetto che supera gli steccati geografici, spaziando nel Sud ed Est globale con artisti provenienti anche da Africa, Americhe, Cina, est Europa e lo fa con molte artiste e professioniste donne, colmando quel gap di genere che serve all’arte, alla cultura, alla società tutta. Si è appena concluso il Letterature Festival Internazionale di Roma, che quest’anno abbiamo voluto intitolare ‘Sconfinare’. Anche Short Theatre sconfina e supera i limiti convenzionali e gli stereotipi, grazie alla curatela di riconosciuto successo di Silvia Bottiroli, Silvia Calderoni, Ilenia Caleo e Michele di Stefano, proseguendo un’esplorazione nel mare aperto della bellezza della cultura e dello stare insieme.” così Massimiliano Smeriglio, Assessore alla cultura e al coordinamento delle iniziative riconducibili alla giornata della memoria, prende parola sulla 21esima edizione di Short Theatre.

Un’edizione che si inserisce nel solco tracciato da Silvia Bottiroli, Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Michele Di Stefano, dal 2025 curatori di Short Theatre, che prosegue l’esplorazione della forma festival, ponendosi una domanda cruciale: che funzione svolgono, oggi, i festival? Da qui nasce il tentativo di andare oltre la programmazione, rendendo visibili i processi che danno corpo ai “fenomeni” artistici, facendo proprio il rischio di condividere con il pubblico la presenza di oggetti ibridi, indefiniti. Opere che sfuggono alle categorie, che mescolano canto lirico e beatbox, testo poetico e presenza scenica, passeggiata collettiva e gesto simbolico, ma anche formati pedagogici come CLASSE, progetto di trasmissione di saperi, residenziali ed esplorazioni nella drammaturgia grazie alle sezioni CAMERA o Salon, un programma quotidiano di inviti musicali.

ST26 torna ad abitare gli spazi della Pelanda del Mattatoio per tutta la durata del festival, grazie al contributo dell’Azienda Speciale Palaexpo –da anni tra i principali sostenitori del festival oltre che partner progettuale di ST – e della neonata Fondazione Mattatoio – Città delle arti,confermando il movimento puntuale che fa dell’area di Testaccio il centro gravitazionale del festival. ST26 vede coinvolti anche il Teatro India, luogo in cui il festival è nato vent’anni fa e oggi, grazie al contributo della Fondazione Teatro di Roma, sua importante sede – in cui prenderà corpo la collaborazione con Romaeuropa Festival – il Teatro Vittoria e il Cinema Troisi, una tra le tre location al centro di un progetto artistico disseminato che conta anche il MUCIV-Museo delle Civiltà e il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma, il quale ospita inoltre la conferenza stampa di lancio del festival, in estate.

La ricerca di spazi eccezionali o inusuali della città in cui far deflagrare le arti performative porta ST26 ad immergersi nella serata di apertura del festival, il 3 settembre dalle 18 alle 22, nella vegetazione dell’Orto Botanico di Roma, aprendo l’edizione con un flusso ininterrotto di accadimenti performativi da fruire uno di seguito all’altro.

L’opening all’Orto Botanico: tra psichedelia sentimentale e corpi vegetali

ST26 si apre all’Orto Botanico, il 3 settembre, con spettacoli, performance, riti sonori e ascolti come eventi atmosferici improvvisi. Ai corpi vegetali, si aggiungono altri corpi estemporanei, in una modalità psichedelica che tiene insieme e rende visibile l’agglomerarsi di atmosfere, suoni, parole, colori, ritmi ed intensità. Una “psichedelia sentimentale” che irrompe nella giornata iniziale del festival per restare e attraversarlo in tutta la sua durata, come rende visibile l’identità visiva di questa edizione, realizzata da Taquitojocoque, irriverente illustratrice messicana che fonde la cultura pop con il patrimonio culturale messicano.

Inaugura la prima giornata l’incontro con Annalisa Metta, architetta e docente di Architettura del Paesaggio all’Università Roma Tre che ragionerà intorno ai temi del selvatico e del mostruoso del paesaggio e delle città nel primo appuntamento di CLASSE, progetto di trasmissione di saperi realizzato da AREA06 che intreccia il programma di ST26. Le ammalianti e oniriche Serre Tropicali e Monumentali dell’Orto diventeranno habitat immersivi grazie alle sonorizzazioni di Oscar Ngu Atanga, sound artist, ricercatore e curatore che attinge ai ritmi, alle frequenze e alle pratiche ancestrali del Camerun per creare narrazioni sonore coinvolgenti che risuonano profondamente negli spazi culturali e fisici, e LEMMO, giovane compositorə e sound researcher nel campo della musica elettronica e sperimentale, il cui lavoro esplora le possibilità della composizione algoritmica sia in ambito della ricerca sonora che in quello multidisciplinare, e che vanta diverse collaborazioni in campo teatrale e performativo. È uno spettacolo ma anche una lecture, in cui le parole affermano qualcosa mentre il corpo ne fa altre, la celebre Dance for Nothing (revisited) di Eszter Salamon, in cui la coreografa e performer ungherese ripropone la Lecture on Nothing (1949) di John Cage sperimentando la modulazione dei movimenti fisici, concentrandosi sull’aspetto sonoro di questa conferenza fondamentale sul nulla, il vuoto e la composizione. Lo spettacolo è sostenuto dell’Ambasciata della Repubblica Federale di Germania. Eszter Salamon sarà presente nel programma di ST26 anche con una CLASSE grazie al sostegno del Goethe-Institut a Roma. QUIXOTE_a rose is not a rose di Industria Indipendente rende visibile una delle tracce che permea l’intera edizione, accomunando diversi lavori che “rovistano” negli immaginari dominanti — coloniali, occidentali, classici — non per pacificarli, ma per destabilizzarli con movimenti “turbolenti”. In questo caso è il Don Chisciotte — simbolo dell’anti-eroe maschile del canone letterario occidentale — a essere smontato e rimontato attraverso la parola lesbica dei testi di Kathy Acker e la scrittura del corpo vivo di Annamaria Ajmone, in un progetto performativo modulare nato nel 2025 proprio nella cornice di Short Theatre, grazie al formato CAMERA. Interroga le mitologie europee in una prospettiva postcoloniale e post-genere Vanasay Khamphommala, drammaturga, performer, scrittrice e traduttrice queer, in residenza a Villa Medici per sviluppare una ricerca-performance sulla figura mitologica di Ganimede, esplorando le risonanze che la sua antica narrazione ha ancora nelle comunità queer di oggi. A straniare lo spazio saranno alcuni interventi performativi nello spazio delle Serre tra cui, ad esempio, Rhuena Bracci – ex ginnasta, coreografa, danzatrice e formatrice Yoga – e Fedra Morini – attivista, performer e autrice – creando una zona, mobile ed estemporanea, a partire dal proprio clima corporeo in movimento. Esplora il mistero del creato, la natura e il senso di meraviglia e spavento che deriva dal vivente il rito sonoro Naturale sconosciuto di Mariangela Gualtieri, luminosa poetessa e drammaturga cesenate, fondatrice del Teatro Valdoca, che all’imbrunire rischiarerà una delle scalinate marmoree dell’Orto. Farà da ideale contraltare al rito sonoro della Gualtieri DOWN della svizzera Melissa Guex, combinazione esplosiva di corpo danzante e batteria dal vivo, un dono per andare oltre quello che sembra un mondo senza speranza. Un richiamo inebriante che trascina nell’abisso, e poi verso l’alto, nell’euforia, e che accompagnerà il pubblico nella conclusione di questa prima giornata speciale, a ST26 grazie al sostegno dell’Istituto Svizzero.

La decolonizzazione della storia e degli immaginari

ST26 prosegue dal 4 settembre alla Pelanda del Mattatoio e inaugura nuovi spazi. Quelli attraversati dal lavoro di Muna Mussie, artista di origini eritree basata a Bologna, che presenta il suo Cinema Impero in tre tappe – al Cinema Troisi, al MUCIV – Museo delle Civiltà e al MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma. Un dispositivo che prende il nome dall’omonimo cinema situato nel centro di Asmara, costruito nel 1937 durante il regime fascista, e riattraversa gli archivi coloniali a partire dall’intimità e dall’affettività, mettendo in dialogo materiali video provenienti dall’Istituto Luce e dall’archivio privato dell’artista, raccontati e interpretati da due voci e due intelligenze, una artificiale e una emotiva, a Short Theatre in una versione speciale dal titolo Cinema Impero Roma. Interviene sugli immaginari coloniali attraverso la lente dell’esperienza personale anche Betty Tchomanga, performer e coreografa franco-camerunense associata a Quartz, scène nationale de Brest e al Théâtre de la Bastille di Parigi con Histoire(s) Décoloniale(s), serie coreografica iniziata nel 2023 e concepita come una raccolta di ritratti dove ogni episodio affronta la storia coloniale e la sua eredità a partire da singoli percorsi individuali, in un lavoro che mescola performance e insegnamento. La possibilità di agire contro le “cancellazioni storiche”, come le definisce la filosofa femminista Elsa Dorlin, è al centro di Moi, toi, Tituba, ultima produzione dell’artista, performer e autrice di origini ruandesi Dorothée Munyaneza, un lavoro che muove dal testo letterario di Maryse Condé e Elsa Dorlin sulla figura di Tituba, schiava accusata di stregoneria durante i processi di Salem. L’artista, in collaborazione con il compositore Khyam Allami, parte dal corpo per costruire un archivio sensibile e fisico che possa riunire esperienze nate dalla dispersione, scavando in un passato fatto di sofferenza e dolore per celebrare, riparare e commemorare. La presenza di Dorothée Munyaneza a ST26 è possibile grazie il supporto della Fondazione Nuovi Mecenati – Fondazione franco-italiana di sostegno alla creazione contemporanea, e si manifesta in Myriade, dispositivo curatoriale in cui l’artista chiama a raccolta una “miriade” di voci che risuonano con la sua ricerca e che inventano incessantemente altri modi di abitare il mondo, tra cui, ad esempio, GILDAA, cantante e attrice franco-brasiliana che mescola nel suo lavoro teatro, influenze musicali brasiliane e dell’Africa occidentale e chanson, e Asmaa Jama & Gouled Ahmed con lo screening di Except this time nothing comes back from the ashes, progetto di moving image di che esplora l’autoritratto, l’archiviazione e la memoria. L’incontro artistico e il dialogo tra forme espressive diverse è al centro anche di L’Echo, nuovo lavoro della coreografa franco-algerina Nacera Belaza, in prima nazionale al Teatro India il 10 e 11 settembre grazie alla co-realizzazione tra Short Theatre e Romaeuropa Festival, che tornano a condividere anche quest’anno parte delle proprie programmazioni: un duo che vede in scena l’artista stessa accanto a Valérie Dréville, attrice francese nota per il suo trentennale percorso nel cinema d’autore, con la quale esplora la zona grigia tra parola e linguaggio, dove si trova il potenziale espressivo della danza, “una parola pronunciata nel corpo”.

Il ritorno di Alberto Cortès, François Chaignaud e Chiara Bersani a ST e la Prima nazionale di Cristina Kristal Rizzo

Lo spazio di intima alterità tra chi narra e chi osserva, la scena come relazione amorosa e l’amore come fenomeno che consuma chi lo sperimenta sono al centro di El corazón de Ester, nuova produzione dell’autore e performer Alberto Cortès – per la prima volta in Italia l’anno scorso a ST – la cui ispirazione è un misterioso manoscritto del XIX secolo contenente scritti d’amore di una donna di nome Ester che descrive come l’amore la porti a scomparire. Nel suo ineguagliabile mescolare il testo poetico con la presenza del corpo scenico, Cortés traccia un parallelo tra l’abbandonarsi a un amante e l’abbandonarsi al pubblico, e sceglie di limitare la durata di questa performance prima che venga definitivamente consumata dallo sguardo del pubblico: di El corazón de Ester esisteranno solo 50 repliche in tutto il mondo, di cui due a ST26 il 4 e 5 settembre al Teatro Vittoria. Il “romanticismo sensibile” che percorre tutta l’edizione emerge sfacciatamente nelle danze camp di Cristina Kristal Rizzo, in prima nazionale il 6 e 7 settembre con Sentimental1, un solo liberamente ispirato al lavoro di Derek Jarman e di William Blake, dove la figura nello spazio compone una coreografia di gesti, pose e danze istantanee, in una presenza tutta disposta al sentimentale inteso come qualità del condividere, alla ricerca delle molteplici tensioni. Il teatro viene inteso come agone e spazio dell’artificio per eccellenza, con François Chaignaud che, grazie il supporto della Fondazione Nuovi Mecenati – Fondazione franco-italiana di sostegno alla creazione contemporanea, torna a ST26 l’8 e 9 settembre insieme al beatboxer Aymeric Hainaux con Mirlitons, performance in cui canto lirico battaglia con il beatbox. La tradizione normata delle arti occidentali viene ri-articolata e radicalmente spostata da Michel. The animals I am, lavoro coreografico di Chiara Bersani, che si confronta con il repertorio della danza classica partendo dal Lago di Cigni e affidando a tre corpi con disabilità la possibilità di reimmaginare e trasmettere il movimento, evocando la figura di Michel Petrucciani, tra i più grandi talenti della musica jazz, affetto da osteogenesi imperfetta, la stessa sindrome con cui la Bersani convive. In occasione della sua presenza a ST26, il 4, 5 settembre, Chiara Bersani terrà anche un workshop gratuito rivolto a persone con e senza disabilità.

L’incontro tra gesto e suono

Il 9 settembre l’incontro tra corpo e voce, tra gesto e suono è al centro di Comeback della coreografa Fabritia D’Intino e della musicista Agnese Banti, creazione condivisa nata su invito del festival Bolzano Danza, dove le due artiste fanno convergere i rispettivi linguaggi tramite l’utilizzo di archivi sonori che possano veicolare una riflessione sul presente. Ed è ancora un duo che lavora sulla relazione tra linguaggi in Variazione No. 1 di Sorelle di damiano, giovani performer milanesi, a ST26 il 10 e 11 settembre anche con la seconda tappa di questa serie, Variazione No. 2, in prima nazionale: un percorso sensoriale frammentato e disorientante che vuole dar forma a un incubo collettivo, esprimendo la condizione di smarrimento del nostro presente. La possibilità del corpo di inquietare è raccolta da Mathilde Invernon, performer franco-svizzera che presenta il suo BELL END, il 10 e 11 settembre grazie al sostegno dell’Istituto Svizzero: un lavoro che decostruisce la mascolinità tossica nella progressiva metamorfosi dei corpi in scena che agiscono attraverso la voce, tramutandosi in presenze strane, grottesche, comiche, sfiorando l’illusorietà del ventriloquio. Recupera invece la dimensione estatica ed enigmatica della creazione artistica l’emergente coreografa Maya Oliva, a ST26 il 7 e 8 settembre in prima nazionale con In perpetual blooming, despite the gods, uno studio che si ispira a testi perduti come le prime sei pagine del Vangelo secondo Maria Maddalena, per concentrarsi sulla dimensione sospesa del preludio nell’opera lirica, quel punto che convoglia la carica energetica e poetica che precede la parola. Nella serata conclusiva, il 12 settembre, agisce nella dimensione filosofica e contemplativa della creazione L’Infinito Carnale, la danza ideata da Claudia Castellucci basata su un dialogo da lei scritto tra due eremiti cristiani, Antonio d’Egitto e il suo giovane discepolo Ilarione di Gaza, e su una drammaturgia concepita in forma ritmica, dove lə performer in scena si muovono nella sonorità di un dialogo incorporato nell’habitat sonoro di Stefano Bartolini. Una tensione vibrante innerva lo spazio poroso creato di This resting, patience della polacca Ewa Dziarnowska, a ST26 l’11 e il 12 settembre grazie al sostegno dell’Ambasciata della Repubblica di Polonia a Roma e l’Adam Mickiewicz Institute (IAM), performance della durata di tre ore in cui il pubblico può muoversi liberamente, e può essere mosso dalle performer: una coreografia magnetica dove la danza, in continua trasformazione, intreccia in un respiro condiviso attrazione, ripetizione e sentimento. Il tempo si dilata, la musica si fa loop, la tenerezza diventa resistenza, forza, durata.

Progetti fuori formato, site-specific e pedagogie

Il tempo di ST26 alla Pelanda del Mattatoio si addensa di esperienze con formati sperimentali e site specific. Tra queste, ad esempio, Pairadaëza#Mattatoio, ultima creazione di Antonio Tagliarini, in prima nazionale l’8 e 9 settembre in una versione speciale ideata per ST26, che dà vita a una piccola comunità temporanea dando appuntamento in un giardino nascosto nel cuore di Testaccio, o la nuova creazione drammaturgica di Giorgina Pi, il 7 settembre, progetto speciale tra installazione e ascolto radiofonico immaginato appositamente per ST26, dal titolo in via di definizione. O ancora, la Serenata lesbica di Sara Leghissa e Taquitojocoque, un esperimento politico e romantico collettivo che riunisce le pratiche e i segni artistici delle due artiste, che attraverso canzoni della tradizione popolare e contemporanea messicana compongono e ricompongono un immaginario politico lesbico. Entrambe le artiste occuperanno il festival fin due modalità “residenziali”: Taquitojocoque è l’artista che sta realizzando l’immagine visiva di ST26; Sara Leghissa, artista, ricercatrice e performer milanese, abiterà per più giorni gli spazi della Pelanda in un formato residenziale che coinvolgerà il pubblico nella costruzione di una playlist collettiva per ribaltare gli immaginari della musica pop.

Con il desiderio di ampliare la conoscenza, l’accessibilità e l’agibilità dei linguaggi del contemporaneo, Short Theatre 2026 continua a dar corpo a una trasmissione dei saperi, con CAMERA, formato inaugurato nella scorsa edizione del festival che invita il pubblico a far ingresso nella “camera” di creazione drammaturgica di artistə e autrici, realizzato in questa edizione grazie al prezioso sostegno di Megera APS. Quest’anno, le tre CAMERE che si apriranno sui procedimenti, i gesti e le pratiche che trasformano una visione sensibile in una drammaturgia per la scena coinvolgono figuri e percorsi artistici molto differenti tra loro: Daria Deflorian, attrice, autrice e regista teatrale tra le più apprezzate in Italia e all’estero; Giulia Crispiani, editor, traduttrice, autrice la cui pratica di scrittura si intreccia con l’arte visiva e performativa; El Conde de Torrefiel, compagnia catalana nota a livello internazionale per i peculiare lavoro drammaturgico, dove un’estetica testuale e visuale convivono con teatro, coreografia, letteratura e arti plastiche. ST26 sarà attraversato puntualmente dalla seconda edizione di CLASSE, progetto di AREA06 che si innesta sulla programmazione di ST26, piccola utopia realizzata in cui la pedagogia trova una forma simbolica di retribuzione e passa dalla parola diretta di chi può regalare saperi ed esperienze – artistə, studiosə, attivistə – nella forma di brevi conferenze gratuite aperte a tuttə, coinvolgendo un gruppo ristretto di giovani studenti, che segue un percorso a loro dedicato, mescolandosi al pubblico del festival. CLASSE 2026 vedrà la partecipazione, tra lə altrə, di Paul Preciado, Daniel Blanga–Gubbay, Teodora Grano, Giuseppe Comuniello e Camilla Guarino, Eszter Salamon, Françoise Vergès, Adelita Husni Bey e Sara Alberani, Viola Lo Moro con Giulia Paganelli (evastaizitta), Nina Ferrante, Maddalena Fragnito, Claudia Durastanti in collaborazione con Master di Studi e Politiche di Genere di Roma Tre e Libreria Tuba, ecc.

Il tempo del festival sarà suggestionato da Salon, formato quotidiano di inviti musicali che dà vita a un luogo all’aperto di distensione, ascolto, rilassatezza, incontro, che ospiterà in questa edizione le atmosfere sonore di dj e musicistə della scena romana – ad esempio, la dj, artista e cantante Lola Kola con Acetato, formato dedicato al vinile– e internazionale, come HABIBIBITCH, nome d’arte della dj, artista multidisciplinare, docente e attivista franco-algerina, figura di spicco della scena queer e decoloniale nota per la sua capacità di trasformare le piste da ballo in veri e propri spazi politici. Salon quest’anno accoglierà anche musica live, come ad esempio quella di otay:onii, poliedrica artista originaria di Haining, Cina, nota per il suo mix unico di musica tradizionale cinese, elettronica, nevrosi post-industriale e art-pop, o di CORPS CITOYEN, collettivo artistico multidisciplinare con sede tra Tunisi e Milano, fondato da artistə italianə e tunisinə.

Collaborazioni

Ad innervare e nutrire questa edizione di Short Theatre saranno le tante collaborazioni attive sul territorio cittadino e non solo, ogni volta declinate in modalità molteplici per disseminare, stratificare e arricchire la proposta culturale della città. Da quelle più consolidate, come quella con l’Università di Roma Tre, il Modulo Arti del Master in Studi e Politiche di Genere e la Libreria Tuba, con cui ST26 cura un appuntamento di CLASSE dedicato agli Epstein Files da una prospettiva femminista, attraverso materiali, immagini, parole che creano una mappa del non detto intorno al potere maschile e al nesso arte/violenza. Oltre ai già nominati MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma, MUCIV-Museo delle Civiltà e Cinema Troisi, ST26 collabora con alcune realtà attive nel quartiere Quarticciolo, come il Laboratorio di Ristorazione Quarticciolo, progetto di cucina sociale nato da un gruppo di donne della borgata romana, che si occuperà dei pasti per lo staff del festival, alternandosi con un’altra realtà del territorio, Cucina e Cultura Catering.

Quest’anno Short Theatre è sostenuto da SIAE, che in particolare supporta la linea curatoriale dedicata all’autorialità di artiste e registe donne. Saranno coinvolte otto figure di autrici che fanno della scrittura drammaturgica il cuore del proprio percorso artistico, provenienti da generazioni e linguaggi differenti: Mariangela Gualtieri, Erika Galli e Martina Ruggeri / Industria Indipendente, Sara Leghissa, Muna Mussie, Daria De Florian, Giulia Crispiani e Giorgina Pi. Una collaborazione che rafforza la capacità di Short Theatre di offrire spazio e visibilità alle autrici italiane, accompagnandole non solo nella presentazione dei lavori, ma anche nei processi che li generano, costruendo un vero e proprio percorso di ricerca e produzione.

Si rinnova la collaborazione con la piattaforma curatoriale LOCALES, con sede a Roma, che in questa edizione condivide con ST26 la presenza di Adelita Husni Bey, artista italo-libica il cui lavoro si sviluppa attraverso modelli pedagogici collettivi e non competitivi nell’ambito dell’arte contemporanea. LOCALES e ST26 intrecciano parte delle rispettive programmazioni in tre momenti distinti. Il primo è Water Infrastructures, Water Insurgencies (10, 11 e 12 settembre), laboratorio ideato dall’artista e curato da LOCALES con il supporto della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. L’iniziativa nasce da un triennio di collaborazione con il MUCIV – Museo delle Civiltà, che ha ospitato le diverse edizioni de La Collezione in Tumulto, workshop permanente ideato da Husni Bey e prodotto e curato da LOCALES. Il secondo appuntamento è uno degli incontri di CLASSE, il 10 settembre, condotto da Adelita Husni Bey insieme a Sara Alberani, curatrice di LOCALES.

Il programma comprende inoltre lo screening di Like a Flood, opera audiovisiva di Husni Bey che, a partire da un archivio fotografico recentemente riscoperto e reinterpretato, riflette sull’interruzione dell’approvvigionamento idrico in Libia causata dallo sfruttamento delle risorse idriche e dalle politiche di insediamento forzato durante la colonizzazione italiana (1911–1943).

Nel desiderio di aprire nuovi spazi di attraversamento del festival da parte di bambinə, ST26 porta avanti la collaborazione nata lo scorso anno conFatatrac edizioni e il Laboratorio d’Arte di Palazzo Esposizioni Roma, proponendo due incontri laboratoriali per l’infanzia, sperimentando un progetto pilota che si estenderà lungo il corso di tutto il triennio.

***

Short Theatre 2026 è realizzato con il sostegno di Ministero della Cultura – Direzione Generale Spettacolo, Regione Lazio – Spettacolo dal vivol’iniziativa è promossa e sostenuta da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura e al Coordinamento delle iniziative riconducibili alla Giornata della Memoria – Dipartimento Attività Culturali in collaborazione con Zètema Progetto Cultura ed è realizzata da Associazione AREA06 –ETS

con il contributo di Azienda Speciale Palaexpo, Fondazione Mattatoio – Città delle arti, Teatro di Roma – Teatro Nazionale

Short Theatre XXI edizione
2026-09-03 18:00 - 2026-09-12 17:00 | ITA
Mercoledì 24 giugno, presso il MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma, è stata presentata la XXI edizione di SHORT THEATRE, il festival internazionale dedicato alla creazione contemporanea e alle performing arts, ideato e organizzato da AREA06, con la curatela artistica di Silvia Bottiroli, Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Michele Di Stefano.

Sono intervenuti: CRISTIANA PERRELLA, Direttrice MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma; MASSIMILIANO SMERIGLIO, Assessore alla Cultura di Roma Capitale; MANUELA VERONELLI, Presidente Fondazione Mattatoio di Roma – Città delle Arti; MAURIZIO ROI, Direttore Generale Fondazione Teatro di Roma; SILVIA BOTTIROLI, SILVIA CALDERONI, ILENIA CALEO e MICHELE DI STEFANO, curatela artistica Short Theatre; MUNA MUSSIE e CRISTINA KRISTAL RIZZO, artiste Short Theatre 2026.

Mattatoio di Roma | Orto Botanico di RomaTeatro India | Teatro Vittoria MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di RomaCinema Troisi | MUCIV – Museo delle Civiltà

Adelita Husni Bey / Sara Alberani / LOCALES — Alberto Cortés — Annalisa Metta — Antonio Tagliarini — Asmaa Jama & Gouled Ahmed — Aymeric Hainaux & François Chaignaud — Betty Tchomanga / GANG — Biagio Caravano — Chiara Bersani —Claudia Castellucci / Compagnia Mòra — Corps Citoyen — Cristina Kristal Rizzo — Daniel Blanga Gubbay — Daria Deflorian — Dorothée Munyaneza / Compagnie Kadidi — El Conde de Torrefiel — Eszter Salamon — Ewa Dziarnowska — Fabritia D’Intino & Agnese Banti — Fedra Morini — Françoise Vergès — GILDAA — Giorgina Pi / Nicole De Leo / Bluemotion — Giulia Crispiani — Giuseppe Comuniello & Camilla Guarino — HABIBITCH — Industria Indipendente — Lemmo — Lola Kola / Acetato — Mariangela Gualtieri / Teatro Valdoca — Master Studi e Politiche di Genere / Roma Tre — Mathilde Invernon / Compagnie Carmen Chan — Maya Oliva — Mélissa Guex — Muna Mussie — Nacera Belaza — Oscar Ngu Atanga — otay:onii — Paola Granato — Paul Preciado — Rhuena Bracci — Sara Leghissa — Taquitojocoque — Sorelle di damiano — Teodora Grano — Vanasay Khamphommala / Lapsus chevelü – Viola Lo Moro, Giulia Paganelli, Nina Ferrante, Maddalena Fragnito, Claudia Durastanti / Libreria Tuba and more…

Giovedì 3 settembre

Orto Botanico di Roma

dalle 18:00 | Serra Tropicale

Serra Tropicale: Fedra Morini, Lemmo, Rhuena Bracci e altrɜ in via di definizione

ambiente performativo

dalle 18:00 | Serra Monumentale

Oscar Ngu Atanga

climi sonori

climi sonori

dalle 20:00 | Serra Corsini

Vanasay Khamphommala / Lapsus chevelü

Je te chante une chanson toute nue en échange d’un verre (Ti canto una canzone tutta nuda in cambio di un bicchiere)

spettacolo / performance

18.00 | Arena Alberi

CLASSE

Annalisa Metta

saperi

40’

18:50 | Arena Alberi

Industria Indipendente

QUIXOTE_a rose is not a rose

spettacolo

45’

19:50 | Aranciera

Eszter SalamonDance for Nothing (revisited)

spettacolo

45’

20:45 | Scala Monumentale

Mariangela Gualtieri / Teatro Valdoca

Naturale sconosciuto

rito sonoro

prima nazionale

30’

21:30 | Bar

Mélissa Guex

DOWN (single version)

spettacolo

30’

venerdì 4 settembre

Cinema Troisi

14:00 + 14:30 + 15:00

Muna Mussie

Cinema Impero

spettacolo

30’

La Pelanda

18:30 | Teatro 1

Chiara Bersani

Michel: The Animals I Am

spettacolo

45’

19:00 + 22:45 | Studio

Myriade #1: Asmaa Jama & Gouled Ahmed

Except This Time Nothing Returns From the Ashes

screening

20’

19:30 | Salon

Mélissa Guex

DOWN (single version)

spettacolo

30’

20:30 | Studio 1

CLASSE

Eszter Salamon

saperi

40’

21:30 | Teatro 2

Myriade #2: Dorothée Munyaneza / Compagnie KadidiToi, moi, Tituba…

spettacolo

1h 5’

23:00 | Salon

Myriade #3: GILDAA

SALON

climi sonori

sabato 5 settembre

Cinema Troisi

14:00 + 14:30

Muna Mussie

Cinema Impero #Roma

spettacoloprima nazionale

30’

La Pelanda

19:00 | Salon

CLASSE

Paul Preciado

saperi

40’

20:00 | Teatro 1

Chiara Bersani

Michel: The Animals I am

spettacolo

45’

21:00 | Teatro 2

Eszter SalamonDance for Nothing (revisited)

spettacolo

45’

22:00 | Studio

Betty Tchomanga / GANG

Decolonial (Hi)stories #Mulunesh

spettacolo

45’

23:00 | Salon

SALON

in via di definizione

climi sonori

Teatro Vittoria

21:00

Alberto Cortés

El corazón de Ester

spettacolo

prima nazionale

1h

domenica 6 settembre

La Pelanda

18:00 | Studio

El Conde de Torrefiel

CAMERA

drammaturgie

19:00 | Teatro 2

Betty Tchomanga / GANG

Decolonial (Hi)stories #Dalila

spettacolo

45’

20:30 | Teatro 1

Cristina Kristal Rizzo

Sentimental1

spettacolo

prima nazionale

1h

22:00 | Salon

CLASSE

Daniel Blanga Gubbay

saperi

40’

23:00 | Salon

Daniel Blanga Gubbay

SALON

climi sonori

Teatro Vittoria

20:30

Alberto Cortés

El corazón de Ester

spettacolo

prima nazionale

1h

lunedì 7 settembre

La Pelanda

17:00 | Atelier

CLASSE

Viola Lo Moro, Giulia Paganelli, Nina Ferrante, Maddalena Fragnito, Claudia Durastanti / Libreria Tuba

saperi3h

18:00 | Mattatoio di Roma

Antonio Tagliarini

Pairadaëza #Mattatoio

spettacoloprima nazionale

50’

18:00 + 19:00 + 20:00 | Serra

Giorgina Pi / Nicole De Leo / Bluemotion

Il chiaro di luna in cucina è un segno di Dio. Omaggio a Anne Carson

prima nazionale

spettacolo

25’

20:30 | Studio

Maya Oliva

In perpetual blooming, despite the gods

spettacolo

40’

21:30 | Teatro 1

Cristina Kristal Rizzo

Sentimental1

spettacolo

prima nazionale

1h

22:30 | Salon

SALON

Vanasay Khamphommala

climi sonori

martedì 8 settembre

MUCIV-Museo delle Civiltà

15:00 + 15:30 + 16:00 +16:30 + 17:00 + 17:30

Muna Mussie

Cinema Impero

spettacolo

30’

18:00

Muna Mussie

Cinema Impero #Roma

spettacoloprima nazionale

30’

La Pelanda

18:00 | Mattatoio di Roma

Antonio Tagliarini

Pairadaëza #Mattatoio

spettacoloprima nazionale

50’

19:00 | Studio

Maya Oliva

In perpetual blooming, despite the gods

spettacolo

40’

20:00 | Teatro 1

Daria Deflorian

CAMERA

drammaturgie

19:00 | Atelier

CLASSE

in via di definizione

saperi

40’

22:00 | Teatro 2

Aymeric Hainaux & François Chaignaud

Mirlitons

spettacolo

1h 10’

23:00 | Salon

Lola Kola / Acetato

SALON

climi sonori

mercoledì 9 settembre

MUCIV-Museo delle Civiltà

15:00 + 15:30 + 16:00 +16:30 + 17:00 + 17:30

Muna Mussie

Cinema Impero

spettacolo

30’

18:00

Muna Mussie

Cinema Impero #Roma

spettacoloprima nazionale

30’

La Pelanda

18:00 | Mattatoio di Roma

Antonio Tagliarini

Pairadaëza #Mattatoio

spettacoloprima nazionale

50’

18:30 | Atelier

Sara Leghissa

Frocy Express

atelier

19:30 | Teatro 2

Aymeric Hainaux & François Chaignaud

Mirlitons

spettacolo

1h 10’

21:30 | Studio

Fabritia D’Intino & Agnese Banti

Comeback

spettacolo

1h

22:00 | Galleria

CLASSE

Teodora Grano

saperi

40’

22:30 | Salon

otay:onii

SALON

climi sonori

45’

giovedì 10 settembre

15:00 + 15:30 + 16:00 +16:30 + 17:00 + 17:30 + 18:00

Muna Mussie

Cinema Impero

spettacolo

30’

La Pelanda

18:00 | Studio

Adelita Husni Bey / LOCALES Like a Flood

screening

45’

19:00 | Studio

CLASSE

Adelita Husni Bey & Sara Alberani / LOCALES saperi

40’

20:00 | Galleria

Sorelle di damiano

Variazione No.1spettacolo

30’

21:00 | Teatro 1

Mathilde Invernon / Compagnie Carmen Chan

BELL END

spettacolo

45’

22:00 | Studio

Sorelle di damianoVariazione No.2

spettacolo

prima nazionale

30’

22:30 | Salon

Biagio Caravano

SALON

climi sonori

Teatro India

20:00 | Sala B

Nacera BelazaL’Echo

spettacolo

prima nazionale

1h

venerdì 11 settembre

MACRO Museo di Arte Contemporanea di Roma

15:00 + 15:30 + 16:00 +16:30 + 17:00 + 17:30 + 18:00

Muna Mussie

Cinema Impero

spettacolo

30’

La Pelanda

17:00 | Teatro 2

Ewa Dziarnowska

This resting, patience

spettacolo

3h

19:00 | Atelier

CLASSE

in via di definizione

saperi

40’

20:00 | Galleria

Sorelle di damiano

Variazione No.1spettacolo

30’

21:00 | Teatro 1

Mathilde Invernon / Compagnie Carmen Chan

BELL END

spettacolo

45’

22:00 | Studio

Sorelle di damiano

Variazione No.2spettacolo

prima nazionale

30’

22:30 | Salon

Corps Citoyen

SALON

climi sonori

Teatro India

20:00 | Sala B

Nacera BelazaL’Echo

spettacolo

1h

prima nazionale

in co-realizzazione con Romaeuropa Festival

sabato 12 settembre

La Pelanda

17:00 | Teatro 2

Ewa Dziarnowska

This resting, patience

spettacolo

3h

19:00 | Galleria

Giulia Crispiani

CAMERA

drammaturgie

20:00 | Salon

CLASSE

Françoise Vergès

saperi

40’

21:30 | Studio

Claudia Castellucci / Compagnia MòraL’Infinito Carnale – Dialogo tra Antonio d’Egitto e Ilarione di Gaza

spettacolo

1h 5’

22:45 | Salon

Sara Leghissa & Taquitojocoque

Serenata Lesbica

spettacolo

45’

23:30 | Salon

HABIBITCH

SALON

climi sonori

Short Theatre 2026 è ideato e organizzato da AREA06direzione artistica Silvia Bottiroli, Silvia Calderoni, Ilenia Caleo, Michele Di Stefanodirezione generale Roberta Zanardo, Matteo Angius

Taormina celebra 50 anni di festival di teatro
2026-09-03 21:00 - 23:00 | ITA
Non una semplice cerimonia di premiazione, ma uno show-evento costruito per una sola notte. La sera di giovedì 3 settembre, al Teatro Antico di Taormina, grandi protagonisti della scena si ritroveranno sullo stesso palcoscenico per celebrare 50 anni di festival di teatro a Taormina e raccontarne, attraverso esperienze e linguaggi differenti, la contemporaneità.

Nasce così il Premio Fondazione Taormina Arte per il Teatro, un riconoscimento che guarda in maniera trasversale alle diverse espressioni della scena e alle personalità che ne hanno interpretato e continuano a interpretarne l’evoluzione: dagli attori alla regia, dalla scenografia alla sperimentazione, fino all’innovazione e alle nuove generazioni.

Tra i primi nomi annunciati figurano Gabriele Lavia, Mariangela D’Abbraccio, Marcello Cesena, Ester Pantano, Marisa Laurito, Giampiero Solari, Giancarlo Zanetti, Elisabetta Pozzi, Vincenzo Pirrotta, Nicola Rubertelli e Manuel Agnelli. Percorsi e sensibilità differenti che compongono il racconto di un teatro capace di attraversare generazioni, forme espressive e territori artistici diversi.

A rendere lo show-evento del 3 settembre irripetibile sarà soprattutto ciò che ciascun protagonista sceglierà di portare sul palco. Accanto ai momenti di talk, ogni premiato offrirà infatti al pubblico un proprio “dono”, un contributo scelto personalmente per quella sera. Interventi diversi che prenderanno forma al Teatro Antico, trasformando la consegna dei riconoscimenti in uno spettacolo costruito attraverso le voci e le scelte dei suoi protagonisti.

Sul palcoscenico del Teatro Antico, Simona Celi – direttrice artistica della Fondazione Taormina Arte Sicilia – accompagnerà il pubblico in un affascinante viaggio tra memoria e contemporaneità, esplorando le molteplici sfumature della scena artistica di oggi.

Il 2026 segna il cinquantesimo anniversario da quel 1976 in cui Rocco Familiari e il Living Theatre diedero inizio alla vocazione internazionale del Teatro a Taormina, facendolo diventare, nel tempo, uno dei luoghi simbolo in cui celebrare spettacoli di alto livello artistico. Un traguardo che oggi risuona inevitabilmente con il ricordo di Ninni Panzera, che con il suo instancabile impegno, ha contribuito a portare il grande teatro sul palcoscenico del Teatro Antico, ha reso il Festival multidisciplinare Taormina Arte un’eccellenza assoluta nel panorama siciliano e internazionale.

La Fondazione Taormina Arte Sicilia sceglie così di celebrare una grande eredità culturale guardando al futuro, rimettendo al centro la qualità e l’identità di un festival che ha fatto la storia dello spettacolo dal vivo.

Alla serata sarà legato anche uno speciale annullo filatelico dedicato al Premio, destinato a lasciare un ulteriore segno di questa edizione.

Codex Noto Festival 2026
2026-09-04 21:00 - 2026-10-04 21:00 | ITA
Dall’estate all’autunno, un passaggio di transizione che a Noto avviene sotto il segno di arte, musica e cultura con il Codex Noto Festival 2026. Giunto alla sua quattordicesima edizione, il progetto culturale dedicato alle arti performative contemporanee torna con tre appuntamenti: 4-6 sett, 18-20 sett, 30-4 ottobre negli spazi storici e urbani di Teatro Tina Di Lorenzo, gli Ex Magazzini della Stazione e il Convitto delle arti.

Il Festival nato nel 2013 e organizzato dall’associazione Cantina Sperimentale Iblea sotto la direzioneartistica di Salvatore Tringali è realizzato con la collaborazione e il sostegno del Comune di Noto, della Fondazione Teatro Tina di Lorenzo, della Regione Siciliana e del Ministero della Cultura.

Rilevante, per questa edizione, anche il contributo dei privati “Aziende guidate da imprenditrici e imprenditori illuminati, a queste latitudini – dice il direttore artistico Salvatore Tringali – che hanno scelto di reinvestire una parte di extra profitto per sostenere delle attività culturali, questo anche grazie ad Art Bonus, un credito di imposta concesso a chi effettua donazioni a sostegno della cultura”.

La nuova edizione del Codex Festival si prepara a trasformare i luoghi che attraverserà con lo spettacolo dal vivo e i linguaggi del contemporaneo nella sua veste poliedrica che unisce teatro, danza, musica, performance e dibattiti. Non mancheranno riflessioni attuali, come quelle su gentrificazione e overtourismche coinvolgono molte città italiane e non risparmiano la bellissima cittadina barocca rischiando di comprometterne l’identità e la vivibilità.

A tal proposito, due saranno le novità in programma: Amarene ed Etica dei sentimenti. Due progettispeciali, parte di un programma ricco di performance e

nomi: Collettivo Van, Petranura Danza, Giuseppe Massa, Giuseppe Provinzano, Niccolò Fettarappa, FOR/Kapy Company compagnia Svedese di circo contemporaneo, Renata Prado e Giovanni Arezzo,Fabiana Iacozzilli, Orazio Condorelli, Compagnia IAC. Artisti del panorama dell’arte contemporaneanazionale e internazionale.

E fra questi, anche l’attesissima cantautrice palermitana Giulia Mei che sarà al Codex Festival con “Io dellamusica non ci ho capito niente” titolo del nuovo tour estivo. Un’esibizione live rinnovata e una nuova scaletta.

L’artista e attivista conosciuta in tutta Italia per il suo singolo Bandiera e la partecipazione al talent X Factore una recente apparizione in Senato, porterà sul palco del Codex tutta la sua energia e ironia.

Numerosi artisti, dunque, uniti per costruire una visione unica ed esclusiva che porti con sé delle riflessioni, oltre all’intrattenimento: “Da questa edizione – conclude il direttore artistico – ci aspettiamo di consolidare il nostro pubblico, di dar vita a una riflessione sul modo di vivere la nostra città.

Ma soprattutto presentare, una programmazione ricercata e popolare allo stesso tempo, artisti e spettacoli digrande qualità, difficilmente rintracciabili nelle stagioni teatrali siciliane canoniche”.

Segnaliamo: La chiamata pubblica di Amarene

Un progetto teatrale nato da Noto per Noto, con l’obiettivo di coinvolgere tutta la città mediante una“Chiamata pubblica”. Ispirato all’opera teatrale “Il giardino dei ciliegi” di Anton Čechov, Amarene parte da una domanda: quali sono i luoghi che senti davvero “tuoi”? Come la propria casa, un cortile d’infanzia o una piazza; e cosa succede quando questi luoghi rischiamo di perderli?

La storia dello scrittore e drammaturgo russo che racconta di un giardino venduto all’asta e di chi è costretto a lasciarlo, diventa quanto mai attuale in relazione agli affitti che salgono, ai centri storici che si svuotano e alle città che rischiano di diventare solo cartoline per turisti.

Non si tratta di uno spettacolo con attori professionisti, ma un’esperienza di teatro partecipato costruita congli abitanti di Noto, disposti a raccontare il proprio legame intimo con uno dei luoghi della città e a evitare che Noto diventi solo una cartolina per turisti.

La famosa “Chiamata pubblica” del progetto, avverrà per mezzo stampa e social e prevede tre tappe:

Un incontro di presentazione del progetto aperto a tutti, sabato 5 settembre agli Ex Magazzini della Stazione;

La raccolta delle storie degli abitanti;

La restituzione pubblica del percorso, durante il terzo weekend del festival.

Etica dei sentimenti

Un progetto pensato per gli studenti delle scuole superiori nato dall’incontro tra Codex Festival e Rossella Pezzino De Geronimo, imprenditrice e mecenate.

Programma Codex Festival 2026

Dal 4 al 6 settembre

Venerdì 4

Ore 21:00 COLLETTIVO V.A.N

ODISSEO SUPERSTAR – L’eroe di cui nessuno ha bisogno

Teatro

Ex-Magazzini della Stazione Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

Mohasky, Mikilootzu, Luvespone Big Island Raggae Esperisce Musica

Ex-Magazzini della Stazione Ingresso libero

Ore 21:00

GIULIA MEI LIVE

Opening Act: EDEL

IO DELLA MUSICA NON CI HO CAPITO NIENTE

Concerto

Ex-Magazzini della Stazione Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

DJ Set

Dopo Festival Musica

Ex-Magazzini della Stazione Ingresso libero

Domenica 6

Ore 19:00

Una città che cambia. Turismo, gentrificazione, spazi abbandonati che rinascono. Chi decide come? Chi resta? Un dialogo aperto tra cittadini, artisti e protagonisti dell’economia del territorio.

CHI VIVE QUESTA CITTÀ?

Dibattito

Ex-Magazzini della Stazione

Ore 21:00

Panta Rhei

Compagnia Petranuradanza/produzione Megakles Ballet. Coreografie Salvatore Romania Laura Odierna

Danzatori Giulia Morandi, Aby Koshy Biju

Ex-Magazzini della Stazione Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

Orazio Condorelli, Adriano Di Mauro e Antonio Calandra.

GRAZIANO È IL NOME CHE VOLEVA DARMI MIA MADRE

Teatro musicale

Ex-Magazzini della Stazione Biglietto d’ingresso

Ore 23:30

DJ Set

Dopo Festival Musica

Ex-Magazzini della Stazione

Dal 18 al 20 settembre

Venerdì 18

Ore 21:00

GIUSEPPE MASSA & GIUSEPPE PROVINZANO

SUTTA SCUPA

Teatro

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

GIANLUCA GIL

GIL LIVE

Musica

Convitto delle Arti

Sabato 19

Ore 21:00

NICCOLÒ FETTARAPPA

LA SPARANOIA

Teatro

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

DJ Set

Dopo Festival Musica

Convitto delle Arti

Domenica 20

Ore 21:00

mettere nuovi crediti compagnia Svedese

Circo

Convitto delle Arti Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

DANCEMALORA

ALTERNATIVE ROCK

Concerto Convitto delle Arti

Dal 30 settembre al 4 ottobre

Mercoledì 30

Ore 09:30 / 11:30 / 21:00

IAC CENTRO ARTI INTEGRATE

ANTIGONE ESERCIZI DI DEMOCRAZIA

Teatro

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Giovedì 1

Ore 09:30 / 11:30

LAURA NARDI / CRANPI

LA DIVINA COMMEDIA RACCONTATA AI BAMBINI

Teatro

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Ore 21:00

RENATA PRADO

POETRY SLAM

Performance

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Venerdì 2

Ore 10:00

CANTINA SPERIMENTALE IBLEA & MERAKI TESTA DELL’ACQUA

TRA CENTRO E PERIFERIA

Dibattito

Teatro Tina Di Lorenzo Ingresso libero

Ore 21:00

ORAZIO CONDORELLI

AMARENE

Lettura scenica

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Ore 22:30

SUTARTRONICA

ELECTRONIC/ POLYPHONY

Musica

Teatro Tina Di Lorenzo

Sabato 3

Ore 21:00

FABIANA IACOZZILLI

LA CLASSE

Teatro

Teatro Tina Di Lorenzo Biglietto d’ingresso

Domenica 4

CHIUSURA CODEX FESTIVAL 2026

Biglietti

Contatti Codex Festival

Mail: codexfestival@gmail.com Tel: 3482962966

Sito web: https://www.codexfestival.eu/

Instagram: https://www.instagram.com/codexfestival/ Facebook: https://www.facebook.com/codexfestival

YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCaae-J-05LRgXu8yryXlMEw/videos

Casina di Raffaello, attività dal 5 al 26 settembre 2026
2026-09-05 08:00 - 2026-09-26 17:00 | ITA
Anche a settembre Casina di Raffaello, lo spazio arte e creatività di Roma Capitale nel cuore di Villa Borghese, è pronta ad accogliere famiglie con bambine e bambini con tanti e divertenti laboratori creativi e letture animate all’insegna del gioco, dell’immaginazione e dell’apprendimento.

Da sabato 5 a sabato 26 settembre, ogni fine settimana, le bambine e i bambini dai 2 agli 11 anni, come sempre potranno divertirsi e imparare con i tanti laboratori ludico-educativi pensati per loro, dedicati alla scoperta della natura, delle sue forme e i suoi materiali: ispirati dalle opere di Bruno Munari o di artisti quali Mirò e Matisse, i piccoli partecipanti potranno allenare l’immaginazione e la fantasia.

Il programma del weekend è arricchito anche da letture animate in italiano e in inglese di classici della letteratura per l’infanzia: adulti e bambini insieme verranno condotti alla scoperta di albi illustrati e attività creative dedicate al mondo della Natura. Ogni lettura sarà seguita da brevi attività creative per giocare con segni, forme e colori.

I laboratori hanno una durata di circa 50-60 minuti, mentre le letture animate di 40 minuti circa.

Il costo di ciascun laboratorio è di 8€ a bambino, gratuito per l’adulto accompagnatore se previsto. Il costo delle letture è di 6 € a bambino. Per i disabili e accompagnatori è prevista la gratuità.

Per tutte le attività la prenotazione e il pagamento on line sono obbligatori telefonando al call center 060608 (attivo tutti i giorni ore 9.00-19.00).

Info e dettagli su orari, costi, attività e centro estivo sono consultabili sul sito www.casinadiraffaello.it e sulle relative pagine social.

PROGRAMMA LABORATORI

TERRA MAGICA: SCOPRI L’ARTE DELL’ARGILLA

Un laboratorio dedicato alle possibilità creative dell’argilla, imparare a modellarla e a sperimentare segni e texture di elementi naturali. Foglie, rami, cortecce e sassi insieme all’argilla, materiale antico e versatile, diventano gli ingredienti per dar vita ad inedite sculture che racchiudono la bellezza della natura. Preparatevi a sporcarvi le mani!

Età: bambini 2 – 4 anni con un adulto accompagnatore

Quando: sabato alle ore 10.00

Date: 5, 12, 19, 26 settembre 2026

Durata: 50 minuti

Partecipanti: massimo 6 bambine/i e 6 adulti accompagnatori

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

DISEGNANDO IL SOLE

Quante volte e come cambia il sole nell’arco di una sola giornata! Non basta il giallo per disegnarlo! In questo laboratorio, ispirato al famoso libro di Bruno Munari, i bambini scopriranno come cambia il colore del sole dall’alba al tramonto e lo rappresenteranno con colori e materiali diversi per formare ciascuno il proprio libro del sole.

Età: 4 – 6 anni

Quando: sabato alle ore 15.00

Date: 5, 12, 19, 26 settembre 2026

Durata: 60 minuti

Partecipanti: massimo 12 bambini

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

IL CIELO TRA LE DITA

Joan Miró amava lo spettacolo del cielo e riportava nelle sue opere l’immensità dello spazio e dei suoi elementi: il sole, la luna, le stelle e le altre forme celesti diventano protagonisti di un racconto partecipato per dar vita con impasti materici a personali cieli stellati.

Età: 6 – 11 anni

Quando: sabato alle ore 16.30

Date: 5, 12, 19, 26 settembre 2026

Durata: 60 minuti

Partecipanti: massimo 14 bambine/i

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

FIORILANDIA

Un’avventura tra colori e fantasia ispirata al libro Fiori di Hervé Tullet, un laboratorio pensato per bambini dai 2 ai 4 anni insieme ai loro genitori, dove il gioco e l’arte si intrecciano per scoprire il meraviglioso mondo dei fiori. Attraverso attività ludiche e creative, i piccoli esploratori potranno conoscere fiori diversi e sperimentare modi originali per disegnarli.

Età: 2 – 4 anni con accompagnatore

Quando: domenica alle ore 10.00

Date: 6, 13, 20 settembre 2026

Durata: 50 minuti

Partecipanti: massimo 6 bambine/i e 6 adulti accompagnatori

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

IL MIO MARE

Quante sfumature di colore ha il mare? Che forma hanno le onde? Lo scopriamo con il libro L’onda di Suzy Lee, che racconta la storia di una bambina che scopre il mare, giocando con le onde azzurre tra schizzi e spruzzi d’acqua. Con strumenti e tecniche diverse, i piccoli partecipanti potranno creare il loro personale “pezzettino di mare” sperimentando tutte le sfumature del blu.

Età: 4 – 6 anni

Quando: domenica alle ore 15.00

Date: 6, 13, 20 settembre 2026

Durata: 60 minuti

Partecipanti: massimo 12 bambine/i

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

UN GIARDINO COLORATO

Un laboratorio creativo ispirato al libro Il giardino di Matisse di Samantha Friedman e Cristina Amodeo. Attraverso carta colorata, forbici e tanta fantasia, i piccoli artisti creeranno opere ispirate alla natura, proprio come faceva Matisse con i suoi celebri collage creati “disegnando con le forbici”! Un’esperienza giocosa e coinvolgente per sperimentare forme, colori e libertà espressiva.

Età: 6 – 11 anni

Quando: domenica alle ore 16.30

Date: 6, 13, 20 settembre 2026

Durata: 60 minuti

Partecipanti: massimo 14 bambine/i

Costo: 8 euro a bambino/a, gratuità per disabili

LETTURE ANIMATE IN ITALIANO E IN INGLESE

IL PICCOLO SEME – TINY SEED di Eric Carle

Il viaggio di un piccolo seme tra difficoltà e imprevisti ci condurrà a un finale sorprendente. Con il nostro corpo ci faremo trascinare dal vento, bagnare dalla pioggia e riscaldare dal sole. Quale fiore spunterà?

Età: 3 – 6 anni con adulto accompagnatore

Quando: sabato alle ore 11.30 in italiano e alle ore 12.30 in inglese

Date: 5, 12, 19, 26 settembre 2026

Durata: 40 minuti

Costo: 6 euro a bambino/a, gratuità per disabili

IL GIARDINO PIÙ BELLO – THE MOST BEAUTIFUL GARDEN di Luca Tortolini e Beatrice Cerocchi

Grazie a un inaspettato concorso, una città grigia e triste si trasforma in un fantastico giardino fiorito ridonando gioia ed allegria a tutti i cittadini. Con la tecnica del collage ciascuno potrà realizzare il proprio, con le piante ed i fiori che più ama.

Età: 3 – 6 anni con adulto accompagnatore

Quando: domenica alle ore 11.30 in italiano e alle ore 12.30 in inglese

Date: 6, 13, 20 settembre 2026

Durata: 40 minuti

Costo: 6 euro a bambino/a, gratuità per disabili

CASINA DI RAFFAELLO

Spazio arte e creatività dell’Assessorato alla Scuola, Formazione e Lavoro di Roma Capitale,

gestito in collaborazione con Zètema Progetto Cultura

Viale della Casina di Raffaello (Piazza di Siena – Villa Borghese)

Orario fino al 31 ottobre 2026

Dal martedì al venerdì dalle 10.00 alle 18.00

Sabato, domenica e giorni festivi dalle 10.00 alle 19.00

Lunedi: chiusura settimanale

Info, prenotazioni e acquisto online

Contact center 060608 (attivo tutti i giorni ore 9.00-19.00)

www.casinadiraffaello.it

FB: @CasinadiRaffaello-LudotecaaVilla Borghese – IG: @casinadiraffaello

Il Jazz Italiano per le terre del sisma a L'Aquila
2026-09-05 15:00 - 2026-09-06 15:00 | ITA
Dodici anni di musica, di incontri e di comunità. Dodici anni in cui il jazz italiano ha scelto di ritrovarsi all’Aquila, facendo della cultura uno strumento concreto di ricostruzione, relazione e partecipazione. Non soltanto un festival, ma un progetto collettivo che, dal 2015, accompagna il percorso di rinascita dei territori colpiti dal sisma, trasformando la musica in occasione di dialogo, condivisione e futuro.

Sabato 5 e domenica 6 settembre, torna Il jazz italiano per le terre del sisma, appuntamento ormai unico nel panorama culturale nazionale, capace di riunire ogni anno centinaia di musiciste e musicisti provenienti da tutta Italia in un grande laboratorio artistico diffuso che coinvolge istituzioni, associazioni, operatori culturali e cittadini. Un’edizione che assume un significato ancora più profondo nell’anno in cui L’Aquila è Capitale Italiana della Cultura 2026, confermando il ruolo della città come luogo privilegiato di incontro, sperimentazione e produzione culturale. La manifestazione, infatti, si inserisce all’interno del programma dell’Aquila Capitale della Cultura 2026 ed è finanziato dal Comune dell’Aquila.

Saranno oltre 300 gli artisti protagonisti della dodicesima edizione, distribuiti nei luoghi simbolo del centro storico: saranno oltre 20 le location tra piazze, cortili, palazzi storici, chiese, musei e spazi della cultura che torneranno ad accogliere concerti, produzioni originali, incontri, laboratori e progetti multidisciplinari, costruendo un percorso che mette in relazione il patrimonio storico della città con la vitalità della scena jazzistica contemporanea.

Resta l’ingresso gratuito per la maggioranza dei concerti; sarà previsto il pagamento del biglietto solo per i live in programma al main stage di San Bernardino e ai palchi di Piazza Santa Margherita e Parco del Castello: l’abbonamento per il singolo palco giornaliero (tre concerti per palco) avrà il costo di 5 euro + 1 euro d.p.; l’abbonamento per Parco del Castello (programma delle due giornate) avrà il costo di 8 euro + 1 euro d.p.; l’abbonamento per Piazza Santa Margherita (programma delle due giornate) avrà il costo di 8 euro + 1 euro d.p.

IL TEMA: RIFLESSI

Ad accompagnare questa edizione è “Riflessi”, una parola semplice solo in apparenza, scelta dalla direzione artistica come chiave di lettura dell’intera manifestazione.

I riflessi sono quelli che si generano tra musiciste e musicisti appartenenti a generazioni diverse, quando l’ascolto reciproco diventa occasione di crescita e trasformazione. Sono quelli tra composizione e improvvisazione, tra memoria e presente, tra i luoghi della città e le persone che li abitano. Sono, ancora, i riflessi di un territorio che continua a reinventarsi, dove il ricordo non rimane immobile ma alimenta nuove possibilità di incontro e di creazione.

È una visione che attraversa tutto il programma della XII edizione, affidata alla direzione artistica di Maria Pia De Vito, Paola Martini e Nicola Pisani, che hanno immaginato il festival come uno spazio aperto di confronto, nel quale il jazz diventa linguaggio capace di interpretare il presente, favorire relazioni e generare nuove prospettive.

Come scrivono gli stessi direttori artistici, l’obiettivo è stato quello di costruire un festival che fosse «un insieme di riflessi della grande creatività e vitalità del jazz italiano», capace di dare spazio alla libertà espressiva, alle produzioni originali e all’incontro tra musiche, discipline e sensibilità differenti. Un percorso nel quale l’improvvisazione non rappresenta soltanto una pratica musicale, ma un modo di leggere la realtà e di immaginare il futuro.

IL PROGRAMMA, TRA PRODUZIONI ORIGINALI E NUOVI LUOGHI

La dodicesima edizione si distingue per un programma costruito intorno a numerose produzioni originali e progetti pensati appositamente per L’Aquila, confermando la vocazione della manifestazione a essere non soltanto una vetrina del jazz italiano, ma un luogo di creazione artistica.

Tra gli appuntamenti simbolo dell’intera manifestazione si conferma quello della domenica mattina al Parco della Memoria, luogo nel quale il festival rinnova il proprio legame con la città e con la storia delle comunità colpite dal terremoto.

L’edizione 2026 assume un significato particolare grazie al ritorno dell’Istituzione Sinfonica Abruzzese, protagonista di una nuova produzione originale realizzata appositamente per il festival. Una presenza di grande valore artistico e simbolico che rafforza il dialogo tra il jazz italiano e una delle più autorevoli istituzioni musicali del territorio, riaffermando il ruolo della manifestazione come luogo di incontro tra linguaggi, esperienze e tradizioni musicali.

La produzione, diretta da Marco Moresco (musicista e docente del Conservatorio dell’Aquila) vedrà la partecipazione della cantante Gaia Mattiuzzi insieme all’Istituzione Sinfonica Abruzzese e sarà costruita intorno a nuove composizioni firmate da Roberto Martinelli, Bruno Luise e Alessandro Fabbri, dando vita a un progetto inedito concepito espressamente per questo appuntamento.

Come da tradizione, il concerto del Parco della Memoria rappresenterà uno dei momenti più intensi della manifestazione, nel quale memoria civile, musica e partecipazione collettiva si fondono in un’unica esperienza condivisa, rinnovando il senso profondo che accompagna la manifestazione sin dalla sua nascita.

Il programma prenderà il via sabato 5 settembre con il concerto inaugurale al Teatro San Filippo, affidato all’Orchestra Nazionale Jazz dei Conservatori, con la partecipazione di Ada Montellanico, Rosario Giuliani e le composizioni e direzione di Roberto Spadoni e Corrado Guarino. Al tramonto, sul sagrato della Chiesa del Crocifissonel Parco del Castello, il progetto DJeP, realizzato in collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti dell’Aquila, con Gianna Montecalvo, Stefano Luigi Mangia e l’ONMC Vocal Ensemble.

Dalle ore 15 alle 18 Largo Tunisia ospiterà Humans of L’Aquila, progetto coordinato da Carlo Cimino con Samuele Cinelli e Agostino Tatulli. In Piazza Santa Margherita si alterneranno il Federico Campanello Quartet, vincitore del Premio Conad Jazz Contest – Umbria Jazz, Beatrice Arrigoni – Terrestre, vincitrice di Nuova Generazione Jazz, Doronzo/Minafra – Fabulae e, in chiusura di serata, lo Spazio Jazz Club, a cura dell’Alexanderplatz Jazz Club, con la Pellini Orchestra Redcats e la partecipazione straordinaria di Max Paiella.

Il Parco del Castello ospiterà MORA, Alessandrini & 9PM Quartet e Il medico dei pazzi, progetto di Dino Massa Trio con Marco Sannini. All’Auditorium di Palazzo Spaventa saranno protagonisti il Francesco Caligiuri Trio con Portrait of Colors, Hayalet di Flavia Massimo e Caterina Palazzi e Fiore Selvatico.

Al Teatro San Filippo, nel pomeriggio, spazio al NICA 6tet, al vincitore del Premio Massimo Urbani 2026, Leo Dalla Cort, e all’Art Ensemble of Casella, diretto da Walter Gaeta.

Nel Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni si esibiranno Raffaele Casarano, il duo Carlo Maver/Giuseppe Franchellucci e In vago spirito, con Ludovica Manzo e Ruggiero Fornari. Nel Piano Corner, allestito nel Cortile di Palazzo Di Paola, saranno protagonisti Dino Massa, Nicola Puccetti e Giovanni Guidi, mentre il Cortile di Palazzo Benedetti ospiterà gli assoli di Alberto La Neve, Massimo Garritano e Rosario Giuliani.

Tra Corso Vittorio Emanuele, Piazza del Palazzo, Piazza del Teatro e Piazza Duomo sfilerà la Crazy Dixie Band, mentre la Corte del MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo accoglierà Michele Rabbia e il duo Francesca Corrias/Mauro Laconi. Al MUNDA, nella Sala Mammut del Bastione Est del Castello Cinquecentesco, si esibiranno Eugenio Colombo e Vincenzo Mastropirro con Assoli (per l’ingresso nella giornata del sabato sarà necessario acquistare il biglietto di ingresso al museo, dove, in contemporanea, sarà esposta la mostra “La Visitazione all’Aquila. Raffaello E Pontormo”, a cura di Tom Henry e Federica Zalabra”; costo: 12 euro intero, 2 euro ridotto).

Il Main Stage sulla Scalinata di San Bernardino proporrà tre grandi concerti serali: Rita Marcotulli 7tet con ospite Luca Aquino, Opus Magnum di Ettore Fioravanti 6et e Raffaele Casarano 5tet, mentre la notte proseguirà in Piazza Chiarino con il DJ Set di Andrea Passenger.

Il programma culturale comprenderà inoltre gli incontri alla Libreria Polarville, con Marcello Piras dedicato al volume Il jazz in Italia di Adriano Mazzoletti, e al Bistrot Liberamia, con Tullio Visioli e Ada Montellanico, autori del volume I Bambini e la musica – Crescere con i suoni. Per tutta la giornata il Cortile di Palazzo Margherita ospiterà gli spazi educational per bambini da 0 a 6 anni, a cura dell’Associazione Nati nelle Note; il MAXXI i workshop educational di AFIJ; mentre a Palazzo Margherita sarà visitabile la mostra fotografica di AFIJ, “Il jazz e l’energia del sorriso”.

Domenica 6 settembre si aprirà con il tradizionale Concerto istituzionale al Parco della Memoria, che vedrà il ritorno dell’Istituzione Sinfonica Abruzzese insieme a Gaia Mattiuzzi, con musiche di Roberto Martinelli, Bruno Luise e Alessandro Fabbri.

Nel pomeriggio Largo Tunisia tornerà ad accogliere Humans of L’Aquila, mentre in Piazza Santa Margherita si alterneranno il VMV Trio, TAURN, vincitore di Nuova Generazione Jazz, e West Riviera, vincitore del Premio Nuovo IMAIE.

Sul Main Stage del Parco del Castello saliranno il Luca Dell’Anna Quartet con Shojin, Il cielo è pieno di stelle, omaggio a Pino Daniele con Fabrizio Bosso e Julian Oliver Mazzariello, e il concerto conclusivo de I Patagarri.

All’Auditorium di Palazzo Spaventa si esibiranno gli Eagles Swing Ensemble, mentre AFIJ e MIDJ presenteranno i progetti Fiume lento – Rapsodia del grande fiume, Puccini e il lago, Atmosfere cittadine e paesaggi marini e (R)Evolution.

Il Teatro San Filippo ospiterà l’Orchestra Jazz che Vorrei L’Aquila, diretta da Emanuele Parrini, il Parrilla-Manna 4et e il Falzone 5et. Nel Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni saranno protagonisti Landscapes, il Rinaldi/Mastropirro Duo & Poetry e il Colombo/Caligiuri Duo.

Nel Piano Corner si alterneranno Massimiliano Cameroni, Livio Minafra e Luca Dell’Anna, mentre il Cortile di Palazzo Benedetti ospiterà ICARO con Luca Aquino, Folkways con Costanza Alegiani, Marcello Allulli ed Edoardo Ferri, e il duo DOIS.

Tra Corso Vittorio Emanuele, Piazza del Palazzo, Piazza del Teatro e Piazza Duomo si esibirà la Bandao Percussion Street Band. Nella Corte del MAXXI L’Aquila saranno protagonisti Disorienti, con Anais Drago e Peppe Frana, e il duo formato da Roberto Taufic e Fausto Beccalossi; al MUNDA – Bastione Est del Castello Cinquecentesco (Sala Mammut) gli assoli di Carlo Maver e Giuseppe Franchellucci (ad ingresso gratuito).

Il programma culturale proseguirà alla Libreria Colacchi con Narrativa in Jazz, dialogo con Dino Massa e Antonio Petralia; alla Libreria Polarville con Stefano Zenni e il suo volume Giant Steps, la musica di John Coltrane; al Bistrot Liberamia con Massimo Garritano e il libro Come un funambolo in equilibrio – Solo Performance e Improvvisazione. Proseguiranno inoltre gli spazi educational dell’Associazione Nati nelle Note, i workshop di AFIJ, la mostra fotografica nella Sala degli Affreschi di Palazzo Spaventa, mentre il Cortile di Palazzo Dragonetti ospiterà Crazy Stompin’ Club, Paolo Conte Tribute Band e Gran Sasso Swing Band, e il Cortile di Palazzo de Nardis gli assoli di Clara Gizzi, Emanuele Parrini e Antonio Marinelli.

Da segnalare anche la nuova collaborazione con il Centro Studi Danza L’Arabesque, che organizzerà delle performance creative nell’occasione di alcuni dei concerti previsti in programma sabato a Palazzo Benedetti (Alberto La Neve, Massimo Garritano) e nella Sala Mammut del MUNDA (Eugenio Colombo, Vincenzo Mastropirro); mentre domenica saranno a Palazzo Lucentini Bonanni (Rinaldi/Mastropirro; Colombo/Caligiuri), Palazzo de Nardis (Emanuele Parrini) e nella Sala Mammut (Giuseppe Franchellucci).

Le location scelte: Teatro San Filippo, Parco della Memoria, Sagrato della Chiesa del Crocifisso, Largo Tunisia, Piazza Santa Margherita, Parco del Castello (main stage della domenica), Scalinata di San Bernardino (main stage del sabato), Auditorium e Sala degli Affreschi di Palazzo Spaventa (via Bafile), Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni (Piazza Regina Margherita), Cortile di Palazzo Di Paola (Corso Vittorio Emanuele II), Cortile di Palazzo Benedetti (via Sassa), MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo (corte), MUNDA – Bastione Est del Castello Cinquecentesco (Sala Mammut), Corso Vittorio Emanuele – Piazza del Palazzo – Piazza del Teatro – Piazza Duomo (street band), Piazza Chiarino, Cortile di Palazzo Dragonetti (via Santa Giusta), Cortile di Palazzo de Nardis (via San Marciano), Libreria Colacchi, Libreria Polarville, Bistrot Liberamia, Palazzo Margherita.

Durante le due serate verranno inoltre conferiti i premi curati dalla Federazione Nazionale Il Jazz italiano e dalle sue associazioni, nello specifico: Premio alla Carriera ad Ares Tavolazzi, Premio “Nuove Direzioni” ad Alessandro Gambo (direttore artistico di Jazz is Dead), Premio “Giovani Visionari” a Vincenzo Di Gioia, Premio Formazione a Vincenzo Caporaletti.

LE COLLABORAZIONI

Da sottolineare anche l’importante lavoro delle associazioni che fanno parte della Federazione, presieduta da Paolo Damiani, per apportare un arricchimento alla manifestazione, con la realizzazione di eventi collaterali, laboratori, concerti, incontri, progetti multimediali, supporto organizzativo. In particolare: l’associazione dei festival, I-Jazz (Angelo Valori il presidente), storica organizzatrice della manifestazione ed ente promotore in virtù del protocollo d’intesa sottoscritto con il Comune dell’Aquila, Jazz all’Aquila e Federazione IJI, conferma la propria partecipazione nel coadiuvare e gestire i palchi durante le due giornate della manifestazione grazie ai numerosi direttori artistici associati che saranno presenti, figure storiche da anni al fianco dell’organizzazione; I-Jazz inoltre sostiene due band scelte all’interno del progetto “Nuova Generazione Jazz”, Beatrice Arrigoni “Terrestre” e TAURN; l’associazione MIDJ-Musicisti Italiani di Jazz (presidente Susanna Stivali) sarà al fianco non solo dei musicisti soci selezionati dai direttori artistici attraverso la nostra CALL L’ AQUILA, ma di tutti i musicisti partecipanti alla manifestazione, promuovendo momenti di confronto. L’associazione coglierà l’occasione per raccontare le azioni portate avanti, i nostri progetti, il supporto e per ascoltare le suggestioni dei colleghi, con l’idea di creare una rete sempre più forte e coesa a sostegno dei musicisti italiani di jazz; l’associazione dei fotografi AFIJ(presidente Maurizio Magnetta) sarà presente per IJI con un reportage fotografico completo dell’intera manifestazione, grazie all’impegno dei fotografi soci dell’associazione. In programma anche il quarto laboratorio di fotografia per immagini, rivolto a ragazze e ragazzi tra gli 8 e i 12 anni. Inoltre, in collaborazione con MIDJ, AFIJ proporrà speciali performance multimediali che coinvolgeranno tre fotografi soci selezionati. A Palazzo Margherita verrà esposta la mostra collettiva dei soci “Il jazz e l’energia del sorriso”; infine segnaliamo che in occasione della XII edizione torna l’Orchestra Nazionale di Musica Creativa dei Conservatori di Musica, nella seconda fase del progetto ideato da DJeP-AFAM. Dal 3 al 5 settembre, un ensemble vocale formato da studentesse e studenti dei Conservatori italiani, diretto da Gianna Montecalvo e Stefano Luigi Mangia, sarà protagonista di una residenza dedicata all’improvvisazione e alla contaminazione tra linguaggi artistici.

“Il jazz italiano per le terre del sisma” è organizzato dall’associazione Jazz all’Aquila; è promosso e sostenuto dal Ministero della cultura, si inserisce all’interno del programma dell’Aquila Capitale della Cultura 2026 ed è finanziato dal Comune dell’Aquila; è promosso da Regione Abruzzo, con il sostegno dei Main Sponsor SIAE – Società Italiana degli Autori ed Editori, e NUOVO IMAIE – Nuovo Istituto Mutualistico Artisti Interpreti Esecutori, il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio della Provincia dell’Aquila, dello sponsor tecnico Montarbo AEB industriale srle dei molti partner tecnici coinvolti; è organizzato in collaborazione con la Federazione Nazionale Il Jazz Italiano e vede la partecipazione attiva di tutte le realtà ad essa associate. L’evento, inoltre, vede la collaborazione dell’Orchestra Nazionale Jazz dei Conservatori e la collaborazione con alcuni dei più importanti enti culturali del territorio come il MUNDA-Museo Nazionale d’Abruzzo, il Conservatorio Alfredo Casella, MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, il Centro Sperimentale di Cinematografia (sede abruzzese), l’Istituzione Sinfonica Abruzzese, l’Accademia delle Belle Arti dell’Aquila, Centro Studi L’Arabesque, Associazione Teatro Opera Project.

Il programma generale è completo; tuttavia, per esigenze organizzative, potrà essere soggetto a eventuali variazioni.

INFORMAZIONI GENERALI:

info@jazzallaquila.it

L’Ensemble d’archi Astorre Ferrari chiude la rassegna Onde Musicali sul Lago d'Iseo
2026-09-05 16:00 - 18:00 | ITA
Si concluderà sabato 5 settembre sull’isola di Loreto la nona edizione del festival Onde musicali sul Lago d’Iseo, voluto dall’Associazione Luigi Tadini di Lovere in collaborazione con Visit Lake Iseo, l’ente di promozione turistica del Lago d’Iseo: quest’anno sono stati organizzati ben 66 appuntamenti (tra concerti di lirica, cameristica, sacra, antica, jazz, tango e crossover) con la partecipazione di oltre 200 musicisti, tra cui artisti affermati, vincitori di concorsi internazionali e giovani talenti provenienti dai Conservatori italiani e dalle Accademie estere. Per oltre tre mesi (la manifestazione è scattata il 29 maggio scorso a Iseo) i concerti hanno animato i luoghi più suggestivi delle due sponde del Sebinoe alcune località limitrofe delle province di Bergamo e Brescia.

Il gran finale di Onde musicali sul Lago d’Iseo andrà in scena sabato 5 settembre sulla meravigliosa isola di Loreto (Bs) con il concerto intitolato Viaggio tra le stagioni (doppio set alle ore 16 e alle 19), protagonista l’Ensemble d’archi Astorre Ferrari. Questo gruppo riunisce i migliori allievi del Conservatorio Peri-Merulo di Reggio Emilia e Castelnovo ne’ Monti, sotto la direzione di Alessandro Ferrari. Il programma prevede, da Il cimento dell’armonia e dell’invenzione di Antonio Vivaldi, l’Inverno (Allegro non molto; Largo; Allegro), la Primavera (Allegro; Largo e pianissimo sempre; Allegro pastorale) e l’Estate (Allegro non molto; Adagio e piano, presto e forte; Presto), eseguite dal violinista Pietro Bolognini (solista e concertatore), Sara Sole Stojmenov (primo violino), Luca Maccagnani (secondo violino), Elena Accogli (viola), Valery López (violoncello) e Pierpaolo Casoni (contrabbasso). I biglietti per assistere al concerto, al costo di 80 euro, includono il parcheggio, il trasporto sull’isola con imbarcazione privata e il brindisi finale con le bollicine “made in Franciacorta” della cantina Antica Fratta.

Commenta Roberto Forcella, ideatore della manifestazione: ««Anche la nona edizione del festival si avvia alla conclusione. È stato un anno particolarmente intenso, con una settantina di concerti organizzati in alcuni dei siti più affascinanti del nostro splendido lago. Abbiamo confermato l’impegno di promuovere le eccellenze tra i giovani musicisti emergenti e la folta partecipazione del pubblico ci riempie di soddisfazione. Questa risposta è il miglior stimolo per guardare già alla prossima stagione, che segnerà il decimo anniversario di Onde musicali sul Lago d’Iseo. Un ringraziamento speciale va ai Comuni, alle Fondazioni, agli enti, alle istituzioni e alle attività private che ci hanno sostenuto. Il mio grazie va anche alla direzione artistica della rassegna, al consorzio Visit lake Iseo per il continuo e puntuale lavoro di promozione e comunicazione e a tutti i volontari che ci hanno seguito e che hanno operato con entusiasmo per la riuscita della manifestazione».

Onde musicali sul Lago d’Iseo è stato reso possibile grazie al contributo di Regione Lombardia, al supporto straordinario della Fondazione della Comunità Bergamasca e al sostegno degli sponsor Navigazione Lago d’Iseo, Rotary Club Lovere-Iseo-Breno, Comisa, Bertoni antinfortunistica industriale, Gfelti, Antica Fratta Franciacorta e Lions Club Lovere.

Prosegue la programmazione della IX edizione di Onde Musicali sul Lago d'Iseo
2026-09-05 21:00 | ITA
Entra nel terzo mese di programmazione la nona edizione della manifestazione organizzata dall’Associazione Luigi Tadini e dall’ente di promozione turistica Visit Lake Iseo

La musica, sul Sebino, non va mai in vacanza: dopo il notevole successo dei tanti appuntamenti andati in scena nei mesi di giugno e luglio, la nona edizione di Onde musicali sul Lago d’Iseo, il festival organizzato dall’Associazione Luigi Tadini di Lovere in collaborazione con Visit Lake Iseo, l’ente di promozione turistica del Lago d’Iseo, proseguirà per tutto agosto, fino all’evento speciale di chiusura del 5 settembre sull’isola di Loreto. Anche questo mese sarà ricco, infatti, di eventi che animeranno i luoghi più suggestivi delle due sponde del lagoe di alcune località limitrofe delle province di Bergamo e Brescia.

Il mese di agosto sì è aperto sabato 1 con l’applaudita performance del Rapsodia Saxophone Quartet a Costa Volpino (Bg). Un altro appuntamento che ha incuriosito e appassionato gli spettatori è stata l’esibizione, venerdì 7 agosto a Zone(Bs), del duo Hélios Vagabond, formato da Élise Chemla al violoncello e Camilla Finardi al mandolino, al liuto cantabile e alla chitarra, tra musiche tradizionali e composizioni contemporanee.

Venerdì 14 agosto il festival farà tappa aLovere (Bg), presso Villa Milesi, sede del concerto del quartetto di clarinetti Marsyas (ore 21, ingresso libero): Francesco Carasi, Gabriele Faustini, Andrea Marenghi e Serena Pattacini sono i componenti di questo ensemble, nato nel 2023 al Conservatorio Peri di Reggio Emilia. Il quartetto, che utilizza la famiglia completa del clarinetto (dal basso al piccolo, con l’impiego occasionale del corno di bassetto), presenterà Folk Songs Suite, un viaggio musicale attraverso le danze popolari provenienti da diverse regioni del mondo, riunite in un percorso che richiama la forma classica della suite. Il programma spazia dalla Gran Bretagna all’Europa centro-orientale, dall’Argentina al Messico, mostrando come la danza – elemento universale e identitario – sia diventata fonte di ispirazione per i compositori del Novecento e per quelli contemporanei. Il concerto si aprirà con Molly on the Shore di Percy Grainger, nella trascrizione per quartetto di clarinetti realizzata dallo stesso ensemble, per poi passare alle Antiche danze ungheresi di Ferenc Farkas e alle Danze rumene di Béla Bartók, fino a una suite di brani del compositore inglese Gordon Jacob e a un brano tratto dalla celebre Histoire du Tango di Astor Piazzolla, per chiudere infine con una danzón cubana di Arturo Márquez e con la Rumba di Gaspare Tirincanti.

Si continuerà, sempre a passo di danza e in particolare di tango, sabato 22 agosto a Pisogne (Bs) nella chiesa di Santa Maria della Neve (ore 21, ingresso libero) con lo spettacolo AT-Traverso il TangoovveroPassioni, virtuosismo, emozioni tra Vecchio e Nuovo Continente. Eseguendo brani di Piazzolla, Cardoso, Gardel, Girotto e altri, il quartetto composto da Giovanni Mareggini (flauto), Riccardo Bontempelli (percussioni), Enrico Lazzarini (contrabbasso) e Massimo Tagliata (pianoforte e arrangiamenti) condurrà il pubblico in un viaggio musicale che partirà dall’Ottocento, quando l’habanera cubana lasciò spazio alle milonghe, e proseguirà con i brani struggenti dei grandi cantanti argentini, fino alla diffusione del tango nel mondo come forma musicale universale, grazie all’opera infaticabile del compositore Astor Piazzolla. Qui il tango argentino si confronterà con la Bossa Nova ed i Choros brasiliani: brani vocali e strumentali in cui il virtuosismo si fonde con la malinconia, il carnevale con la saudade. Giovanni Mareggini si è esibito nei più importanti festival e teatri internazionali. Vanta collaborazioni con Giorgio Gaslini, Lucio Dalla e Jan Anderson dei Jethro Tull. Esperto anche di musica sacra, è stato incaricato da Papa Francesco della direzione musicale del Sinodo dei giovani nel 2018 e nel 2022. Enrico Lazzarini ha collaborato con alcuni dei jazzisti più noti della scena italiana e internazionale (tra cui Fresu, Marcotulli, Bosso, Ribot e Odorici), con il cantautore Vinicio Capossela e con artisti del calibro di Paolo Rossi. Massimo Tagliata ha iniziato ad approfondire il linguaggio del tango argentino quand’era adolescente. Grazie alla sua spiccata versatilità, spazia dal jazz alla musica italiana d’autore, dal pop al folk, collaborando con numerosi musicisti del panorama nazionale e internazionale, tra cui Biagio Antonacci, Antonella Ruggiero, Elisa, Sal Da Vinci, Javier Girotto e molti altri. Riccardo Bontempelli si è diplomato in batteria al CPM di Milano ed è attivo in ambito jazz e pop/rock.

Onde musicali sul Lago d’Iseo è reso possibile grazie al contributo di Regione Lombardia, al supporto straordinario della Fondazione della Comunità Bergamasca e al sostegno degli sponsor Navigazione Lago d’Iseo, Rotary Club Lovere-Iseo-Breno, Comisa, Bertoni antinfortunistica industriale, Gfelti, Antica Fratta Franciacorta e Lions Club Lovere). Come sempre, tutti gli eventi del festival sono a ingresso libero, ad eccezione di tre concerti speciali: quello del 27 giugno scorso alla Rocca Martinengo di Monte Isola e i due sull’isola di Loreto.

Programma completo del festival, acquisto dei biglietti e aggiornamenti on line qui: visitlakeiseo.info

"Il Jazz italiano per le terre del sisma" a L'Aquila
2026-09-05 21:00 - 2026-09-06 21:00 | ITA
Dodici anni di musica, di incontri e di comunità. Dodici anni in cui il jazz italiano ha scelto di ritrovarsi all’Aquila, facendo della cultura uno strumento concreto di ricostruzione, relazione e partecipazione. Non soltanto un festival, ma un progetto collettivo che, dal 2015, accompagna il percorso di rinascita dei territori colpiti dal sisma, trasformando la musica in occasione di dialogo, condivisione e futuro.

Sabato 5 e domenica 6 settembre torna Il jazz italiano per le terre del sisma, appuntamento ormai unico nel panorama culturale nazionale, capace di riunire ogni anno centinaia di musiciste e musicisti provenienti da tutta Italia in un grande laboratorio artistico diffuso che coinvolge istituzioni, associazioni, operatori culturali e cittadini. Un’edizione che assume un significato ancora più profondo nell’anno in cui L’Aquila è Capitale Italiana della Cultura 2026, confermando il ruolo della città come luogo privilegiato di incontro, sperimentazione e produzione culturale.

Saranno oltre 300 gli artisti protagonisti della dodicesima edizione, distribuiti nei luoghi simbolo del centro storico: saranno oltre 20 le location tra piazze, cortili, palazzi storici, chiese, musei e spazi della cultura che torneranno ad accogliere concerti, produzioni originali, incontri, laboratori e progetti multidisciplinari, costruendo un percorso che mette in relazione il patrimonio storico della città con la vitalità della scena jazzistica contemporanea.

Resta l’ingresso gratuito per la maggioranza dei concerti; sarà previsto il pagamento del biglietto solo per i live in programma al main stage di San Bernardino e ai palchi di Piazza Santa Margherita e Parco del Castello: l’abbonamento per il singolo palco giornaliero (tre concerti per palco) avrà il costo di 5 euro + 1 euro d.p.; l’abbonamento per Parco del Castello (programma delle due giornate) avrà il costo di 8 euro + 1 euro d.p.; l’abbonamento per Piazza Santa Margherita (programma delle due giornate) avrà il costo di 8 euro + 1 euro d.p.

IL TEMA: RIFLESSI

Ad accompagnare questa edizione è “Riflessi”, una parola semplice solo in apparenza, scelta dalla direzione artistica come chiave di lettura dell’intera manifestazione.

I riflessi sono quelli che si generano tra musiciste e musicisti appartenenti a generazioni diverse, quando l’ascolto reciproco diventa occasione di crescita e trasformazione. Sono quelli tra composizione e improvvisazione, tra memoria e presente, tra i luoghi della città e le persone che li abitano. Sono, ancora, i riflessi di un territorio che continua a reinventarsi, dove il ricordo non rimane immobile ma alimenta nuove possibilità di incontro e di creazione.

È una visione che attraversa tutto il programma della XII edizione, affidata alla direzione artistica di Maria Pia De Vito, Paola Martini e Nicola Pisani, che hanno immaginato il festival come uno spazio aperto di confronto, nel quale il jazz diventa linguaggio capace di interpretare il presente, favorire relazioni e generare nuove prospettive.

Come scrivono gli stessi direttori artistici, l’obiettivo è stato quello di costruire un festival che fosse «un insieme di riflessi della grande creatività e vitalità del jazz italiano», capace di dare spazio alla libertà espressiva, alle produzioni originali e all’incontro tra musiche, discipline e sensibilità differenti. Un percorso nel quale l’improvvisazione non rappresenta soltanto una pratica musicale, ma un modo di leggere la realtà e di immaginare il futuro.

IL PROGRAMMA, TRA PRODUZIONI ORIGINALI E NUOVI LUOGHI

La dodicesima edizione si distingue per un programma costruito intorno a numerose produzioni originali e progetti pensati appositamente per L’Aquila, confermando la vocazione della manifestazione a essere non soltanto una vetrina del jazz italiano, ma un luogo di creazione artistica.

Tra gli appuntamenti simbolo dell’intera manifestazione si conferma quello della domenica mattina al Parco della Memoria, luogo nel quale il festival rinnova il proprio legame con la città e con la storia delle comunità colpite dal terremoto.

L’edizione 2026 assume un significato particolare grazie al ritorno dell’Istituzione Sinfonica Abruzzese, protagonista di una nuova produzione originale realizzata appositamente per il festival. Una presenza di grande valore artistico e simbolico che rafforza il dialogo tra il jazz italiano e una delle più autorevoli istituzioni musicali del territorio, riaffermando il ruolo della manifestazione come luogo di incontro tra linguaggi, esperienze e tradizioni musicali.

La produzione, diretta da Marco Moresco (musicista e docente del Conservatorio dell’Aquila) vedrà la partecipazione della cantante Gaia Mattiuzzi insieme all’Istituzione Sinfonica Abruzzese e sarà costruita intorno a nuove composizioni firmate da Roberto Martinelli, Bruno Luise e Alessandro Fabbri, dando vita a un progetto inedito concepito espressamente per questo appuntamento.

Come da tradizione, il concerto del Parco della Memoria rappresenterà uno dei momenti più intensi della manifestazione, nel quale memoria civile, musica e partecipazione collettiva si fondono in un’unica esperienza condivisa, rinnovando il senso profondo che accompagna la manifestazione sin dalla sua nascita.

Il programma prenderà il via sabato 5 settembre con il concerto inaugurale al Teatro San Filippo, affidato all’Orchestra Nazionale Jazz dei Conservatori, con la partecipazione di Ada Montellanico, Rosario Giulianie le composizioni e direzione di Roberto Spadoni e Corrado Guarino. Al tramonto, sul sagrato della Chiesa del Crocifisso nel Parco del Castello, il progetto DJeP, realizzato in collaborazione con l’Accademia delle Belle Arti dell’Aquila, con Gianna Montecalvo, Stefano Luigi Mangia e l’ONMC Vocal Ensemble.

Dalle ore 15 alle 18 Largo Tunisia ospiterà Humans of L’Aquila, progetto coordinato da Carlo Cimino con Samuele Cinelli e Agostino Tatulli. In Piazza Santa Margherita si alterneranno il Federico Campanello Quartet, vincitore del Premio Conad Jazz Contest – Umbria Jazz, Beatrice Arrigoni – Terrestre, vincitrice di Nuova Generazione Jazz, Doronzo/Minafra – Fabulae e, in chiusura di serata, lo Spazio Jazz Club, a cura dell’Alexanderplatz Jazz Club, con la Pellini Orchestra Redcats e la partecipazione straordinaria di Max Paiella.

Il Parco del Castello ospiterà MORA, Alessandrini & 9PM Quartet e Il medico dei pazzi, progetto di Dino Massa Trio con Marco Sannini. All’Auditorium di Palazzo Spaventa saranno protagonisti il Francesco Caligiuri Trio con Portrait of Colors, Hayalet di Flavia Massimo e Caterina Palazzi e Fiore Selvatico.

Al Teatro San Filippo, nel pomeriggio, spazio al NICA 6tet, al vincitore del Premio Massimo Urbani 2026, Leo Dalla Cort, e all’Art Ensemble of Casella, diretto da Walter Gaeta.

Nel Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni si esibiranno Raffaele Casarano, il duo Carlo Maver/Giuseppe Franchellucci e In vago spirito, con Ludovica Manzo e Ruggiero Fornari. Nel Piano Corner, allestito nel Cortile di Palazzo Di Paola, saranno protagonisti Dino Massa, Nicola Puccetti e Giovanni Guidi, mentre il Cortile di Palazzo Benedetti ospiterà gli assoli di Alberto La Neve, Massimo Garritano e Rosario Giuliani.

Tra Corso Vittorio Emanuele, Piazza del Palazzo, Piazza del Teatro e Piazza Duomo sfilerà la Crazy Dixie Band, mentre la Corte del MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo accoglierà Michele Rabbia e il duo Francesca Corrias/Mauro Laconi. Al MUNDA, nella Sala Mammut del Bastione Est del Castello Cinquecentesco, si esibiranno Eugenio Colombo e Vincenzo Mastropirro con Assoli (per l’ingresso nella giornata del sabato sarà necessario acquistare il biglietto di ingresso al museo, dove, in contemporanea, sarà esposta la mostra “La Visitazione all’Aquila. Raffaello E Pontormo”, a cura di Tom Henry e Federica Zalabra”; costo: 12 euro intero, 2 euro ridotto).

Il Main Stage sulla Scalinata di San Bernardino proporrà tre grandi concerti serali: Rita Marcotulli 7tet con ospite Luca Aquino, Opus Magnum di Ettore Fioravanti 6et e Raffaele Casarano 5tet, mentre la notte proseguirà in Piazza Chiarino con il DJ Set di Andrea Passenger.

Il programma culturale comprenderà inoltre gli incontri alla Libreria Polarville, con Marcello Piras dedicato al volume Il jazz in Italia di Adriano Mazzoletti, e al Bistrot Liberamia, con Tullio Visioli e Ada Montellanico, autori del volume I Bambini e la musica – Crescere con i suoni. Per tutta la giornata il Cortile di Palazzo Margherita ospiterà gli spazi educational per bambini da 0 a 6 anni, a cura dell’Associazione Nati nelle Note; il MAXXI i workshop educational di AFIJ; mentre a Palazzo Margherita sarà visitabile la mostra fotografica di AFIJ, “Il jazz e l’energia del sorriso”.

Domenica 6 settembre si aprirà con il tradizionale Concerto istituzionale al Parco della Memoria, che vedrà il ritorno dell’Istituzione Sinfonica Abruzzese insieme a Gaia Mattiuzzi, con musiche di Roberto Martinelli, Bruno Luise e Alessandro Fabbri.

Nel pomeriggio Largo Tunisia tornerà ad accogliere Humans of L’Aquila, mentre in Piazza Santa Margheritasi alterneranno il VMV Trio, TAURN, vincitore di Nuova Generazione Jazz, e West Riviera, vincitore del Premio Nuovo IMAIE.

Sul Main Stage del Parco del Castello saliranno il Luca Dell’Anna Quartet con Shojin, Il cielo è pieno di stelle, omaggio a Pino Daniele con Fabrizio Bosso e Julian Oliver Mazzariello, e il concerto conclusivo de I Patagarri.

All’Auditorium di Palazzo Spaventa si esibiranno gli Eagles Swing Ensemble, mentre AFIJ e MIDJpresenteranno i progetti Fiume lento – Rapsodia del grande fiume, Puccini e il lago, Atmosfere cittadine e paesaggi marini e (R)Evolution.

Il Teatro San Filippo ospiterà l’Orchestra Jazz che Vorrei L’Aquila, diretta da Emanuele Parrini, il Parrilla-Manna 4et e il Falzone 5et. Nel Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni saranno protagonisti Landscapes, il Rinaldi/Mastropirro Duo & Poetry e il Colombo/Caligiuri Duo.

Nel Piano Corner si alterneranno Massimiliano Cameroni, Livio Minafra e Luca Dell’Anna, mentre il Cortile di Palazzo Benedetti ospiterà ICARO con Luca Aquino, Folkways con Costanza Alegiani, Marcello Allullied Edoardo Ferri, e il duo DOIS.

Tra Corso Vittorio Emanuele, Piazza del Palazzo, Piazza del Teatro e Piazza Duomo si esibirà la Bandao Percussion Street Band. Nella Corte del MAXXI L’Aquila saranno protagonisti Disorienti, con Anais Dragoe Peppe Frana, e il duo formato da Roberto Taufic e Fausto Beccalossi; al MUNDA – Bastione Est del Castello Cinquecentesco (Sala Mammut) gli assoli di Carlo Maver e Giuseppe Franchellucci (ad ingresso gratuito).

Il programma culturale proseguirà alla Libreria Colacchi con Narrativa in Jazz, dialogo con Dino Massa e Antonio Petralia; alla Libreria Polarville con Stefano Zenni e il suo volume Giant Steps, la musica di John Coltrane; al Bistrot Liberamia con Massimo Garritano e il libro Come un funambolo in equilibrio – Solo Performance e Improvvisazione. Proseguiranno inoltre gli spazi educational dell’Associazione Nati nelle Note, i workshop di AFIJ, la mostra fotografica nella Sala degli Affreschi di Palazzo Spaventa, mentre il Cortile di Palazzo Dragonetti ospiterà Crazy Stompin’ Club, Paolo Conte Tribute Band e Gran Sasso Swing Band, e il Cortile di Palazzo de Nardis gli assoli di Clara Gizzi, Emanuele Parrini e Antonio Marinelli.

Da segnalare anche la nuova collaborazione con il Centro Studi Danza L’Arabesque, che organizzerà delle performance creative nell’occasione di alcuni dei concerti previsti in programma sabato a Palazzo Benedetti (Alberto La Neve, Massimo Garritano) e nella Sala Mammut del MUNDA (Eugenio Colombo, Vincenzo Mastropirro); mentre domenica saranno a Palazzo Lucentini Bonanni (Rinaldi/Mastropirro; Colombo/Caligiuri), Palazzo de Nardis (Emanuele Parrini) e nella Sala Mammut (Giuseppe Franchellucci).

Le location scelte: Teatro San Filippo, Parco della Memoria, Sagrato della Chiesa del Crocifisso, Largo Tunisia, Piazza Santa Margherita, Parco del Castello (main stage della domenica), Scalinata di San Bernardino (main stage del sabato), Auditorium e Sala degli Affreschi di Palazzo Spaventa (via Bafile), Cortile di Palazzo Lucentini Bonanni (Piazza Regina Margherita), Cortile di Palazzo Di Paola (Corso Vittorio Emanuele II), Cortile di Palazzo Benedetti (via Sassa), MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo (corte), MUNDA – Bastione Est del Castello Cinquecentesco (Sala Mammut), Corso Vittorio Emanuele – Piazza del Palazzo – Piazza del Teatro – Piazza Duomo (street band), Piazza Chiarino, Cortile di Palazzo Dragonetti (via Santa Giusta), Cortile di Palazzo de Nardis (via San Marciano), Libreria Colacchi, Libreria Polarville, Bistrot Liberamia, Palazzo Margherita.

Durante le due serate verranno inoltre conferiti i premi curati dalla Federazione Nazionale Il Jazz italiano e dalle sue associazioni, nello specifico: Premio alla Carriera ad Ares Tavolazzi, Premio “Nuove Direzioni” ad Alessandro Gambo (direttore artistico di Jazz is Dead), Premio “Giovani Visionari” a Vincenzo Di Gioia, Premio Formazione a Vincenzo Caporaletti.

LE COLLABORAZIONI

Da sottolineare anche l’importante lavoro delle associazioni che fanno parte della Federazione, presieduta da Paolo Damiani, per apportare un arricchimento alla manifestazione, con la realizzazione di eventi collaterali, laboratori, concerti, incontri, progetti multimediali, supporto organizzativo. In particolare: l’associazione dei festival, I-Jazz (Angelo Valori il presidente), storica organizzatrice della manifestazione ed ente promotore in virtù del protocollo d’intesa sottoscritto con il Comune dell’Aquila, Jazz all’Aquila e Federazione IJI, conferma la propria partecipazione nel coadiuvare e gestire i palchi durante le due giornate della manifestazione grazie ai numerosi direttori artistici associati che saranno presenti, figure storiche da anni al fianco dell’organizzazione; I-Jazz inoltre sostiene due band scelte all’interno del progetto “Nuova Generazione Jazz”, Beatrice Arrigoni “Terrestre” e TAURN; l’associazione MIDJ-Musicisti Italiani di Jazz (presidente Susanna Stivali) sarà al fianco non solo dei musicisti soci selezionati dai direttori artistici attraverso la nostra CALL L’ AQUILA, ma di tutti i musicisti partecipanti alla manifestazione, promuovendo momenti di confronto. L’associazione coglierà l’occasione per raccontare le azioni portate avanti, i nostri progetti, il supporto e per ascoltare le suggestioni dei colleghi, con l’idea di creare una rete sempre più forte e coesa a sostegno dei musicisti italiani di jazz; l’associazione dei fotografi AFIJ (presidente Maurizio Magnetta) sarà presente per IJI con un reportage fotografico completo dell’intera manifestazione, grazie all’impegno dei fotografi soci dell’associazione. In programma anche il quarto laboratorio di fotografia per immagini, rivolto a ragazze e ragazzi tra gli 8 e i 12 anni. Inoltre, in collaborazione con MIDJ, AFIJ proporrà speciali performance multimediali che coinvolgeranno tre fotografi soci selezionati. A Palazzo Margherita verrà esposta la mostra collettiva dei soci “Il jazz e l’energia del sorriso”; infine segnaliamo che in occasione della XII edizione torna l’Orchestra Nazionale di Musica Creativa dei Conservatori di Musica, nella seconda fase del progetto ideato da DJeP-AFAM. Dal 3 al 5 settembre, un ensemble vocale formato da studentesse e studenti dei Conservatori italiani, diretto da Gianna Montecalvo e Stefano Luigi Mangia, sarà protagonista di una residenza dedicata all’improvvisazione e alla contaminazione tra linguaggi artistici.

“Il jazz italiano per le terre del sisma” è organizzato dall’associazione Jazz all’Aquila; è promosso e sostenuto dal Ministero della cultura, il Comune dell’Aquila, fa parte del programma L’Aquila 2026 Capitale Italiana della cultura; è promosso da Regione Abruzzo, con il sostegno dei Main Sponsor SIAE – Società Italiana degli Autori ed Editori, e NUOVO IMAIE – Nuovo Istituto Mutualistico Artisti Interpreti Esecutori, il contributo di Fondazione Cassa di Risparmio della Provincia dell’Aquila, dello sponsor tecnico Montarbo AEB industriale srl e dei molti partner tecnici coinvolti; è organizzato in collaborazione con la Federazione Nazionale Il Jazz Italiano e vede la partecipazione attiva di tutte le realtà ad essa associate. L’evento, inoltre, vede la collaborazione dell’Orchestra Nazionale Jazz dei Conservatori e la collaborazione con alcuni dei più importanti enti culturali del territorio come il MUNDA-Museo Nazionale d’Abruzzo, il Conservatorio Alfredo Casella, MAXXI L’Aquila – Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, il Centro Sperimentale di Cinematografia (sede abruzzese), l’Istituzione Sinfonica Abruzzese, l’Accademia delle Belle Arti dell’Aquila, Centro Studi L’Arabesque, Associazione Teatro Opera Project.

Materiale fotografico realizzato dall’Associazione dei Fotografi Italiani di Jazz

Il programma generale è completo; tuttavia, per esigenze organizzative, potrà essere soggetto a eventuali variazioni.

INFORMAZIONI GENERALI:

info@jazzallaquila.it

Omaggio a Lucio Dalla con Peppe Servillo, e Javier Girotto a Santa Marinella
2026-09-05 21:00 - 2026-09-12 21:00 | Palazzo Municipale Santa Marinella, via Cicerone, 25, Santa Marinella (RM), ITA, 00058, Italy
Il festival di jazz e musiche improvvisate, Una striscia di terra feconda, con la direzione artistica Paolo Damiani, Armand Meignan, presenta a Santa Marinella nel Palazzo Municipale, in collaborazione con il Comune di Santa Marinella, un doppio appuntamento, sabato 5 settembre, L’Anno Che Verrà, omaggio a Lucio Dalla, che vedrà sul palco, il trio composto da Peppe Servillo, Javier Girotto e Natalio Mangalavite e Sabato 12 settembre, Ilaria Pilar Patassini, Angelo Valori & Medit Orchestra presentano “Canto Conte”. Sabato 5 settembre, nel Palazzo Municipale di Santa Marinella, il trio Servillo-Girotto-Mangalavite in L’anno che verrà. Tre artisti d’eccezione si incontrano in un progetto che unisce musica popolare, jazz e parola d’autore. Con L’anno che verrà, omaggio a Lucio Dalla, rileggono i suoi brani più iconici in chiave acustica, intima, profonda. La voce di Peppe Servillo, i fiati andini e i sax di Javier Girotto, il pianoforte e le tastiere di Natalio Mangalavite creano atmosfere sospese tra nostalgia e futuro. Un viaggio musicale e umano, che attraversa radici sudamericane, improvvisazione e canzone d’autore con sorprendente naturalezza.

“L’anno che verrà ci sembrava il titolo più indicato, visto l’anno che abbiamo passato e ci auguriamo davvero che…sarà tre volte Natale e festa tutto l’anno! Lucio Dalla sapeva indagare il futuro con le sue canzoni da profeta e per questo ci avviamo con la lampada a ripercorrerle, canzoni antiche come la terra, ma con dentro un motore che guarda il domani.Dalla ha sempre intercettato il comune sentire traducendolo in forma poetica e popolare, e le sue grandi doti di interprete hanno contribuito non poco a ciò. A noi, il tentativo di rileggere i suoi brani tenendo conto di tutto questo, sperando di indagare e ritrovare nella sua scrittura la capacità di fare della canzone un segnale imprescindibile del nostro cercare la vita, del fare poesia.

Sabato 12 settembre, sempre nel Palazzo Municipale di Santa Marinella, Ilaria Pilar Patassini, Angelo Valori & Medit Orchestra presentano “Canto Conte”. Le canzoni di Paolo Conte sono un Paese a sé, con propria costituzione, geografia, urbanistica, personaggi, dress code. Può sembrare dunque un “gioco d’azzardo”, da parte di una voce femminile, voler abitare questa nazione corsara da protagonista. Ilaria Pilar Patassini, in complicità con il direttore d’orchestra e arrangiatore Angelo Valori e della sua Medit Orchestra – sceglie di prendersi questo passaporto attraverso un cambio di punto di vista e di colore (gli arrangiamenti in chiave sinfonico-jazz-cameristica) ma rispettando la scrittura e la struttura delle composizioni del grande cantautore astigiano. In repertorio trovano posto grandi classici come “Alle prese con una verde milonga”, “Gli impermeabili”, l’immancabile “Via con me”, ma anche canzoni per appassionati del repertorio contiano come “Reveries”, “Elisir”, “Spassiunatamente”. Di questo ambizioso progetto Ilaria Pilar Patassini dice: «Volevo da tempo prendermi il rischio di dare voce e corpo alla parte femminile di Conte, al suo lato più sensuale, erotico, giocoso e francese. Alla fine, tra l’incoscienza e la saggezza ha vinto il desiderio».

La rassegna fa parte delle più importanti reti europee di jazz, EJN e I-JAZZ.

Diverse prestigiose istituzioni italiane sostengono il festival: il Ministero della Cultura , la la Regione Lazio, il Comune di Roma (Municipio II), Zetema, la SIAE (main sponsor), la Fondazione Musica per Roma – Auditorium Parco della Musica, la Casa del Jazz, Institut Français in Italia- Ambasciata Francese a Roma, la Fondazione Nuovi Mecenati, Goethe Institut, il Museo Macro, RAI Radio 3 (media partner), il Centro di Produzione Insulae Lab, MIDJ, Puglia Sounds, Azienda Speciale PalaEXPO, Promu, Musica Jazz, il Teatro di Tor Bella Monaca, I-jazz, il Conservatorio di Salerno, il Conservatorio di Bari, il Conservatorio di Frosinone, la Scuola Saint Louis, i Comuni di Santa Marinella e Velletri

Evento curato dalla Consigliera Delegata alla Cultura Giovanna Caratelli

INGRESSO: 10 euro, ridotto 5 euro per under 26 e iscritti Afam, 8 euro per over 65

INFO: 349 2643452

"Fortuna in Musica" il festival dei Musei e Parchi archeologici di Praeneste e Gabii,
2026-09-06 19:30 - 2026-09-12 19:30 | ITA
Dal 6 al 12 settembre torna Fortuna in Musica, il festival dei Musei e Parchi archeologici di Praeneste e Gabii, che quest’anno amplia il proprio percorso dal Santuario della Fortuna Primigenia di Palestrina al Parco archeologico di Gabii.

La novità dell’edizione 2026 è il Teatro campestre di Gabii, una nuova struttura temporanea e reversibile, realizzata con balle di fieno e materiali presenti nel Parco, pensata per accogliere spettacoli dal vivo in dialogo con il paesaggio e la memoria archeologica del sito.

Tre gli appuntamenti in programma:

6 settembre, ore 19.30 – PalestrinaCirco Diatonico – Acrobazie, ritmo ed emozioni dello spettacolo viaggianteSantuario della Fortuna Primigenia – Piazza della Cortina

11 settembre, ore 19.30 – GabiiSimone Prattico – Oriundo QuartetTeatro campestre del Parco archeologico di Gabii – Via Prenestina Nuova, km 19,300

12 settembre, ore 19.30 – GabiiJavier Girotto & Aires Tango – 30Teatro campestre del Parco archeologico di Gabii – Via Prenestina Nuova, km 19,300

Saremmo molto felici di poter accogliere giornalisti, fotografi e operatori dell’informazione agli spettacoli.

L’ingresso è gratuito al costo simbolico di 1 euro. Per organizzare al meglio l’accoglienza stampa, vi chiediamo di confermare la vostra presenza direttamente a me, indicando, se possibile, lo spettacolo scelto e il numero di persone.

Per il programma completo e le informazioni:gabiipraeneste.cultura.gov.it

Per i biglietti:Prenotazione biglietti Fortuna in Musica 2026

Vi aspettiamo a Palestrina e Gabii per raccontare insieme questo nuovo percorso, in cui musica, archeologia, paesaggio e comunità tornano a incontrarsi.

XX edizione MITO SettembreMusica
2026-09-06 21:00 - 2026-09-20 21:00 | ITA
È Harmonia il tema della ventesima edizione di MITO SettembreMusica, in programma a Milano e Torino dal 6 al 20 settembre 2026. Per la sua prima programmazione come direttrice artistica del festival, Speranza Scappucci ha scelto un elemento essenziale della musica, agente per la pacificazione, ideale di bellezza, vocato alla coniugazione delle diversità e alla costruzione di relazioni tra voci, generazioni, repertori, città, luoghi, persone. Come risposta musicale alle fratture del presente, gli oltre 60 appuntamenti (molti dei quali in entrambe le città) del festival, presieduto da Alberto Meomartini, invocano dunque un esercizio di responsabilità e di relazione e invitano a trovare equilibrio nell’ascolto di un cartellone che mette in dialogo antico e contemporaneo, repertorio classico e nuove creazioni, Novecento e musica barocca, musica sinfonica e teatro musicale, formazioni internazionali e giovani interpreti, il cuore delle due città e i loro luoghi meno consueti. «“Harmonia” è una parola simbolica, diretta e apparentemente naturale per un festival di musica – afferma Speranza Scappucci – che racchiude in sé molteplici sfaccettature e richiami profondi. La domanda che mi ha accompagnata è solo in apparenza semplice: come tenere insieme differenze reali (di città, di pubblici, di repertori, di luoghi, di generazioni) senza cancellarne l’individualità? In un tempo segnato da fratture e polarizzazioni, l’armonia mi sembra uno dei valori più necessari, e forse anche uno dei più fraintesi. In musica, infatti, l’armonia non è assenza di tensione: è relazione tra voci diverse, è equilibrio costruito attraverso ascolto, attrito, movimento. La dea Harmonia nasce dall’unione di Ares e Afrodite, divinità della guerra e dell’amore. L’armonia, dunque, non è eliminare il conflitto, ma trasformarlo in possibilità di ascolto». «Con la ventesima edizione di MITO SettembreMusica – dicono i Sindaci della Città di Torino e Milano e presidenti onorari del festival Stefano Lo Russo e Giuseppe Sala – le nostre città rinnovano un patto culturale che, anno dopo anno, ha saputo unirle: vent’anni di musica insieme, di ascolto, di dialogo fra luoghi, pubblici e tradizioni diverse. Questa ricorrenza conferma un percorso condiviso e ormai consolidato, costruito attraverso la musica come linguaggio che unisce e mette in dialogo territori e comunità. Un caloroso benvenuto va infine alla nuova Direttrice artistica Speranza Scappucci, cui rinnoviamo l’augurio di buon lavoro». «Il tema Harmonia – aggiungono gli assessori alla Cultura Rosanna Purchia e Tommaso Sacchi – interpreta con chiarezza questa vocazione: l’armonia come nobilitazione delle differenze e volontà di farle convivere in equilibrio in una congiuntura segnata da tensioni, fratture e conflitti, affinché la musica ci ricordi che ogni voce trova senso pieno solo nell’ascolto dell’altra. È così che MITO SettembreMusica invita cittadini, artisti e istituzioni a riconoscere le ragioni della pace, della convivenza civile e della responsabilità condivisa. La musica non sostituisce la politica, né cancella le difficoltà del presente, ma ricorda che nessuna voce trova senso pieno se resta isolata e che ogni comunità cresce quando impara ad ascoltare ciò che le è diverso». «Ci sono anniversari – sottolinea il presidente del festival Alberto Meomartini – che servono a riconoscere il cammino fatto più che a misurare il tempo trascorso. La ventesima edizione di MITO SettembreMusica è uno di questi momenti: un’occasione per ritrovarci, per guardare quello che è stato costruito e, in conseguenza per rinnovare il senso di un progetto che continua a unire Milano e Torino nella creazione e nella diffusione di cultura musicale. In questi vent’anni MITO SettembreMusica ha accompagnato generazioni diverse di ascoltatori, ha abitato teatri, auditorium, chiese, spazi urbani e luoghi meno consueti, ha portato la musica dove il pubblico già la cercava e anche dove poteva incontrarla per la prima volta. Con lo stesso impegno oggi MITO SettembreMusica prosegue questo percorso sinonimo di vitalità delle due comunità cittadine». «Intesa Sanpaolo conferma con convinzione il proprio sostegno a MITO SettembreMusica, un festival che valorizza la musica come patrimonio universale e la rende accessibile a un pubblico ampio e diversificato. Il legame con Milano e Torino rafforza un impegno che da sempre unisce cultura e sviluppo: sostenere iniziative di eccellenza come MITO SettembreMusica significa contribuire concretamente alla diffusione dell’arte e alla crescita sociale ed economica dei territori, commenta Paola Musso, Executive Director Comunicazione e Immagine Intesa Sanpaolo. La nuova edizione si apre domenica 6 settembre a Milano, al Teatro alla Scala, con il War Requiem di Benjamin Britten, affidato all’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai, al Coro e Coro di voci bianche del Teatro Regio Torino, alla direzione di Simone Young e a un cast vocale formato dal soprano Elena Guseva, dal tenore Allan Clayton e dal baritono Bo Skovhus. Lunedì 7 settembre lo stesso programma sarà a Torino, all’Auditorium Rai Arturo Toscanini. Entrambi gli appuntamenti sono realizzati grazie al presenting partner Intesa Sanpaolo. Composto per la consacrazione della nuova Cattedrale di Coventry, ricostruita dopo i bombardamenti della Seconda guerra mondiale, il War Requiem è al contempo simbolo di un’umanità divisa che cerca la riconciliazione e manifesto ideale di Harmonia. Concerto sinfonico di chiusura del festival è quello con i Bamberger Symphoniker diretti da Jakub Hrůša e con Lukas Sternath pianoforte, a Milano sabato 19 e a Torino domenica 20 settembre impegnati in un programma interamente dedicato a Johannes Brahms, con la Sinfonia n. 3 e il Concerto per pianoforte n. 2, che vuole essere un commiato che parla dell’armonia come ascolto reciproco. Il programma 2026 trae spunto anche da alcuni anniversari, come il cinquantenario della morte di Benjamin Britten, uno dei grandi compositori del Novecento e figura centrale di questa edizione, con capolavori come il citato War Requiem, i Four Sea Interludes da Peter Grimes, la Serenade e diversi altri brani. Spazio anche per il centenario della nascita di Hans Werner Henze, alla lunga scia del centocinquantesimo anniversario di Maurice Ravel, concluso nel 2025 ma ancora vivo nella proposta del festival, e al percorso verso il 2027, bicentenario della morte di Ludwig van Beethoven, che MITO SetetmbreMusica anticipa con l’avvio dell’integrale dei quartetti affidata al Quartetto d’archi del Teatro alla Scala. Riprendendo la scansione cronologica del programma, martedì 8 settembre appuntamento unico a Torino (Auditorium Giovanni Agnelli Lingotto) con la Filarmonica della Scala diretta da Riccardo Chailly in pagine di Rachmaninov affiancate alla Sinfonia n. 4 di Čajkovskij. Il dialogo fra epoche e linguaggi prosegue con William Christie e Les Arts Florissants impegnati a esaltare i fasti del barocco francese di Marc-Antoine Charpentier: a Torino (Auditorium Giovanni Agnelli Lingotto) mercoledì 9 e a Milano giovedì 10 settembre (Teatro Dal Verme), grazie al presenting partnerIntesa Sanpaolo. In occasione degli ottant’anni di Christie, pioniere della riscoperta del repertorio barocco francese, MITO SettembreMusica ospita un dittico con la regia di Marie Lambert-Le Bihan e Stéphane Facco e le coreografie di Martin Chaix, che unisce musica, teatro, danza e gesto scenico: Les Arts Florissants, che celebra la pace e la rinascita delle arti dopo il conflitto, e La descente d’Orphée aux Enfers, che rilegge il mito di Orfeo, ribadendo la capacità di “Harmonia” di farsi ordinatrice dell’arte e di opporre l’arte alla violenza. La musica antica è presente anche con Il Pomo d’Oro, tra le formazioni italiane più acclamate della scena internazionale, impegnato in un programma dedicato a Claudio Monteverdi, a Torino (Tempio Valdese) venerdì 11 e a Milano (Santa Maria delle Grazie al Naviglio) sabato 12 settembre, a ribadire la forte presenza della voce nel festival, strumento di memoria, racconto, teatro identità. In quest’ottica si inserisce il concerto con pagine di Britten, Pärt e Weill sabato 19 settembre a Torino con l’Orchestra Sinfonica di Milano, con Levy Sekgapane tenore e Alessio Allegrini corno e direttore. E poi quelli (Milano 18 e Torino 19 settembre) con i Canticles e alcuni Folk Songs di Britten, con Matthew Swensen (tenore), Kelsey Lauritano (mezzosoprano), Debora Maffeis (corno) e Brian Zeger (pianoforte), e il programma affidato all’Ensemble I Pomeriggi Musicali con il Phantasy Quartet per oboe e trio d’archi e il Quartetto per archi n. 2 sempre di Britten (Torino 14 e Milano 15 settembre). Uno dei momenti più rappresentativi della nuova direzione artistica sarà il concerto regalato alle due citta da Speranza Scappucci che dirige l’Orchestra di studenti dei Conservatori di Milano e Torino, il Coro Maghini preparato da Claudio Chiavazza e un cast formato da Maria Grazia Schiavo (soprano), José Maria Lo Monaco (mezzosoprano), Levy Sekgapane (tenore) e Andrea Pellegrini (basso). In programma, lo Stabat Mater di Gioachino Rossini, a Milano (S. Barnaba in Gratosoglio) mercoledì 16 e a Torino (San Filippo Neri) giovedì 17 settembre, concerto simbolico sia per la levatura artistica della pagina rossiniana, sia per il coinvolgimento di tanti giovani musicisti, guidati dalla direttrice artistica del festival e affiancati da interpreti di esperienza internazionale. Non manca una nuova commissione di MITO SettembreMusica, nel 2026 a Paola Prestini, compositrice italiana naturalizzata statunitense, fondatrice e direttrice artistica del National Sawdust di New York: Kaos sarà eseguito dall’Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai diretta da Michele Mariotti sabato 12 a Torino (Auditorium RAI) e domenica 13 settembre a Milano (Conservatorio Verdi). Ispirato ad alcune novelle di Pirandello, il trittico orchestrale trasforma la materia narrativa in una riflessione sul conflitto interiore, sull’isolamento e sulla dignità. Il programma sarà completato dai Four Sea Interludes di Britten e dalla Sinfonia n. 4 “Italiana” di Mendelssohn. La musica del presente attraversa il cartellone anche nel concerto dell’Orchestra I Pomeriggi Musicali di Milano, diretta da Natalia Ponomarchuk, con Simonide Braconi viola solista. Il programma, a Milano (Teatro Dal Verme) sabato 12 e a Torino (Conservatorio Verdi) domenica 13 settembre, accosta il Siegfried-Idyll di Richard Wagner, Il canto del silenzio per viola e archi dello stesso Braconi, la Romanzadi Bruch, la Chamber Symphony n. 2 “Meditation” di Yevhen Stankovych e la Sinfonia n. 35 “Haffner” di Mozart. Il brano di Braconi, composto durante la pandemia del 2020, e quello di Stankovych, compositore ucraino tra i più significativi del secondo Novecento, continuano a riflettere sulla memoria e sulla resistenza interiore, inserendosi tra la “luce” mozartiana e la sospensione wagneriana. La presenza di brani di Ravel in prima assoluta italiana e pagine di Falla consente a MITO SettembreMusica 2026 di tracciare un altro sentiero: quello delle identità musicali reinventate. Martedì 8 settembre a Milano (Teatro Dal Verme), l’Orchestra del Teatro Regio di Torino diretta da Ludovic Morlot, con il mezzosoprano Rinat Shaham e il tenore Pierre Derhet, propone le Trois mélodies hébraïques e Prélude et danse da Sémiramis di Ravel accanto alle Siete canciones populares españolasdi Falla. A questa geografia sonora appartiene anche il recital della chitarrista Gaëlle Solal, a Milano (Teatro Blu) lunedì 14 e a Torino (Auditorium grattacielo Intesa Sanpaolo) martedì 15 settembre, intitolato “Da Granada a Montmartre”. Sempre in questa direzione si collocano l’Italian Clarinet Quartet, (Milano Teatro Martinitt 14 e Torino Tempio Valdese 16 settembre) con un programma che da Vivaldi arriva a Puccini, Falla, Granados, Albéniz, Debussy ed Escaich, e il duo Pietro Maria Cintura / Marco Gerolin, chitarra e fisarmonica, impegnato tra nuove scritture e trascrizioni da Piazzolla (Milano CineTeatro La Creta 16 e Torino Piccolo Regio Giacomo Puccini 17 settembre). Un altro tema evidente consiste nel rapporto fra tradizione cameristica e prospettiva futura. Nel 2026 si avvia infatti l’integrale dei quartetti per archi di Beethoven, affidata al Quartetto d’archi del Teatro alla Scala (Francesco Manara e Daniele Pascoletti violini, Simonide Braconi viola e Massimo Polidori violoncello) e in collaborazione con Iren, che si svilupperà in due edizioni, accompagnando il pubblico verso il bicentenario della morte del compositore tedesco. Quest’anno, tra le due città, diversi appuntamenti tra Milano e Torino, con quartetti giovanili, maturi e tardi: dall’op. 18 all’op. 127, dall’op. 130 con la Grande Fuga all’op. 74 “delle arpe” e all’op. 59 n. 2 “Razumovskij”. La musica da camera occupa un ruolo rilevante in tutto il festival: il Sestetto Sincronìa (Milano 7 e Torino 8 settembre) propone Verklärte Nacht di Schönberg e Souvenir de Florence di Čajkovskij; il pianista Konstantin Lifschitz (Milano 8 e Torino 9 settembre) affronta Mendelssohn, Brahms e la Sonata “Reliquie” di Schubert completata da Krenek. Il vincitore del Concorso Busoni 2025, Yifan Wu, (Milano 14 e Torino 15 settembre) presenta un programma interamente schumanniano. Particolarmente significativa è anche la presenza del pianoforte, con David Fray interprete delle Variazioni Goldberg di Bach, a Milano (Teatro Dal Verme) venerdì 18 e a Torino (Conservatorio Verdi) domenica 20 settembre, appuntamento che chiude cronologicamente il festival. Il festival continua poi a sostenere i giovani interpreti come la francese Adélaïde Ferrière giovane star delle percussioni e vincitrice di “Les Victoires de la Musique” 2026 che sarà protagonista di due programmi (Torino 10 e Milano 11 settembre), “Classical Marimba” e “Da Rameau all’elettronica”, che mettono in relazione repertorio classico, trascrizione, contemporaneità e sperimentazione. Il violoncellista Mattia Zappa (Milano 13 settembre) costruisce un viaggio solistico da Bach a Hindemith, Piatti, Tsintsadze e Cassadò; il Trio Rinaldo (Torino 18 e Milano 19 settembre) accosta Krein, Takemitsu, Henze e Šostakovič. Tra tango, colonne sonore e pop si inseriscono i concerti del Quartetto Pessoa (Milano 8 e 10 settembre, Torino 11 e 12 settembre), con programmi dedicati a Piazzolla, Morricone, Nino Rota, John Williams, Gardel, ma anche a De Gregori, Battiato, Yann Tiersen e nuove composizioni di Tommaso Quaranta. Di rilievo i progetti dedicati alla formazione e all’educazione all’ascolto inseriti nel programma di questa XX edizione di MITO SettembreMusica 2026. Si comincia a Torino (12 settembre Casa Teatro Ragazzi e Giovani) e a Milano (13 settembre Teatro Munari) con Un tè con Beethoven di Pasquale Buonarota (produzione della Fondazione TRG in collaborazione con il Conservatorio di Torino) porta il pubblico alla scoperta dei Quartetti d’archi e della vita del compositore tedesco attraverso il nipote Karl, che racconta lo zio, la persona, non solo l’artista. Quindi L’usignolo di Hans Christian Andersen (Milano Teatro Munari 19 e Torino Casa Teatro Ragazzi e Giovani 20 settembre) con l’Orchestra I Piccoli Pomeriggi Musicali diretta da Daniele Parziani, gli attori Jasmine Monti e Carlo Merico, la regia di Isotta Tomassini e i testi di Andrea Piazza. La fiaba viene trasportata in una Digitopia abitata da gadget, intelligenze artificiali e smartphone, dove la voce autentica dell’usignolo ricorda che nessuna macchina, per quanto perfetta, può sostituire la bellezza della natura, della libertà e della verità: un modo poetico e accessibile per parlare ai bambini e alle famiglie del rapporto fra arte, tecnologia, ascolto e autenticità. MITO SettembreMusica 2026 conferma anche la propria vocazione urbana. Accanto alle sedi simboliche delle due città – il Teatro alla Scala, l’Auditorium Giovanni Agnelli del Lingotto, l’Auditorium Rai Arturo Toscanini, il Teatro Dal Verme, il Conservatorio Giuseppe Verdi – il festival continua a raggiungere teatri, chiese, spazi culturali e quartieri meno centrali. La diffusione territoriale porta musica importante in luoghi differenti anche per ridurre le distanze, ampliare la partecipazione, costruire nuove abitudini di ascolto. Milano e Torino sono quindi i due poli di un unico progetto. MITO SettembreMusica è un progetto delle Città di Torino e Milano, con il contributo del Ministero della Cultura, realizzato dalla Fondazione per la Cultura Torino e dalla Fondazione I Pomeriggi Musicali, con il sostegno sin dalla prima edizione del Partner Intesa Sanpaolo, della Fondazione Compagnia di San Paolo e della Fondazione CRT, degli sponsor Iren, Pirelli, Fiera Milano, scon il supporto di Jacobacci & Partners e del Charity Partner Fondazione Piemontese per la Ricerca sul Cancro. La Rai con Rai Cultura e Radio3 è Media partner del Festival insieme a Sky Classica e Più Classica. www.mitosettembremusica.it Costo dei biglietticoncerti a Milano > da euro 5 a euro 50concerti a Torino > da euro 1 a euro 40Sono previsti carnet e varie tipologie di pass Biglietteria onlineticketone.it (concerti a Milano)vivaticket.it (concerti a Torino) MilanoBiglietteria TicketOne – Teatro Dal Vermevia San Giovanni sul Muro, 2 – MilanoTel. +39 02 87905 201biglietteriamito@ipomeriggi.itLa biglietteria è aperta da martedì a sabato ore 10-18 / Chiusura: da 25 luglio al 31 agosto TorinoNuova sede piazza Palazzo di Città 5/A+39 011 4249144biglietteria@fpct.itLa biglietteria è aperta da martedì a sabato ore 10.30 – 18 (da martedì 1 settembre tutti i giorni – chiusura dall’1 al 24 agosto) Se ancora disponibili, i biglietti saranno messi in vendita anche il giorno del concerto, a partire da 45 minuti prima dell’inizio presso la biglietteria della relativa sede.Al momento dell’acquisto è possibile aggiungere 1 euro a sostegno della Fondazione Piemontese per la Ricerca sul Cancro

"Roma Borgata Festival" al Parco di Torre Fiscale
2026-09-07 19:00 - 2026-09-13 18:00 | Parco di Torre Fiscale, via dell’Acquedotto Felice 120, Roma, ITA, 00178, Italy
Dopo aver attraversato per due mesi quartieri, cortili Ater, mercati, bar, parchi e strade, il Roma Borgata Festival approda al Parco di Torre del Fiscale per l’ultima settimana della sua seconda edizione. Dal 7 al 13 settembre, il paesaggio degli acquedotti diventa il punto di incontro di un viaggio che ha trasformato i margini della città in una costellazione di palcoscenici: sette giorni tra danza site-specific, teatro, musica, letteratura e passeggiate performative, nei quali tornano e giungono a compimento alcuni dei progetti che hanno segnato l’intero Festival.

Una settimana che riassume la vocazione del Roma Borgata Festival, progetto di ASAPQ con la direzione artistica di Alessandra Muschella: abitare culturalmente la città, portando lo spettacolo fuori dai luoghi convenzionali e costruendo una nuova relazione tra arti performative, paesaggio urbano e comunità.

Ad aprire idealmente questa ultima tappa, da lunedì 7 a venerdì 11 settembre, sarà la residenza di danza site-specific “Pillole Urbane”, a cura di ACSD KODANCE/&KO. Gli artisti lavoreranno direttamente nel parco alla costruzione della coreografia che verrà restituita in partenza sabato 12 settembre. Un processo creativo che sperimenta il connubio tra arte del movimento, attivando il luogo come una scena viva e facendo della permanenza nel territorio una parte essenziale dell’opera.

Mercoledì 9 settembre alle ore 19.00 torna “Scuolabus – quando il viaggio diventa racconto”, uno dei progetti simbolo della seconda edizione del Festival. A bordo di uno scuolabus anni Ottanta, Giulia Anania e Lavinia Mancusi accompagneranno il pubblico in un percorso intimo e collettivo attraverso il Quadraro, alla scoperta di luoghi nascosti, storie umane, memorie e dettagli che spesso sfuggono allo sguardo quotidiano. Musica, parole e racconto urbano si intrecciano in un viaggio nel quale lo spostamento diventa esperienza performativa e il quartiere si rivela attraverso le voci e le storie di chi lo abita.

Giovedì 10 settembre alle ore 19.00 il Festival prosegue con “Bar Campioni – Il ciclista incatenato”, spettacolo teatrale scritto e interpretato da Ariele Vincenti, con le musiche di Tiziano Gialloreto. Al centro del racconto la figura di Vito Taccone, il “Camoscio d’Abruzzo”: ciclista ribelle, generoso e irascibile, entrato nel mito dello sport del Novecento grazie alle sue straordinarie doti di scalatore. Ambientato idealmente in un bar dello sport dell’entroterra abruzzese, lo spettacolo ne ripercorre l’epopea agonistica e umana, restituendo il ritratto di un campione popolare e anticonformista.

Venerdì 11 settembre alle ore 19.00 arriva “Fiammiferi”, progetto performativo di ABRA con Stella Mastrantonio e Brando Pacitto e la sonorizzazione di Ludovico Franco, una rilettura del racconto di Italo Calvino L’avventura di due sposi che prende forma attraverso un’esperienza di lettura collettiva immersiva e site-specific.

La serata proseguirà dalle ore 20.00 con “Dominio Pubblico per Roma Borgata Festival”: tre concerti affidati alla programmazione della DAP Under 25 – Direzione Artistica Partecipata, per lasciare spazio allo sguardo, ai linguaggi e alle proposte di una nuova generazione di artisti.

Sabato 12 settembre, dalle ore 19.00, il lavoro sviluppato durante la residenza “Pillole Urbane” troverà la sua restituzione pubblica con “To the Ground”, performance site-specific a cura di ACSD KODANCE/&KO, con concept, regia e coreografia di Sil Marti e l’assistenza coreografica di Giulia Federico. A seguire, il dialogo tra musica e cinema sarà protagonista con “Omaggio a Hans Zimmer”, diretto da Giordano Maselli.

L’ultima giornata, domenica 13 settembre, inizierà alle ore 18.00 con “Street Stories”, passeggiata performativa nel Parco di Torre del Fiscale a cura di Giulia Anania e Tiziano Panici. Tra musica e poesia, il percorso darà voce alle strade, alle memorie e alle realtà che animano il territorio, trasformando la passeggiata in una forma di narrazione collettiva.

A chiudere la seconda edizione, alle ore 20.00, sarà “Dialoghi Sinfonici – Operette” con l’Orchestra EICO, diretta dal maestro Germano Neri .

Gli spettacoli si svolgeranno al Parco di Torre del Fiscale, con ingresso da via dell’Acquedotto Felice 120. I biglietti, da 1 a 2 euro, sono a sostegno del Festival.

Roma Borgata Festival è un progetto di ASAPQ, con la direzione artistica di Alessandra Muschella, il sostegno del Ministero della Cultura e della Regione Lazio, il patrocinio del Municipio Roma VII, in collaborazione con ALPHIO APS – Casali di Tor Fiscale. Partner multimediale HF4.

Per conoscere la programmazione completa, informazioni e biglietti:

www.romaborgatafestival.it

Praemium Inmperiale l’8 settembre a Roma
2026-09-08 11:00 - 13:00 | Hotel Excelsior Roma, Via Veneto, 125, Roma, ITA, 00187, Italy
Ci sono Federico Fellini e Akira Kurosawa, Leonard Bernstein e Claudio Abbado, Willem de Kooning e David Hockney. Ci sono Louise Bourgeois, Marina Abramović, Kenzo Tange, Frank Gehry e Zaha Hadid. Artisti lontani per provenienza, formazione e linguaggio, ma uniti dalla capacità di attraversare il proprio tempo e trasformare il modo in cui guardiamo, ascoltiamo e interpretiamo il mondo. È attraverso i loro nomi che si può ripercorrere la storia del Praemium Imperiale, uno dei più prestigiosi riconoscimenti artistici internazionali, che il prossimo 8 settembre svelerà a Roma, in contemporanea con Tokyo, Berlino, Londra, New York e Parigi, i vincitori della sua trentasettesima edizione, insieme al destinatario della Borsa di Studio del Praemium Imperiale 2026 per Giovani Artisti.

Cinque nuove personalità, scelte nei campi della pittura, della scultura, dell’architettura, della musica e del teatro/cinema, entreranno a far parte di un albo che dal 1989 compone una straordinaria geografia della cultura mondiale. Non soltanto una successione di grandi maestri, ma il racconto di quasi quarant’anni di trasformazioni artistiche, sociali e culturali, osservate attraverso le opere e le visioni di chi ha saputo lasciare un segno profondo nella comunità internazionale.

La storia del premio comincia in Giappone. Il Praemium Imperiale viene istituito nel 1988, in occasione del centenario della Japan Art Association, la più antica fondazione culturale del Paese, nata nel 1887, e viene assegnato per la prima volta l’anno successivo. Ma alle sue origini c’è soprattutto una convinzione: quella del principe Nobuhito Takamatsu, fratello minore dell’imperatore Hirohito e per 58 anni Patrono onorario dell’Associazione, secondo il quale il Giappone avrebbe dovuto contribuire alla costruzione della pace nel mondo attraverso le arti.

È in questa visione che risiede ancora oggi il significato più profondo del Praemium Imperiale. L’arte come spazio nel quale le differenze possono incontrarsi; come lingua capace di superare i confini geografici, politici e culturali; come strumento di conoscenza reciproca e di dialogo tra i popoli. Un linguaggio universale che non cancella le identità, ma le mette in relazione.

Per questo il Praemium Imperiale non riconosce soltanto l’eccellenza di un percorso artistico. I vincitori vengono scelti per i risultati raggiunti, per l’influenza esercitata sulla cultura internazionale e per il contributo offerto, attraverso la propria attività, alla comunità mondiale. A essere premiata è dunque anche la capacità dell’arte di uscire dai propri confini, incidere sulla società e generare nuovi significati condivisi.

Assegnato in cinque discipline fondamentali della creazione – pittura, scultura, architettura, musica e teatro/cinema – il Praemium Imperiale rappresenta per le arti un riconoscimento internazionale paragonabile a quello dei Premi Nobel, riconoscendo il valore della ricerca artistica e il ruolo che essa svolge nel comprendere il presente e immaginare il futuro.

Il suo albo restituisce la misura di questa storia. Per la pittura sono stati premiati, tra gli altri, Willem de Kooning e David Hockney, Antoni Tàpies, Jasper Johns, Cy Twombly, Gerhard Richter, Robert Rauschenberg, Anselm Kiefer, Yayoi Kusama, Cindy Sherman e Peter Doig. Per la scultura Richard Serra, Christo e Jeanne-Claude, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Anish Kapoor, Ai Weiwei, Olafur Eliasson e Marina Abramović. E ancora, per l’architettura, Frank Gehry, Tadao Ando, Jean Nouvel, Norman Foster, Rem Koolhaas, Oscar Niemeyer, Zaha Hadid, Shigeru Ban e Eduardo Souto de Moura. Nella musica, Pierre Boulez, Leonard Bernstein, Martha Argerich, Daniel Barenboim, Philip Glass, Plácido Domingo e András Schiff. Nel teatro e nel cinema, Ingmar Bergman, Akira Kurosawa, Pina Bausch, Arthur Miller, Jean-Luc Godard, Ken Loach, Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Ang Lee e Anne Teresa De Keersmaeker.

Diciassette gli italiani entrati, dal 1989 al 2025, in questa storia internazionale: Umberto Mastroianni, Federico Fellini, Arnaldo Pomodoro, Gae Aulenti, Renzo Piano, Luciano Berio, Giuliano Vangi, Mario Merz, Claudio Abbado, Enrico Castellani, Maurizio Pollini, Sophia Loren, Cecco Bonanotte, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone, Riccardo Muti e Giulio Paolini.

Accanto ai maestri già capaci di incidere sulla storia, il Praemium Imperiale guarda anche a chi quella storia dovrà ancora scriverla. Dal 1997, la Borsa di Studio per Giovani Artisti sostiene gruppi e istituzioni impegnati nella formazione e nella crescita delle nuove generazioni. Un passaggio di testimone ideale che mette in relazione memoria e futuro, riconoscimento e possibilità, patrimonio acquisito e nuovi linguaggi ancora da scoprire.

I vincitori del Praemium Imperiale 2026 e il destinatario della Borsa di Studio per Giovani Artisti saranno annunciati martedì 8 settembre, alle ore 11.00, all’Hotel Excelsior di Roma (evento riservato su invito).

Ad accompagnare l’evento sarà una mostra fotografica che attraverso i loro volti ripercorrerà i personaggi italiani premiati che hanno contribuito a dare spessore e autorevolezza internazionale al riconoscimento. Un racconto per immagini nel quale la storia del Praemium Imperiale si intreccia con quella dell’arte e della cultura contemporanea.

Info e dettagli: www.praemiumimperiale.org/en/

“L’ultimo spettacolo” al Festival Internazionale di Taormina
2026-09-09 21:00 - 23:00 | Teatro Antico di Taormina, Taormina, Italia
Roberto Lipari arriva il 9 settembre al Teatro Antico di Taormina con “L’ultimo spettacolo”, nell’ambito del Festival Internazionale Taormina Arte 2026, con la direzione artistica di Simona Celi.

Il nuovo monologo “L’ultimo spettacolo”, prodotto dalla Fondazione Taormina Arte Sicilia, nasce da una domanda: se per un comico la prima volta sul palco non si scorda mai, cosa accade quando arriva l’ultima? Sarà la più divertente, la più surreale, la più personale? Da qui prende forma un monologo in cui Lipari conduce il pubblico in un viaggio introspettivo e, per la prima volta, parla della propria vita, dei paradossi della quotidianità, dei dubbi e dei sogni.

Senza rinunciare allo sguardo sulla società e sulle generazioni, lo spettacolo procede tra risate, riflessioni e interrogativi, fino alla domanda che accompagna l’intero racconto: sarà davvero questo l’ultimo spettacolo?Il testo è scritto da Roberto Lipari con Ignazio Rosato ed è prodotto e distribuito da Tramp Management.Comico, attore, autore e regista siciliano, Roberto Lipari si è imposto nel 2016 vincendo il talent “Eccezionale Veramente” su La7.

Nella stagione 2016/2017 è entrato nel cast di Colorado, tornando poi a “Eccezionale Veramente” come co-conduttore. Dal 2019 fa parte di Striscia la Notizia come inviato e, dal 2021, anche come conduttore al fianco di Sergio Friscia. Nel 2022 ha partecipato al ritorno di Zelig, mentre dal 2023 è nel cast di Only Fun – Comico Show, di cui è componente fisso anche nella stagione 2025/2026.Parallelamente alla televisione, Lipari ha sviluppato un percorso cinematografico come autore, interprete e regista. Nel 2019 è autore e protagonista di “Tuttapposto”; nel 2023 firma “So tutto di te”, nel quale è protagonista, sceneggiatore e regista, con Leo Gullotta nel cast; nel 2026 torna sul grande schermo con “Cena di Classe”, di cui è tra gli sceneggiatori e i protagonisti.

Il suo precedente spettacolo “E ho detto tutto” è diventato anche un one man show per la prima serata di Italia 1.

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https://www.ticketone.it/event/roberto-lipari-lultimo-spettacolo-teatro-antico-di-taormina-21981211

https://www.ctbox.it/C1/6209/Content.aspx/Eventi/ROBERTO_LIPARI_in_%22LULTIMO_SPETTACOLO%22_09_09_2026

con-vivere Carrara Festival edizione 2026
2026-09-10 17:00 - 2026-09-13 17:00 | ITA
’edizione 2026 di con-vivere Carrara Festival, promosso dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara, si terrà dal 10 al 13 settembre. Il festival ha avuto come suo fondatore e curatore per quattordici edizioni Remo Bodei. Dal 2020 il festival si avvale della collaborazione di un consulente scientifico, di alto profilo, scelto ogni anno sulla base del tema: Chiara Saraceno ha curato l’edizione “diritti”, Telmo Pievani il programma 2021 dedicato a “cura”, Maurizio Ferraris l’edizione 2022 “tracce”, Laura Boella l’edizione 2023 “umanità”, Mauro Ceruti l’edizione 2024 “cambiamento, Luigina Mortari l’edizione 2025 “plurale”.

L’edizione 2026 avrà come tema “abitare” e vedrà la consulenza scientifica di Elena Granata. La direzione del Festival è come negli anni scorsi di Emanuela Mazzi.

La scelta del tema porterà a riflettere su cosa significhi oggi vivere insieme nel mondo. Vivere e “abitare” il mondo si esprime attraverso azioni diverse — politiche, morali, etiche ed estetiche — che riguardano il nostro modo di stare sulla terra. Abitare, infatti, non significa solo possedere una casa, ma praticare in modo consapevole e libero la cittadinanza, prendendosi cura degli altri e dell’ambiente. Al centro di questa riflessione c’è una nuova idea del rapporto tra l’uomo e lo spazio, fondata sulla responsabilità. Il mondo non è un semplice contenitore da sfruttare senza limiti per soddisfare desideri individuali. È invece uno spazio di relazioni e di interdipendenza, che ci chiama a rispondere delle nostre azioni e del modo in cui ci rapportiamo a ciò che ci circonda. È un campo di creatività e di immaginazione che siamo chiamati a riempire di nuove parole.

L’immagine scelta per questa edizione focalizza l’attenzione su un nido e sul suo artefice e abitante, un uccello tessitore. Il nido non è solo un guscio, un riparo, è un gesto. Come l’uccello tessitore sceglie con cura ogni filo per creare un rifugio sospeso, così l’abitare è l’espressione più alta della cura: un atto paziente che trasforma uno spazio in un riparo, un luogo significativo o uno spazio condiviso. Un’esigenza che accomuna ogni specie, ogni essere vivente. Abitare significa così riconoscersi parte di una trama collettiva, umana e non umana.

Elena Granata

Elena Granata è professoressa di Urbanistica al Politecnico di Milano, dove si occupa di città, ambiente e nuove forme di abitare. È vicepresidente della Scuola di Economia Civile. È stata Senior Expert in Urban Studies, staff Sherpa della Presidenza del Consiglio presso il G20. Il suo percorso di ricerca si muove tra città e città, tra paesaggi e paesaggi, dalle architetture contemporanee ai progetti di spazio pubblico, dai progetti di adattamento climatico alla rigenerazione urbana.

Tra i suoi libri: Biodivercity. Città aperte, creative e sostenibili che cambiano il mondo (2019). Ecolove. Perché i nuovi ambientalisti non sanno ancora di esserlo (2022, con Fiore de Lettera); Placemaker. Gli inventori dei luoghi che abiteremo (2021); Il senso delle donne per la città (2023), La città è di tutti. Ciò che ha valore non ha prezzo (2026).

con-vivere Carrara Festival, che ad ogni edizione registra più di 25.000 presenze, nasce allo scopo di analizzare e condividere i temi legati alla convivenza fra identità e diversità culturali, religiose, politiche nell’ambito della società attuale. Ogni anno il quadro generale rappresentato dal festival con-vivere viene approfondito secondo un taglio specifico e sviluppato in un ricco programma che prevede solitamente oltre settanta appuntamenti fra conferenze, dibattiti e confronti diretti con specialisti di livello nazionale e internazionale, integrati e coordinati con mostre, spettacoli teatrali, laboratori, rassegne di cinema, musica e gastronomia.

Il festival è sostenuto e promosso da un Comitato per il festival con-vivere, costituito da Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara (ente capofila), Comune di Carrara, Camera di Commercio Toscana Nord Ovest, Accademia di Belle Arti di Carrara e Fondazione Marmo.

www. con-vivere.it

Con-vivere Carrara Festival 2026
2026-09-10 19:30 - 2026-10-17 20:00 | Palazzo Binelli, Via Verdi, 7, Carrara (MS), ITA, 54033, Italy
Tra gli eventi dell’edizione numero ventuno di Con-vivere Carrara Festival, promosso dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara, che avrà come tema “abitare” e vedrà la consulenza scientifica di Elena Granata, anche la mostra “Con-testi. Abitare a fumetti”, che sarà inaugurata a Palazzo Binelli, a Carrara giovedì 10 settembre alle ore 19.30. L’esposizione di opere originali, selezionate dal giornalista Riccardo Corbò, vuole mostrare diverse visioni del fumetto contemporaneo sul concetto di “abitare”.

Da diversi anni il fumetto è uscito dal classico alveo di “letteratura di evasione” e di semplice intrattenimento, spesso per l’infanzia. Sono molti gli autori che lo usano come forma d’arte pura, per raccontare il nostro presente, per indagare nei sentimenti, nella psicologia e nella società. Per inventare un altrove che serve come specchio distorto della nostra realtà. Abbiamo voluto quindi ragionare attorno a quei fumetti che contengono il concetto dell’abitare. “Abitare” non solo passivamente un luogo, ma anche prendersene cura. Abitare la propria casa, ma anche la propria città; il centro storico e le periferie; i monumenti e i luoghi abbandonati da recuperare e occupare. L’abitazione come luogo fisico ma anche luogo della propria anima, e nel senso più ampio del termine anche il nostro pianeta, “abitarlo” avendo ben presente la distinzione dallo “sfruttarlo”.

Rita Petruccioli, che con la sua installazione “Sisterhood in the Neighborhood. Detoxing Public Space From Patriarchy” progettata insieme ad ActionAid Italia e coordinata dalle RebelArchitette (ideata per la Biennale di Venezia del 2021) racconta il presente reale, la società attuale, l’abitare negli spazi cittadini e il loro utilizzo e riutilizzo per scopi etici e sociali. L’installazione è il racconto a fumetti di cinque realtà individuate da ActionAid sul territorio italiano che propongono visioni alternative del potere, delle relazioni e delle comunità, costruendo spazi di partecipazione, inclusione e cittadinanza attiva e un’alternativa femminista sul territorio. In mostra anche le tavole da “Medea”, la recente graphic novel dell’autrice che mostra esempi di città e architetture classiche riviste in chiave fantascientifica e fantasy.

Roberto Grossi, architetto, illustratore e autore di fumetti, con le pagine tratte dal suo reportage grafico “La grande rimozione” racconta l’abitare il pianeta, l’abuso e la distruzione dell’uomo sulle sue risorse. Un libro che combina magistralmente storia, scienza, politica e vita personale restituendo uno sguardo inedito su un’epoca segnata dall’emergenza climatica. Una selezione di tavole da altre due sue opere “Il grande Prato” e “Cassadritta” ci raccontano tramite margini una storia di periferia urbana, tra innocenza e degrado e l’avanzare della cementificazione che crea “non luoghi” alienanti più che abitativi.

Il Collettivo Viscosa, formato da artiste giovanissime, porta la loro visione fresca e dirompente, nuova, innovativa del prendersi cura del proprio spazio abitativo fisico, come di quello psicologico e spirituale, pubblicata in autoproduzioni e fanzine. Il Collettivo Viscosa è un gruppo indipendente di giovani artiste, illustratrici e fumettiste nato nel 2022, vincitore del premio come miglior realtà indipendente all’ARF! Festival 2025, si distingue per l’autoproduzione di storie che esplorano tematiche sociali e personali con stili variegati.

Lorenzo Ceccotti LRNZ nella sua trilogia di graphic novel “Geist maschine”, dai richiami manga, allo stesso tempo naturalistica e tecnologica, ci mostra come potrebbe abitare l’uomo in un futuro o presente distopico post apocalittico, dove i nostri luoghi abituali cambiano uso e prospettiva, con un eccezione “world building” autoriale

Un raggio molto ampio di stili di disegno e di scrittura, che permetteranno al pubblico di conoscere o approfondire opere della contemporanea letteratura disegnata, di maggiore successo nell’attuale scena editoriale e creativa italiana.

Uno spazio della mostra, curato da Agnese Leone docente della Scuola di fumetto e illustrazione, sarà dedicato a un gruppo di studenti dell’Accademia di Belle Arti di Carrara, che attraverso i loro fumetti, indagheranno la fragilità psicologica e il peso delle aspettative sociali, il valore della comunità e del cohousing opposti all’individualismo urbano e la ricerca della propria identità per imparare ad abitare sé stessi e il proprio spazio nel mondo. Sei differenti e giovani visioni: Elisa Armanti, Ginevra Barabesi, Ray Casciari, Angelica Giovannelli, Safia Hariti, Sigrid Mauroner.

Con-vivere Carrara Festival: “Abitare”, dal 10 settembre al 17 ottobre 2026 a Palazzo Binelli, Carrara

Tutti gli eventi in programma sono ad ingresso libero e gratuito

www. con-vivere.it; Fb con-vivere Carrara Festival; IG con_vivere

Il festival con-vivere è sostenuto e promosso da un Comitato per il festival con-vivere, costituito da Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara (ente capofila), Comune di Carrara, Camera di Commercio Toscana Nord Ovest, Accademia di Belle Arti di Carrara e Fondazione Marmo Onlus

Con il patrocinio della Commissione Nazionale Italiana per l’Unesco

Con il patrocinio di: Regione Toscana, Commissione Regionale Pari Opportunità della Toscana, Provincia di Massa Carrara

Con la collaborazione di: Ufficio scolastico territoriale Ambito di Massa Carrara

Con il contributo di: Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Orientale Porti di La Spezia e Marina di Carrara

Premium Supporter: Fhp Carrara Terminal

Main Sponsor: BPER Banca

Sponsor Midi: Chean Srl, Coop Firenze, Generali Assicurazioni, Marmo Canaloni Carrara

Sponsor: Cooperativa Cavatori Gioia, MaxMarmi, S.T. Segagioni, Aziende del porto di Marina di Carrara (MDC Terminal, San Colombano Costruzioni SpA, Gruppo Grendi, T-Bulk, Vittorio Bogazzi e Figli Spa, Piero De Gasperis & C. srl, Dusty Srl, Semp Srl)

Sponsor tecnico: Nausicaa SpA, Fonteviva, Federalberghi Costa Apuana, RetiAmbiente Carrara

Mediapartner: QN La Nazione

con-vivere Carrara Festival 2026
2026-09-10 20:30 - 2026-09-13 20:30 | ITA
L’edizione numero ventuno di con-vivere Carrara Festival, promosso dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara, si terrà dal 10 al 13 settembre 2026, e avrà come tema “abitare”. Accanto alle conferenze e ai dialoghi, il programma accompagnerà il pubblico in un percorso che intreccia musica, racconto, ironia e riflessioni sul contemporaneo.

È stata scelta la forma della “conferenza spettacolo” per esplorare l’abitare nelle sue declinazioni più urgenti e concrete. Alvar AAltissimo, uno dei più interessanti e innovativi osservatori del mondo dell’architettura, presenta, giovedì 10 settembre ore 20.30, Cortile Istituto Figlie di Gesù, lo spettacolo Città Urgenti. Progetti urbani per risolvere i problemi della contemporaneità (uno alla volta). I 7 progetti urbani rispondono a 7 problematiche urgenti della contemporaneità: nascono così altrettante visioni di città distopiche, scenari di vicende grottesche e situazioni surreali vissute da abitanti resilienti. Durante lo spettacolo si alterneranno Alvar Aaltissimo (alias di Fabrizio Esposito) e Filosofia Coatta (alias di Giulio Armeni), accompagnati dalla colonna sonora originale composta da Elia Pirrello.

Con lo spettacolo Lo sguardo del capitano. Il significato di essere eroi(venerdì 11 settembre ore 20.30, Corso Rosselli), con Paolo Colombo e i disegni dal vivo di Michele Tranquillini, attraverso parole, immagini e musica emotiva, il pubblico verrà trasportato nell’Antartide del 1914, al fianco di Ernest Shackleton e del suo equipaggio, protagonisti di una delle più straordinarie avventure di sopravvivenza della storia moderna. Quando la nave Endurance rimane intrappolata nei ghiacci e ogni piano sembra crollare, Shackleton compie la scelta che lo renderà una leggenda: rinunciare alla conquista per salvare tutti i suoi uomini. Mentre Paolo Colombo dà voce a questa incredibile odissea, raccontando una potente riflessione sul coraggio e sulla capacità umana di resistere anche nei momenti più oscuri, Michele Tranquillini crea dal vivo immagini e suggestioni che prendono forma davanti agli occhi degli spettatori (Main Sponsor evento: FHP Terminal Carrara).

I format di “parole e musica” e di spettacolo racconteranno l’abitare il tempo: abitare non significa solo occupare uno spazio geografico, ma anche riconoscersi dentro una storia collettiva, nei decenni che hanno plasmato la nostra identità, i nostri costumi e le nostre emozioni, in un costante dialogo tra generazioni.

Giovedì 10 settembre, ore 21.00, Corso Rosselli, Liberidì Liberidà, un monologo teatrale di e con Sabina Guzzanti, una satira tagliente che unisce stand-up comedy e critica sociale e che riflette sulla libertà in un’epoca di cambiamenti e incertezze, mescolando politica, lavoro e tecnologia, e invitando gli spettatori a soffermarsi su cosa significhi essere veramente liberi.

Le emozioni che abbiamo vissuto. Gli anni ’60: quando tutto sembrava possibile (venerdì 11 settembre, ore 21.45, Piazza Alberica) con Walter Veltroni accompagnato al pianoforte da Gabriele Rossi. Guidati dalla narrazione coinvolgente di Walter Veltroni rivivremo i contrasti violenti e i fatti storici memorabili che hanno segnato un decennio indimenticabile: lo sbarco sulla Luna, gli assassini di Martin Luther King e dei Kennedy, il Vietnam, la Televisione nelle case e il Terrorismo. Un filo rosso di storia personale e familiare terrà insieme la cronaca, gli oggetti del desiderio consumistico, la musica e le immagini d’epoca (con video spesso inediti).

’80 contro ’90, presenterà (sabato 12 settembre, ore 21.00, Corso Rosselli) invece una furiosa disfida fra Ema Stokholma e Gino Castaldo. La battaglia si sviluppa senza esclusione di colpi tra generazioni diverse e passioni comuni, usando musiche, film, pezzi di storia e d’arte: si parlerà di Chernobyl, Aids, Macintosh e tantissimo altro con l’ausilio di foto, video, file musicali e oggetti simbolici. Alla fine, sarà il pubblico in piazza a votare e decretare il decennio vincitore (Main Sponsor evento BPER).

Gli appuntamenti musicali di questa edizione per esplorare l’abitare inteso come “relazione e contatto”. Dalla necessità di abitare lo spazio fisico del live e della piazza per ritrovare connessioni umane autentiche oltre gli schermi digitali, è quanto ci propone Irene Fornaciari & The Groove Aviators in Soul connections (giovedì 10 settembre, ore 22,00, Piazza Alberica). La band offre uno show adrenalinico dove il Soul e l’R’nB sono le radici che si connettono con altri stili e impennate rock, generando un rito collettivo fatto di corpi che ballano e si relazionano dal vivo.

Sabato 12 settembre, ore 22,00, in Piazza Alberica, sarà la volta di Michele Bravi in Commedia Musicale Tour. Un appuntamento imperdibile che unisce la sensibilità interpretativa di Michele Bravi alla magia della performance live, dove la musica si fa racconto scenico e abita la piazza attraverso l’emozione pura della sua voce e delle sue canzoni. Domenica 13 settembre doppio appuntamento con il consueto concerto lirico alle 20.30 in Duomo a cura del Circolo Amici della Lirica Pier Paolo Stahnke, dal titolo Parigi, o cara. Le città del melodramma, mentre alle 21.30 inpiazza Alberica, il festival chiuderà con il concerto Unplugged di Fabio Concato, una delle più belle certezze della nostra musica d’autore e un grande interprete della scena musicale italiana, che crede ancora nella poesia adagiata su armonie non banali, che hanno, a tratti, una “stretta familiarità” con il jazz. “Domenica bestiale”, “Fiore di Maggio”, “Guido piano”, “Rosalina”, sono solo alcune delle canzoni del recital, improntato sulla musica e sulla parola, tra il serio ed il faceto e nel quale non mancheranno altre gradite sorprese.

Sponsor e partner

Il festival è sostenuto e promosso da un Comitato per il festival con-vivere, costituito da Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara (ente capofila), Comune di Carrara, Camera di Commercio Toscana Nord Ovest, Accademia di Belle Arti di Carrara e Fondazione Marmo Onlus

Con il patrocinio della Commissione Nazionale Italiana per l’Unesco

Con il patrocinio e il contributo: Regione Toscana

Con il patrocinio: Commissione Regionale Pari Opportunità della Toscana, Provincia di Massa Carrara

Con la collaborazione di: Ufficio scolastico territoriale Ambito di Massa Carrara

Con il contributo di: Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Orientale Porti della Spezia e Marina di Carrara, ERP Edilizia Residenziale Pubblica Massa Carrara

Premium Supporter: FHP Carrara Terminal

Main Sponsor: BPER Banca

Sponsor Midi: Chean Srl, UniCoop Firenze, Generali Assicurazioni, Marmo Canaloni Carrara

Sponsor: Cooperativa Cavatori Gioia, MaxMarmi, S.T. Segagioni, Aziende del porto di Marina di Carrara (MDC Terminal, San Colombano Costruzioni SpA, Gruppo Grendi, T-Bulk, Vittorio Bogazzi e Figli Spa, Piero De Gasperis & C. srl, Dusty Srl, Semp Srl)

Sponsor tecnico: Nausicaa SpA, Fonteviva, Federalberghi Costa Apuana, RetiAmbiente Carrara

Mediapartner: Rai Cultura, QN La Nazione

Tutti gli eventi in programma sono ad ingresso libero e gratuito

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con-vivere Carrara Festival 2026
2026-09-10 21:00 - 2026-09-13 21:00 | ITA
L’edizione numero ventuno di con-vivere Carrara Festival, promosso dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara, si terrà dal 10 al 13 settembre 2026. Il festival ha avuto come fondatore e curatore per quattordici edizioni Remo Bodei e dal 2020 si avvale della collaborazione di un consulente scientifico scelto ogni anno sulla base del tema: Chiara Saraceno ha curato l’edizione “diritti”, Telmo Pievani “cura” nel 2021, Maurizio Ferraris “tracce” nel 2022, Laura Boella “umanità” nel 2023, Mauro Ceruti “cambiamento” nel 2024 e Luigina Mortari “plurale” nel 2025. L’edizione 2026 avrà come tema “abitare” e vedrà la consulenza scientifica di Elena Granata. La direzione del festival è, come negli anni scorsi, di Emanuela Mazzi.

Tra gli ospiti protagonisti di questa edizione: Stefano Bartezzaghi, Mariasole Bianco, Laura Boella, Paola Bonfante, Barbara Carnevali, Sarah Gainsforth, Franco La Cecla, Simone Pollo, Andrea Staid, Beatrice Zerbini e molti altri. In programma la musica di Irene Fornaciari, Michele Bravi e Rocco Papaleo con la sua band; appuntamenti imperdibili di con-vivere 2026 anche gli incontri con Paolo Colombo, Walter Veltroni, Gino Castaldo ed Ema Stokholma.

Costituiranno il programma di questa edizione conferenze, incontri, spettacoli di parola e musica, passeggiate tematiche, mostre, laboratori per tutte le età, appuntamenti dedicati al cibo, alla salute, alla scuola e alla partecipazione civica. Il tema dell’abitare attraverserà discipline e linguaggi diversi, dalla filosofia all’urbanistica, dalla pedagogia all’arte, dalla sociologia alla storia e alla scienza, con uno sguardo ampio sul nostro modo di stare al mondo e di prenderci cura degli spazi, delle relazioni e dell’ambiente. Questo attraverso i luoghi della città che vengono risemantizzati nei giorni della manifestazione. In questo modo il festival stesso diventa l’esempio pratico di cosa significhi “abitare”. Non si assiste al festival, lo si abita attraverso la città.

Il quadro tematico che orienta questa edizione prende avvio dalla riflessione proposta da Elena Granata: vivere e “abitare” il mondo si esprime attraverso azioni politiche, morali, etiche ed estetiche che riguardano il nostro modo di stare sulla terra. Abitare non significa infatti soltanto possedere una casa, ma praticare in modo consapevole e libero la cittadinanza, prendendosi cura degli altri e dell’ambiente. Al centro di questa riflessione si colloca una nuova idea del rapporto tra l’uomo e lo spazio, fondata sulla responsabilità. Il mondo non è un semplice contenitore da sfruttare senza limiti per soddisfare desideri individuali, ma uno spazio di relazioni e di interdipendenza, che ci chiama a rispondere delle nostre azioni e del modo in cui ci rapportiamo a ciò che ci circonda.

Gli incontri di parola

Gli incontri di parola di con-vivere 2026 esploreranno il tema dell’abitare nelle sue molte dimensioni, interrogandoci su come costruire luoghi più giusti, più vivibili e più umani:

Ripensare gli spazi: la casa e la città;

Custodire il futuro: il pianeta;

la cura come “linguaggio” dell’abitare.

Ad aprire il festival, il 10 settembre, sarà la consulente scientifica Elena Granata, con la conferenza inaugurale dedicata al tema di questa edizione. Una riflessione che esplora la profondità del tema dell’abitare e le sue molte sfaccettature. Abitare è molto più che avere una casa: è avere un posto nel mondo, relazioni di prossimità, città accoglienti; è radicamento e relazione con la natura e con il pianeta. Abitare come dimensione progettuale, che ha a che fare con la domanda: come vogliamo ancora vivere insieme?

La prima pista tematica invita a ridisegnare i confini degli spazi urbani, osservati non più come semplici aggregati di cemento, ma come luoghi da ripensare in chiave ecologica, educativa e sociale. Riccardo Bosi, pediatra impegnato sul campo in contesti di marginalità sociale, migrazione e vulnerabilità minorile, con I desaparecidos delle nostre città, affronterà il tema dell’infanzia espulsa dagli spazi urbani contemporanei, interrogandosi sulla possibilità di ridisegnare città più ospitali per i bambini e, dunque, per tutti. Sarah Gainsforth, in Oltre la rendita. Il valore del vuoto, proporrà una riflessione sulla crisi abitativa e sul significato ecologico, urbano e collettivo degli spazi non edificati, sottratti alle logiche della rendita e restituiti alla vita comune. La biologa vegetale Paola Bonfante, con Piante in città, rifletterà sul ruolo delle piante negli scenari urbani presenti e futuri, non solo come elementi decorativi ma come sistemi viventi capaci di connettere atmosfera, suolo e qualità della vita. Annalisa Metta, architetta del paesaggio, interverrà sul tema del paesaggio, visto non come un luogo, ma come una “danza” incessante di corpi, materie, pratiche, desideri, umani e non umani, che senza tregua si accostano, sfiorano, sovrappongono, generando aderenze e attriti, inciampi e abbracci.

È molto difficile oggi “sfuggire” alla città, in senso reale e metaforico. La città ha invaso il mondo, che è divenuto un’immensa distesa metropolitana e, nello stesso tempo, il mondo intero è tutto quanto dentro la città. La filosofaAnna Lazzarini, con Abitare la città-mondo, mostrerà come la città sia oggi il luogo in cui si condensano le contraddizioni e la complessità del mondo contemporaneo.

La dimensione internazionale appare evidente anche se si volge lo sguardo alle città coinvolte in conflitti. La guerra contemporanea si combatte sempre più dentro le città. Perché ciò avviene? Quali ne sono le conseguenze? L’intervento di Francesco Chiodelli (docente di geografia economico-politica), Città in guerra, analizzerà l’urbanizzazione dei conflitti armati, mostrando come anche le guerre apparentemente più lontane hanno un impatto profondo sulla vita quotidiana nelle nostre città.

La seconda pista tematica allarga lo sguardo alla dimensione globale e alle grandi sfide dell’Antropocene. Lo sguardo dall’esterno sul pianeta, acquisito dalla rivoluzione spaziale moderna, costringe a ripensare geopolitica e globalizzazione: ne parlerà il filosofo Matteo Vegetti in La crisi dello spazio contemporaneo.

La filosofa Laura Boella, in Su che pianeta abitiamo? Terra, Globo, Cloud, Web e Bots e il senso di realtà, riprenderà la provocazione di Bruno Latour per interrogarsi sui mondi contraddittori in cui viviamo, tra geografia, tecnologia, esperienza e immaginazione.

Si guarda poi al pianeta attraverso la lente della responsabilità. Il filosofo morale Simone Pollo, con Simpatia per il futuro. È ancora possibile il progresso nell’Antropocene?, porterà il pubblico dentro una riflessione etica sul futuro, sul progresso e sulla condizione ecologica del presente. Stefano Bartezzaghi, semiologo, e Mariasole Bianco, biologa marina, nello spettacolo Cruciverba volant. Abitare il mare, uniranno divulgazione e gioco per affrontare in modo originale i temi della sostenibilità marina (evento realizzato con il contributo dell’Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Orientale).

La terza area di approfondimento elegge la cura a principio fondativo del vivere insieme e a linguaggio attraverso cui ripensare l’abitare.

Aprirsi alla dimensione della cura vuol dire volgere innanzitutto lo sguardo alla dimensione intimistica e interiore. La poetessa Beatrice Zerbini, con Abitarsi, offrirà un reading poetico sul coraggio di abitare la propria vita e di fare spazio alla propria voce nel mondo.

L’economista Stefano Zamagni, con Convivenza abitativa e singolarismo. Una contraddizione pragmatica, analizzerà l’incompatibilità tra l’estremizzazione dell’individualismo e ogni autentica forma di convivenza. Il sociologo Stefano Laffi, in Immaginarsi insieme, si concentrerà sulle dinamiche sociali divisive del presente e sulla necessità di ritrovare universali biografici condivisi: quelle esperienze fondamentali, tappe esistenziali e passaggi emotivi che accomunano la vita di ogni essere umano, indipendentemente dalle differenze sociali, economiche o culturali, per vivere insieme senza cedere all’isolamento e per salvaguardare la capacità di immaginare il futuro.

Il nostro modo attuale di abitare il mondo non può quindi essere quello che adotteremo nel futuro: abbiamo già compromesso la maggior parte degli ecosistemi naturali e se continuiamo a pensare solo ai bisogni della nostra specie rischiamo di perdere la sola possibilità che abbiamo di abitare il pianeta Terra. All’omogeneità, ci spiegherà l’antropologo Andrea Staid (in La casa multinaturalista del futuro) le città del futuro dovranno sostituire la ricchezza della diversità in tutte le sue forme; le superfici organiche dovranno invadere, colonizzare, riconquistare quelle minerali, creando varchi per la varietà della vita.

Un approccio più concreto legato a un nuovo modo di progettare saranno rivolti i due interventi di Franco La Cecla e Barbara Carnevali. L’antropologo Franco La Cecla, con Addomesticare l’architettura. Come l’Occidente ha distrutto l’abitare, proporrà una critica dei modelli uniformanti dell’architettura contemporanea e una riflessione sulla necessità di rispettare le diverse culture dell’abitare. La filosofa Barbara Carnevali, in Oggetti che emancipano. Del design come educazione e come politica, partirà dall’intuizione di Maria Montessori per mostrare come il design possa avere una funzione educativa ed emancipatrice.

Due conversazioni offriranno lo spunto per due focus di approfondimento. Il giornalista Filippo Lubrano, nella conversazione Infondata sul lavoro. Cosa faremo se l’AI ci sostituirà in tutto o quasi?, affronterà una delle domande più urgenti del nostro tempo, legata al rapporto tra automazione, identità e organizzazione sociale. Il giornalista Alessandro Mantovani, in un’epoca che pretende di dominare lo spazio attraverso mappe e dispositivi digitali, in Nei labirinti contemporanei affronterà il tema del labirinto come simbolo dell’enigma e dello smarrimento.

Gli spettacoli

Anche il programma serale accompagnerà il pubblico in un percorso che intreccia musica, racconto, ironia e riflessioni sul contemporaneo.

Abbiamo scelto la forma della “conferenza spettacolo” per esplorare l’abitare nelle sue declinazioni più urgenti e concrete. I 7 progetti urbani firmati Alvar Aaltissimo in Città urgenti (giovedì 10 settembre), rispondono a 7 problematiche urgenti della contemporaneità: nascono così altrettante visioni di città distopiche, scenari di vicende grottesche e situazioni surreali vissute da abitanti resilienti. Durante lo spettacolo si alterneranno Alvar Aaltissimo (alias Fabrizio Esposito) e Filosofia coatta (alias Giulio Armeni), tra progetti distopici e racconti ironici.

Lo sguardo del capitano. Il significato di essere eroi (venerdì 11 settembre) con Paolo Colombo e i disegni dal vivo di Michele Tranquillini, attraverso parole, immagini e musica emotiva, il pubblico verrà trasportato nell’Antartide del 1914, al fianco di Ernest Shackleton e del suo equipaggio, protagonisti di una delle più straordinarie avventure di sopravvivenza della storia moderna. Quando la nave Endurance rimane intrappolata nei ghiacci e ogni piano sembra crollare, Shackleton compie la scelta che lo renderà una leggenda: rinunciare alla conquista per salvare tutti i suoi uomini. Mentre Paolo Colombo dà voce a questa incredibile odissea, raccontando una potente riflessione sul coraggio e sulla capacità umana di resistere anche nei momenti più oscuri, Michele Tranquillini crea dal vivo immagini e suggestioni che prendono forma davanti agli occhi degli spettatori (Main Sponsor evento FHP Terminal Carrara).

I format di “parole e musica” racconteranno l’abitare il tempo: abitare non significa solo occupare uno spazio geografico, ma anche riconoscersi dentro una storia collettiva, nei decenni che hanno plasmato la nostra identità, i nostri costumi e le nostre emozioni, in un costante dialogo tra generazioni.

Le emozioni che abbiamo vissuto. Gli anni ’60: quando tutto sembrava possibile (venerdì 11 settembre) con Walter Veltroni accompagnato al pianoforte da Gabriele Rossi. Guidati dalla narrazione coinvolgente di Walter Veltroni rivivremo i contrasti violenti e i fatti storici memorabili che hanno segnato un decennio indimenticabile: lo sbarco sulla Luna, gli assassini di Martin Luther King e dei Kennedy, il Vietnam, la Televisione nelle case e il Terrorismo. Un filo rosso di storia personale e familiare terrà insieme la cronaca, gli oggetti del desiderio consumistico, la musica e le immagini d’epoca (con video spesso inediti).

’80 contro ’90, presenterà (sabato 12 settembre) invece una furiosa disfida fra Ema Stokholma e Gino Castaldo. La battaglia si sviluppa senza esclusione di colpi tra generazioni diverse e passioni comuni, usando musiche, film, pezzi di storia e d’arte: si parlerà di Chernobyl, Aids, Macintosh e tantissimo altro con l’ausilio di foto, video, file musicali e oggetti simbolici. Alla fine, sarà il pubblico in piazza a votare e decretare il decennio vincitore (Main Sponsor evento BPER).

Gli appuntamenti musicali di questa edizione per esplorare l’abitare inteso come “relazione e contatto”. Dalla necessità di abitare lo spazio fisico del live e della piazza per ritrovare connessioni umane autentiche oltre gli schermi digitali, è quanto ci propone Irene Fornaciari & The Groove Aviators in Soul connections (giovedì 10 settembre). La band offre uno show adrenalinico dove il Soul e l’R’nB sono le radici che si connettono con altri stili e impennate rock, generando un rito collettivo fatto di corpi che ballano e si relazionano dal vivo.

Doppio appuntamento serale giovedì 10 con Liberidi Liberida di Sabina Guzzanti, che con la sua ironia tagliente e critica sociale, riflette sulla libertà in un’epoca di cambiamenti e incertezze, mescolando politica, lavoro e tecnologia, e invitando gli spettatori a soffermarsi su cosa significhi essere veramente liberi.

Sabato 12 settembre sarà la volta di Michele Bravi in concerto alle 22.15 in piazza Alberica. Un appuntamento imperdibile che unisce la sensibilità interpretativa di Michele Bravi alla magia della performance live, dove la musica si fa racconto scenico e abita la piazza attraverso l’emozione pura della sua voce e delle sue canzoni.

Domenica 13 settembre alle 21.30 in piazza Alberica il festival chiuderà come sempre con un momento di festa con lo show di Rocco Papaleo, “Perdere tempo mi viene facile”: uno spettacolo in cui comicità, poesia, racconto e musica si intrecciano e coesistono in un equilibrio naturale. La musica sarà accompagnatrice di ogni passaggio scenico, diventando presenza narrativa, atmosfera e dialogo continuo con la parola. Perdere tempo mi viene facile è anche il titolo dell’autobiografia di Papaleo: una vera e propria dichiarazione d’intenti e una provocazione contro la frenesia della produttività a tutti i costi.

Il programma creativo

Venire a Carrara nei giorni di con-vivere vorrà dire, anche quest’anno, immergersi in un’atmosfera fatta di riflessione, approfondimento, creatività e partecipazione. Il programma sarà articolato in una pluralità di proposte: mostre, conferenze itineranti, laboratori per tutti, appuntamenti dedicati alla cucina, eventi con le scuole, iniziative sul territorio e momenti di incontro promossi da associazioni e istituzioni locali.

Tra le mostre, Con_testi. Abitare a fumetti a cura di Riccardo Corbò sarà allestita nelle sale di Palazzo Binelli. Esporranno: Collettivo Viscosa, LRNZ Lorenzo Ceccotti, Roberto Grossi, Rita Petruccioli. Da diversi anni il fumetto è uscito dal classico alveo di “letteratura di evasione” e di semplice intrattenimento, spesso per l’infanzia. Sono molti gli autori che lo usano come forma d’arte pura, per raccontare il nostro presente, per indagare nei sentimenti, nella psicologia e nella società. Per inventare un altrove che serve come specchio distorto della nostra realtà. Abbiamo voluto quindi ragionare attorno a quei fumetti che contengono il concetto dell’abitare. “Abitare” non solo passivamente un luogo, ma prendersene cura: la propria casa, ma anche la propria città; il centro storico e le periferie; i monumenti e i luoghi abbandonati da recuperare e occupare; l’abitazione come luogo fisico ma anche luogo della propria anima; e nel senso più ampio del termine il nostro pianeta, “abitarlo” avendo ben presente la distinzione dallo “sfruttarlo”. Rita Petruccioli espone la sua installazione “Sisterhood in the Neighborhood. Detoxing Public Space From Patriarchy”, mentre Roberto Grossi le pagine tratte dal suo reportage a fumetti “La grande rimozione”; il Collettivo Viscosa, formato da artiste giovanissime, porta la loro visione fresca e dirompente, Lorenzo Ceccotti LRNZ nella sua trilogia di graphic novel “Geist maschine” ci mostra come potrebbe abitare l’uomo in un futuro o presente distopico post apocalittico, dove i nostri luoghi abituali cambiano uso e prospettiva. Un raggio molto ampio di stili di disegno e di scrittura, che permetteranno al pubblico di conoscere o approfondire opere della contemporanea letteratura disegnata, di maggiore successo nell’attuale scena editoriale e creativa italiana. Uno spazio della mostra, curato da Agnese Leone, sarà dedicato a un gruppo di studenti dell’Accademia di Belle Arti, che attraverso i loro fumetti, indagheranno la fragilità psicologica e il peso delle aspettative sociali, il valore della comunità e del cohousing opposti all’individualismo urbano, la ricerca della propria identità per imparare ad abitare sé stessi e il proprio spazio nel mondo.

Sponsor e partner

Il festival è sostenuto e promosso da un Comitato per il festival con-vivere, costituito da Fondazione Cassa di Risparmio di Carrara (ente capofila), Comune di Carrara, Camera di Commercio Toscana Nord Ovest, Accademia di Belle Arti di Carrara e Fondazione Marmo Onlus

Con il patrocinio della Commissione Nazionale Italiana per l’Unesco

Con il patrocinio di: Regione Toscana, Commissione Regionale Pari Opportunità della Toscana, Provincia di Massa Carrara

Con la collaborazione di: Ufficio scolastico territoriale Ambito di Massa Carrara

Con il contributo di: Autorità di Sistema Portuale del Mar Ligure Orientale Porti di La Spezia e Marina di Carrara

Premium Supporter: Fhp Carrara Terminal

Main Sponsor: BPER Banca

Sponsor Midi: Chean Srl, Coop Firenze, Generali Assicurazioni, Marmo Canaloni Carrara

Sponsor: Cooperativa Cavatori Gioia, MaxMarmi, S.T. Segagioni, Aziende del porto di Marina di Carrara (MDC Terminal, San Colombano Costruzioni SpA, Gruppo Grendi, T-Bulk, Vittorio Bogazzi e Figli Spa, Piero De Gasperis & C. srl, Dusty Srl, Semp Srl)

Sponsor tecnico: Nausicaa SpA, Fonteviva, Federalberghi Costa Apuana, RetiAmbiente Carrara

Mediapartner: QN La Nazione

Tutti gli eventi in programma sono ad ingresso libero e gratuito

www. con-vivere.it; Fb con-vivere Carrara Festival; IG con_vivere

II edizione "Liberi sulla Carta" a Borghetto San Carlo
2026-09-11 17:00 - 2026-09-13 10:00 | Borghetto San Carlo, Via Cassia 1420 (Giustiniana), Roma, ITA, 00123, Italy
Dopo il successo della sua prima edizione romana, Liberi sulla Carta torna dall’11 al 13 settembre al Borghetto San Carlo con un festival ancora più grande e con un’idea precisa al centro della sua quindicesima edizione: la cultura fa stare bene. In un tempo in cui si parla sempre più di benessere psicologico, qualità delle relazioni e bisogno di ritrovare spazi di comunità, la manifestazione sceglie di affidare proprio alla cultura una nuova responsabilità. Nasce così #Tifastarebene, il tema scelto per il 2026: un invito a vivere libri, incontri e spettacoli non soltanto come appuntamenti culturali, ma come esperienze capaci di generare benessere, relazioni e senso di appartenenza.

Dopo aver riportato nella Capitale una delle principali manifestazioni dedicate all’editoria indipendente italiana, il festival conferma il Borghetto San Carlo come propria casa romana e rilancia con un’importante novità: il raddoppio degli spazi dedicati agli editori indipendenti, cuore della manifestazione fin dalla sua nascita, insieme a un programma ancora più ricco di incontri, spettacoli, formazione ed esperienze sul territorio.

La scelta del Borghetto San Carlo rappresenta molto più di una semplice location. Restituito alla città e oggi luogo di incontro immerso nel verde della Giustiniana, questo spazio interpreta perfettamente la visione del festival: costruire comunità attraverso i libri, favorire nuove relazioni tra persone, autori ed editori e dimostrare come la cultura possa essere un’esperienza da vivere insieme. Qui la lettura incontra il paesaggio, il dialogo si intreccia con la natura e il festival diventa un tempo condiviso, non soltanto una successione di appuntamenti. Un intreccio di letteratura, spettacolo, formazione, territorio ed enogastronomia, per tre giorni in cui la cultura esce dalle pagine dei libri per trasformarsi in un’esperienza collettiva. Perché leggere fa stare bene.

Anche quest’anno tutti gli eventi saranno a ingresso gratuito. La formula del 2025 viene confermata e ampliata: ogni pomeriggio il Borghetto ospiterà presentazioni di libri, dialoghi e incontri dedicati alla cultura e all’attualità, mentre le serate saranno animate da reading e spettacoli. Torneranno inoltre il workshop di scrittura creativa della Scuola Omero, il Premio Arthè dedicato ai racconti brevi, gli stand enogastronomici aperti a pranzo e cena e un calendario ancora più ricco di attività diffuse tra escursioni, visite guidate ed esperienze sul territorio.

«Lo scorso anno abbiamo ribadito che un festival può diventare molto più di un luogo dove si presentano libri: può trasformarsi in una comunità temporanea fatta di incontri, dialoghi e persone che condividono il piacere di ascoltare e confrontarsi – commenta il direttore artistico Fabrizio Moscato –. Da quell’esperienza nasce #Tifastarebene. Crediamo che la cultura abbia oggi una responsabilità importante: creare spazi in cui stare bene insieme, rallentare, riflettere, immaginare il futuro e costruire relazioni. È questo lo spirito con cui abbiamo pensato la nuova edizione di Liberi sulla Carta.»

In attesa del programma ufficiale, sono già tanti gli ospiti e le ospiti che hanno confermato la loro partecipazione a Liberi sulla Carta 2026: l’attore e scrittore Ascanio Celestini che con il libro “Pasolini. Una vita, anzi due” ricorderà il poeta e regista ucciso nel 1975; la cantante Syria omaggerà Gabriella Ferri con lo spettacolo “Perché non canti piú”; non mancheranno momenti di riflessione come quello previsto con la scrittrice e filosofa Ilaria Gaspari, che parlerà del ritrovato romanzo ottocentesco “Un martirio”, di Regina di Luanto (pseudonimo di Anna Guendalina Lipparini); Stefano Petrocchi, che presenterà “Romanzo Privato”, affascinante ritratto della figura di Maria Bellonci, scrittrice e organizzatrice del Premio Strega, mentre il misterioso recensore mascherato Johnny Palomba, a 25 anni dalle sue Recinzioni, tornerà a regalarci momenti di divertimento imperdibili. Temi di grande attualità quelli che chiudono la prima carrellata di ospiti già confermati: “Maschi, si salvi chi può” dell’attore, sceneggiatore e scrittore Marco Bonini e “Una nuova idea di paese. Dal probabile declino alla possibile rinascita” di Giovanni Marconi per accendere l’attenzione sulla nostra società.

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura, è vincitore dell’Avviso Pubblico “Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno”, in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

Orari: Venerdì 11 settembre: dalle 17:00 fino alle 23:00. Sabato 12 settembre e Domenica 13 settembre: dalle 10:00 alle 13:00 e dalle 16:00 fino alle 23:00

Ingresso libero

Sito ufficiale: www.liberisullacarta.itEmail: info@liberisullacarta.it

Come arrivare: Treno: FL3, fermata La GiustinianaAutobus: linee 021, 032, 024In auto: uscita 3 GRA Cassia Bis, direzione Viterbo

“Aliasing” doppia personale per Suren Dorfmnn ed Emanuele Zaccaria
2026-09-13 18:00 - 18:30 | Casa Vuota, via Maia 12, Roma, Italia
La pittura, con tutta la sua potenza immaginifica, e il suo rapporto problematico con la realtà, in un’epoca sempre più bombardata di immagini, accomuna la ricerca di due artisti di vent’anni, Suren Dorfmann ed Emanuele Zaccari, che si cimentano nella loro prima prova espositiva in una doppia personale intitolata “Aliasing” e ospitata a Casa Vuota in via Maia 12 a Roma, a cura di Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo. La mostra siinaugura mercoledì 8 luglio alle ore 18 e, dopo l’inaugurazione, si può visitare su appuntamento fino al 13 settembre 2026, prenotando ai numeri 3928918793 o 3284615638 oppure all’email vuotacasa@gmail.com.

A ciascuno dei due giovani artisti, legati da un rapporto di amicizia, viene dedicata una stanza di Casa Vuota e Dorfmann e Zaccari abitano la stanza a loro assegnata presentando un ciclo di lavori autonomo, progettato nella forma di un intervento site specific. Il pubblico è chiamato a confrontarsi con il lavoro di ciascun artista, mentre nel passaggio da una stanza all’altra, a completamento del percorso espositivo, si trova di fronte a un’installazione realizzata a quattro mani, con il titolo “Smussatura” (2026), che rimodula la volumetria della casa fondendo segno inciso e luce.

Il filo conduttore fra i due artisti è spiegato dai curatori Francesco Paolo Del Re e Sabino de Nichilo, che scrivono: «Prelevando dal linguaggio dell’elettronica un temine tecnico – aliasing – che definisce la presenza di un errore nello spettro armonico di un segnale campionato, il titolo della mostra vuole descrivere una particolare condizione dell’esperienza estetica contemporanea. Nel parossismo esasperato di una trasmissione di dati e di una elaborazione di visioni tendenti programmaticamente a una sempre maggiore qualità e quantità delle informazioni veicolate e processate, questa esperienza estetica peculiare si fa carico della possibilità di un disturbo, tanto nel campionamento della frequenza quanto nella sua decodifica. Errori e distorsioni diventano fattori connaturati e strutturali, da annoverare fra le possibilità concrete della visione e dei suoi fallimenti. Nell’impossibilità di controllare tutto, sembrano dire Dorfmann e Zaccari, il compito dell’arte è duplice: da una parte abbracciare l’errore e la fallibilità, dall’altra esaltarne il potere generativo, distorcente, visionario, portentoso e disturbante».

Un deciso bianco e nero e un segno rapido, vivace e costruito su livelli successivi sono gli elementi caratterizzanti il lavoro di Suren Dorfmann, che si esercita sia in opere di piccolo formato, sia in interventi ambientali di grandi dimensioni. Sono due le opere costruite su misura per lo spazio di Casa Vuota. Il primo, intitolato “Muffa” (2026) è un lavoro minimale, interstiziale e usa l’intera parete come supporto su cui lavorare in modo mimetico e sfidante, andando a colmare i buchi e gli strappi già presenti nella carta da parati con degli interventi disegnati che sembrano fuoriuscire da chissà quale regione remota, rivelando una realtà altra e facendo del difetto un’opportunità. “Troppo poco vuoto” (2026) è invece un grande dipinto leggero e stratificato, che – addizionando strati su strati di tessuti lavorati con inchiostro di china – immagina un bosco dischiuso inaspettatamente nel cuore della casa. Si aggiungono due piccole opere su legno, anch’esse di ispirazione botanica e paesaggistica: due dittici sospesi tra pittura e disegno, lavorati in un prezioso e minuzioso dosaggio di ombre e luci, con una tecnica mista che mescola sapientemente il transfer fotografico, il carboncino, la tempera e il pennarello acrilico.

«Il fulcro della mia ricerca – racconta Dorfmann – riguarda le stratificazioni di piani differenti della realtà che, intersecandosi o sovrapponendosi, ne modificano la percezione. Alcuni tra gli elementi indagati sono l’interno e l’esterno, il presente e la memoria, l’immagine fotografica e il disegno, il verticale e l’orizzontale. L’attenzione al dettaglio e alla ripetizione permette di cogliere differenze impercettibili. I soggetti selezionati sono tratti da fotografie, disegni o incisioni che hanno un legame diretto con la mia esperienza personale, ma essendo immagini essenziali si possono riferire a qualsiasi fruitore. Sono lavori di meditazione e immersione e, nonostante le differenze di dimensione, medium e supporto, hanno in comune la stratificazione, che sia tra diversi tessuti, stampe e fotografie o disegno e carta da parati».

Prediligendo in questa fase della sua ricerca la pittura a olio su tela, ma aperto anche alla sperimentazione di altri linguaggi, come per esempio il video, è proprio dal video che Emanuele Zaccari trae ispirazione per la serie di quattordici dipinti, identici per dimensioni e formato, che sceglie di presentare con un allestimento rigoroso e lineare – quasi filmico – a Casa Vuota. Prendono spunto da fotogrammi di filmati amatoriali di provenienza diversa e girati tra gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta, appartenenti dunque a un periodo molto precedente rispetto alla vita del giovane artista (nato nel 2005), di cui Zaccari ha potuto avere un’esperienza soltanto derivata, mediata e mai diretta. La cultura e la tecnologia a essi sottese sono al centro di quello che l’artista descrive come «un fenomeno nostalgico indiretto, una nostalgia forse rafforzata dalla mia esperienza mediata».

Emanuele Zaccari riflette sui rapporti fra le differenti tecnologie e i diversi media, partendo dalla stampa, dalla fotografia e dal video fino ad arrivare alle tecnologie digitali e all’intelligenza artificiale. «Trovo importante – sottolinea – evidenziare e riflettere sulla presenza del filtro digitale, cioè di quell’elemento sempre più presente fra noi e il fenomeno che percepiamo, che comporta una fruizione derivata e non immediata dell’immagine. Mi interessa porre l’attenzione su elementi strutturalmente interni all’immagine, che si distaccano da essa ponendosi su un altro piano, fra l’osservatore e l’oggetto artistico, e creando una distanza che può portare alla riflessione». Il mondo descritto dall’artista nella sua pittura, attraverso la metabolizzazione delle immagini preesistenti, estrapola e rende significativi fotogrammi di un flusso indiscriminato, ormai inconsapevole di sé, dando loro una vita nuova e disordinata e lasciando all’osservatore il compito di ricomporre una narrazione disarticolata, fatta di memorie infantili, reminiscenze militaresche, piccoli gesti di tenerezza quotidiana, spunti casuali e suggestioni di sapore vagamente distopico.

Suren Dorfmann (2005) nasce a Roma e si trasferisce a Rapolano Terme, in provincia di Siena. Studia pittura all’Accademia di belle arti di Roma. A partire dal 2023 partecipa ad alcune mostre collettive. La sua ricerca pittorica è in dialogo con la grafica e si focalizza sulla trasposizione del concetto in illustrazione, con attenzione al contesto storico-culturale. È del 2026 la personale “Riccio nella nebbia” al Palazzo Pretorio di Rapolano Terme, a cura di Francesca Nonne.

Emauele Zaccari (2005) nasce a Roma, la città dove vive, dopo avere abitato per alcuni anni sull’isola di Mahè, nelle Seychelles. Ha studiato alla Scuola romana del fumetto e attualmente frequenta il corso di pittura all’Accademia di belle arti di Roma. Nel 2026 espone al Museo di Roma a Palazzo Braschi nella mostra collettiva “Umani troppo umani (oggi)”, curata da Anna Maiorano, con testi di Livia Romano.
