Quarta Parete Roma

"DAVID Come quando eravamo felici" all'Altrove Teatro Studio
2025-11-14 20:00 - 2025-11-16 17:00 (Europe/Rome) | Altrove Teatro Studio, Via Giorgio Scalia, 53, Roma, ITA, Italia
Dal 14 al 16 novembre all’Altrove Teatro Studio approda DAVID Come quando eravamo felici, spettacolo scritto e diretto da Marco Di Stefano.

David prende spunto dai vari fatti di cronaca che ogni anno avvengono tra Stati Uniti ed Europa. È la storia di un ragazzino di 13 anni, di buona famiglia borghese, figlio di un medico e un’avvocatessa, che prende una pistola dalla cassaforte e compie una strage a scuola.

David è la storia di un padre che ci racconta del rapporto con il suo bambino, un rapporto felice fino al giorno della strage. Perché niente, fino a quel giorno, ha mai fatto pensare a un vuoto così grande da poter esplodere in un atto di tale violenza. David racconta di un genitore messo ad una prova che mai si sarebbe immaginato di dover affrontare, poiché ogni genitore crede che i propri figli non siano in grado di compiere un atto mostruoso, un atto talmente orrendo da marchiarli a vita. David è un testo che indaga il male che si nasconde dentro di noi e dentro i nostri figli, un male che spesso non riusciamo a vedere. O che non vogliamo vedere.

“Il 3 maggio del 2023, a Belgrado, un ragazzino di tredici anni ruba la pistola del padre dalla cassaforte. Arrivato a scuola, uccide otto coetanei e un adulto. Pensiamo che storie del genere accadano soltanto nella provincia americana, ma per quelli della mia generazione – quelli più attenti alle vicende del mondo, perlomeno – è ancora vivo nella memoria il ricordo di Erfurt nel 2002, quando per la prima volta un massacro scolastico avveniva nella civilissima Europa”_ annota Marco Di Stefano.

“Il testo disegna una realtà autonoma, lontana da questi fatti di cronaca, dando voce al padre di uno stragista. O, come direbbero i giornali, di un “mostro”. Parola che usiamo per definire gli assassini come diversi da noi, estranei alla sfera stessa dell’umanità. Sono padre di due bambini che al momento hanno sei e tre anni. Come molti padri, sono terrorizzato dall’idea che qualcuno possa far loro del male. E se invece fossero loro a fare del male a qualcuno in modo brutale e insensato? Abbiamo paura dei mostri, ma se i mostri fossimo noi o – peggio – i nostri figli?

Chissà, forse quegli stessi mostri tornerebbero a sembrarci molto umani.”

SPETTACOLI

Venerdì e Sabato ore 20

Domenica ore 17

Biglietti: Intero 15€_ Ridotto 10€

Per informazioni e prenotazioni: telefono 3518700413, email ipensieridellaltrove@gmail.com

"VITERBO SHORT", al via le iscrizioni per la seconda edizione
2025-11-14 20:30 - 2025-11-16 17:00 | Teatro San Leonardo, Via Cavour, 9, Viterbo
Teatro San Leonardo – Viterbo

14 al 16 novembre 2025

VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio:

Al via le iscrizioni per la seconda edizione

Il bando aprirà ufficialmente il 14 marzo, confermando Viterbo come crocevia per il cinema breve nazionale e internazionale

Viterbo, marzo 2025 – Dopo il successo della prima edizione, il VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio torna per il secondo anno consecutivo, consolidandosi come un appuntamento imprescindibile per cineasti, appassionati e professionisti del settore. L’evento, che si svolgerà dal 14 al 16 novembre 2025 presso il Teatro San Leonardo di Viterbo, continua a porre il cinema breve al centro della scena culturale della città, valorizzandone il potenziale artistico e narrativo.

A partire dal 14 marzo, sarà ufficialmente aperto il bando di iscrizione, consentendo ai registi di tutto il mondo di candidare le proprie opere per una delle otto sezioni competitive del festival.

VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio: un festival in crescita

La prima edizione ha visto la partecipazione di 394 cortometraggi provenienti da oltre 50 Paesi, confermando l’interesse globale per un evento che, fin dal debutto, ha posto al centro il cortometraggio come forma d’arte autonoma, ben oltre il semplice trampolino di lancio per i lungometraggi.

Il Direttore Artistico Michelangelo Gregori ha espresso grande entusiasmo per questa nuova edizione:

“Sono emozionato nel continuare questa avventura e, nel segno della continuità, autori che si sono distinti nella scorsa edizione faranno parte delle nostre giurie, ma non svelerò tutto ora. Sarà una tre giorni ricca di cinema breve e di eventi collaterali, che darà finalmente lo spazio che merita al cortometraggio, non solo come trampolino di lancio per giovani autori, ma come un vero e proprio formato cinematografico di tutto rispetto. Sono felice di dire che grazie alla tre giorni avremo modo di esplorare questo mondo a 360 gradi. Posso anticipare che per la sezione Satirarsi, ad esempio, abbiamo trovato la collaborazione della compagine satirica di VITERBOH, molto conosciuta in città. A livello nazionale, stiamo organizzando un incontro intitolato ‘Festival che parlano di Festival’, in cui i Direttori Artistici di rassegne di rilievo verranno a dare il loro contributo alla causa del cinema breve. Ma, per ora, invito tutti a seguire i nostri canali social e il sito web… e soprattutto attendo con ansia l’arrivo dei nuovi cortometraggi dopo il successo inaspettato dello scorso anno.”

Il Teatro San Leonardo: un ruolo centrale per il festival

Il Teatro San Leonardo, storico spazio culturale della città, svolge un ruolo chiave nella realizzazione del festival, offrendo non solo una prestigiosa location ma anche un impegno attivo nella promozione del cinema breve. La direzione del teatro ha dichiarato:

“Questo festival rappresenta un’importante opportunità per la città, che avrà il privilegio di accogliere esperti del settore cinematografico, critici, registi e appassionati provenienti da tutta Italia e dall’estero. Il nostro obiettivo è rendere Viterbo non solo un punto di riferimento per il cinema breve, ma anche un luogo di incontro e scoperta, offrendo ai visitatori l’opportunità di immergersi nelle bellezze storiche e culturali del territorio.“

La sinergia tra il Teatro San Leonardo e il Direttore Artistico Michelangelo Gregori ha dato vita a un festival che non è solo un evento cinematografico, ma un vero e proprio punto di incontro tra arte, cultura e turismo.

Le nuove sezioni del festival

Il VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio si amplia ulteriormente nella sua seconda edizione, accogliendo nuove sezioni che esaltano la diversità del cinema breve.

Le otto sezioni competitive del festival sono:

-Corti a Scuola – Cortometraggi realizzati da studenti di cinema o istituti scolastici, con tematiche adatte a un pubblico studentesco.

-Territorio (Tuscia e Lazio) – Opere legate alla regione Lazio e alla provincia di Viterbo.

-Tema Sociale (Italia e Internazionale) – Sezione dedicata a cortometraggi e mini-documentari su tematiche sociali e culturali di rilevanza globale.

-Corti Teatrali e Letterari – Opere ispirate alla letteratura e al teatro, con un ponte tra tradizione e sperimentazione cinematografica.

-Cortometraggi Satirici (SATIRARSI) – Uno spazio per il cinema breve satirico, con un premio assegnato sia dalla giuria che dal pubblico.

-Videoclip Musicali Internazionali – Sezione dedicata ai migliori videoclip d’autore da tutto il mondo.

-Corto Italia – Un focus sui migliori cortometraggi italiani, senza vincoli di genere o stile.

-Corto Libero International – Opere internazionali, presentate con sottotitoli in italiano.

Questa crescita dimostra l’ambizione del festival di diventare un punto di riferimento internazionale, promuovendo il cortometraggio come un’espressione artistica di grande valore e autonomia.

Iscrizioni aperte dal 14 marzo

Il bando per partecipare al VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio sarà attivo dal 14 marzo 2025. Le iscrizioni potranno essere effettuate tramite la piattaforma FilmFreeway, e i cortometraggi selezionati entreranno a far parte del programma ufficiale con proiezioni dedicate durante i giorni del festival.

Un evento che unisce arte e industria cinematografica

La seconda edizione del festival si arricchirà di eventi collaterali, tra cui il già citato “Festival che parlano di Festival”, un incontro con direttori artistici di importanti rassegne cinematografiche per discutere il futuro del cortometraggio nel sistema cinematografico internazionale.

Con una programmazione ancora più articolata e la volontà di consolidarsi nel panorama cinematografico italiano, il VITERBO SHORT Festival del Cortometraggio punta a diventare non solo una vetrina per nuovi talenti, ma anche un hub di discussione sul futuro del cinema breve. Un appuntamento imperdibile per chiunque voglia scoprire e celebrare l’arte del cortometraggio in tutte le sue forme.

"Il Cielo in una stanza" al Teatro Argot
2025-11-14 20:30 - 2025-11-16 17:00 | Argot Studio, Via Natale del Grande, 27, Roma, 00153, Italia
Quando Pier Paolo Pasolini scriveva “Orgia” nel 1968, immaginava una coppia che per vivere la sua “diversità” si nascondeva dal mondo, per trasgredire alle regole nel segreto della loro stanza. Oggi, più di cinquant’anni dopo, il regista Fabio Morgan ribalta completamente quella visione, cercando una risposta contemporanea.

“Il Cielo in una stanza”, un’opera originale interamente concepita per la realtà virtuale, va in scena dal 14 al 16 novembre a Roma, al Teatro Argot, ma poi continuerà a girare il Lazio con date ad Arsoli (venerdì 21 novembre), Sezze (sabato 22), Ostia (domenica 23) e Tuscania (domenica 30 novembre).

“Il cielo in una stanza” trasforma il testo pasoliniano in un viaggio verso la vita invece che verso la morte: un esperimento artistico che utilizza la tecnologia immersiva raccontando la storia più antica del mondo, l’amore. L’opera si svolge interamente in una stanza, durante una sola notte, mentre due attori provano proprio il testo di Pasolini. Ma quello che inizia come una semplice prova teatrale diventa gradualmente la loro vera storia: il confine tra recitazione e vita si dissolve, fino a quando non capiscono che il vero spettacolo non è quello che stanno provando, ma quello che stanno vivendo.

Fabio Morgan, agitatore culturale, si è distinto in questi anni nel tentativo di creare innovativi format di spettacolo dal vivo, come “Fitzcarraldo” – la prima opera lirica su battello in movimento sul Tevere. Con “Il cielo in una stanza” cerca di portare la sua ricerca sui linguaggi teatrali nel mondo della realtà virtuale. “Ho sempre creduto che il teatro debba occupare spazi non convenzionali”, spiega Morgan. “La VR mi permette di creare un’intimità impossibile: lo spettatore è letteralmente dentro la camera da letto di una coppia, testimone invisibile della loro trasformazione”.

“Pasolini raccontava la diversità come una condanna – spiega Morgan – I suoi personaggi erano diversi perché desideravano in un mondo che vietava il desiderio. Ma oggi la situazione si è capovolta: siamo in un mondo che ci obbliga a desiderare tutto, a consumare tutto, a mostrare tutto. La vera diversità, oggi, è voler essere normali. È scegliere il silenzio invece del rumore, la privacy invece dell’esibizione, l’amore duraturo invece del consumo di corpi”

L’opera segue questa coppia di attori attraverso sei episodi, ognuno dei quali esplora un aspetto diverso della crisi contemporanea: l’incapacità di comunicare autenticamente, la sterilità emotiva mascherata da iperattivismo, la nostalgia per un mondo dove era possibile essere semplicemente se stessi.

In questo confronto serrato con “Orgia” di Pasolini, si delineano alcune chiare divergenze: Pasolini fotografava la fine di un mondo, raccontava la morte come unica risposta possibile all’oppressione, mentre Morgan, cinquantasette anni dopo, cerca di immaginare l’inizio di un mondo nuovo. Non nega la crisi contemporanea – la descrive con la stessa lucidità di Pasolini – ma cerca una via d’uscita che non sia la resa.

“Orgia” diceva: siamo diversi, il mondo ci odia, moriamo. “Il cielo in una stanza” risponde: siamo diversi perché vogliamo essere normali, il mondo ci vuole performativi, generiamo vita”

Scritto e diretto da Fabio Morgan

con Diego Migeni, Sarah Nicolucci, Carlotta Sfolgori

Aiuto Regia Emiliano Morana

scene e costumi Giovanni Schiera

sarta Patrizia Martella

Riprese Video, fotografia e sviluppo software Build2Bit

Montaggio, post produzione e VFX Seven Heroes

Direzione di produzione Simona Centi, Katia Caselli

una produzione Infinito srl

con il contributo di Regione Lazio – Avviso Pubblico Spettacolo dal vivo 2025

"After Kostja - Il gabbiano di Cechov vent’anni dopo” al Teatro Garage di Genova
2025-11-14 21:00 - 23:00 | Teatro Garage, Via Paggi. 43, Genova, Italia
Venerdì 14 novembre 2025, alle ore 21, al Teatro Garage è in scena lo spettacolo “After Kostja – Il gabbiano di Cechov vent’anni dopo” di Livia Castiglioni, con Sarah Biacchi e Alessandra Frabetti e con regia di Alberto Oliva.

Il titolo fa parte della sezione “Progetto da Salotto”, un ciclo di spettacoli con allestimenti agili che si possono facilmente rappresentare in piccoli spazi come, appunto, un salotto, nato da un’idea di Alessandra Frabetti.

Sono passati vent’anni dalle vicende de “Il gabbiano”, dal suono dello sparo che ha squarciato in un istante tre vite: quella di Kostja, che si è conficcato una pallottola letale nella tempia, quella di Nina, che lo ha sempre amato senza rendersi conto della fragilità del loro rapporto, e quella di Arkadina, la madre di lui che da allora non ha più vissuto.

Nello spettacolo di Livia Castiglioni, le due rivali, Nina e Arkadjna, ricordano e rielaborano i fatti raccontati da Cechov, con uno sguardo femminile e inedito, contemporaneo e feroce. Segnate dal loro passato, a mano a mano lo fanno riaffiorare in un dialogo serrato e potente che ne fa emergere i lati oscuri, le dinamiche irrisolte e le ferite di un amore non ascoltato.

Il testo di Livia Castiglioni immagina l’incontro tra le due donne nella Russia del 1917. Si comincia con un altro sparo, vero, reale, devastante: la Rivoluzione d’ottobre e il tentativo di sommossa dei contadini dell’immensa pianura sovietica. Nina (interpretata da Sarah Biacchi) ripercorre il cuore della Russia per tornare sull’antica casa del lago e bussa alla porta della sua antagonista, Arkadina (Alessandra Frabetti), per salvarla dagli attacchi dei contadini. Arkadina, tuttavia, le propone un gioco al massacro fra attrici, non avendole perdonato mai né la morte di Kostja, né la riconquista di Trigorin.

La vicenda di Nina, nel confronto con Arkadina, diventa il racconto di una rinascita, di una riscoperta del senso di sé stessi. I due anni che racchiudono la vicenda narrata da Cechov intorno al lago sono cristallizzati nella mente di Nina come un doloroso pozzo di sensi di colpa e di ferite, inferte e ricevute. L’ingenuità della ragazzina di fronte ai primi passi sulle tavole di palcoscenico, l’aver lottato e strappato un uomo con una così marcata differenza d’età ad un’attrice famosa, l’illusione del lieto fine, lo scandalo della fuga, i maltrattamenti subiti, le torture psicologiche, la morte di un figlio in tenerissima età, l’abbandono da parte di chi avrebbe dovuto sorreggerla e difenderla, il ritorno umile su palcoscenici di bassa fascia, il suicidio dell’unico uomo che la aveva amata veramente e da lei rifiutato sono un lungo incubo.

Lo spettacolo vuole porre una domanda: l’essere umano oggi, in un mondo nuovamente dilaniato da guerre e instabilità, sa ancora soffrire come Nina? Con compostezza, senza paraventi, con consapevole dignità?

Le prevendite dei biglietti (intero € 14, ridotto € 11 + prevendita) si possono acquistare: online su www.teatrogarage.it e, scegliendo l’opzione print@home, si può comodamente mostrare all’ingresso il biglietto mostrando il QR code da cellulare senza bisogno di stamparlo; all’ufficio del Teatro Garage (via Repetto 18r – cancello, tel. 010 511447) mercoledì e giovedì dalle 14 alle 17, venerdì dalle 11 alle 14; la sera dello spettacolo al botteghino della Sala Diana, che apre un’ora prima. Gli under 25 hanno sempre diritto a un biglietto ridotto speciale a € 10, semplicemente esibendo alla cassa la carta d’identità.

Informazioni: www.teatrogarage.it, info@teatrogarage.it, 010 511447.

Alan Soul & The Alanselzer all'Alexanderplatz Jazz Club
2025-11-14 21:00 - 23:00 | Alexanderplatz Jazz Club, Via Ostia, 9, Roma, 00192, Italia
L’Alexanderplatz Jazz Club di Roma, con la direzione artistica di Eugenio Rubei, presenta, venerdì 14 novembre, Alan Soul & The Alanselzer. Una carriera lunga mezzo secolo, quella di Alan Soul (al secolo Giulio Todrani): in duetto con “Julie & Julie” agli esordi, poi come front-man di band come gli “Io Vorrei La Pelle Nera”, con al fianco la figlia Giorgia – divenuta poi una delle voci più apprezzate del panorama musicale italiano – fino ad arrivare agli Alanselzer con cui da anni esalta il proprio amore per il soul, lo swing, il funky. Nell’album “Live @ Big Mama Vol.2” ci sono i più bei successi dei grandi interpreti della musica nera; Otis Redding, Ray Charles, Smokey Robynson, James Brown, Tom Jones, grazie alla voce di Alan Soul, uno dei pochi in circolazione veramente in grado di interpretare degnamente questo repertorio, autentiche perle nel repertorio della black music.

Non solo musica all’Alexanderplatz ma anche la possibilità di gustare un’ottima cucina, vini selezionati e servizio bar.

Inizio concerti ore 21,00

Info e prenotazioni: 06 86781296 (Dopo le 18)

349 977 0309 (WhatsApp)

prenotazioni.alexanderplatz@gmail.com

"RETTE PARALLELE SONO L’AMORE E LA MORTE" al Teatro Basilica
2025-11-14 21:00 - 2025-11-16 16:30 | Teatro Basilica, Piazza di Porta San Giovanni, 10, Roma, 00185, Italia
Dopo il successo dei suoi precedenti lavori, Oscar De Summa torna al TeatroBasilica con Rette parallele sono l’amore e la morte, un intenso viaggio teatrale che intreccia la riflessione esistenziale e l’indagine poetica in una narrazione lucida, intima e attraversata da ironia e dolore.

Con la consueta maestria nel coniugare autobiografia, racconto civile e invenzione drammaturgica, De Summa esplora i territori della perdita, del desiderio e dell’incontro, interrogando la linea sottile che separa e unisce l’amore e la morte — due forze parallele, che non si incontrano mai eppure convivono nello stesso spazio dell’esperienza umana.

Il progetto luci e scene è firmato da Matteo Gozzi, mentre il progetto sonoro porta la firma dello stesso Oscar De Summa. Lo spettacolo è una produzione Atto Due ETS e Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale.

Dopo la pluripremiata Trilogia della provincia (Diario di provincia; Stasera non sono in vena; La sorella di Gesù Cristo), in questo spettacolo De Summa parte ancora una volta dalla sua terra, da un ricordo, per raccontare la storia di una donna scomparsa troppo giovane. Una riflessione guidata dalla fisica quantistica sulla relazione che continua a esistere fra due persone lontane che nel passato hanno vissuto una accanto all’altra senza frequentarsi. Una riflessione sulla vita e sulla morte, sulla paura di andarsene senza lasciare traccia nel mondo e di far cadere i rapporti nell’oblio. Una produzione Atto Due ETS, Emilia Romagna Teatro ERT / Teatro Nazionale, con il contributo di GialloMare Minimal Teatro, Fondazione Armunia, Pimoff Milano, ATER Fondazione.

Lo spettacolo parte della figura di Mariarosaria, una ragazza che abitava accanto alla casa dove viveva l’autore da ragazzo. Una coetanea con cui non aveva nulla da condividere, perché le famiglie non si frequentavano in seguito a screzi accaduti nel tempo. Mariarosaria studia, va al liceo, studiava il pianoforte, si interessava di filosofia, tutte cose che la rendevano diversa e lontana dal mondo di adolescenti decisi a divertirsi senza pensare troppo alle conseguenze delle proprie azioni.

Proprio quando De Summa, molti anni dopo, decide di raccontare la storia di questa giovane donna e della sua infatuazione per un suo amico, un amore frenato sul nascere dalla famiglia di lei, scopre che nello stesso giorno in cui ha iniziato a scriverne Mariarosaria è morta. Questa coincidenza lo colpisce e lo porta a completare il suo lavoro, un testo che intreccia il vissuto personale con la fisica quantistica, scovando in questa scienza le ragioni per le quali due vite sembrano restare inscindibilmente legate. «C’è un esperimento detto entanglement – scrive l’autore – che dice che se mettiamo in relazione due particelle per un tempo sufficiente, poi, anche se le separiamo queste restano collegate tra di loro. Tanto che se io intervengo su una, l’altra reagirà allo stimolo proprio come se avessi agito su di lei. Per questa relazione al momento non esiste nessuna spiegazione plausibile ma il dato di fatto è che c’è ed è efficace. Non posso non fare un’associazione tra ciò che mi è successo e quello che è successo a Mariarosaria: siamo legati in modo indissolubile? E lo siamo anche con tutto quello con cui siamo entrati in relazione? Queste le domande alla base del mio nuovo lavoro che indaga, attraverso una scienza ancora incapace di dare spiegazioni, il valore della nostra vita».

INFORMAZIONI

Il “TeatroBasilica” è diretto dall’attrice Daniela Giovanetti e dal regista Alessandro Di Murro. L’organizzazione è a cura del collettivo Gruppo della Creta e di un team di artisti e tecnici. Supervisione artistica di Antonio Calenda. Ulteriori info sul TeatroBasilica sono reperibili a questo link:

"Tutti a casa!" all'Ar.Ma Teatro
2025-11-14 21:00 - 2025-11-16 18:00 | Ar.Ma Teatro, via Ruggero di Lauria, 22, Roma, Italia, 00192
Un sogno di Imma Giovannini fu quello di raccontare il Covid in chiave leggera, anzi, sfacciatamente comica.

Oggi quel sogno diventa realtà grazie alla collaborazione con Marco Medelin, che firma la regia, e con un cast di sei straordinari interpreti capaci di trasformare uno dei periodi più dolorosi della nostra storia recente in un irresistibile vortice di risate.

In “Tutti a casa!”, una famiglia si ritrova chiusa tra quattro mura durante la pandemia: tra paure, convivenze forzate e segreti pronti a esplodere, i giorni scorrono fino all’arrivo di una zia un po’ invadente che, oltre al virus, porta con sé una valigia misteriosa… forse piena di soldi, forse piena di guai.

Ne nasce una commedia vivace e tagliente che, con ritmo e ironia, esplora il confine tra tragedia e farsa, tra la fragilità umana e il bisogno di sperare – e ridere – nonostante tutto.

In scena:

Emilia Pennacchi, Vittoria Ridolfi, Marco Coli, Raquel Robaina, Luca Manneschi, Silvia Antonini

Scenografie: Guido Bonacci

Regia: Marco Medelin

Info e prenotazioni: 0651964061 – infoarmateatro@gmail.com

Perché se non riderete… siamo pronti a rimborsarvi il biglietto (ma solo se siete vaccinati!).

La stagione 25/26 del Teatro Pirandello di Agrigento
2025-11-15 08:00 - 2026-06-28 17:30 | Teatro Pirandello, Via Atenea, 35, Agrigento, ITA, 92100, Italy
Un progetto innovativo, che combina teatro, musica, cinema, arti visive, promuovendo nuove drammaturgie. Un viaggio attraverso la creatività e la sperimentazione, dove Il teatro diventa luogo d’incontro tra comunità locali, artisti emergenti e pubblico internazionale. Una riscoperta e reinterpretazione dell’opera pirandelliana, integrata con multimedialità, periferie culturali e voci marginali. Con questi presupposti il Teatro Pirandello di Agrigento dà il via alla stagione 2025/2026 che vede per la prima volta la Direzione Artistica di Roberta Torre.

“Ho iniziato a pensare alla stagione per il Pirandello nel luglio scorso – racconta Roberta Torre – e quando sono arrivata ad Agrigento ho scoperto un teatro meraviglioso. Mi sono poi accorta che raccontando la mia nuova direzione artistica ad amici e colleghi, attori, registi o semplicemente amanti del teatro, in tanti mi dicevano che non erano mai stati ad Agrigento e avrebbero voluto venirci, non solo a teatro ma proprio per conoscere la città. La stagione è ricca, con spettacoli molto importanti. Come PRIMA FACIE, lo spettacolo di apertura”. Sarà infatti l’opera teatrale firmata dalla drammaturga australiana Suzie Miller, pluripremiata in tutto il mondo e già vincitrice di due Laurence Olivier Award, lo spettacolo che inaugurerà il calendario della Prosa il 15 e 16 novembre 2025. Prima Facie porta in scena un intenso monologo interpretato dall’attrice italo-brasiliana Melissa Vettore, per la regia di Daniele Finzi Pasca che mette al centro la violenza di genere, il linguaggio del potere e il tema del consenso come fondamento della giustizia.

A seguire, Massimo Ghini e Paola Tiziana Cruciani saliranno sul palco con IL VEDOVO, regia di Ennio Coltorti, tratto dal celebre film di Dino Risi, capolavoro del cinema italiano con Alberto Sordi e Franca Valeri (27 e 28 novembre) A dicembre andrà in scena A CHRISTMAS CAROL – Musical, Il più famoso romanzo di Natale di Charles Dickens, adattato per il teatro musicale da Melina Pellicano (autrice e regista) con oltre 20 artisti in scena, grandi effetti, musiche originali e 150 costumi, pronto a far sognare adulti e bambini. Nel ruolo di Ebenezer Scrooge, Fabrizio Rizzolo (10 e 11 dicembre). Marisa Laurito ed Enzo Gragnaniellosaranno protagonisti di VASAME – L’AMORE È RIVOLUZIONARIO, spettacolo che ha come filo conduttore la musica del grande cantautore Enzo Gragnaniello e la spumeggiante presenza di Marisa Laurito che canta e recita l’amore nelle sue tenere, struggenti e divertenti sfaccettature (13 e 14 gennaio). Il 31 gennaio e 1 febbraio si cambia registro con OTELLO di Shakespeare, in una potente rilettura diretta da Giorgio Pasottie con una drammaturgia originale firmata da Dacia Maraini, con Giacomo Giorgio, Giorgio Pasotti, Claudia Tosoni.

Altro appuntamento da non perdere è I RAGAZZI IRRESISTIBILI diretto da Massimo Popolizio che vedrà sul palco Umberto Orsini e Franco Branciaroli in un testo scritto da Neil Simon nel 1972, divenuto un classico della commedia brillante e un film di notevole successo (18 e 19 febbraio), mentre Donatella Finocchiaro sarà protagonista di ROSA CUNTA E CANTA, canto-racconto su Rosa Balistreri, dalla povertà e dalla violenza subita alla rinascita nell’arte, voce arcaica capace di sublimare il dolore di un popolo (28 febbraio e 1 marzo). Il 7 e 8 marzo sarà la volta dello spettacolo I CORPI DI ELIZABETH di Ella Hicksoncon Elena Russo Arman, Maria Caggianelli Villani, Enzo Curcurù, Cristian Giammarini, per la regia diCristina Crippa e Elio De Capitani, una Elisabetta I “pop” e contemporanea in una commedia noir dal grande impatto visivo tra storia e presente. Nel mese di marzo andrà in scena anche VICINI DI CASA, commedia libera e provocatoria che esplora la sessualità e le relazioni di coppia con Amanda Sandrelli, Gigio Alberti, Alessandra Acciai, Alberto Giusta, per la regia di Antonio Zavatteri (21-22 marzo). A seguire, un omaggio a Pirandello con Pippo Pattavina ne IL PIACERE DELL’ONESTÀ, con la regia di Guglielmo Ferro, che esplora i temi dell’identità, della verità e della menzogna. Un testo che mette in discussione le convenzioni sociali e le ipocrisie della società borghese, proponendo una riflessione profonda sulla natura umana. A maggio Gianfranco Jannuzzo porterà in scena FATA MORGANA, un viaggio teatrale tra miraggio, musica e ironia, accompagnato da quattro musicisti in scena. Il mito della Fata Morgana diventa racconto di illusioni, speranze e memorie (9 e 10 maggio).

La stagione si concluderà il 27 e 28 giugno con lo spettacolo in anteprima nazionale assoluta LA SAGRA DEL SIGNORE DELLA NAVE, interpretato da Giampiero Ingrassia e Stefano Fresi e diretto da Roberta Torre, adattamento contemporaneo del testo pirandelliano in cui una comunità siciliana, tra religione popolare e potere, svela superstizioni e conflitti durante una sagra che diventa rito collettivo. “Pirandello è un genio che non smette mai di regalare visioni”, conclude Roberta Torre. “Questo è il Pirandello popolare, meno conosciuto di quello borghese e metafisico, ma non meno affascinante”.

PIRANDELLO FRINGE FESTIVAL | CINQUE PERSONAGGI IN CERCA DI PALCO

Un progetto speciale di questa stagione sarà il PIRANDELLO FRINGE FESTIVAL, per far conoscere l’opera del genio pirandelliano in chiave contemporanea ai giovani autori, iniziativa promossa dal Teatro Pirandello di Agrigento in collaborazione con il Polo Universitario UNIPA, il Teatro Stabile di Catania e il quotidiano La Sicilia, aperta a 15 partecipanti di età compresa dai 18 ai 30 anni. L’iniziativa prevede per gli artisti selezionati un laboratorio teatrale di drammaturgia, a titolo gratuito, che si svolgerà ad Agrigento nei mesi di marzo e aprile 2026 dal titolo CINQUE PERSONAGGI IN CERCA DI PALCO, curato dallo scrittore e drammaturgo Ottavio Cappellani. Una masterclass tenuta da professionisti del settore – un regista, un direttore della fotografia, un attore, un costumista e uno scenografo – al termine della quale verranno scelti cinque corti teatrali che i partecipanti realizzeranno durante il corso. I lavori scelti saranno rappresentati tra aprile e maggio 2026 in luoghi importanti della città di Agrigento, secondo una mappa creata sulle tracce di Pirandello, ovvero la casa natale dello scrittore, Il complesso chiaramontano di S. Spirito, la scala monumentale della Cattedrale, Piazza Kennedy di Porto Empedocle, il Palazzo delle Poste.

I giovani interessati potranno candidarsi entro il 30 dicembre 2025, inviando un video della durata massima di un minuto, in cui dovranno raccontare la motivazione che li spinge a lavorare ad un progetto teatrale su Luigi Pirandello. I testi integrali degli spettacoli vincitori verranno pubblicati sul quotidiano La Sicilia. Il progetto vincitore, scelto da una Giuria Popolare, verrà rappresentato al Teatro Pirandello nel corso della stagione teatrale 2026/2027.

PASSO A DUE – Il Teatro al Cinema, il Cinema in Teatro

A cura di Gianluca Arnone e Roberta Torre

Altra importante iniziativa in programma sarà Passo a due, un progetto che nasce da un’intuizione semplice ma fertile: accostare film che raccontano il teatro – nelle sue forme, nei suoi fantasmi, nelle sue memorie e reinvenzioni – a conversazioni vive con coloro che, dentro questi film, hanno dato corpo, voce e visione a quella rappresentazione. Perché il teatro, più di ogni altra arte, esiste nella relazione, nell’incontro; e il cinema, specchio moltiplicato del reale, ne raccoglie spesso le tracce, le ombre, le riscritture. Prende forma così una piccola stagione di dialoghi e visioni, un itinerario tra film che del teatro fanno memoria, scena, ossessione, carne. “Un progetto – spiega il curatore Gianluca Arnone – nato per restituire al cinema la sua natura più autentica: quella dell’esperienza condivisa. E al tempo stesso per riconsegnare al teatro la sua vocazione originaria: il luogo della presenza, dell’ascolto e dell’incontro dal vivo. Scegliere un teatro storico, il Teatro Pirandello di Agrigento, che porta il nome di uno dei massimi autori della nostra tradizione significa affidare a una cornice autorevole e solenne il compito di ridare vita a film indimenticabili e, insieme, di riattivare il rito scenico: una platea che respira, la parola che risuona, una comunità che si ritrova davanti alla magia della rappresentazione”.

Il calendario degli appuntamenti sarà annunciato prossimamente.

Roberta Torre nasce a Milano, ha studiato filosofia, recitazione e regia all’Accademia Paolo Grassi e alla Civica Scuola di Cinema “Luchino Visconti” a Milano. Ha scelto la Sicilia come casa d’elezione: vive a Siena, ma la Sicilia continua a nutrire la sua ispirazione artistica e identitaria.

Una donna dalle straordinarie capacità artistiche, che le sono valsi numerosi riconoscimenti internazionali, tra cui: Nastro d’Argento e David di Donatello come Miglior Regista Esordiente, Leone del Futuro – opera prima (Venezia), premi FEDIC e Kodak, per il film d’esordio che fu un caso eclatante: Tano da morire, il primo musical sulla mafia, girato a Palermo nella Vucciria, che ha girato il mondo facendo conoscere il talento portentoso di Nino D’Angelo, autore della colonna sonora.

Tutti i suoi film sono stati presentati nei maggiori Festival Internazionali, dalla Quinzaine di Cannes alla Mostra Internazionale di Venezia, dalle Giornate degli Autori al Sundance Film Festival, dall’IDFA al Locarno Film Festival, Festa di Roma e Torino Film Festival.

Opere sempre contaminate nei generi, come Sud Side Stori del 2000, riflessione contemporanea su Romeo e Giulietta, ambientata tra immigrati africani in Sicilia. Ancora Sicilia con Angela nel 2002, con cui la Torre scopre il talento di Donatella Finocchiaro, dramma intenso tra amore e mafia, candidato ai David e Nastri. Mare nero del 2006, noir esistenziale sulle ossessioni umane con protagonista Luigi Lo Cascio. Riccardo va all’inferno del 2017, protagonista un inedito Massimo Ranieri, musical noir tratto da Shakespeare: opere che confermano la sua poliedricità narrativa, cinematografica e teatrale.

Cortometraggi come La notte quando è morto Pasolini, Spioni, Anime Corte esplorano la marginalità, la memoria e l’identità con stile innovativo e poetico, mentre Le favolose (nel 2022) viaggia nel mondo della trans-identità con un inno alla libertà e alla riconquista, presentato alle Giornate degli Autori, per poi ottenere molti riconoscimenti internazionali: Miglior Regia alla sezione Envision dell’IDFA 2022, unico film italiano in concorso, vincitore del Gran Premio della Giuria per la migliore opera narrativa internazionale all’Outfest di Los Angeles.

Il suo ultimo lungometraggio Mi fanno male i capelli viene presentato in concorso nel 2023 alla Festa del Cinema di Roma, dove la protagonista Alba Rohrwacher vince il premio Monica Vitti come Migliore Attrice.

Nel teatro, Roberta Torre è stata la prima donna a dirigere uno spettacolo al Teatro Greco di Siracusa(Gli Uccelli, 2012), vincendo il Premio Ombra di Dioniso. Autrice di pièce innovative come Insanamente Riccardo III (2013), con pazienti psichiatrici e attori professionisti, sovvertendo i codici shakespeariani. Il colore è una variabile dell’infinito (2014), prodotto da CRT Milano e Triennale Design Museum, poetico, coraggioso e fantasioso omaggio a Pierluigi Torre, inventore della Lambretta. Co-direttore di festival, docente a livello internazionale negli USA e Italia (Mills College, Ca’ Foscari, Centro Sperimentale di Palermo). Cerca sempre il genius loci: ogni progetto nasce da un luogo, una memoria, un territorio ‒ da Palermo all’Agrigento contemporanea.

"Visioni temporanee" alla White Gallery
2025-11-15 15:00 - 2025-11-30 15:00 | White Gallery
Dal 15 al 30 novembre 2025 in occasione della White Gallery. Temporary Art Space a Roma, Myra Bonifazi presenta la sua nuova produzione fotografica. La mostra, il cui titolo è Visioni temporanee è inserita nel progetto espositivo curato da Valentina Ciarallo.

Il cielo e le nuvole sono elementi ricorrenti e centrali nelle rappresentazioni artistiche, dal cielo blu con le nuvole “ingessate” del Mantegna ai cieli vorticosi e soavi del Tiepolo, dal cielo come pensiero romantico alla volta celeste come spazio per la raffigurazione simbolica e religiosa, fino a giungere alla sublimazione raffigurativa di John Constable, il più devoto pittore di nuvole della storia dell’arte, e del suo contemporaneo J. M. William Turner, per cui le nuvole e i cieli non sono più un elemento dell’opera ma il protagonista attraverso cui esprimere la forza simbolica della natura, la sua capacità di mutare costantemente e di rappresentare il sublime.

Myra Bonifazi da oltre vent’anni ha fatto sua questa significativa visione artistica e attraverso la fotografia ha osservato, interpretato ed elaborato le infinite metamorfosi di cielo e nuvole cogliendo quell’attimo che solo l’obiettivo consente di catturare.

Elemento costante e dominante della sua ricerca è il dialogo tra cielo, terra e mare: uno spazio visivo e poetico in cui le nuvole si fanno protagoniste di un racconto senza fine. Leggere come aquiloni o gravide di pioggia, esse incarnano l’eterno mutamento, diventando specchio degli stati d’animo e metafora del continuo fluire della vita.

Perduta ora l’illusione che gelosa un tempo custodivo dentro me, guardo da quest’angolo di terra, quel cielo lontano, proibita vanità – Myra Bonifazi da “Il cielo sopra di me”, 1985.

Affascinata fin dall’infanzia dai colori cangianti del firmamento, l’artista trasforma oggi quello stupore originario in un linguaggio maturo e personale. Dopo anni di osservazione e migliaia di scatti, l’artista intraprende una nuova fase di sperimentazione: decostruisce le immagini, ne isola frammenti e ne ricompone la forma, dando origine a un processo di astrazione che porta la fotografia verso una dimensione metafisica e contemplativa.

Il fotogramma si riflette, si duplica, si trasforma in un mandala visivo: uno spazio simbolico e spirituale che invita lo spettatore a perdersi e a ritrovarsi. In questo nuovo orizzonte tra naturalezza e artificio, tra sogno e realtà, le opere di Myra Bonifazi rivelano un “originale perduto” che rimanda al profondo mistero dell’universo infinito.

Come scriveva Luigi Ghirri, “Il desiderio d’infinito è in ognuno di noi”, e questo è un sentimento che attraversa l’intera produzione di Myra Bonifazi, capace di coniugare la precisione dello sguardo fotografico con la leggerezza della visione poetica mostrando una nuova prospettiva, un nuovo modo di guardare l’universo ma anche di interrogare noi stessi.

La mostra Visioni temporanee concepita per questo spazio si presenta tra immagini macro e raffinate tavole fotografiche, e offre un’originale rilettura del visibile e del non visibile, del tempo e del non-tempo. Tra le opere esposte Steam, un’esplosione di nubi in cieli plumbei, Gemma, un acceso tramonto doppiato dove l’albero da elemento reale diviene oggetto immaginario, Mouth in the lake, Future e Feathers, immagini dove cielo, terra e nuvole si fondono per restituire una caleidoscopica visione dei paesaggi ritratti e rielaborati da Myra Bonifazi, opere che regalano una visione fantastica e reale al contempo.

Myra Bonifazi ha da sempre affiancato alla formazione umanistica una profonda passione per le arti visive. La sua ricerca artistica si è sviluppata nel tempo attraverso una costante sperimentazione di tecniche e materiali, dalle pitture su tela e carta fino all’elaborazione di forme su porcellana, linguaggio che ha esplorato con originalità e rigore formale.

Dopo un intenso periodo di lavoro sotto la guida della maestra Loredana Pagan, Bonifazi presenta nel 1996 la sua prima mostra personale, Elogio dell’arte. Porcellane dal sapore antico, al Chiostro del Bramante di Roma, seguita nel 1999 da Gattoneria al Chiostro di San Salvatore in Lauro.

Negli anni successivi la sua attenzione si concentra sempre più sulla natura e sul cielo, temi che diventano il fulcro della sua ricerca espressiva. Il passaggio alla fotografia segna un’evoluzione decisiva: il mezzo fotografico le consente di catturare la luce e la mutevolezza del paesaggio con una sensibilità nuova e immediata.

Nel 2014 espone a Roma, presso il Palazzo della Cancelleria, la mostra MyraLeNuvole, seguita nel 2016 da TraLeNuvole nel borgo di Castelfalfi e nel 2018 da Nuvolario presso la sede romana di IWBank.

Nell’ultimo periodo l’artista approda a una dimensione più metafisica e astratta: le sue immagini si moltiplicano, si riflettono e si ricompongono in nuove forme, assumendo profondi valori evocativi e dando vita a spazi interiori tra naturalezza e artificio, sogno e realtà.

Orari: dal mercoledì al sabato dalle 15.00 alle 18.00 e su appuntamento.

Il 20-21-22-23 novembre dalle 11.00 alle 20.00

Luogo: Lungotevere di Pietra Papa, 105 – Roma

Continua a Roma il progetto “Prove Aperte di Civiltà”
2025-11-15 16:00 - 2025-11-30 11:30
Continuano gli appuntamenti di “Prove Aperte di Civiltà”, il progetto diffuso di teatro, memoria e partecipazione attiva che ha preso il via il 18 ottobre. Tutto pronto per gli ultimi spettacoli dal 15 al 30 novembre 2025 a cura de Il NaufragarMèDolce con la direzione artistica di Chiara Casarico.

In un tempo attraversato da fratture sociali e bisogno di senso condiviso, Prove Aperte di Civiltà sceglie il teatro come gesto civile, linguaggio collettivo, spazio di bellezza, condivisione ed ascolto che animerà i Municipi IV, VII, X, XI e XIV di Roma con spettacoli teatrali, performance itineranti, letture, laboratori e attività per tutte le generazioni, trasformando scuole, teatri, strade, musei e centri anziani in luoghi vivi di riflessione e comunità. Tra i luoghi istituzionali coinvolti Teatro Furio Camillo, Teatro del Lido di Ostia, Centro Culturale Artemia e Museo di Casal de Pazzi.

Sabato 15 novembre alle ore 16.00, presso Museo Casal de Pazzi “A via Giovanni Tagliere, 3” con Chiara Casarico, Tiziana Scrocca, Emanuela Bolco, Luciano Pastori, Rita Superbi, Catia Castagna. Spettacolo itinerante dedicato a Pier Paolo Pasolini, che si snoda tra memoria e territorio. Il percorso parte dal Museo di Casal de’ Pazzi e conduce fino alla casa di via Giovanni Tagliere 3, un tempo abitata dal poeta. Lungo il tragitto – e nel ritorno al museo – attrici e attori della compagnia Il NaufragarMèDolce daranno voce agli scritti pasoliniani, trasformando il paesaggio urbano in palcoscenico e restituendo, attraverso parole e presenza, lo sguardo lucido e visionario del poeta corsaro.

Lunedì 17 novembre alle ore 11.30 “Solo l’amare e solo il conoscere” presso il CPIA1 del IV Municipio. Prendendo spunto dal primo verso del “Pianto della scavatrice” di Pier Paolo Pasolini, abbiamo deciso di stimolare il racconto autobiografico dei ragazzi migranti iscritti al CPIA1, per creare successivamente una lettura collettiva in cui il pubblico possa assistere ad una narrazione autobiografica: storie di vita vissuta, migranti che si raccontano come se fossero libri.

Dal 21 al 23 novembre alle ore 21:00 “La Scelta della Gioia” presso il Centro Culturale Artemia con Chiara Casarico, Tiziana Scrocca per la regia Giovanna Mori. La Scelta della Gioia è uno spettacolo che esplora il tema della diversità come possibilità e scelta consapevole. Attraverso un linguaggio intimo e ironico, le due attrici mettono in scena se stesse – corpi, ricordi, desideri – interrogandosi su cosa significhi oggi essere autenticamente sé, e se il personale possa ancora dirsi politico. Un racconto sincero e vibrante di paure, conquiste e piccole rivoluzioni quotidiane, alla ricerca della propria unicità e della propria gioia.

Martedì 25 novembre 11:30 “Figlie di Sherazade” presso il Teatro del Lido di Ostia con Chiara Casarico e Tiziana Scrocca. Lo spettacolo racconta le storie vere di due giovani donne: una ragazza nata in Germania da genitori turchi, costretta a fuggire per evitare un matrimonio imposto, e una bambina afghana rifugiata in Pakistan, accolta in una scuola femminile clandestina. Attraverso un intreccio di narrazione, canto e immagini, le due protagoniste condividono esperienze di oppressione e resistenza, evidenziando la forza del racconto come strumento di salvezza e consapevolezza. Lo spettacolo è stato finalista al Premio Ustica per il Teatro nel 2007 e ha ricevuto il Premio RadioRAI Microfono di Cristallo, oltre a una lettera di encomio dal Presidente della Repubblica.

Giovedì 27 novembre alle 10.30 presso Museo Casa de Pazzi “Brillastella” con Emanuela Bolco ed Eva Gaudenzi. La storia segue il viaggio di una giovane stella che lascia la sua nube madre, Coccon, per esplorare l’universo. Durante il suo cammino, incontra personaggi celesti come costellazioni, la stella supergigante Rossa, le Pleiadi, il Re Sole e i misteriosi buchi neri. Attraverso un linguaggio ironico e interattivo, lo spettacolo trasforma concetti astronomici complessi in un racconto affascinante e accessibile, stimolando la fantasia e l’interesse dei più piccoli per le meraviglie del cosmo.

Domenica 30 novembre alle 10.30 “Sillabario Pasolini” a cura di Chiara Casarico e Tiziana Scrocca uno spettacolo realizzato in occasione dei cinquant’anni della morte di Pier Paolo Pasolini, lo spettacolo intreccia poesie e profezie dell’autore, a una personale elaborazione degli studenti dei Licei Anco Marzio e Labriola di Ostia, frutto di un laboratorio teatrale che ha coinvolto i ragazzi nella riscoperta del pensiero pasoliniano. In scena da lungomare Duca degli Abruzzi a Parco Pier Paolo Pasolini, Municipio X.

PROVE APERTE DI CIVILTÀDal 18 ottobre al 30 novembre 2025

Direzione artistica: Chiara CasaricoDirezione organizzativa: Luciano PastoriSocial media manager: Maria PlateoComunicazione grafica, video e foto: Artigiani Digitali Comunicazione SensibileUfficio stampa: Rocchina Ceglia e Maresa PalmacciPREZZIIngresso libero

(tranne cinque eventi, espressamente indicato)

COME RAGGIUNGERE L’EVENTO

Bus: 30 – 69 – 913 – 120F – 150F – 163 – 213 – 409 – 451 – 545 – A60N – 409 – A06 – N041

Treno: FC1 – FL1 – FL2 – FL3

Metro: A – B – C

PER INFO: 351 9073887e-mail: info@ilnaufragarmedolce.itsito: www.ilnaufragarmedolce.itFacebook www.facebook.com/ilnaufragarmedolce

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Doppio appuntamento con Aurora Piaggesi e con il suo romanzo "NEL CORPO DI ME"
2025-11-15 17:30 - 2025-11-29 18:00 | Gelateria Splash, Via Eurialo, Roma, ITA, 00181, Italy
Dopo il successo delle presentazioni di Roma, alla Libreria ELI, e di Pisa, alla Libreria Feltrinelli, Aurora Piaggesi torna nella Capitale con il suo libro “Nel corpo di me”.

Due nuovi appuntamenti per incontrare l’autrice e il suo intenso racconto:

· Sabato 15 novembre, ore 17.30 – Gelateria Splash, Via Eurialo 102

· Sabato 29 novembre, ore 18.00 – Libreria Mangiaparole, Via Manlio Capitolino 7/9

Due occasioni per riscoprire, attraverso la parola e la sensibilità di Aurora Piaggesi, la forza di un corpo che diventa racconto, visione, rinascita.

Un racconto che unisce realismo e visione, corpo e metafora, per interrogarsi su cosa significhi davvero “dare la vita” e su quanto siamo disposti a comprendere ciò che sfugge alla logica.

L’appuntamento di sabato 15 novembre sarà moderato dal drammaturgo Stefano Terrabuoni

All’’incontro del 29 novembre saranno presenti le attrici Graziana Allegra e Raffaella Castelli che curerà anche le letture

Come è possibile che Silvia, la donna con la quale Giada ha condiviso solo poche settimane di passione e che non riesce a dimenticare, si scopra improvvisamente incinta, senza mai essere stata con un uomo in tutta la sua vita? Tutto ha inizio durante un misterioso incidente nautico che vede entrambe coinvolte e, da quel momento, le vite delle due donne tornano loro malgrado a intrecciarsi, portandole a mettere in discussione ciò che le aveva un tempo allontanate. Mentre Silvia cerca di dare un senso alla propria gravidanza impossibile, Giada è chiamata ad affrontare paure, desideri e contraddizioni che credeva sopite. Intorno a loro, un mondo brulicante di opinioni — scienziati, media, curiosi — trasforma l’intimità in spettacolo collettivo, amplificando la tensione tra mistero e giudizio, amore e identità.

ll romanzo, finalista al Premio Clara Sereni 2022 per la letteratura al femminile con il titolo In umana concezione, affronta il tema della maternità queer attraverso una prospettiva surreale e profondamente simbolica. L’autrice ne fa occasione per un dialogo aperto sul rapporto tra l’identità e il generare vita, ma anche sulla violenza sottile che nasce dall’incomprensione e dalla spettacolarizzazione di un’esperienza intima come la maternità.

Bio

Aurora Piaggesi, nata a Pisa nel 1989, vive a Roma dove lavora come autrice e regista presso la Comunicazione della Rai e come Direttrice Artistica della rassegna di radiodrammi dal vivo per il teatro Radio Play Live, per la quale ha scritto e diretto sette progetti teatrali.

Il suo ultimo cortometraggio, Mer(r)y Xmas! (2016), vincitore del premio Infinity Crowdemand, è stato distribuito da Mediaset Infinity.

Nel 2017 ha vinto il Premio di Formazione “Mattador” al Miglior Soggetto per Lungometraggio con il suo progetto In Umana Concezione, da cui nel 2019 ha tratto un romanzo, edito per Ignazio Pappalardo Editore con il titolo Nel corpo di me.

Il suo secondo lungometraggio, Detective per caso (2018), diretto da Giorgio Romano e prodotto da Addictive Ideas è distribuito da Medusa Film sulla piattaforma Amazon Prime Video. Nel 2021 ha scritto un secondo romanzo dal titolo Dove vivono le fate, attualmente inedito.

Nel 2022 è stata finalista al Premio Nazionale Drammaturgico “Antonio Conti” con la commedia I giorni della falena, al Premio Letterario Nazionale “Clara Sereni” con il romanzo In Umana Concezione e al Premio Letterario Nazionale “Streghe, Vampiri e co” con Dove vivono le fate.

Nel 2024, lo spettacolo I giorni della Falena, da lei scritto e diretto, ha vinto sette premi, tra cui Migliore Opera e Miglior Regia, al Festival Il Canotto Parlante 2024.

https://www.ibs.it/nel-corpo-di-me-libro-aurora-piaggesi/e/9791281658141?srsltid=AfmBOoqVlk9_6EspY1NdJLA1qYgelGn-yksTedcH93t1r4P6VqTSRwt3

La pianista Gloria Campaner alla rassegna "SEI GRADI"
2025-11-15 19:30 - 21:30 | Casali della Cooperativa Coraggio di Borghetto San Carlo, Via Cassia 1420, Roma, ITA, 00123, Italy
La rassegna Sei Gradi, presenta, a Casal Borghetto San Carlo a Roma,sabato 15 novembre, un nome di spicco del panorama concertistico internazionale: la pianista Gloria Campaner. Vincitrice di oltre venti primi premi nazionali e internazionali, Gloria Campaner è applaudita nei festival e nelle sale più prestigiose del mondo per la sua musicalità travolgente e il suo stile unico.L’arte di Gloria è profondamente legata alla volontà di condividere emozioni ed energia positiva. La sua visione va oltre la tastiera, portandola a essere coinvolta in numerosi progetti di beneficenza, istruzione e sensibilizzazione musicale in tutto il mondo. Dai tour internazionali agli incontri in ospedali, scuole e comunità svantaggiate, Gloria Campaner usa la musica per abbattere i confini e condividere valori umani e sociali. Gloria è anche la mente dietro C# – SEE SHARP, un innovativo laboratorio di creatività che aiuta i giovani artisti a superare lo stress psico-fisico. Forte di una formazione che unisce psicologia (con Umberto Galimberti), coaching mentale e la pratica dello Yoga, il suo metodo ha già raggiunto migliaia di studenti in tutto il mondo. Un’artista straordinaria e un’anima vibrante ti aspettano per una serata che promette di ispirare.

Il progetto, promosso da Roma Capitale – Assessorato alla Cultura è vincitore dell’Avviso Pubblico Roma Creativa 365. Cultura tutto l’anno in collaborazione con Zètema Progetto Cultura.

Ingresso gratuito, fino a esaurimento posti.

"Fame mia – Quasi una biografia" al Teatro Biblioteca Quarticciolo
2025-11-15 20:30 - 2025-11-16 17:00 | Teatro Biblioteca Quarticciolo, via Ostuni 8, Roma, ITA, Italia
Il 15 e 16 novembre Il Teatro Biblioteca Quarticciolo ospita Fame mia – Quasi una biografia , lo spettacolo di Annagaia Marchioro, scritto con Gabriele Scotti e diretto da Serena Sinigaglia. Libero adattamento del romanzo Biografia della fame di Amélie Nothomb, ne rielabora i passaggi più intensi per fonderli con un’altra storia, quella dell’autrice attrice che lo interpreta. Ne nasce un racconto comico e poetico su una donna che ha tanta fame, così tanta fame da smettere di mangiare. È una storia di fragilità e riscatto, in un percorso dall’infanzia all’età adulta, che affronta il tema dei disturbi alimentari senza parlarne in modo diretto.

Comico e poetico, pur mantenendo l’ispirazione e l’ironia tagliente del romanzo, lo spettacolo ne sfoca i contorni, fino a trasformarlo in una storia molto Italiana, la storia dell’attrice che la interpreta., Siamo a Venezia, nel pieno degli anni ‘80 e, come l’acqua dei canali, scorre il racconto, dove veneziano e italiano si alternano, passandosi la staffetta linguistica e restituendo l’identità dei personaggi che affollano la memoria della protagonista. Tutta l’Italia si affaccia alla tavola di questo racconto: un’insegnante pugliese, la migliore amica napoletana. Non potrebbe che essere così, dato che in Italia si parla solo di cibo.

Con leggerezza e ironia, Fame mia affronta ogni disgrazia senza retorica né enfasi, ma con la sincerità dei migliori racconti biografici. E, pur tra imperfezioni e sbilanciamenti, arriva un lieto fine che conforta: si può guarire. Un inno alla vita che ti riporta alla vita e ti fa sentire meno solo, meno spaventato, meno infelice.

Domenica 16 novembre, al termine della replica Simone Nebbia medierà l’incontro con la compagnia, nell’ambito del progetto Staffetta critica (v. calendario completo).

Annagaia Marchioro si laurea in Filosofia a Venezia e si diploma come attrice alla scuola d’arte drammatica Paolo Grassi. Lavora in teatro con registi quali: A.R. Shammà, S. Sinigaglia, A. de Rosa, Mattia Torre, Sorrentino, S.Grazzini, Fornasari. In televisione nel 2018 accanato a Claudio Bisio entra a fare parte del cast fisso del Saturday night live e lavora con Serena Dandini su Rai 3 per Gli stati generali. Al cinema lavora con Ivano de Matteo e Olivier Assayas. Fonda la compagnia Le Brugole per cui scrive spettacoli brillanti a tematica lgbt tra cui Diario di una donna diversamente etero e Modern Family.

Gabriele Scotti è sceneggiatore, drammaturgo e copy.Tra i testi per teatro scrive per sua regia gli spettacoli LePoveracce e Palloncini, poi diventato film con il titolo Genitori quasi perfetti. Scrive con Annagaia Marchioro il monologo Fame Mia e per Lella Costa lo spettacolo Se non posso ballare. Per il cinema scrive i film Tra cinque minuti in scena (prod. Maremosso e Rossofilm, regia L.Chiossone), Leonardo il genio a Milano (prod. Raicom, Codice Atlantico e Maremosso, regia L. Lucini e N. Malaspina), Genitori quasi perfetti (prod. Indiana, Rai, Maremosso, Rossofilm, regia L. Chiossone), Dolcissime (prod. Indiana e La Piccola Società, regia F. Ghiaccio; premio miglior Sceneggiatura al Magna Grecia Film Festival).

Il Teatro Biblioteca Quarticciolo è parte del sistema Teatri in Comune di Roma Capitale – Assessorato alla Cultura con il coordinamento gestionale di Zètema Progetto Cultura. La programmazione artistica e culturale è affidata all’RTI costituito da Cranpi e Orbita | Spellbound Centro Nazionale di produzione della Danza. La programmazione dei Teatri in Comune 2025-2026 è finanziata dall’Unione Europea, Next Generation EU nell’ambito del PNRR.

Per info e prenotazioni

promozione.tbq@cranpi.com

“Alice nelle fogne delle meraviglie” al Teatro Garage di Genoa
2025-11-15 21:00 - 22:30 | Teatro Garage, Via Paggi. 43, Genova, Italia
Sabato 15 novembre 2025, alle ore 21, al Teatro Garage, per la prima volta in Liguria, è in scena lo spettacolo “Alice nelle fogne delle meraviglie” di e con Angela Dionisia Severino, con regia di Lauraluna Fanina.

Il titolo fa parte della rassegna “G.E.T Giovani Eccellenze Teatrali”, proposta dall’associazione culturale La Chascona e realizzata in collaborazione con il Teatro Garage. Rassegna giunta alla V edizione, inserita nella stagione teatrale dedicata ai nuovi scenari del teatro, con giovani compagnie provenienti da ogni parte d’Italia acclamate dalla critica. “Alice nelle fogne delle meraviglie” è vincitore Premio Eco-scena 2024 e vincitore Menzione Speciale del Premio Serra 2023.

Alice, giovane donna di un quartiere popolare con la terza media, fa i conti con le spinte oppositive della pressione sociale, con le ingiustizie del suo tempo, con la trasformazione e il degrado della sua città, in cui fatica a situarsi.

Parafrasando Lewis Carroll e attualizzando Alice per portarla nelle nostre strade, la caduta nel magico mondo delle meraviglie diventa la scoperta di un mondo sotterraneo dove si trovano tutte le creature che, per un motivo o per un altro, sono state cacciate dalla città. Una fogna di esuli, una saittella dove si concentra tutto il rimosso del “mondo di sopra”, un luogo buio dove relegare chi non vogliamo più vedere camminare nelle nostre strade. Dalla gentrificazione alla turistificazione che attraversano le nostre città, fino alle diaspore che interi popoli oppressi vivono anche oggi. “Siamo sempre gli esclusi di qualcuno”: questa le ragioni della nascita di “Alice nelle fogne delle meraviglie”.

Alice è un racconto, ma è anche un monologo. È un sogno ed è una performance. È un viaggio solitario di individuazione e di scoperta che si svolge sotto, nelle profondità della terra, nelle fogne dell’anima, nel rimosso collettivo e personale carico di tabù. Ma in quelle stesse fogne, Alice ritrova parti di sé, le riporta alla luce, stravolge le categorie di sopra e sotto, di buio e luce, di sporco e pulito. È da sola a fare tutto questo, nessuno può sentirla, nemmeno la mamma, in quella discesa agli inferi, dove si va e si risale da soli. I topi di Alice sono magici e al tempo stesso sono esclusi, sono suoi benefattori, ma sono stati cacciati e relegati nel più infimo dei luoghi. Sono parti di Alice, ma sono tutti i cacciati della terra, sono il rimosso della società, sono gli ultimi.

Grazie al concorso “Curiosare il G.E.T” bandito dall’associazione La Chascona in collaborazione con iF ilFalcone – Teatro Universitario di Genova, anche questo spettacolo sarà visionato da alcuni studenti accreditati che redigeranno la propria scrittura critica per aspirare ad un premio del valore di euro 500,00. www.lachascona.it

Le prevendite dei biglietti (intero € 14, ridotto € 11 + prevendita) si possono acquistare: online su www.teatrogarage.it e, scegliendo l’opzione print@home, si può comodamente mostrare all’ingresso il biglietto mostrando il QR code da cellulare senza bisogno di stamparlo; all’ufficio del Teatro Garage (via Repetto 18r – cancello, tel. 010 511447) mercoledì e giovedì dalle 14 alle 17, venerdì dalle 11 alle 14; la sera dello spettacolo al botteghino della Sala Diana, che apre un’ora prima. Gli under 25 hanno sempre diritto a un biglietto ridotto speciale a € 10, semplicemente esibendo alla cassa la carta d’identità.

L’autrice e attrice di “Alice nelle fogne delle meraviglie”, Angela Dionisia Severino, sarà anche protagonista di un incontro aperto al pubblico del ciclo di appuntamenti “La penna nel G.E.T – scrivere per il teatro”, in programma venerdì 14 novembre 2025 ore 17.30 al Circolo Arci Zenzero (via Giovanni Torti, 35). L’iniziativa, organizzata dall’Associazione La Chascona in occasione della quinta edizione della rassegna G.E.T, prevede diversi incontri con giovani drammaturghi e drammaturghe provenienti da diversi luoghi d’Italia, che in queste cinque stagioni hanno partecipato con i loro testi e spettacoli alla rassegna teatrale al Teatro Garage. L’incontro, condotto dalla giornalista Monica Corbellini, è a ingresso gratuito ma è consigliata la prenotazione via email a lachascona2010@libero.it.

Informazioni: www.teatrogarage.it, info@teatrogarage.it, 010 511447.

"La rivolta di San Mauro" al Teatro Villa Lazzaroni
2025-11-15 21:00 - 2025-11-16 22:30 | Teatro di Villa Lazzaroni, Via Appia Nuova, 522, Roma, 00181, Italia
Dopo il successo di pubblico e critica registrato nelle scorse stagioni teatrali, Ulderico Pesce torna sul palco del Teatro di Villa Lazzaroni questa volta con lo spettacolo LA RIVOLTA DI SAN MAURO FORTE in scena il 15 e 16 novembre.

La rivolta di San Mauro Forte (MT) del 30 e 31 marzo del 1940 fu la prima rivolta popolare italiana contro il fascismo, alla quale diedero un contributo decisivo Maria Derin, antifascista di Muggia in provincia di Trieste confinata dal fascismo a San Mauro Forte, e i suoi figli Etta e Checco.

A marzo del 1940 a San Mauro Forte vennero recapitate ai contadini le bollette agrarie da versare allo Stato fascista. Bollette errate. Si confondevano le are con gli ettari. Così accorsero al Comune e davanti al Podestà bruciarono le cartelle.

I gendarmi fascisti arrestarono tredici persone coinvolte nell’atto sovversivo. Il popolo accorse in massa davanti alla caserma dove i tredici erano imprigionati, cercando di liberarli. I fascisti spararono uccidendo due persone e ferendone molte altre. Furono arrestate centotrenta persone, tra le quali Antonia Miccio, incinta di un mese.

Rimasero rinchiuse nel carcere di Matera per tredici mesi. Antonia partorirà dietro le sbarre il 7 novembre del 1940 il figlio Pasquale, che attualmente vive a San Mauro Forte.

"I Casati Stampa" al Teatro Comunale di Veroli
2025-11-16 17:30 - 19:00 | Teatro Comunale di Veroli, Via Lucio Alfio, 5, Veroli (FR), ITA, Italia
Dopo lo straordinario successo dell’apertura di stagione, il Teatro Comunale Veroli è pronto a stupirvi ancora con un tuffo nel passato, per rivivere sulla scena un fatto di cronaca nera che sconvolse l’Italia e gli ambienti della Roma bene: il delitto Casati Stampa.

Sotto gli ultimi bagliori della Dolce Vita romana, questo “fattaccio” sconvolse l’intera opinione pubblica: uno dei più celebri drammi di gelosia, che fece scalpore nella Roma della fine degli anni ’60, perché univa ricchezza, perversione e passione.

Tantissimi giornalisti, opinionisti e scrittori hanno dedicato pagine e pagine a questa storia, ma un delitto è pur sempre un delitto e ognuno racconta solo la propria versione dei fatti: in questo monologo, scritto e diretto da Velia Viti, a narrare tutta la scabrosa vicenda è la voce della vittima, Anna Fallarino, o la marchesa Casati Stampa, interpretata da Annamaria Iacopini. Al suo fianco la band dei Tab’s, composta da Mauro Romiti, Silvio Selci, Enzo Rocchi, Enzo Tabacchiera e Paolo Gatto, eseguirà dal vivo le straordinarie canzoni che nascevano in quegli anni e che hanno segnato un’epoca.

Uno spettacolo concerto che unisce il racconto di uno dei più famosi gialli del Novecento al ritmo sfrenato della musica dei favolosi anni ’60 italiani.

Vi aspettiamo, dunque, domenica 16 novembre alle ore 18.00, con apertura botteghino alle ore 17.30, per rivivere la storia di un amore morboso e impossibile, con una colonna sonora tutta live.

BIGLIETTO: € 10.00

Per info e prenotazioni: 3513917931

teatrocomunaleveroli2019@gmail.com

“Marco Vincenzi omaggia Maria Tipo al Beethoven Festival Sutri”
2025-11-16 18:00 - 20:00 | Chiesa di San Francesco, Piazza S. Francesco, Sutri, ITA, 01015, Italy
Nuovo appuntamento con il Beethoven Festival Sutri, domenica 16 novembre alle ore 18 (ingresso libero) nella Chiesa di San Francesco di Sutri, con un recital che vede protagonista l’acclamato pianista genovese Marco Vincenzi. Formatosi alla scuola di Maria Tipo, la grande pianista recentemente scomparsa a cui è dedicata questa 24ª edizione della kermesse, Vincenzi proporrà un programma interamente incentrato sulla figura della grande interprete.

L’omaggio in questo recital si esprime a più livelli: le Scene infantili poste in apertura non sono soltanto un’opera di Schumann molto amata dalla grande pianista (che ne lasciò memorabile testimonianza in un CD EMI), ma vogliono essere anche un segno di ciò che la giovinezza ha rappresentato per chi ha avuto il privilegio di far parte della sua grande scuola: un periodo di condivisione profonda della musica, attraverso l’assimilazione di un pianismo che fa della cura del suono la sua essenza più autentica. La Sonata op. 26 di Beethoven costituisce invece una sorta di monumento alla memoria, con il dolore della Marcia funebre che si irradia anche sui movimenti circostanti; tuttavia, l’Allegro conclusivo porta una nota di serenità (“lieta no, ma sicura” per parafrasare Leopardi), adottando una scrittura che ricorda una toccata clavicembalistica. Alla rivisitazione dello strumento antico portano le sei Sonate scarlattiane che completano il programma: chiaro riferimento a uno degli autori più cari all’interprete napoletana, che seppe tradurne le intuizioni strumentali in sonorità incantate, quali forse non avevamo mai ascoltato prima. Nella tastiera di Scarlatti, Maria Tipo intravide il futuro, facendo rivivere echi della propria città assieme a ritmi di Spagna, in una visione fantastica che ancora oggi ci affascina.

La manifestazione, ideata e curata sin dalla fondazione dall’Associazione Amici della Musica di Sutri sotto la direzione artistica di Anna-Lisa Bellini, è organizzata dal Comune di Sutri insieme agli Amici della Musica di Sutri, con il contributo della Regione Lazio, della Provincia di Viterbo nonché della Banca Lazio Nord e dell’Agenzia Funebre Fabrizi.

Informazioni più dettagliate sul sito ufficiale della manifestazione www.beethovenfestivalsutri.comContatti: Associazione Amici della Musica di Sutri – 353.3756855 – info@beethovenfestivalsutri.com Ufficio stampa – 348.1032586 – comunicazione@beethovenfestivalsutri.com

Marco Vincenzi Genovese, si è diplomato in pianoforte col massimo dei voti e la lode presso il Conservatorio della sua città, vincendo il premio per il miglior diploma dell’anno. In seguito, ha studiato con Maria Tipo al Conservatorio Superiore di Ginevra, ottenendo il Prix de Virtuosité nel 1986; nello stesso anno si è diplomato in composizione e laureato in lettere moderne col massimo dei voti e la lode, discutendo una tesi su Dinu Lipatti, che è stata premiata dalla Fondazione Lipatti di Bucarest. Distintosi in numerosi concorsi, ha vinto quelli internazionali di Stresa e della Sommerakademie del Mozarteum di Salisburgo. Svolge attività nei principali centri italiani, in Austria, Francia, Germania, Gran Bretagna, Olanda, Romania, Spagna, Svizzera e Stati Uniti, tenendo recitals e concerti con orchestra in alcune fra le più prestigiose sale europee. Ha preso parte a numerose esecuzioni integrali dell’opera pianistica di Chopin, delle Sonate di Beethoven, delle Sonate e dei Concerti di Mozart. Molto attivo in ambito cameristico, ha collaborato con Cristiano Rossi, il Nuovo Quartetto Italiano, il Quartetto di Fiesole e altre formazioni di rilievo.

Titolare di pianoforte principale presso il Conservatorio di Genova, già direttore del Centro Studi Musicali Ferruccio Busoni di Empoli e direttore artistico del Concorso pianistico internazionale “Arcangelo Speranza” di Taranto, ha progettato e curato i volumi Ferruccio Busoni e il pianoforte del Novecento e Drammaturgie musicali del Novecento. I suoi nove CD monografici, tutti editi dalla Dynamic, sono stati recensiti molto favorevolmente dalle più importanti riviste europee ed americane. Nel 2012 ha pubblicato un CD mozartiano per Naxos. L’ultimo, uscito nel 2016 – in concomitanza col 150° anniversario della nascita di Busoni – comprende tutte le trascrizioni di Schubert-Busoni ed è una first world recording che è stata particolarmente apprezzata dalle maggiori riviste del settore. Nello stesso anno ha curato l’edizione italiana della storica biografia Ferruccio Busoni di Edward J. Dent, accolta con particolare interesse in ambito musicologico.

MARCO VINCENZI pianoforte

programma

SCHUMANN Kinderszenen op.15 BEETHOVEN Sonata in la bemolle maggiore op.26 “Marcia funebre”SCARLATTI Sonate K380, K551, K547, K491, K20, K454

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Associazione AMICI DELLA MUSICA DI SUTRIVia della Dodecapoli 2 – Sutri(VT) ITALYbeethovenfestivalsutri.com+39 3533756855(telefono attivo solo durante il festival)info@beethovenfestivalsutri.comFacebook-BeethovenFestivalSutri

Herbarie. Le chiamavano streghe all'Auditorium Municipale Pasquale De Angelis
2025-11-16 18:30 | Auditorium Municipale Pasquale De Angelis, Via Aldo Ballarin snc, Roma, ITA, 00142, Italy
Una rinnovata edizione di Herbarie. Le chiamavano streghe, andrà in scena domenica 16 novembre con inizio alle ore 18,30 all’Auditorium Municipale Pasquale De Angelis in via Aldo Ballarin nell’ VIII Municipio. L’ingresso è gratuito.

Il testo di Silvia Pietrovanni adattato da Isabella Moroni, con Silvia Mazzotta, Brunella Petrini,Elena Stabile, frutto di un lavoro di ricerca storica e sacra sulla figura ancestrale della domina herbarum, l’erborista del popolo, definita saggia dalla gente comune e dal potere che inizia così la distruzione del sapere femminile.

Sulla scena Lucia, la giovane herbaria che ha imparato a leggere e scrivere ed ora possiede il sapere della medicina naturale, ripercorre la storia della sua famiglia: della nonna Mercuria che ha tramandato alla figlia Caterina e, dunque, a lei stessa la sua sapienza.

Mercuria, Caterina e Lucia, sono le tessitrici che, simili alle Moire, trattengono i segreti dei destini di ciascuno, legano insieme narrazioni di ricordi, profezie, sogni, tempi antichi, luoghi lontani;” sono le farmaciste che coltivano le erbe medicinali; sono le levatrici che vanno di casa in casa, sono i punti di riferimento imprescindibili per il popolo. E sono anche le “accabadore” che sanno dare la buona morte.

A spezzare il sodalizio e a cambiare il corso della storia, sarà un Inquisitore, la cui figura appare anche come una proiezione del nostro tempo, ancora permeato del risentimento della medicina dotta e maschile nei confronti di quella popolare e femminile che si avvaleva dell’ascolto del paziente e dell’esperienza diretta sul corpo.

Mercuria soccomberà, ma le altre proseguiranno il loro lavoro lento e globale che è arrivato fino a noi e si sviluppa ancora in ogni angolo, anche il più remoto, del mondo intero.

Herbarie è un affresco teatrale che celebra il sapere femminile e il suo legame con la terra, intrecciando passato e presente attraverso la storia di tre generazioni di erboriste: un omaggio a queste figure dimenticate e una riflessione sul rapporto tra conoscenza, potere e resistenza, ma anche una metafora contro i pregiudizi contemporanei e il contrasto tra la medicina istituzionale e quella popolare.

NOTE DI REGIA

Le tre donne di Herbarie sono legate alle ritualità del femminile, alla natura e alla cura, elementi che rappresentano la loro libertà espressiva, la dedizione e la ribellione; l’anima creativa e quella politica di queste donne che, escluse dai libri e dalla scienza ufficiale, apprendevano le conoscenze, creando reti di cura e salvezza e trasmettendosi le proprie esperienze.

Una narrazione, che conduce passo dopo passo a scoprire sia il lato vitale, sia quello buio del rapporto fra donna, guarigione e potere. Una storia nella quale ciascuna interprete incarna una sapienza diversa: quella antica, oracolare, che viene dagli archetipi; quella contemporanea legata all’uso pratico delle piante e quella del futuro, che saprà cambiare le sorti della Storia.

Un invito alla meraviglia della scoperta di un mondo, spesso sconosciuto, fatto di saperi antichi e profondi come l’erboristeria, i ritmi naturali, la medicina delle donne per secoli perseguitati, oscurati e ridicolizzati.

Uno spettacolo nel quale non è difficile trovare affinità con la condizione attuale delle donne, anche alla luce dell’oscurità culturale che i tempi stanno determinando e che, solo raccontando, sarà possibile fermare.

“Per questa nuova edizione abbiamo collaborato con il Tex Lab del Centro Diurno di Villa Lais (DSM Asl Roma 2), che supporta la riabilitazione e il reinserimento socio-lavorativo di persone con disagio psichico. I laboratori di Tessitura e Sartoria, spiega la Dott.ssa Teresa Mastroianni, sono strumenti di riconnessione con la propria storia e la società, contrastando isolamento e stigma. L’opportunità offerta da Argillateatri permette di creare nuove connessioni tra passato, presente e futuro”.

Info:

Ingresso agli spettacoli: gratuito, fino a esaurimento posti

info@lacittavisibile.com / 334.20.22.448 (solo whatsapp)

"70 Riassunto delle puntate precedenti" con Giobbe Covatta al Teatro De' Servi
2025-11-16 21:00 - 2025-11-19 17:30 | Teatro De’ Servi, Via del Mortaro, 22, Roma, 00187, Italia
Alla soglia dei 70 anni di vita e 40 anni di carriera, Giobbe Covattafesteggia con “70 Riassunto delle puntate precedenti”, una “abbuffata” dei suoi pezzi storici e meno storici, dal 16 al 19 ottobre al Teatro de’ Servi di Roma.

Il menu dello spettacolo prevede una degustazione di prodotti tipici del comico napoletano: religione, ambiente, ecologia, donne, terzo mondo, vecchiaia, il tutto è condito con un’abbondante dose di ironia e cotto a fuoco vivo in un crogiolo forgiato nel Sud Italia tenendo conto dell’intero Sud del mondo.

Gli ingredienti dello show sono tutti freschi perché́ incredibilmente non hanno nessuna scadenza, tanto da sembrare addirittura futuribili.

Si narra il percorso fatto dallo “cheff” per arrivare all’uso sapiente delle sue ricette e all’amore per le tematiche sociali affrontate sempre con la leggerezza di un’intelligente comicità̀, tratto distintivo dell’intera produzione artistica dell’artista.

Per informazioni e biglietti:

tel. 06.6795130 | info@teatroservi.it

Orario spettacoli

da giovedì a sabato ore 21domenica ore 17.30

Biglietti 25€

“Accardi meets Dalì” a New York
2025-11-17 10:00 - 2025-12-17 10:00
Nel cuore di New York, all’EDEN House of Art di Soho, dal 17 novembre al 17 dicembre, l’artista italiano Angelo Accardi torna protagonista con “Accardi meets Dalì”, una nuova personale a cura di Nino Florenzano, che intreccia il primo surrealismo e le derive visionarie del nuovo pop surrealismo. Dopo aver mostrato la sua reinterpretazione del Rinascimento a Londra, aver dialogato con Raffaello accanto al cartone preparatorio della Scuola di Atene, Accardi sceglie gli Stati Uniti per esporre un imprevedibile confronto tra epoche e linguaggi: un ponte immaginario che unisce Salvador Dalí, padre del surrealismo e Accardi, che del pop surrealismo (Lowbrow) ha fatto la propria forma di libertà e cifra stilistica.Nell’estate 2025, a Porto Cervo, Accardi in collaborazione con “Dalí Universe” ha presentato il primo dei “mash-up” in cui le sue opere dialogavano con le sculture monumentali del genio catalano, segnando una prima tappa di questo percorsoideale tra memoria e contemporaneità. Questa anticipazione prosegue ora a New York, nel simbolico quartiere di Soho, con “Accardi meets Dalì”, un paesaggio mentale che travalica i confini del tempo.

“In un mondo dominato dall’ossessione per l’immagine e dal gusto per l’iperbole, la figura di Salvador Dalí appare oggi incredibilmente attuale”, scrive il curatore Nino Florenzano nella presentazione. “Nella sua lunga carriera, l’artista catalano ha anticipato il concetto di brand artistico: la costruzione consapevole di un’immagine pubblica spettacolare, teatrale e immediatamente riconoscibile. All’Eden House of Art, le grandi tele di Angelo Accardi si aprono come varchi in uno scenario daliniano, ricostruito con un trompe-l’œil che avvolge le pareti dello spazio. L’artista dà vita a un racconto che si muove tra ironia e vertigine visiva, dove l’omaggio si intreccia alla dissacrazione.”

Tra tele e nuove opere, un grande trittico diventa simbolo della mostra: Rendez-Vous, opera di grande formato (180×540 cm) che mette in scena il dialogo tra le icone accardiane e le presenze inquietanti del maestro catalano, in un palcoscenico che restituisce la leggerezza e la potenza visionaria del sogno.

Angelo Accardi, firma inconfondibile del panorama contemporaneo, è oggi uno degli artisti più attivi sulla scena internazionale. La sua ricerca, capace di fondere ironia, cultura visiva e memoria iconica del nostro tempo, lo porta ad esporre nelle grandi gallerie internazionali.

Angelo Accardi è uno dei massimi esponenti del Pop Surrealism. Negli anni ’90 avvia la sua ricerca sulla nuova figurazione, sperimentando tecniche e materiali. Nei primi anni 2000 dà vita alla serie Misplaced, in cui introduce la figura dello struzzo come metafora della paura indefinita della società liquida, concetto teorizzato da Zygmunt Bauman. Nel 2006 espone a Shanghai con il gruppo d’avanguardia TantArte e nel 2011 viene selezionato da Marco Vallora per la 54ª Biennale di Venezia. Dal 2017 collabora con Eden Gallery, esponendo a New York, Miami, Mykonos e Tel Aviv. Nel 2022 realizza il progetto di arte pubblica Poetry, con installazioni simultanee a Milano, Palermo e Venezia, chiudendo idealmente la trilogia avviata da Robert Indiana con LOVE e HOPE. Nel 2024 partecipa alla 60ª Biennale d’Arte di Venezia. Nello stesso anno, l’opera Violet viene scelta per la copertina dell’Atlante dell’Arte Contemporanea (Giunti), edizione curata dal Corporate Patron del Metropolitan Museum of Art di New York. Il 2025 si apre con una grande mostra istituzionale all’Ambrosiana di Milano, Art Crimes: installazione che ripropone in formato originale il cartone preparatorio della Scuola di Atene di Raffaello, conservato nella stessa Biblioteca Ambrosiana.

Info mostra: Data: 17 novembre – 17 dicembre 2025 Luogo: EDEN House of Art New York, 645 Fifth Ave, New York, NY, USA Accesso: gratuito Artista: Angelo Accardi Curatore: Nino Florenzano Art advisor: Luca Carniato General Manager: Gennaro Verdoliva Visual Designer: Federica Barletta

"Amleto Take Away" allo Spazio Diamante
2025-11-17 20:30 - 22:00 | Spazio Diamante, Via Prenestina, 230B, Roma, 001321, Italia
Dopo i successi raccolti in tutta Italia e all’estero, arriva a Roma, sul palco dello Spazio Diamante – il 17 novembre alle 20,30 – uno degli spettacoli più intensi e premiati della Compagnia Berardi Casolari:Amleto Take Away, un lavoro che ha segnato un passaggio fondamentale nel percorso poetico e artistico del duo formato da Gianfranco Berardi e Gabriella Casolari, tra i protagonisti più originali della scena teatrale contemporanea. Gianfranco Berardi, per questo spettacolo ha ricevuto il Premio Ubu come miglior attore.

Amleto take away è un affresco tragicomico che gioca sui paradossi, gli ossimori e le contraddizioni del nostro tempo che, da sempre, sono fonte d’ispirazione per il nostro teatro ‘contro temporaneo’. Punto di partenza sono, ancora una volta, le parole, diventate simbolo più che significato, etichette più che spiegazioni, in un mondo dove «tutto è rovesciato, capovolto, dove l’etica è una banca, le missioni sono di pace e la guerra è preventiva».

Sul palco un attore in crisi e una regista, che, come ogni sera, tenta di spronare il suo compagno ad andare in scena,a superare la crisi che lo affligge e recitare per l’ultima volta il loro “Amleto”. Inizia così un viaggio che si sviluppa in parallelo, a metà strada tra finzione e realtà, teatro e vita: una contaminazione tra l’opera shakespeariana e i vissutiautobiografici dell’attore protagonista. Lo spet- tacolo crea una corrispondenza tragicomica, ironica e poetica al tempo stesso, tra la vita del giovane attore italiano e quella del principe danese. Mentre in scena si rievocano il rapporto di Amleto con i suoi familiari, l’amara scoperta, la crisi e la pazzia, avanzano strettamente connesse le vicissitudini dell’attore italiano: il rapporto con il padre, la scoperta della malattia che lo conduce alla cecità, le difficoltà e il disagio di vivere in un’epoca in cui non si riconosce, il rapporto con il mondo del lavoro teatrale e la scoperta dell’amore…

Una riflessione ironica e amara che nasce dall’osservazione e dall’ascolto della realtà circostante, che ci attrae e cispaventa. «Tutto è schiacciato fra il dolore della gente e le temperature dell’ambiente, fra i barbari del nord e i nomadi del sud. Le generazioni sono schiacciate fra lo studio che non serve e il lavoro che non c’è, fra gli under 35 e gli over 63, fra avanguardie incomprensibili e tradizioni insopportabili… In questo percorso s’inserisce, un po’ per provocazione, un po’ per gioco meta-teatrale, l’Amleto di Shakespeare.

Amleto, simbolo del dubbio e dell’insicurezza, icona del disagio e dell’inadeguatezza, è risultato, passo dopo passo, il personaggio ideale cui affidare il testimone di questa indagine. Ma l’Amleto di Amleto Take away procede anchelui alla rovescia: è un Amleto che preferisce fallire piuttosto che rinunciare, che non si fa molte domande e decide di tuffarsi, di pancia, nelle cose anche quando sa che non gli porteranno nulla di buono. È consapevole ma perdente,un numero nove ma con la maglia dell’Inter e di qualche anno fa, portato alla follia dalla velocità, dalla virtualità e dalla pornografia di questa realtà.

Amleto è in seria difficoltà circa il senso delle cose, travolto da una crisi così generalizzata e profonda che mette a repentaglio storie solide e consolidate come il suo rapporto d’amore con Ofelia e il suo rapporto con il teatro.

«To be o FB, questo è il problema! Chiudere gli occhi e tuffarsi dentro sè e accettarsi per quello che si è, isolandosida comunity virtuali per guardare da vicino e cercare di capire la realtà in cui si vive? O affannarsi per postare foto in posa tutte belle, senza rughe, seducenti, sorridenti, grazie all’app di photoshop? Dimostrare ad ogni costo di essere felici mettendo dei ‘mi piaci’ sui profili degli amici.

Pubblicare dei tramonti un bel piatto di spaghetti o gli effetti della pioggia tropicale, sempre tesi anche al mare con un cocktail farsi un selfie perché il mondo sappia, dove sono, con chi sono, e come sto. Apparire, apparire, apparire, bello, figo, number one e sentirsi finalmente invidiato. “To be or fb, this is the question”.

Lo spettacolo sarà in scena nell’ambito di “Officine Teatrabili – Terza Edizione”, progetto realizzato grazie al sostegno del MIC – Bando Accessibilità 2025.

La compagnia Berardi Casolari tornerà a Roma il 21 novembre, ospite dello Spazio Rossellini, con lo spettacolo LidOdissea, testo e regia Gianfranco Berardi e Gabriella Casolari, con la collaborazione di César Brie. In scena Gianfranco Berardi, Gabriella Casolari, Massimiliano Di Corato, Silvia Zaru

Lo spettacolo è accessibile anche a un pubblico di persone cieche e persone sorde, attraverso audiodescrizione e sovratitolatura digitale.

Trailer https://www.youtube.com/watch?v=z8YmLgAehUo

Agriturist festeggia sessanta anni con una due giorni di eventi
2025-11-18 10:00 - 2025-11-19 10:00
In occasione delle celebrazioni dei sessanta anni dalla nascita di Agriturist, l’associazione che raccoglie gli agriturismi in Italia, la rappresentanza di Agriturist Lazio, in collaborazione con Arsial e Regione Lazio, promuove una due giorni di eventi e convegni, per approfondire le principali tematiche del settore turistico e valorizzare le produzioni agricole di eccellenza.

Si comincia martedì 18 novembre con il Forum: La Nuova Diversificazione in Agricoltura e l’Integrazione dei Servizi e dei Prodotti”, presso la storica Tenuta Borgo Pallavicini Mori, sita in via Tiberina 571 a Roma.

Dalle ore 10:00 si susseguiranno senza soluzione di continuità una serie di tavoli tematici, alla presenza di esperti e operatori, si interrogherà sulle nuove frontiere della diversificazione per le aziende agricole, la multifunzionalità e la multimprenditorialità. Un focus particolare sarà inoltre dedicato al turismo, da quello esperienziale a quello rurale, approfondendo la sfida rappresentata dall’innovazione tecnologica e digitale, incentrata sugli sviluppi introdotti dall’utilizzo dell’Intelligenza Artificiale, al fine di implementare anche l’integrazione dei servizi verso turisti e cittadini.

Ad intervenire, oltre al Presidente nazionale di Agriturist Augusto Congionti, unitamente ai dirigenti regionali e nazionali dell’associazione, il Presidente di Confagricoltura Lazio Antonio Parenti, saranno anche l’Assessore all’Agricoltura e Bilancio della Regione Lazio Giancarlo Righini, l’Assessore all’Agricoltura di Roma Capitale Sabrina Alfonsi, ed il Coordinatore degli Assessori Regionali al Turismo presso la Conferenza Stato Regioni Daniele D’Amario.

Mercoledì 19 novembre invece ci si trasferirà nella storica sede romana di Confagricoltura di Palazzo Della Valle, presso Corso Vittorio Emanuele II n 101, dove in mattinata si ripercorrerà la storia e l’evoluzione di Agriturist in Italia, aprendo gli orizzonti verso le nuove frontiere del comparto agrituristico, alla presenza tra gli altri del Presidente Nazionale di Confagricoltura Massimiliano Giansanti.

Nel pomeriggio, a partire dalle ore 15:00 all’interno della corte dello storico palazzo si terrà il tradizionale appuntamento con “Agriturismo in Città”: in cui saranno offerte ai partecipanti ed ai cittadini che vorranno essere presenti e registrarsi online con il classico QR code,le degustazioni delle eccellenze dei prodotti tipici laziali.

“Con questa due giorni – sottolinea Stefano Augugliaro, Presidente di Agriturist Lazio – intendiamo non solo celebrare i sessanta anni di storia con cui Agriturist ha accompagnato la crescita di un comparto economico tra i più vitali del Paese, ma vogliamo riflettere sulle sfide che il futuro del settore ci pone in termini di diversificazione agricola e dell’offerta turistica, a cui si connette l’esigenza sempre più pressante della integrazione dei servizi alle persone, promozione e valorizzazione del prodotto, innovazione tecnologica e digitalizzazione, sottolineando il valore sociale sul versante della sostenibilità e dell’inclusione rappresentato dall’agriturismo, inteso anche come modello di benessere e vivere sano. Mantenere saldi i principi di qualità che ci caratterizzano da sempre, unitamente alla capacità di utilizzo di tutti gli strumenti più moderni per fare del nostro un orizzonte di sviluppo all’avanguardia in termini di attrattività, dentro e fuori i confini nazionali è l’obiettivo. Per farlo abbiamo bisogno di lavorare ad un dialogo costante e costruttivo con le istituzioni, che ringraziamo per la presenza in questa due giorni ma soprattutto per l’attenzione costante che ci manifestano”.

"La mafia non è musica" al Teatro Palladium
2025-11-18 19:30 - 21:00 | Teatro Palladium, Piazza Benedetto Romano, 8, Roma, 00154, Italia
Venerdì 28 novembre, alle ore 19.30, il Teatro Palladium dell’Università Roma Tre si fa palcoscenico de “La mafia non è musica”, progetto artistico che, sulle orme della memoria, fa incontrare musica e impegno civile: una serata che lega la storia di Peppino Impastato al nostro tempo, ricordando che i nomi vanno pronunciati e difesi, che l’arte può dire “no” con la stessa intensità con cui sa generare bellezza.

Protagonista Luisa Impastato, nipote di Peppino, che restituisce con autenticità e coraggio la vicenda dello zio — giovane giornalista e attivista ucciso dalla mafia nel 1978 — portando sul palco la forza di una testimonianza che attraversa le generazioni.

Accanto a lei, la Nuova Orchestra Pedrollo, formazione nata nel 2012 da un gruppo di musicisti professionisti e oggi riconosciuta per la capacità di unire arte, educazione e responsabilità sociale. Tredici orchestrali accompagnano la narrazione di Luisa in un intreccio di parola, musica e immagini: un racconto che si muove tra memoria e presente, tra l’eco di una Sicilia ferita e la coscienza di un Paese che non può dimenticare.

La musica, scelta come linguaggio universale, non accompagna soltanto: si fa voce, respiro, amplificazione del pensiero, in un dialogo costante tra emozione e consapevolezza. Le proiezioni e gli interventi sonori costruiscono un racconto corale, un concerto civile in cui la storia personale di Peppino si apre al pubblico come patrimonio collettivo.

Il progetto, ideato e curato da Luisa Impastato e Nuova Orchestra Pedrollo, nasce da un percorso di ricerca della Nuova Orchestra Pedrollo, che da oltre un decennio porta la musica nei luoghi dell’impegno e della memoria, promuovendo l’ascolto come forma di crescita umana. Dopo i successi registrati a Vicenza, con repliche sold out e un pubblico profondamente coinvolto, lo spettacolo approda ora, per la prima volta, a Roma, in una nuova tappa che rinnova la forza civile del messaggio di Peppino Impastato: la libertà come atto di scelta, la cultura come forma di resistenza.

La mafia non è musica – Luisa Impastato racconta Peppino: la memoria, la sceltaCon Luisa Impastato e la Nuova Orchestra PedrolloUna produzione di Associazione Nuova Orchestra Pedrollo APSIn collaborazione con Casa Memoria Felicia e Peppino ImpastatoLuogo: Teatro Palladium, RomaData: Venerdì 28 novembre 2025, ore 19.30 per tutti, ore 9.30 matinée per le scuole

" La lezione di Falstaff" al Teatro Torlonia
2025-11-18 20:00 - 2025-11-30 18:00 | Teatro Torlonia, Via Lazzaro Spallanzani, 1A, Roma, 00161, Italia
Debutta in prima assoluta al Teatro Torlonia, dal 18 al 30 novembre, La lezione di Falstaff, spettacolo scritto dalla sensibile penna di Matilde D’Accardi e diretto da un altro giovane di ingegno e visione scenica come Tommaso Capodanno.

Una produzione del Teatro di Roma, a sostegno della creatività e delle espressività di una nuova generazione di talenti, per indagare il rapporto sul potere di Millennials e Gen Zattraverso la finzione, lo scherzo e la confessione, ispirandosi al percorso di formazione politica di Hal nell’Enrico IV di Shakespeare.

L’opera ci catapulta in un regno sconvolto dalla guerra civile, dove un Principe si ribella ai suoi doveri di palazzo per intraprendere una formazione nera che lo porterà a diventare un sovrano illuminato. Figlio di un Re illegittimo, il giovane erede al trono sceglie come padre elettivo un geniale fuorilegge, Falstaff, che lo guiderà in un percorso iniziatico alla ricerca di una terza via tra uccidere i padri e non crescere mai.

Con un cast di giovani interpreti – Andrea Basile, Federico Gariglio, Eleonora Lausdei, Federica Quartana, Giulia Sucapane – La lezione di Falstaff porta in scena una istantanea collettiva sulle nuove generazioni, spingendo a una riflessione su quale sia la grammatica della loro partecipazione politica e in che cosa consista il vero valore della loro diversità. Il tutto a partire dalla storia di Hal, protagonista di Enrico IV, dramma storico in due parti con cui Shakespeare immagina la formazione politica di Enrico V, figura tra le più importanti del medioevo inglese ed europeo. Il suo arco di trasformazione non è solo un percorso di crescita, ma un vero e proprio rito di legittimazione del potere ereditato, un’opera alchemica universale e senza tempo, in grado di aprirsi a numerosi piani di interpretazione e di accogliere le istanze della contemporaneità.

La cornice elisabettiana del Teatro Torlonia diviene palcoscenico naturale per ricreare uno scenario suggestivo che avvolge uno spettacolo coinvolgente, divertente, costellato di slarghi emotivi, in cui il linguaggio recitativo si destreggia tra la poesia shakespeariana e il nostro tempo, veicolando una drammaturgia originale che si fa spazio tra le righe del dramma per dare voce a una prospettiva politica sull’eredità dei padri molto diversa a quella a cui siamo abituati. Inoltre, inevitabili ma calibrati, il riferimento al tema della guerra e la presenza dei nuovi media, che influenzano drasticamente sia la nostra fruizione della politica sia la nostra attuale percezione del mondo, poiché, come ricorda il genio shakespeariano, il potere consiste innanzitutto nella rappresentazione pubblica che esso fa di sé stesso.

«Sul giovane erede al trono, infatti, pesa la reputazione di fannullone, un po’ come accade all’attivismo politico delle nuove generazioni contemporanee – ribattezzato non a caso slacktivism. Eppure, dietro al comportamento disimpegnato e sregolato di Hal, non c’è il semplice rifiuto dei doveri reali, ma una strategia ben congegnata, che egli mette in atto per poter riscattare il potere illegittimo che dovrà ereditare da suo padre, Re Usurpatore – commentano insieme la drammaturga Matilde D’Accardi e il regista Tommaso Capodanno – Il suo intento finale è legittimare un nuovo paradigma di potere, basato sulla comunicazione e sulla vicinanza con l’umano, piuttosto che sulla forza e sul sospetto. Per questa ragione, sceglie come suo mentore Falstaff, re della truffa e predicatore visionario, trickster e retore sopraffino, che Harold Bloom definisce affettuosamente “Socrate comico”. Il fuorilegge, personaggio tra i più riusciti del Bardo – per molti, superiore addirittura ad Amleto -, è ispirato a una figura realmente esistita: Sir John Oldcastle, cavaliere eretico che fu amico del giovane Enrico V ma che, per mano dello stesso, finì sul rogo. Enrico IV rappresenta, in un certo senso, quei padri che sposando un modello di potere violento hanno tradito la propria giusta causa, provocando da soli la propria fine; Falstaff, invece, porta in scena quei padri che, col loro esempio, mostrano la via del cambiamento, ma che allo stesso modo sono vittime della corruzione di ideali che accompagna il desiderio di ricchezza e potere. Seguendo le orme di Hal, a partire dal classico shakespeariano, questa libera riscrittura indaga la formazione politica delle nuove generazioni italiane (Millennials e Gen Z), il loro rapporto col potere, e il peso di un mondo e una società lasciata dai loro “padri»

"Handle with Care" al Nuovo Teatro Ateneo
2025-11-18 20:30 - 2025-11-19 20:30 | Teatro Ateneo, Piazzale Aldo Moro, 5, Roma, ITA, 00185, Italia
Per la prima volta a Roma, il Nuovo Teatro Ateneo ospita la compagnia belga Ontroerend Goed, tra le esperienze più originali della scena europea, riconosciuta per la capacità di reinventare il rapporto tra pubblico e performance. Handle with Care è un esperimento di fiducia reciproca e costruzione collettiva: un teatro che si offre come spazio di partecipazione, dove l’esperienza nasce e si trasforma attraverso le scelte degli spettatori e delle spettatrici.

In Handle with Care, la compagnia Ontroerend Goed offre il controllo e lo sviluppo dello spettacolo agli spettatori, ma sta agli spettatori stessi dare forma all’esperienza.

“Scegli il tuo ruolo: prendi l’iniziativa o osserva mentre gli altri prendono decisioni che indirizzano la performance verso direzioni inaspettate. Gli spettatori insieme riusciranno a creare qualcosa di speciale: un’esperienza condivisa ricca di riflessioni sul tempo, la transitorietà e l’unione. Non preoccupatevi, in Handle with Care non ci sono scelte sbagliate. Ce la puoi fare. Per un’ora, vivrai qualcosa di unico, fugace e irripetibile. Qui. Ora. Insieme. Nessuno ti guarda. Ciò che è tuo, resta tuo. Prenditene cura. E mandaci una cartolina.”

Ideato dal regista Alexander Devriendt, fondatore e anima di Ontroerend Goed, lo spettacolo si inserisce nella riflessione della compagnia sul teatro partecipativo e sulla possibilità di trasformare il pubblico in comunità temporanea, rendendolo co-autore del processo creativo. Il teatro si fa così esperienza effimera ma profondamente reale, specchio del nostro desiderio di connessione, responsabilità e ascolto.

Note di contesto

Handle with Care si inserisce nel percorso internazionale della stagione 2025/2026 del Nuovo Teatro Ateneo, la prima sotto la direzione tecnico-artistica di Velia Papa, che prosegue il cammino inaugurato con Titans di Euripides Laskaridise Aprendan del Fuego del Collettivo Pierre Menard (Cile).

Una stagione che attraversa linguaggi e culture – dal teatro partecipativo al documentario, dalla danza al rito – intrecciando memoria, mito e contemporaneità. Dopo Ontroerend Goed, il cartellone prosegue con la lezione concerto di Sunny Kim e MuSa Jazz”, Work.txt di Nathan Ellis e della compagnia Subject Object, l’esperienza performativa Uproardi Moyra Silva e Carolina Rieckhof, la danza di Samaa Wakim, e la narrazione civile di Kohlhaas di Marco Baliani.

Completano il programma La lunga ombra di Alois Brunner di Mudar Alhaggi, Mi madre y el dinero di Anacarsis Ramos, le creazioni coreografiche di Thomas Hauert e Marco Berrettini, il teatro di figura di Min el Djazaïr, la testimonianza scenica della Compagnia della Fortezza, il rito del Nāṅgīār Kūthu di Kapila Venu

Una geografia del presente che restituisce al teatro la sua funzione originaria: luogo di incontro, riflessione e libertà.

Info e acquisto biglietti

Mail: segreteria.nuovoteatroateneo@uniroma1.it

Telefono: +390649914115

Edificio CU017

LINK VIVATICKET

https://www.vivaticket.com/it/ticket/handle-with-care/288288?culture=it-it

Orario spettacoli: 20.30

Dopo aver prenotato il tuo biglietto, prenota anche il parcheggio all’interno della città universitaria al seguente link

https://bit.ly/parcheggiocusapienza

Sito: https://sapienzacrea.web.uniroma1.it/

Instagram: @sapienzacrea

Enrico Pieranunzi all'Alexanderplatz Jazz Club
2025-11-18 21:00 - 2025-11-19 21:00 | Alexanderplatz Jazz Club, Via Ostia, 9, Roma, 00192, Italia
L’Alexanderplatz Jazz Club di Roma, con la direzione artistica di Eugenio Rubei, presenta, martedì 18 e mercoledì 19 novembre, il concerto di Enrico Pieranunzi con il suo Roma Trio. “Diversi anni fa conobbi in occasione di una masterclass, due promettenti musicisti appartenenti a quella agguerrita schiera di giovani romani che, incuranti delle mode, hanno scelto coraggiosamente di dedicarsi al jazz. Col tempo i due musicisti, Jacopo Ferrazza e Valerio Vantaggio, hanno fatto strada fino a diventare due jazzisti di livello nazionale. È perciò con particolare gioia che presento questa due giorni in trio all’Alexanderplatz in cui suoneró proprio insieme a loro, a quei due giovanissimi di allora diventati ormai partner di grande spessore e personalitá.(Enrico Pieranunzi)

Enrico Pieranunzi ha registrato più di 70 CD a suo nome spaziando dal piano solo al trio, dal duo al quintetto e collaborando, in concerto o in studio d’incisione, con Chet Baker, Lee Konitz, Paul Motian, Charlie Haden, Chris Potter, Marc Johnson, Joey Baron. Pluripremiato come miglior musicista italiano nel “Top Jazz”, annualmente indetto dalla rivista “Musica Jazz” (1989, 2003, 2008) e come miglior musicista europeo (Django d’Or, 1997) Pieranunzi ha portato la sua musica sui palcoscenici di tutto il mondo esibendosi nei più importanti festival internazionali, da Montreal a Copenaghen, da Berlino e Madrid a Tokyo, da Rio de Janeiro a Pechino.A partire dal 1982 si è recato numerose volte negli Stati Uniti dando concerti in varie città tra cui New York, Boston, San Francisco.Di rilievo la sua partecipazione a Spoleto Festival Usa 2007 (Charleston, North Carolina) che ne ha voluto dare un ritratto completo proponendolo in concerti di piano solo, duo e trio. E’ l’unico musicista italiano di sempre ed uno dei pochissimi europei ad aver suonato e registrato più volte nello storico “Village Vanguard” di New York con Marc Johnson and Paul Motian (Camjazz, 2010). Proprio per il “Live at The Village Vanguard” con Marc Johnson e Paul Motian (Camjazz, 2010) gli è stato assegnato nel 2014 l’Echo Jazz Award – equivalente tedesco dello statunitense Grammy – come Best International Piano Player. La prestigiosa rivista americana “Down Beat” ha incluso il suo CD “Live in Paris”, in trio con Hein Van de Geyn e André Ceccarelli (Challenge), tra i migliori CD del decennio 2000/2010.Ha composto diverse centinaia di brani, alcuni dei quali sono ormai veri e propri standard suonati e incisi da musicisti di tutto il mondo.

Non solo musica all’Alexanderplatz ma anche la possibilità di gustare un’ottima cucina, vini selezionati e servizio bar.

Inizio concerti ore 21,00

Info e prenotazioni: 06 86781296 (Dopo le 18)

349 977 0309 (WhatsApp)

prenotazioni.alexanderplatz@gmail.comì

"Ciarlatani" con Silvio Orlando al Teatro Biondo di Palermo
2025-11-18 21:00 - 2025-11-23 17:00 | Teatro Biondo, Via Roma, 258, Palermo, IT, 90133, Italia
Silvio Orlando è il protagonista di Ciarlatani, brillante commedia del drammaturgo e regista spagnolo Pablo Remón (vincitore del Premio Nacional de Literatura Dramàtica e del Premio Lope de Vega per il Teatro), che debutta al Teatro Biondo di Palermo martedì 18 novembre alle ore 21.00.

Al fianco di Orlando recitano Francesca Botti, Davide Cirri, Blu Yoshimi; le scene sono di Roberto Crea, i costumi di Ornella e Marina Campanale e le luci di Luigi Biondi.

Lo spettacolo, prodotto da Cardellino S.r.l., Spoleto Festival dei Due Mondi e Teatro di Roma – Teatro Nazionale, replica al Teatro Biondo fino al 23 novembre.

Ciarlatani racconta la storia di alcuni personaggi legati al mondo del cinema e del teatro: Anna Velasco è un’attrice la cui carriera è in fase di stallo, dopo aver recitato in piccole produzioni di opere classiche, lavora come insegnante di pilates e nei fine settimana fa teatro per bambini; Diego Fontana è un regista di successo di film commerciali che si sta imbarcando nella grande produzione di una serie da girare in tutto il mondo con star internazionali. Un incidente lo porterà ad affrontare una crisi personale e a ripensare la sua carriera. Questi due personaggi sono collegati dalla figura del padre di Anna, Eusebio Velasco, regista di culto degli anni ’80, scomparso e isolato dal mondo.

La regia di Pablo Remón alterna registri e stili diversi: il racconto di Anna ha uno stile eminentemente cinematografico, con un narratore che ci guida, e in cui sogno e realtà si confondono; la storia di Diego è un’opera teatrale più classica, rappresentata in spazi più realistici; e infine c’è, a mo’ di pausa o parentesi, una autofiction in cui l’autore dell’opera a cui stiamo assistendo si difende dalle accuse di plagio.

Ciarlatani è una commedia sulle aspirazioni, le idiosincrasie, le virtù e le miserie del mondo dello spettacolo, nella quale quattro attori viaggiano attraverso decine di personaggi, in spazi e tempi diversi, costruendo una satira geniale e coinvolgente sul mondo del teatro e dell’audiovisivo, ma è anche una riflessione autoironica sul successo, sul fallimento e sui ruoli che si recitano, dentro e fuori la finzione.

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Teatro Biondo Palermo – dal 18 al 23 novembre 2025

Ciarlatani

testo e regia Pablo Remón

traduzione Davide Carnevali da Los Farsantes

con Silvio Orlando

e con (in o.a.) Francesca Botti, Davide Cirri, Blu Yoshimi

scene Roberto Crea

luci Luigi Biondi

costumi Ornella e Marina Campanale

aiuto regia Raquel Alarcón

management Vittorio Stasi

direzione generale Maria Laura Rondanini

produzione Cardellino S.r.l. / Spoleto Festival dei Due Mondi / Teatro di Roma – Teatro Nazionale

durata: 1 ora e 40 minuti senza intervallo

calendario delle rappresentazioni:

martedì 18 novembre ore 21.00

mercoledì 19 novembre ore 17.00

giovedì 20 novembre ore 17.00

venerdì 21 novembre ore 21.00

sabato 22 novembre ore 19.00

domenica 23 novembre ore 17.00

"SCAVARE- ESCAVAR" al Cometa Off
2025-11-18 21:00 - 2025-11-23 17:30 | Cometa OFF, Via Luca della Robbia, 47, Roma, Italia
Debutta in prima nazionale, dal 18 al 23 novembre al Teatro Cometa off di Roma, SCAVARE- ESCAVAR, testo originale di Letizia Russo, inedito, che affronta i temi della memoria, del trauma, di un’adolescenza costellata da emarginazione, isolamento, bullismo, rabbia repressa e un difficile rapporto con i genitori, affidato alla regia di Sonia Barbosa.

Joana ha qualcosa da fare. E la primavera è il momento migliore per fare ciò che deve fare: scendere all’interno delle piramidi, girare la chiave nella serratura, attraversare corridoi bui, aprire porte e armadi…

Joana scava nella sua memoria, brancola fra scorci momentanei e sensazioni dimenticate, scopre antichi scritti che devono essere decifrati, osa sfidare le leggi del tempo…

Joana ha paura: l’archeologia della memoria è un mestiere pericoloso.

Ma Joana deve fare ciò che Joana deve fare.

La possibilità di riparazione e guarigione giunge proprio attraverso il confronto con la memoria ed il proprio passato.

Nel suo stile poetico ed enigmatico, Letizia Russo ci accompagna in un viaggio attraverso il tempo, i ricordi, ma anche le sensazioni e le riflessioni che questo tipo di viaggio interiore può suscitare.

Sónia Barbosa propone nella sua messa in scena un approccio onirico e simbolico, ma anche profondamente radicato nel gioco delle attrici. Uno spettacolo per perdersi in momenti di sospensione, in cui la realtà quotidiana si trasmuta in qualcosa di traslucido, diffuso.

Come quella sensazione che proviamo com i sogni che, al risveglio, sembrano così vicini eppure così inaccessibili. Elemento centrale nella narrazione è, inoltre, la colonna sonora originale composta da Stefano Switala.In allegato, comunicato stampa con cortese richiesta di diffusione, e foto.Resto a disposizione per qualsiasi informazione e accrediti stampa.Cordiali Saluti

Data e Ora Spettacolo

Da Martedì 18 a Domenica 23 Novembre 2025

Da Martedì a Venerdì ore 21:00 – Sabato ore 19:00 – Domenica ore 17:30

Biglietto Online : € 19.00

https://www.ciaotickets.com/it/biglietti/anna-cappelli

I Traindeville da Necci al Pigneto
2025-11-19 19:30 - 22:00 | Necci, Via Fanfulla da Lodi 51, Roma, ITA, 00176, Italy
I Traindeville si esibiscono per la prima volta da Necci – locale storico del Pigneto che propone gustosi aperitivi e piatti fatti in casa – nell’ambito della rassegna “Musica in Piazza” curata da Sebastiano Forti: il trio formato da Ludovica Valori (voce, fisarmonica, trombone), Paolo Camerini (contrabbasso, cori) e Fabio Gammone (chitarra, clarinetto, armonica, cori) presenterà al pubblico il proprio personalissimo percorso musicale: un viaggio nelle sonorità di diverse latitudini del mondo, dall’indie folk ai Balcani passando per la canzone romana con brani originali cantati in varie lingue.

La band, nata nel 2012, ha all’attivo tre album oltre a numerosi videoclip: ha viaggiato per le strade dell’Italia, degli USA, della Germania, della Polonia e dell’India, raccogliendo dovunque gioia e partecipazione.

I componenti del gruppo provengono dalle più varie esperienze musicali, dalla storica formazione gypsy-folk-rock Nuove Tribù Zulu alla tradizione romana rielaborata da Ardecore e BandaJorona, fino al klezmer del Dragan Trio, agli scatenati ottoni della street band Titubanda e alle collaborazioni con attori, giocolieri e danzatori: percorsi che si sono spesso intersecati creando nuove sonorità e affascinanti suggestioni narrative.

Appuntamento mercoledì 19 novembre dalle 19:30 nel cuore del Pigneto per un viaggio sonoro affascinante e coinvolgente con Traindeville.

Sito www.traindeville.com

Pagina facebook www.facebook.com/traindeville

Instagram instagram.com/traindeville_canzonidaviaggio

Canale Youtubehttps://www.youtube.com/channel/UCphX3MOsSXAz185Ha1B9L0Q

“Ve ne dico quattro”, all'Off Off
2025-11-19 21:00 - 2025-11-23 17:30 | OFF/OFF Theatre, Via Giulia, 20, Roma, 00186, Italia
Pino Strabioli racconta i personaggi che hanno fatto la storia della cultura e dello spettacolo italiano. Una consuetudine a cui il pubblico è abituato, come se Strabioli lo facesse da sempre. E in fondo è proprio così. Per questo, dopo il successo di “Sempre fiori mai un fioraio”, Pino torna a raccontare di altri grandi del Novecento in “Ve ne dico quattro”, nuovo spettacolo che sarà in scena all’OFF/OFF Theatre a partire da mercoledì 19 fino a domenica 23 novembre.

Scritto da Strabioli insieme a Fabio Masi, con i contribuiti video di Growing Production e la produzione di Alt Academy, “Ve ne dico quattro” ci ricorda di Paolo Poli e Franca Valeri, passando a Dario Fo, Gabriella Ferri e Valentina Cortese. Così Pino Strabioli dipinge un affresco vivido di un’epoca teatrale che ha segnato profondamente la cultura italiana. Con uno sguardo affettuoso e spesso ironico, lo spettacolo ci riporta in un periodo in cui la libertà di espressione era la vera protagonista, in contrasto con un presente in cui il politicamente corretto sembra essere l’imperativo. Non mancheranno, inoltre, racconti dei suoi incontri più recenti, che includono le collaborazioni con alcuni dei volti più noti del panorama culturale odierno. Le sue storie, piene di aneddoti e testimonianze, offrono uno spaccato emozionante di come l’arte possa superare i limiti del tempo e rimanere sempre viva.
